'Slowhand' revisitado: Platinum Balancing Act de Eric Clapton de 1977

 

Em seu quinto álbum solo de estúdio, Slowhand , Eric Clapton afina um modelo esboçado de forma convincente três anos antes em 461 Ocean Boulevard. : Confie em uma banda compacta, reforce suas próprias canções originais modestas com escolhas inteligentes de covers e vá além de sua base de origem. blues elétrico para tocar estilos adjacentes, do pop ao country e ao reggae.

Assim como aquele álbum, Slowhand de 1977 oferece um equilíbrio lúcido entre domínio técnico e modéstia artística. A banda, originalmente montada para as sessões do Ocean Boulevard em Miami, inclui o segundo guitarrista George Terry, o baixista e ex-aluno do Dominos Carl Radle, o tecladista Dick Sims, o baterista Jamie Oldaker e as backing vocals Yvonne Elliman e Marcy Levy, uma formação discreta quando em comparação com os convidados da lista A que Clapton apresentou em seu longa-metragem anterior, No Reason To Cry . Sua profunda admiração pela The Band o levou a gravar aquele LP no estúdio de Malibu, onde todos os cinco membros do quinteto e seu ex-chefe, Bob Dylan, foram convidados a bordo, junto com pelo menos mais uma dúzia de músicos veteranos, incluindo Ron Wood. , Georgie Fame, Billy Preston e Jesse Ed Davis, superando e, em última análise, eclipsando a própria banda de Clapton e, até certo ponto, o próprio Clapton.

Eric Clapton em 1977

Após a recepção mista do álbum, Clapton convocou o produtor Glyn Johns para restaurar o foco no vocalista, gravando no Olympic Studios de Londres. Naquela época, o currículo de Johns era impecável, seu trabalho inicial no conselho dos Beatles e dos Rolling Stones e os créditos de produção subsequentes com The Who, Eagles e Steve Miller confirmaram habilidades complementares como diplomata e engenheiro de ponta. A aversão declarada de Johns por longas jams também combinava com a posição crítica de Clapton sobre mera arrogância. Embora o artista e o produtor permitam solos incendiários, um senso de economia editorial prevalece nessas faixas, assim como um esforço consciente para compensar os tons mais nítidos do rock do álbum com elementos pop descarados.

Esse compromisso aparece no primeiro lado do LP original, que começa de forma promissora com a versão de Clapton de “Cocaine”, de JJ Cale. Um rock obstinado e de ritmo médio, a música segue seu tema com figuras de guitarra enroladas e uma seção rítmica empertigada pontuada pelas batidas de pratos de Jamie Oldaker. Que Clapton, agora recuperado do vício em heroína enquanto ainda lutava contra demônios químicos menores, pretendia que a música fosse um aviso ficou explícito nas entrevistas; que muitos fãs perderam sua agenda preventiva e ouviram, em vez disso, que uma ode ao pó branco estava enraizada na cultura das drogas daquela época e no romance perigoso da vida na via rápida. Do jeito que aconteceu, Clapton pode ter deixado a heroína para trás, mas tanto ele quanto Glyn Johns se lembrariam das sessões do Slowhand como bem lubrificadas por álcool e drogas mais leves.

“Cocaine” reafirmou o poder absoluto de Clapton como roqueiro, mas as duas faixas seguintes do álbum deram uma guinada acentuada para a direita em direção ao pop, especialmente em “Wonderful Tonight”, uma lânguida mensagem de dia dos namorados para Pattie Boyd, a quem ele havia cortejado para longe de seu marido e de sua melhor amiga. , George Harrison. A música é um hino suave à felicidade romântica emoldurado por suspirantes linhas de guitarra e cantado por Clapton em uma voz muito distante do uivo atormentado desencadeado sete anos antes em “Layla”, sua declaração desesperada de seus sentimentos por Boyd enquanto ainda era casado com Harrison. Que os fãs deste último épico possam empalidecer com o devaneio descontraído de “Wonderful Tonight” não é surpreendente.

Lançado como single, “Wonderful Tonight” teria sucesso internacional, chegando ao 16º lugar nos EUA, onde acabaria por alcançar o status de disco de ouro.

Slowhand não perde tempo em conquistar seu apelo mainstream, seguindo aquela balada para o rádio com um hit pop-rock ainda mais bem-sucedido, “Lay Down Sally”, co-escrito com Marcy Levy e George Terry, um embaralhamento alegre claramente influenciado por JJ Cale. que revela a escolha ágil dos dois guitarristas e os backing vocals cremosos de Levy e Yvonne Elliman. (O amálgama de country, blues, rockabilly e jazz de Cale, “Tulsa Sound”, já havia chamado a atenção de Clapton e convidou seu cover de “After Midnight” de Cale, um destaque em Eric Clapton, de 1970. )

Assista “Lay Down Sally” apresentada no Crossroads Festival no Madison Square Garden em 2013 com Vince Gill, Andy Fairweather Low e Doyle Bramhall Jr.

Enquanto “Lay Down Sally” prova ser um charme leve, mas contagiante, Clapton segue um caminho mais oblíquo em “Next Time You See Her”, uma saudação de dois gumes a um ex-amante dirigida a um namorado atual que embainha sua ameaça subjacente em um arranjo galopante e campestre. As letras que sinalizam o afeto contínuo da cantora (“Da próxima vez que você a vir, diga a ela que eu me importo…”) dão lugar a vislumbres de paixão não resolvida e ciúme letal (“Se você a vir de novo, com certeza vou te matar…”) em um variação mais sombria da preocupação recorrente de Clapton com assuntos infelizes do coração.

Essa faixa pode ostentar as letras mais sutis de Clapton no set. Menos coerente liricamente, mas mais musicalmente poderoso é “The Core”, um rock galopante de oito minutos que se destaca como uma espécie de declaração de missão, desfiando conflitos internos entre amor e ódio, febre e fúria, raiva e preocupação em um fluxo lírico de consciência. . Muito mais eloquentes são as guitarras de Clapton e Terry, balançando e tecendo umas contra as outras, as figuras esbeltas do órgão de Sims e as síncopes entrelaçadas na bateria nítida de Oldaker e nas linhas de baixo de Radle.

No rescaldo de “The Core”, o cover suavemente cadenciado de Clapton de “May You Never”, do falecido John Martyn, oferece um bálsamo calmante em um hino à amizade que parece uma bênção. Em outras partes do set, Clapton recorre ao suave cantor country Don Williams para “We’re All the Way” e Arthur “Big Boy” Crudup para “Mean Old Frisco”, sustentando a reverência de toda a carreira do herói da guitarra pelo blues, mesmo quando seu design geral sugere uma sensibilidade pop mais mainstream. Tal moderação conseguiu tornar Slowhand , lançado em meados de novembro de 1977 [outras fontes dizem que foi em 25 de novembro], seu álbum de estúdio mais vendido até o momento, ganhando triplo status de platina e um pico nas paradas de álbuns de # 2 nos EUA.

Para um artista que fugiu dos Yardbirds em 1965, quando seu single de sucesso, “For Your Love”, se desviou demais para o pop para seu gosto, as saídas solo de Eric Clapton continuariam a sintetizar outros estilos através e em torno do blues, particularmente em seu elegantes colaborações do final dos anos 80 com Phil Collins. Clapton acabaria por reacender um estilo de blues mais dominante nos anos 90, em parte num clima retrospectivo recompensado em suas sessões e álbum MTV Unplugged , em parte através da tragédia pessoal com a morte acidental de seu filho de quatro anos, Conor, em 1991.

Quaisquer que fossem os motivos, o autoproclamado “jornalista” (como ele intitulou seu último álbum de estúdio dos anos 80) exploraria colaborações mais pessoais com BB King e JJ Cale, dedicaria conjuntos inteiros de estúdio ao blues mais puro (From the Cradle de 1994 e 2004 álbuns de homenagem gêmeos de Robert Johnson) e lançar seus recorrentes encontros de guitarra no Crossroads Festival.

Assista Clapton tocar “Cocaine” no Royal Albert Hall em 2015