The Doobie Brothers 'O que antes eram vícios agora são hábitos': o fim de uma era

 

Em 1974, os Doobie Brothers percorreram um longo caminho desde seus primeiros dias como uma banda de turnê com sede no norte da Califórnia que tinha um apelo particular para grupos de motociclistas em toda a região. Com três álbuns em seu currículo, o grupo de cinco homens refinou e poliu sua mistura diversificada, mas acessível, de country, rock e R&B, e obteve maiores retornos com cada nova oferta. Saindo do sucesso top 10 de The Captain and Me de 1973 e seu par de singles top 15, “Long Train Runnin'” e “China Grove”, este era um grupo pronto para dar mais um passo, mas solidificar esse progresso provaria ser um um pouco mais complicado do que se poderia esperar.

Essa é a história de What Were Once Vices Are Now Habits , um disco que teve um início lento após seu lançamento no final de fevereiro de 1974, antes de levar os Doobies a alturas nunca antes alcançadas, mesmo que ninguém pudesse saber o quão perto a banda estava do fim. da sua primeira época.

O álbum aproveita ao máximo a voz já estabelecida do grupo desde a abertura, “Song to See You Through”. Saindo de um turbilhão de guitarras e leves toques dos Memphis Horns, o vocalista Tom Johnston laça seu fluxo legal com sua abordagem nativa e caseira, cavalgando sobre sua afável liga de soul e country-rock. Às vezes discreto, apresenta todos os floreios esperados de Doobie, tão confortável com harmonias profundas quanto com a mistura de gêneros, tudo acompanhado por um toque de bateria flexível, com Michael Hossack e John Hartman lidando com o modelo de dois bateristas da banda na gravação (embora Hossack sairia logo depois, substituído por Keith Knudsen na capa do álbum, mas não na música em si).

Produzido por Ted Templeman, que esteve com o grupo durante toda a sua carreira e assim permaneceria até a separação da banda em 1982, o disco abraçou limites tipicamente frouxos, com sensibilidades abrangentes que se fundiram em um ensopado sonoro. No caso de “Spirit”, isso significou um pedaço de rock cowboy sob o manejo alegre, mas calmo de Johnston, em um arranjo denso no qual a viola de Ilene “Novi” Novog desempenha o papel propulsivo do violinista.

Tudo é um pouco diferente na faixa que se segue imediatamente, a aguçada “Pursuit on 53rd St.”, onde o latido de Johnston se encaixa em um longo chiado de guitarra elétrica. Ambas as músicas proporcionam um forte senso da versatilidade fácil de subestimar de Johnston, uma entrega que simultaneamente dita a personalidade e reflete os pontos fortes do grupo.

Os Doobie Brothers em 1974 (esquerda – direita): Keith Knudsen, Tiran Porter, Patrick Simmons, Tom Johnston (frente), John Hartman

Apesar de todas as suas tendências nômades, o conjunto foca em território familiar para quem prestou atenção à produção anterior do grupo. “Road Angel” remonta aos primeiros dias da banda com um abraço grave de rock de motocicleta, e embora seja a única música no set com autoria creditada a todos os membros, seu treino em muitos aspectos apresenta menos tropos distintos da banda do que qualquer outro. no set ao fechar o primeiro lado do LP. Um giro do prato para “You Just Can't Stop It” e há um toque a mais de talento, desde um vocal principal de Johnston aumentado pelo refrão até os salpicos de trompa que enfeitam seu rock animado e salpicado de soul.

O balanço amplo de “Tell Me What You Want (And I'll Give You What You Need)“ proporciona um devaneio flexível com um pouco de peso, suas linhas de violão emparelhadas impulsionando um ritmo confortável que ostenta flashes de cores da harpa automática de Arlo Guthrie e a guitarra pedal steel de Jeff “Skunk” Baxter, que daria o salto de Steely Dan para Doobie em tempo integral começando no próximo disco da banda. Diferente no som de base, mas uma combinação filosófica é “Down in the Track”, seu bob vigoroso emoldurado em uma robustez bem cuidada até uma linha de piano tilintante de James Booker e respingos de bateria que dão lugar a linhas de guitarra que ricocheteiam umas nas outras no atrasado – pode ser um número mais insistente, mas a abordagem subjacente à sua montagem é compatível.

Há momentos durante a navegação em “Daughters of the Sea” que os ouvintes podem pensar que tomaram o caminho errado para um disco de Santana, mas o equilíbrio de duas linhas de guitarra elétrica – uma para o ritmo e outra para o sabor – é a base de uma reunião inteligente que varia de portentoso a propulsivo. Ele segue perfeitamente a composição de encerramento do álbum do baixista Tiran Porter, “Flying Cloud”, um fluxo instrumental levemente espacial que serve como uma reprodução relaxada e deliberada para o disco como um todo.

Apesar de apresentar uma grande variedade de opções, a luta mais substancial do álbum foi encontrar força para um single. A primeira oferta foi “Another Park, Another Sunday”, o que faz sentido, dada a forma como uma mistura envolvente de bateria, harmonias e guitarras anima seu refrão arejado de maneiras instantaneamente reconhecíveis como o estilo house dos Doobie Brothers. A liderança fria e rouca de Johnston e as mudanças de marcha da música dão personalidade ao processo, mas clicou apenas o suficiente para subir para o 32º lugar na parada de singles da Billboard . Mais tarde, Johnston alegaria que a reação negativa à letra “E o rádio parece me derrubar” fez com que a música fosse retirada das rotações enquanto subia, mas a linha é tão discreta que parece mais provável que o apelo da música simplesmente não seja subindo ao nível das faixas da lista A da banda.

A próxima é “Eyes of Silver”, uma música construída em torno de fanfarras de trompas nítidas, linhas de guitarra entrelaçadas, refrão de fundo abundante e charme polido. Mas apesar de todos os seus atributos vindos diretamente da casa do leme do grupo, eles acabam sendo montados de uma forma que não é particularmente memorável. A música desapareceria após atingir o pico de #52.

Nesse ponto, desesperada por um sucesso, a gravadora atrasou três álbuns até o álbum de estreia autointitulado da banda para enviar “Nobody” para a rádio, mas como se viu, a verdadeira resposta às suas preocupações estava no sudoeste da Virgínia, onde o atual “Black Water” do álbum estava desfrutando de sucesso regional depois que estações locais o vincularam ao rio Blackwater, nas proximidades, apesar das letras que colocam sua localização muito mais ao sul. Quando a Warner Bros. soube dessa descoberta, tornou-o o terceiro single do álbum em outubro de 1974, o que finalmente provou o charme. Apanhado nos principais mercados de todo o país, um após o outro, subiu constantemente na Billboard Hot 100, até que em 15 de março se tornou o primeiro single do grupo no topo das paradas, 31 posições acima do que havia alcançado meses antes como o B- lado do lançamento do single “Another Park, Another Sunday”.

Escrita e ostentando os vocais do guitarrista Patrick Simmons, “Black Water” estabelece seu fluxo irresistível em torno de uma linha de guitarra memorável, refrões de fundo simples e um agradável toque de bateria, com a viola de Novog novamente entregando doces sotaques country. Uma melodia dançante suave que se transforma em uma impressionante seção a cappella que a diferencia, o todo parece um pouco exótico, ao mesmo tempo que permanece facilmente digerível. Mais tarde, Templeman admitiria que ninguém considerava “Black Water” um material único antes de saber de sua popularidade regional, mas, em retrospectiva, sua exuberância descontraída no ecletismo fez com que se adaptasse perfeitamente ao mainstream.

Impulsionado por esse sucesso, What Were Once Vices alcançou a posição # 4 na parada de álbuns da Billboard nos EUA, três posições acima do padrão que a banda havia estabelecido no ano anterior com The Captain and Me , e a marca d'água mais alta que viria durante a era liderada por Johnston ( Stampede igualaria sua conquista). Houve mais alturas a escalar depois disso, mas começaram com uma mudança de formação que também serviria para reformular a identidade do grupo.

Johnston permaneceria até sair durante as sessões de Livin' on the Fault Line , de 1977 , mas depois de gravar o que se tornaria Stampede, de 1975 , em seu típico papel principal, seus problemas de saúde em 1975 levaram Michael McDonald a ser contratado como vocalista para a próxima turnê da banda. Isso, por sua vez, abriria a porta para um futuro muito diferente para o foco e direção da banda, que surgiu com o uso de algumas das músicas mais pop do McDonald's como espinha dorsal de Takin' It to the Streets, de 1976 . Em 1978, a banda lançaria seu único álbum no topo das paradas, Minute by Minute , e oito anos depois se separaria. As reuniões começariam cinco anos depois e, na maior parte do tempo desde então, a banda tem estado ativa de uma forma ou de outra, particularmente no circuito de turnês, onde a turnê de 50 anos da banda atrasada pelo COVID, com Johnston e McDonald na programação, finalmente começou 2021. 

Vídeo bônus: assista aos Doobies tocando “Black Water” isolados durante a pandemia de Covid