O progresso do Japão não surgiu do nada. Antes de começarem a impressionar o público com suas bandas de fusão e vanguarda infinitamente virtuosas, bandas melódicas como os heróis desta análise estavam prosperando nas ilhas montanhosas da Ásia. O conjunto foi formado em 1964. Havia cinco deles na época e eles se chamavam Sunrise . Os irmãos Kawachi estavam encarregados do processo : Kuni tocava o órgão elétrico e Chito silenciosamente fazia a percussão. Em 1966, a banda provinciana Sunrise mudou-se para Tóquio e começou a cortejar as casas noturnas da capital para shows. Um ano depois, a banda, tendo perdido seu guitarrista, foi reduzida a um quarteto. Uma rápida mudança de nome ocorreu (para Happenings Four ) e, consequentemente, a política de repertório interno foi transformada. Depois de dois singles de sucesso, os ágeis rapazes do leste decidiram tocar com os Beatles . A ideia foi apoiada pela gerência da Toshiba e, em 1968, a HF deu origem ao longa "The Magical Happenings Tour". Os "recursos" europeus inesperadamente agradaram a todos. Os artistas, percebendo isso, logo presentearam seus fãs com o álbum "Classical Elegance Baroque'n'Roll" (1969), que continha versões mais pesadas de músicas dos mesmos Beatles e Simon and Garfunkel . Em 1971, o samurai de seis cordas Mitsutani Kimio se juntou aos rapazes , e a marca Happenings Four foi enriquecida com a adição de " + 1 ". No entanto, o mais importante é o fato de que com a infusão de “sangue novo” os psicodélicos pop tomaram um novo rumo em seu desenvolvimento. Prova - LP "Long Trip".
Não ficando atrás dos carros-chefes britânicos do gênero, os cavaleiros "japoneses" afiaram suas armas e, com um grito de guerra, derrotaram os jogos em flash protoprogressivos. HF+1 usou títulos de faixas em inglês como isca . É verdade que isso não se estendeu à parte vocal (o vocalista Tome Kitagawa dublou as letras em seu dialeto nativo), mas isso realmente não importa. O principal é a deliciosa apresentação instrumental. O magistral Kuni Kawachi criou habilmente o arranjo característico. Sua dupla de trabalho (Hammond e phono) define o "clima" durante todo o programa. Da introdução aventureira e frívola de "An Ebb Tide and the Flood Tide", os magos orientais avançam para o lado oposto - para os limites barrocos do plano filosófico ("Money Tree"). Em seguida, vem uma curta inserção de blues ("A Pick and a Shovel, Parte 1"), que serve como prelúdio para o elegante coquetel de arte "Electrocution" (elementos de tango, jazz, corais elegíacos, uma leve dosagem sinfônica). O número do título traz a marca de uma balada rhythm and blues, e é seguido pelo esquete improvisado "I'm A Prophet", onde o guitarrista Kimio finalmente tem a chance de correr solto. Em "Teach Myself Mind", os irmãos Kawachi mais uma vez mostram sua habilidade de compor melodias de primeira classe (afinal, a melodia é uma característica nacional especial). O épico retrô-psicodélico "Death" é um dos "destaques" do lançamento, um bálsamo para a alma de um homem dos anos sessenta. O mural "On the Cherry Tree" lembra um mosaico do Moody Blues , Procol Harum e um estilo de hinário contido e patético. Por fim, a terceira fase da minissérie introspectiva "Uma Picareta e uma Pá"; um tipo de blues com um sentimento trágico e de cortar o coração ao extremo.
Resumindo: um excelente exemplo de proto-prog em uma embalagem exótica. Eu recomendo.
Durante sua curta história, os protegidos do produtor britânico Tony Cox mudaram de rosto e coloração diversas vezes. De 1968 a 1969 a formação foi chamada de The Toast . Na ausência de grandes ambições, as revelações pop-psicodélicas da banda se limitaram a alguns singles. Então a vocalista desapareceu no exterior, e a vocalista irlandesa Annette Casey tomou seu lugar . Aproveitando a oportunidade, a composição instrumental também passou por mudanças de pessoal. Como resultado, o recém-formado cantor foi acompanhado pelo guitarrista/organista Henry Marsh , pelo baixista John G. Perry e pelo baterista Simon Byrne . Ao mesmo tempo, os caras começaram a se apresentar sob o nome Casey & Friends . Mas na primavera de 1970, o engenhoso Sr. Cox começou a duvidar da veracidade da placa. Realmente não se encaixava na política de repertório do grupo, que era inclinada para a “progressividade”. Foi assim que o Gringo nasceu . Um ano depois, eles conseguiram assinar um contrato com a MCA, e o quarteto imediatamente começou a trabalhar no álbum. Eles agiram com rara eficiência. No verão de 1971, enquanto Gringo estava em turnê pela Holanda, seu primeiro longplay sem título já estava à venda. E enquanto os jovens amantes da música inglesa aproveitavam a versão em vinil do Gringo , a versão ao vivo do projeto estava em turnê pela Europa continental na companhia do Caravan e do Barclay James Harvest ...
O único programa dos quatro obviamente não pertence aos atos progressivos de pensamento profundo. Uma protoarte bonita e motivada baseada em uma música - provavelmente seria mais precisa. Além da Sra. Casey, a parte masculina da equipe também era responsável pelo conteúdo vocal. É preciso dizer que eles fizeram um trabalho maravilhoso. Veja o número de abertura, "Cry the Beloved Country", por exemplo. Uma entrega melódica de Canterbury, reflexão de luz, corais maravilhosos, jogos engenhosos com aceleração e desaceleração do andamento e um fade-out na nota mais alta... Você não deve esperar nada substancial do refrão "I'm Another Man": apenas um hit pop moderadamente brilhante com a despretensão que dele decorre. Em "More and More" temos uma mistura original de "cantor e compositor" folclórico com inclusões animadas de música beat. A linha estilística continua em "Out Time is Our Time": uma balada pop é periodicamente cercada por um arranjo de fusão acessível de natureza melancólica. Nas extensões livres dos esquetes country-and-western de "Gently Step Through the Stream", cargas pesadas explodem furiosamente, rigorosamente no cronograma, e o conceito elegíaco de "Emma e Harry" é impossível, de acordo com a ideia dos autores, sem se fundir com um clima otimista da massa. As manobras de rhythm and blues de "Moonstone" são realçadas com sucesso pela entonação jazzística do piano elétrico. Sem muito esforço, Gringo envolve a estrutura pop de "Land of Who Knows Where" com matéria protoprogressiva e, então, brinca novamente com velocidades, criando alguma aparência de confusão intelectual na tela da composição "Patriotic Song". Dos dois bônus, "Soft Mud" é o mais interessante, com sua poderosa pressão de guitarra e seu espírito selvagem de rock-n-roll.
Resumindo: um produto sólido e "mediano", sem pretensões de genialidade ou durabilidade. Recomendado para arqueólogos progressivos ávidos, apenas para ampliar seus horizontes.
Com o surgimento do Continuum, uma gama mágica nunca antes vista começou a tocar no espaço da música britânica. Os críticos elogiaram o longa-metragem sem título do quarteto, lançado em 1970. No entanto, para a surpresa de muitos, a primeira formação do conjunto se desfez. O idealizador do Continuum , o instrumentista húngaro Joel Schwartz (guitarra, flauta, gaita, flauta doce, saxofone), teve que reconstruir as fundações do zero. Evitando a repetição de detalhes, o maestro correu o risco de mudar seu papel de câmara para algo mais moderno. Seus companheiros de pensamento eram Tim Rice (órgão, piano), Peter Billam (baixo, guitarra elétrica) e Harvey Troup (bateria). O avanço coletivo na geometria sagrada dos sons tinha um objetivo muito específico: encontrar os fios condutores entre os métodos criativos do modelo elizabetano e as técnicas características dos representantes do campo do jazz. As obras de William Byrd (1543-1623) e Henry Purcell (1659-1695) foram trazidas à luz de um armário empoeirado da Filarmônica . O inteligente tecladista Rice acrescentou seus próprios desenvolvimentos aqui. E o não menos engenhoso Schwartz começou a preparar a estrutura do arranjo. O palco foi transformado em campo de testes. Os espectadores usados como cobaias "engoliram" a isca. E eles ainda pediram mais. Foi então que o Chef Yoel reuniu seus colegas na cozinha do estúdio...
O porta-estandarte do encontro de dois mundos é "Byrd Pavan". A constelação de notas elegíacas barrocas (flauta + órgão) gradualmente se torna maior e a ênfase muda para o ritmo. E agora o elegante Billem está tocando seu baixo de todas as maneiras, o baterista Trup está empunhando suas vassourinhas e baquetas (peço sinceras desculpas, mas você não pode tirar as letras de uma música, ou seja, um sobrenome...), o Hammond está desenvolvendo sua atividade, e as passagens de metais da gaita e do sax estão voando solidamente acima do groove geral. Duvido que os Srs. Bird e Purcell aprovariam tal zombaria de suas sofridas criações. Mas a fraternidade jornalística progressista realmente gostou (encaminho os interessados a uma coleção de resenhas do jornal Melody Maker de 1971). Continuum , para o set, pegou mais de perto um episódio do concerto para violão em ré maior de Antonio Vivaldi e então o entregou aos convidados - Ken Freeman (sintetizador) e Richard Hartley (piano). Para não incomodar muito os tradicionalistas, a parte principal com cordas de náilon foi executada por Yoel. Este último, é claro, não é Andrés Segovia ou John Williams , não importa o quanto ele tente, e é por isso que a aposta, ao contrário da técnica, está na alma (Schwartz tem esse fator em mente). A peça de 11 minutos "Overdraft" simboliza a realização das ambições composicionais de Rice. Definitivamente uma ótima opção para deixar sua imaginação correr solta. O fantasma da forma sonata aqui periodicamente se atira na canhoneira do jazz, e os redemoinhos selvagens de vanguarda, após impulsos tempestuosos inexplicáveis, encolhem até o tamanho de pianíssimos pacificados... O melhor, como sempre, é guardado para o final. Na grandiosa obra-prima, o artista Yoel deixa de lado os acompanhantes visitantes em favor da velha guarda. E a formação da convocação anterior aparece em cena: o guitarrista John Warren , o contrabaixista Mike Hart e o baterista Dick Wildman . Os veteranos arrojados, apoiados pelos violoncelistas The Olympus Strings , criam um prog de câmara escuro como breu, com saltos para o reino da fusão. O evento é aventureiro, traiçoeiro e corajoso, com muitos tipos de nuances. É uma pena que não tenha tido continuação...
Resumindo: um achado artístico original para verdadeiros fãs do gênero. Não é recomendado ignorá-lo.
O passado deles é um mistério envolto em escuridão. Na história do rock, os membros do quarteto Salamander se destacaram apenas uma vez. Eles não foram notados em outros projetos, não buscaram conexões com grandes gravadoras e não deixaram nenhuma informação sobre si mesmos. E, portanto, ressuscitar a biografia do citado time britânico parece uma tarefa praticamente impossível. Ao falar sobre eles, podemos operar com alguns fatos inquestionáveis.
Primeiro, vamos anunciar a programação. O vocalista da banda era o guitarrista/vocalista David Titley . A seção de teclado foi conduzida pelo organista Alistair B. Benson . Dave Criss tocava baixo e o baterista John Cook estava na bateria . O legado criativo do Salamander termina com o álbum "The Ten Commandments", cuja edição em vinil foi lançada graças ao trabalho da empresa Young Blood - criação do cantor Mickey Dallon . Como produtor do disco, Dallon se esforçou muito para criar uma estrutura polifônica digna para o material composto por Titley e Benson. Assim, Bob Leeper, que foi convidado para desempenhar o papel de arranjador , chegou a liderar sua própria orquestra e, nos anos 60, destacou-se com arranjos de jazz de sucessos dos Beatles . O maestro Leeper criou a trilha sonora sinfônica tendo em mente experimentos semelhantes do The Moody Blues . A decisão foi extremamente justa, já que a música de Salamander , desprovida de abstração e piruetas virtuosas , oferecia amplo escopo para assistência orquestral em larga escala...
O número de faixas no longplay é idêntico ao número de mandamentos bíblicos nos quais o conceito é baseado. O tom é definido pela introdução estendida de "Prelude Incorp. He is My God", onde o pensamento composicional da dupla Titley/Benson é claramente visível. A linguagem sonora da Salamandra se distingue por seu melodismo excepcional. É justamente esse forte começo harmônico que serve como fator definidor do disco como um todo. Linhas suaves de Hammond, ritmos cativantes, belas partes corais e um arranjo brilhante e moderadamente patético são os principais componentes do prelúdio. "Images" é dominada por riffs de guitarra pesados e passagens de órgão animadas. "People" marca uma mudança do galope impetuoso para o território da balada pura; sincero, motivador e muito oportuno. A plataforma plana de "God's Day" se beneficia da presença de uma seção de metais, enquanto no segmento puramente instrumental "Honour Thy Father and Thy Mother" Alistair (piano), com apoio eletroacústico do coautor Dave, pinta um quadro de câmara esparso de natureza elegíaca. "Kill" lembra os experimentos proto-progressivos do Deep Purple de 1969, enquanto "Thou Shalt Not Commit Adultery" está mais próximo da estética de ópera rock do início de Lloyd Webber . A essência brilhante do estudo "Steal" é envolta em um alto envoltório de funk sinfônico, seguido de uma continuação lógica na forma do ritmo e blues complexo e assertivo de "False Witness". A narrativa termina com o final melodioso e ousado de "Possessions", que apela às tradições dos musicais pop.
Resumindo: um exemplo maravilhoso da arte inglesa antiga com um toque pop - não particularmente profundo, mas bastante atraente na aparência. Recomendo que você leia.
Eles têm poucos iguais em seu próprio campo. O problema está apenas em fixar os limites do território demarcado pelo quinteto TEE . Em geral, esses jovens de Tóquio se adaptaram muito bem. Ao mudar constantemente o significado do nome abreviado, eles zeravam a pontuação do jogo anterior a cada vez. O álbum de estreia de 2009 foi subintitulado "The Earth Explorer". Seguindo sua direção interna, TEE caminhou calmamente pelo prog sinfônico do tipo ítalo-saxão. Ao longo do caminho, eles criativamente piscaram para seus próprios parentes distantes, como Kenso , mas não forçaram o tema: o conjunto preferiu se distanciar de suas raízes asiáticas e continuar sua jornada profundamente nas tradições musicais do Velho Mundo. O título do segundo álbum deixou claro um equilíbrio de poder semelhante. "Trans-Europe Expression" garante uma quantidade mínima de ingredientes orientais (se você não se concentrar na origem dos membros da banda) e a máxima imersão melódica na esfera da arte "branca" todo-poderosa. E que outras opções poderia haver, se nas páginas do site oficial os membros da banda declarassem sem rodeios: estamos trabalhando na direção do "Euro-rock". Bem, como dizem, vá em frente. Tentaremos dar uma olhada imparcial no programa, que foi indicado como "Melhor Gravação Estrangeira do Ano" em 2012 pela comunidade ProgAwards.
A faixa de abertura "Stromboli" é outra celebração do clima e da natureza das ilhas italianas. As estruturas sonoras são poderosas, refinadas e tendem a uma densa saturação da paleta. O tocador de sopro Kenji Imai (flauta doce e flauta doce soprano) introduz partes pseudo-folk de seu instrumento em circulação, enquanto o organista Ryuji Yonekura e o guitarrista Katsumi Yoneda, apoiados pela seção rítmica ( Yukio Iigama - baixo, Takayuki Asada - bateria), abrem um caminho sinuoso de fusão pela natureza progressiva. Um segmento de start-up poderoso que não seria pecado rotular como um "filme de ação". O requintado afresco "Rhodanus (Rio para o Oceano)" está imerso nas mais nobres passagens de sopro, que andam de mãos dadas com solos de guitarra em relevo. Maduro, emotivo (mas sem exageros); Resumindo, não há do que reclamar. A arquitetura complexa de "Intersection" demonstra as mais altas habilidades profissionais dos presentes, ao mesmo tempo em que apresenta um coral romântico interpretado pela cantora convidada Lucy Koyama . O contexto do esboço em grande escala "Flying Roses" serve como pano de fundo para a conjugação de camadas multipolares - prog-rock em forma de flecha centrípeta e episódios de menestréis acústicos, incorporados com um olhar malicioso. Os suaves lirismos tonais do épico "Gordes" tropeçam repetidamente em corredeiras traiçoeiras; No entanto, no final, tudo culmina em um final racional, à maneira de um concerto clássico para piano. A peça mais interessante do ponto de vista composicional é a peça final, "Endeavour", que nos leva de volta aos melhores dias dos lendários húngaros Solaris ; uma gama complexa e deliciosa, brilhantemente tocada por habilidosos camaradas japoneses.
Para resumir: um lançamento de alta qualidade e muito bem elaborado - um exemplo impressionante de progressivo sinfônico modernista com uma inclinação para as áreas reservadas do folk fusion. Eu recomendo.
A história da banda húngara Syrius é cronicamente dividida em duas. Fundada em 1962 pelo saxofonista Zsolt Baronits , a banda tocou pop-rock simples e dançante por seis anos. Naquela época, o grupo não realizou nenhuma gravação, limitando-se a apresentações em locais públicos. As crescentes diferenças criativas dentro da banda levaram à sua desintegração. E depois da reorganização em 1968, a face do Syrius mudou radicalmente. Baronitsh foi acompanhado pelo organista virtuoso Laszlo Pataki , pelo tocador de metais Mihai Raduy (flauta, saxofones tenor e soprano) e pelo baterista Andras Veselinov . Mais tarde, Miklos 'Jackie' Orsacki (baixo, violão, violino, vocais) se juntou aos seus colegas , mas a contribuição desse artista extraordinário para o tesouro geral é difícil de superestimar. Miklós tinha uma longa história de estudos musicais (piano clássico, cordas), participação na orquestra da escola, sendo um membro ativo da banda de rock Új Rákfogó e muito mais. Portanto, a experiência acumulada por Orsatsky foi muito útil para o Syrius atualizado . Tendo se distanciado completamente de seu passado rítmico e alegre, o quinteto seguiu em uma direção completamente oposta - em direção ao rock progressivo sombrio com um toque de jazz. Tendo dominado bem o formato fornecido, os rapazes se aprofundaram em questões do show. E então um encontro verdadeiramente fatídico os esperava. Em um dos shows do clube, Syrius foi notado pelo turista australiano Charles Fisher . Fascinado pela habilidade dos Cinco Magníficos, ele convidou os húngaros para visitar sua terra natal. Assim, na virada de 1970/1971, os democratas do campo socialista se encontraram na terra dos ornitorrincos. Fez bastante barulho artístico no festival de Myponga. E então, por sugestão do mesmo Fisher (o autor da letra), no estúdio Festival de Melbourne eles imortalizaram seu álbum de estreia... "Devil's Masquerade" - uma tentativa poderosa de liderança no art rock húngaro. O pensamento composicional dos associados de Zsolt Baronitz acabou se mostrando condizente com os meios de expressão escolhidos. A posição número um ("Concerto para violino de três cordas e cinco canecas de cerveja") é uma mistura estética de alucinações comatosas, semelhantes a carmesins, e frenesi semelhante a uma peste, com uma pitada indireta de Gentle Giant . Em "Crooked Man", o ouvinte é presenteado com uma fusão de vanguarda bizarra com uma seção de metais arrojada e um núcleo lírico oculto; originalidade de Syrius é mostrado aqui em toda a sua glória. "I've Been This Down Before" serve como um descanso dos sinos e assobios: trinados doces de flauta, vocais sólidos de blues, síncopes de piano jazzísticas e um destaque ocasional de saxofone. A faixa-título é construída sobre uma plataforma de polifonia complexa e assertiva, adornando uma melodia básica comovente; analogias com as melhores obras de Fripp e Cia. são óbvias. "Psicomania" - uma saudação quente do Danúbio ao Gigante Gentil dos irmãos Shulman ; Emocionante rock-dzhigitovka com efeitos pirotécnicos. O estudo reflexivo "Observações de um Homem Honesto" abre as portas do final épico "No seio de um grito", onde o macabro "circo com cavalos" atinge seu mais alto grau de intensidade.
Resumindo: sem exagero, uma obra-prima da música progressiva do Leste Europeu e uma adição necessária à coleção de todo amante da música.
Hoje tenho uma discografia que é um prazer de se ver. O nativo da Califórnia: Sr. Bungle. Chamado de "difícil, desestruturado, rápido, lento, misterioso e estranhamente envolvente" por Patrick Macdonald do The Seattle Times; Ou seja, uma raridade que poucos ouvidos conseguem apreciar.
Eles se destacavam porque conseguiam colocar vários gêneros em uma música, entre eles: experimental, funk metal (muito influente na música de Patton), metal experimental, death metal, entre outros.
Um dos motivos pelos quais você provavelmente não conhece essa banda é porque eles tiveram algumas "brigas" com o vocalista do Red Hot; então o bastardo os expulsou de alguns grandes festivais na Europa e na Austrália. Resumindo, eles estragaram a corrida.
Colaboração do Lourenço Molla, de João Pessoa – PB.
Um registro único, uma apresentação ao vivo, sem edições e sem cortes. Um retrato fiel da realização de uma das manifestações mais abranjentes da nossa cultura popular brasileira: A Ciranda.
O repertório é composto somente por músicas autorais.
João Limoeiro e sua Ciranda – Ciranda Brasileira 1981 – Itamaraty
01 Pernambuco (João Limoeiro) 02 Flores-tinha (João Limoeiro) 03 O telefone (João Limoeiro) 04 Meu bombo e meu ganzar (João Limoeiro) 05 Candeias e piedade (João Limoeiro) 06 É bom (João Limoeiro) 07 Pelo amor de ninguém (João Limoeiro) 08 Ciranda do breque (João Limoeiro) 09 Ciranda de Carpina (João Limoeiro) 10 Ciranda em Baião (João Limoeiro) 11 Ciranda brasileira (João Limoeiro) 12 Os coqueiros (João Limoeiro) 13 Mestres cirandeiros (João Limoeiro) 14 Pra os sapatos eu tenho os pés (João Limoeiro) 15 Ciranda pra Raimundo Gomes (João Limoeiro) 16 Ciranda na Bahia (João Limoeiro)
Colaboração do Lourenço Molla, de João Pessoa – PB.
Embora a beleza da capa possa passar uma imagem leve para o disco, a temática e a história da banda é super densa.
Além do rico lado musical, pra contextualizar e entender melhor as letras, vale a pena dar uma lida no texto da contracapa.
Na época, a temática era tão desafiadora que nenhum selo assumiu “a discussão” e o disco foi lançado de forma independente. Felizmente!”
Boi de Orquestra – Bumba-meu-boi de Morros 1988
01 Liberdade (José Carlos M. Lobato) 02 Moça formosa (José Erasmo) 03 Solitário coração (José Carlos M. Lobato) 04. Mais bela do Munim (José Carlos M. Lobato) 05 Menor abandonado (José Carlos M. Lobato) 06 Linda paisagem (José Erasmo) 07 Carta magna (José Carlos M. Lobato) 08 Cidade de areia (Maria Aparecida) 09 Axé (José Carlos M. Lobato) 10 Endereço (José Erasmo) 11 Distância (José Carlos M. Lobato) 12 A dor da saudade (José Erasmo)
2022 ainda é jovem, mas já viu o lançamento de uma boa dose de ótimos discos de black metal, e Der Turm é um dos meus favoritos dessa safra. Após uma excelente demo, é o primeiro álbum desse trio alemão, e é uma peça quase perfeita de black metal atmosférico épico, em algum lugar na mesma veia varrida pelo vento e pesada de Paysage d'Hiver, completa com excursões às terras desoladas do dungeon synth e do neofolk.
Abstrato, ambiente psicodélico deste projeto do grande Ivar Bjørnson do Enslaved, com Steve Austin do Today Is the Day. Oceanos agitados de guitarras cristalinas, sintetizadores e percussão indutora de transe para remoção temporária de qualquer inferno pelo qual você esteja sendo arrastado atualmente.
No começo da pandemia, separei talvez 300 discos para vender, imaginando que seria um projeto caseiro relaxante que poderia acabar me rendendo alguns milhares de dólares. Eles estão no meu escritório há quase dois anos, e amanhã finalmente vou levar uma caixa até a velha loja de discos punk/metal e ver o que é o quê. Então, tenho separado alguns dos mais desejáveis, mas não particularmente valiosos — aqueles que provavelmente venderei no Discogs — e me deparei com este LP.
Agora, eu não ouvia esse álbum em nenhum formato há talvez uma década, e só por isso ele foi deixado de lado, mas algo me compeliu a dar uma última volta nele enquanto eu dobrava algumas roupas, e foda-se, esse fica. Death/doom épico e melódico com uma sensação levemente crocante e terrosa, uma atmosfera espaçosa, com guitarra limpa e vocais lindos e meditativos, tudo junto como uma peça contínua. Porra, que outros LPs fenomenais eu estou prestes a vender?
Abstrações de sintetizadores ambientes e tontos da produtora chilena residente em Nova York Alejandra Iglesias, também conhecida como Dinky/Miss Dinky. Melodìas Venenosas é seu primeiro álbum, e é definitivamente um outlier em sua discografia, pois a partir daí ela foi para uma direção geralmente mais dançante/techno, que eu admito que não explorei muito, pois continuo voltando a esse disco.
OSDM extremamente robusto e sombrio da terra lá embaixo. Pedi recomendações de músicas para exercícios no tópico do grupo da minha antiga banda, e meu cara atendeu.
Após o sucesso fenomenal dos Beatles nas paradas dos EUA durante os primeiros meses de 1964, a estrada foi pavimentada para outras bandas britânicas de beat seguirem. Uma dessas bandas produziu o segundo maior número de singles no top 20 dos EUA depois dos Beatles, e foi considerada uma rival formidável dos Fab Four em 1964 – The Dave Clark Five.
Após o ataque dos singles dos Beatles "I Want to Hold Your Hand" e "She Loves You" no início de 1964, os portões das paradas americanas se abriram para uma miríade de artistas britânicos. Um dos primeiros singles a seguir foi "Glad All Over", de uma banda que introduziu o Tottenham Sound, a resposta de Londres ao Mersey Beat de Liverpool. O Dave Clark Five começou, como muitas bandas britânicas do início dos anos 1960, como um grupo de skiffle. Em 1962, a formação clássica da banda estava pronta, única para a época com a inclusão de teclados e um saxofone. O saxofonista Denis Payton foi influenciado pelo instrumentista americano King Curtis, conhecido pela música Yakety Yak do The Coasters, uma música que o Dave Clark Five costumava tocar ao vivo. A combinação do órgão elétrico Vox Continental do tecladista Mike Smith, a bateria tribal de Dave Clark e o sax de Payton distinguiu a banda dos grupos padrão baseados em guitarra de sua época.
Trabalhando duro em seu set ao vivo, o Dave Clark Five tocou em bases do Exército dos EUA. Dave Clark lembra: “Não tínhamos dinheiro, então tocávamos em todos os shows e nas bases aéreas americanas nos fins de semana. Era um show difícil. Você tocava por quatro horas com um intervalo no meio e eles te alimentavam com hambúrgueres. Eles eram maravilhosos, os hambúrgueres americanos, não como os hambúrgueres fracos britânicos.” Eles progrediram para tocar no circuito de salões de dança Mecca Ballroom, sendo premiados com a Mecca Gold Cup como a “Melhor Banda do País”.
Glad All Over
Depois de lançar uma série de singles malsucedidos em 1962 e 1963, a banda explodiu com um hit que se tornou sua música definidora. Se você conhece apenas uma música do The Dave Clark Five, é Glad All Over. Foi coescrita por Mike Smith e Dave Clark, que disseram isso quando perguntaram quanto tempo levou para escrevê-la: “Minutos. Quando digo minutos, quero dizer bem menos de uma hora. Sempre senti que as músicas realmente boas eram escritas muito rapidamente. Uma inspiração vinha e você a terminava muito rapidamente. Estou falando sobre a escrita real da música, não a produção. As músicas nas quais você realmente passou dias ou semanas, nunca acabaram sendo as faixas do álbum.”
A música é famosa por seu ritmo forte e pela presença de bateria na mixagem. A ideia para Glad All Over começou quando a banda costumava tocar um cover da música Half Time do Routers. Dave Clark lembra: "Era um instrumental, mas no meio, você simplesmente parava e tocava bateria com um tipo de coisa forte, e fazia o público pisar forte e nós fazíamos todas as luzes se acenderem."
A banda teve sorte de ter um engenheiro que foi capaz de usar o equipamento de gravação rudimentar à sua disposição para produzir um single com ótima sonoridade. Dave Clark falou sobre o engenheiro de som Adrian Kerridge: “Ele foi incrível. Quando começamos a gravar, eu disse a Adrian que queria aquele som ao vivo. Seja aquela distorção ou o que for, você quer recriar aquela emoção. Ele era bom nisso.” Kerridge lembra como ele conseguiu uma entrega vocal fantástica de Mike Smith, que estava lutando para controlar o nível de volume do seu microfone de canto: “Eu não queria usar um protetor de pop no microfone porque eu não queria matar o topo. Então, depois de pensar um pouco, coloquei uma vela entre seus lábios e o microfone, e se ele apagasse, ele sabia que estava estourando. Ele aprendeu muito rápido como modular sua voz para evitar que isso acontecesse, e logo ele foi capaz de cantar perto do microfone sem um único estalo. Depois disso, seus vocais ficaram muito fortes e bem no nariz.”
Glad All Over teve a honra de tirar I Want To Hold Your Hand dos Beatles do topo da parada do Reino Unido em janeiro de 1964. Acabou se tornando o segundo single mais vendido de 1964 no Reino Unido, depois de Can't Buy Me Love dos Beatles. Nos EUA, o Dave Clark Five se tornou a primeira banda britânica depois dos Beatles a colocar uma música na lista das 10 melhores da parada Hot 100 da Billboard. A música foi posteriormente adotada pelos fãs do clube de futebol inglês Crystal Palace como seu hino.
Bits and Pieces
Demorou apenas mais dois meses para que o The Dave Clark Five repetisse a fórmula e apresentasse outra música de sucesso para seu público. Mike Smith lembra: "David disse: 'Vamos garantir que não seja apenas um sucesso de um hit só'. Fui para casa e escrevi Bits and Pieces." Desta vez, a produção tornou as batidas de pé ainda mais pronunciadas e, junto com o som da bateria, o efeito foi tal que o público nas casas noturnas estava batendo o assoalho com tanta força que temendo que os gerentes das casas noturnas proibissem a música. O saxofone barítono gutural de Denis Payton, à la King Curtis, está novamente na vanguarda.
Ambos os sucessos foram gravados no famoso Lansdowne Studios, estabelecido em 1957. Dave Clark: “O estúdio ficava em um bloco de apartamentos vitorianos, dentro do porão, e costumava ser uma quadra de squash. A câmara de eco era a escada de todo o prédio. Tinha tetos de quarenta pés com uma escada que ia até o topo e um elevador que descia, e a câmara de eco era a escada! Você tinha um som incrível. A única desvantagem era que se alguém decidisse não usar o elevador e descesse no meio de uma tomada, você tinha que voltar e refazer!”. Nos EUA, a música se tornou um sucesso ainda maior do que Glad All Over, chegando ao 4º lugar na parada Hot 100 da Billboard.
Do You Love Me
Lucrando rapidamente com o sucesso desses dois sucessos, Dave Clark Five lançou nos EUA um de seus primeiros singles no Reino Unido, um cover de uma música de 1962 do Contours chamada Do You Love Me. Dave Clark se lembra das origens desse cover quando a banda tocava em bases aéreas americanas: "Eles tinham músicas tocando na jukebox e nos perguntavam: 'Vocês podem tocar isso na semana que vem?' E nós dizíamos: 'Bem, eu não sei. Elas não são lançadas na Inglaterra. Então nos dê uma cópia e nós as aprenderemos.' E então nós as aprendíamos e tocávamos. 'Do You Love Me', 'You've Got What It Takes', 'Stay'... todos esses grandes, grandes discos americanos. Foi assim que chegamos a tocar algumas dessas músicas. Mas eu sempre fui um grande crente de que se você está tocando músicas de outra pessoa, como 'Do You Love Me' — com a qual o Contours fez um ótimo trabalho — você tem que torná-las suas e dar a elas sua própria interpretação."
No Reino Unido, a música foi o primeiro single da banda a entrar nas paradas em 1963, embora tenha alcançado apenas a modesta posição n.º 30. Sete meses depois, quando lançada nos EUA, o sucesso da banda impulsionou o single para a respeitável posição n.º 11 na parada da Billboard.
O sucesso desses singles nos EUA nos primeiros meses de 1964 deu início a uma fantástica onda de atividade para o Dave Clark Five. Eles fizeram três turnês extensas em três anos e acabaram aparecendo no programa Ed Sullivan 18 vezes, mais do que qualquer outra banda britânica na década de 1960. Só em 1964, eles lançaram 8 singles nos EUA, incluindo 'Can't You See That She's Mine', 'Everybody Knows (I Still Love You)' e 'Any Way You Want It', todos chegando ao top 20.
Mike Smith fez uma observação sobre o fenômeno da Invasão Britânica: “O interessante era que a maioria das bandas inglesas, como os Beatles e nós, estavam ouvindo música americana. Mas era música negra americana que ouvíamos, como The Contours, The Isley Brothers, Lightnin' Hopkins — esse tipo de gente. E, claro, na América, esses artistas não estavam sendo tocados em estações de rádio brancas. E recebíamos as exportações na Inglaterra e pensávamos: 'Meu Deus, isso é incrível! Isso é diferente.' Fizemos nossas versões de músicas americanas ou escrevemos músicas que achávamos que eram como essas músicas. Então, na verdade, estávamos devolvendo à América o que eles já tinham.”
Because
Encerramos a resenha com uma balada, uma ocorrência rara no repertório de Dave Clark em 1964. Lançada no Reino Unido em maio de 1964, 'Because' era um lado B da música mais energética e típica de Dave Clark Five, 'Can't You See That She's Mine'. Dave Clark estava procurando uma mudança de ritmo em seu próximo single nos EUA e tentou convencer sua gravadora americana Epic a lançar aquele lado B no Reino Unido para um lado A nos EUA. Ele conta a história: "Tivemos quatro ou cinco sucessos seguidos na América e eu enviei a eles uma música chamada 'Because'. Achei que seria uma boa mudança. E a Epic Records se recusou a lançá-la. Eu insisti e eles ainda recusaram, então eu disse 'Então você não vai mais receber discos, é simples assim.' Recebi um telegrama do presidente da Epic dizendo: 'Você tem 48 horas para mudar de ideia ou então isso vai arruinar sua carreira.' Então enviei um telegrama de volta e disse 'Libere', e se tornou um dos singles mais vendidos da nossa carreira. Mais tarde, ele me enviou um telegrama de volta dizendo: 'Eu estava errado. Parabéns.'” Nos EUA, 'Because' subiu para a posição 6 na parada Hot 100 da Billboard em julho de 1964.
O progresso do Japão não surgiu do nada. Antes de começarem a impressionar o público com suas bandas de fusão e vanguarda infinitamente virtuosas, bandas melódicas como os heróis desta análise estavam prosperando nas ilhas montanhosas da Ásia. O conjunto foi formado em 1964. Havia cinco deles na época e eles se chamavam Sunrise . Os irmãos Kawachi estavam encarregados do processo : Kuni tocava o órgão elétrico e Chito silenciosamente fazia a percussão. Em 1966, a banda provinciana Sunrise mudou-se para Tóquio e começou a cortejar as casas noturnas da capital para shows. Um ano depois, a banda, tendo perdido seu guitarrista, foi reduzida a um quarteto. Uma rápida mudança de nome ocorreu (para Happenings Four ) e, consequentemente, a política de repertório interno foi transformada. Depois de dois singles de sucesso, os ágeis rapazes do leste decidiram tocar com os Beatles . A ideia foi apoiada pela gerência da Toshiba e, em 1968, a HF deu origem ao longa "The Magical Happenings Tour". Os "recursos" europeus inesperadamente agradaram a todos. Os artistas, percebendo isso, logo presentearam seus fãs com o álbum "Classical Elegance Baroque'n'Roll" (1969), que continha versões mais pesadas de músicas dos mesmos Beatles e Simon and Garfunkel . Em 1971, o samurai de seis cordas Mitsutani Kimio se juntou aos rapazes , e a marca Happenings Four foi enriquecida com a adição de " + 1 ". No entanto, o mais importante é o fato de que com a infusão de “sangue novo” os psicodélicos pop tomaram um novo rumo em seu desenvolvimento. Prova - LP "Long Trip".
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