Em tempos em que renovação e ressignificação se tornaram obrigatórias no cenário musical e artístico diante do cenário de crise mundial vigente, Between The Buried and Men traz para você um álbum que parece ser o ponto de encontro de toda a experiência e trabalho que a banda conseguiu obter ao longo do tempo; e não uma busca ansiosa para vender um produto em tempos de crise e deixar a porta aberta para passeios futuros (o que é compreensível e válido). A referida obra também é concebida conceitualmente sob seu precedente, “ Colors ” lançado em 2007 e que se tornou um trabalho inédito da banda. Diante disso , o que você estava procurando ao conceber Colors II? Fazbater o primeiro? Pois bem, esta foi a incógnita que finalmente se revelou e a verdade é que conseguiram superar em muito as expectativas geradas desde o seu anúncio, fazendo uma obra cuja "substância" ou componente intangível, mas que colore toda a experiência do álbum, é de natureza magistral e que certamente ficará na história da música progressiva atual.
Começamos pelos pianos suaves e nostálgicos em F#m de Monochrom, que vai da calma transmitida por Tommy à escalada instrumental cheia de força que a banda nos dá, traçando os primeiros planos dessa majestosa arquitetura musical. “Eu não sou o escritor / É você / Pois estou encharcado de erros e silhuetas / Já estivemos nesta mesma página antes / Juntos / Para sempre / Juntos como um só” é a letra que dá o prelúdio a alguns guturais que não demoram a aparecer, que irradiam enorme poder, intensidade e habilidade. Como de costume na banda, eles mantêm ritmos e polirritmos constantes com bateria extremamente versátil e adaptada às linhas melódicas que são apresentadas por guitarras elétricas muito dinâmicas e linhas de baixo perfeitamente executadas. É preciso destacar a maestria que Dan Briggs tem em relação ao seu som, já que ele não exige distorções excessivas ou agudos volumosos para soar espetacular, como é atualmente a tendência do gênero.
Imediatamente passamos para o segundo tema que se torna a continuação do anterior: A Dupla Hélice da Extinção . A porta de entrada para a versão mais pesada e agressiva da banda, que se configura pelas diferentes estruturas geradas de tal forma que o ouvinte se insere nessa experiência e se conecta com aquela repugnância e raiva que manifestam : pele / Queime, deixe queimar / O anúncio – “Diminua sua existência” / Nossa cidade destruiu seu vale / Nossa cidade desprezou seu criador”. A intensidade continua à medida que se entrelaça com os refrões bem cantados; até que os alto-falantes que são tradicionalmente associados como complemento sonoro em músicas de reggaeton soam drasticamente. Sim. enquanto você lê Que maneira altiva de sucumbir ao purismo que reina entre os fãs progressistas, porque esse recurso funcionou maravilhosamente. Depois disso, retomam com um ritmo tribal ou associado a tribos indígenas, para que Dan faça então um solo de baixo muito bem conseguido que transmite essa dissonância inerente à estrutura geral da música. Desta forma, o desenvolvimento deste tema continua; com algumas pausas, momentos com menos tensão em que sintetizadores e acordes de guitarra descem, eles nos dão um pouco de “ pausa” ou repouso perceptivo; baixando a cortina sobre este segundo tema, mas com uma ligação imediata ao próximo: Revolução no Limbo. Aqui, eles retomam mais uma vez as faixas poderosas, pesadas e complexas que já conhecemos na banda, onde também trazem à tona suas influências diretas do metalcore. O tema é estruturalmente complexo, pois nos riffs rítmicos são adicionados que geram a sensação de estar em um vórtice que faz sua cabeça girar. Sem perceber você está no limbo entre a loucura e a sanidade. Com os rosnados ao fundo e os tambores mais intensos do que nunca, você percebe um desconforto reconfortante e vicioso. Como se você estivesse ansioso por isso, Tommy vem em seu socorro com um refrão limpo. Se você me perguntar, um dos melhores que já ouvi:
De novo e de novo / Dia sim, dia não / Seca monótona / Não vivíamos / Só existíamos
Na camada pesada, progressiva e dinâmica há momentos de mais serenidade e calma; dentro do qual temos um interlúdio do próprio Olimpo: Aquele que tem uma aparência majestosa do mellotron como Windowplane, que junto com o arpejo de um violão, acaba irradiando aquele mistério e temperamento melancólico do Opeth. Uma referência gloriosa que colore a experiência deste tema e a eleva a algo que beira o perfeito. Se isso não bastasse, o refrão soa novamente:
De novo e de novo / Dia sim, dia não / Seca monótona / Não vivíamos / Só existíamos
O tema continua com partes pesadas, carregadas de múltiplos jogos, rufos e quebras da bateria com dedilhar das guitarras definindo as notas fundamentais, dando lugar novamente à melancolia opethiana. No entanto, para os últimos minutos da música temos a passagem para um ritmo e estrutura totalmente diferentes: eles caminham para uma mistura entre bolero e balada em Sim muito colorido mas ao mesmo tempo suave, com o complemento de um conjunto de acordes em sintetizador e violão mais ligados à música folclórica; terminando com o refrão:
De novo e de novo / Dia sim, dia não / Seca monótona / Não vivíamos / Só existíamos
Um tema multivariado, multissensorial e multiemocional; onde o sentido que querem dar ao álbum se expressa de forma mais concreta nas cores que se podem obter de uma composição tão magistral e criativa como a que acabamos de ouvir.
Fix The Error é a continuação imediata do tema anterior, onde a bateria rola na caixa, um sintetizador de fundo definindo as linhas melódicas e um solo de baixo com o efeito “wah-wah” incluído. Não demoramos muito para testemunhar a intensidade e o poder da banda, com os guturais; só que dessa vez a música é mais "divertida" ou experimental, no estilo do Mr. Bungle. Este tema apresenta um tema no estilo dos "desenhos animados", onde a história da queda de um rei é contada do ponto de vista de um trabalhador deste; caindo progressivamente da obediência à insurreição.
Este parágrafo é escrito separadamente porque excede epicidade e genialidade. O interlúdio onde a bateria soa conta com a participação de três bateristas: Mike Portnoy, Navene Koperweis, Kenneth Schalk e, por fim, Blake Richardson . Este espaço de antologias consiste em os bateristas serem protagonistas absolutos e que, mantendo a pulsação constante com o chocalho, passam a executar um pequeno solo cada um consecutivamente; enfeitando a música com a marca de cada um.
A música continua com ritmos constantes, mas variando nas linhas melódicas dadas pelas guitarras, passando por momentos mais emocionais e outros onde os sons pesados são retomados. Um tema divertido e é necessário ouvi-lo na companhia do videoclipe oficial da banda.
Com um dedilhado estrondoso em D das guitarras, dá-se o ponto de partida de Never Seen/Future Shock, onde desenvolvem uma estrutura rítmica e melódica semelhante às do Opeth , em que fazem pequenos embelezamentos em cima do riff dominante; com os fechos ou rolos clássicos que dão a seguinte estrutura. O sintetizador ocupa o centro do palco com notas brilhantes e luminosas. Essa estrutura continua firme, com diferentes mudanças rítmicas de Blake Richardson, que tem uma importante bagagem de recursos técnicos que permitem que a música passe de uma atmosfera para outra de forma fluida e orgânica, como se não percebêssemos. . Desta forma, passamos para uma parte mais “pop/rock” onde Tommy canta: “Seus medos e esperanças, eu tomo / Multiplicamos / Abraçamos nossa própria decadência / A tempestade está chegando / Nunca estaremos em paz conosco mesmos / Até que nos separemos”
Abruptamente, como se estivéssemos acordando de um transe tingido de vermelho e laranja crepuscular, nos encontramos frente a frente com a dureza e agressividade da banda, de onde saem riffs poderosos e pastosos que geram uma sinergia espetacular com a bateria; Eles fazem um show do que mais death metal a banda tem. Mais tarde, o ritmo fica mais firme e um tanto “pegajoso”, daqueles que fazem você mexer a cabeça, gerando uma polirritmia primorosa que combina muito bem com todos os instrumentos. Diante da necessidade de equilibrar a música, a banda gera outro espaço mais “calmo”, onde se combinam as cordas acústicas, que depois são acompanhadas por uma instrumentação mais “doom” e nostálgica; terminando com o poder e a serenidade do primeiro interlúdio. Desta forma,
En el mismo espíritu de serenidad que irradia el término del tema anterior, nos dirigimos a Stare Into The Abyys, que comienza en un Si mayor muy profundo e introspectivo, a partir del sintetizador tipo choir sobre el cual se inserta unas melodías en sintetizador que complejizan a composição; passando de sons mais saturados para sons de piano mais limpos. Não demora muito para o resto da banda aparecer, sob a direção do baterista que, por meio de uma pausa, faz a música retomar o uso das guitarras como parte da (poli)rítmica, como se elas não conseguiam se desprender dos tambores e caixas. A letra fala sobre a importância de valorizar a vida e o amor que temos: “ Nunca é o suficiente»
Nunca é o bastante / Você vai se arrepender do desejo / Deixe ir e recolha sua vida antes de morrer / Abrace essas memórias / Nós nunca nos arrependemos”.
Assim, a música segue uma estrutura mais ou menos constante em pouco mais de três minutos, fechando com força e agressividade como estamos acostumados.
Continuamos com a Pré-história, tema que dá continuidade à conceituação mais experimental e aos "desenhos" de Fix The Error , através de sons caricaturais típicos da cultura popular da televisão. Além disso, conta com a participação de um instrumento de cordas, aparentemente o alaúde, que agrega um aspecto exótico e antigo à música. Mais tarde, há um solo de Dan Briggs no baixo, para finalizar pesado e poderoso para a próxima música: Bad Habits, que mantém a linha melódica no sintetizador que depois é acompanhada pela guitarra para dar lugar ao arsenal instrumental e multivariado que a banda imprime em cada composição. Da mesma forma, os sons acústicos retornam e dão um aspecto mais "próximo" e intimista à música. A presença de diferentes mudanças rítmicas, momentos em que há maior predominância de guitarras e momentos em que os guturais se transformam em fraseados limpos, fazem com que essa música seja composta por diferentes "camadas de som", pois simultaneamente sons de sintetizadores poderiam sobreviver. , eletrônicos e aqueles que eram acústicos como tal; mesmo terminando com sons mais ligados ao folk metal. Sem dúvida, ao nível da composição, a banda fez um excelente e exorbitante trabalho.
Continuamos imediatamente com The Future Is Behind Us, segundo tema do álbum que tem um videoclipe da banda. Nele, uma carta comovente é apresentada e conceitualmente ligada a uma mente que vagueia entre a dor e o desespero. Da mesma forma, o vídeo mostra todos os membros em uma sala branca e tocando seus instrumentos de forma concentrada e em uníssono; com um protagonista Tommy que aparece em diferentes tomadas do vídeo, expressando o conteúdo das letras com seu humor mais de apatia e frieza. Estruturalmente, a música contém diferentes partes, começando com uma parte marcadamente rítmica, onde todos os instrumentos são combinados com um sintetizador um pouco mais dinâmico, com aparições de momentos mais experimentais onde eles tocam com diferentes timbres tanto do sintetizador de Tommy quanto de Dan. Após esta parte, a música fica mais dinâmica e com texturas e cores mais tradicionais da banda; garantindo assim um momento de clímax tanto da música quanto do próprio álbum. Que potência e entrega da banda. Eles elevaram ao máximo suas características identitárias, através de um ritmo vigoroso e nutrido por diferentes riffs, rolls, bumbos e linhas de baixo espetaculares que, com os guturais e gritos ao fundo, recriam um cenário terrível e maravilhoso, ao mesmo tempo .
Como se nada disso fosse real, passamos para um Synth/pop com notas baixas e melodias brilhantes que iniciam Turbulent. Aqui, a atmosfera é mais calma e nos move para facetas mais rock da banda, com guitarras sutilmente adornando a base rítmica sólida e precisa da bateria e do baixo, enquanto Tommy transita de vocais limpos para seus distintos guturais. A estrutura predominante em F#m é constantemente adornada por diferentes arranjos que cada um faz; o que nos permite vislumbrar que a banda atingiu um nível de sentimento e confiança que supera cada membro separadamente. Como se fosse um suspiro efêmero que se dissipa no ar, a música termina com o início imediato de Sfumato:uma bela peça instrumental atmosférica e muito calmante, que o leva a paisagens com notas e cores frias (graças ao Mi menor predominante), como se você estivesse viajando no meio de um oceano azul coberto de neblina, procurando a entrada para o última parte desta viagem inefável.
Desta forma, chegamos ao tema de longa data do álbum: Human Is Hell (Another One with Love). Uma suíte que começa de forma enérgica e épica, com os túmulos marcando o ritmo diante dos riffs que as guitarras executam, que estão em sintonia com a agressividade e a potência descritas em alguns momentos líricos: “ The dark water / The horrid incha / Humano é o inferno / Eu tentei superar isso / Suas mãos continuam me arrastando para baixo desta colina”. A música em termos de intensidade não para. Permanece enérgico por cerca de quatro minutos, onde finalmente encontramos um ponto de descanso do maravilhoso refrão que Tommy canta limpo, onde deixa ver uma luz de esperança na humanidade; “Admirando a sanidade que / nos mantém humanos / O dia se dissolveu / Com raciocínios sombrios e sorrisos miseráveis”
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