“Adoro ter musas na minha vida”, disse a pianista e cantora Eliana Glass, de 27 anos, à Tone Glow em uma entrevista em abril sobre a produção de E. Glass . “Você se inspira nelas, e algum elemento delas fica gravado na música para sempre.” Seu novo álbum mostra como escolhas simples na prática artística de uma pessoa podem brilhar com a luz de muitas conexões passadas. Glass tem uma voz marcante — suave, vigorosa e pé no chão, com uma subcorrente excitável que demonstra seu entusiasmo pelo canto como ofício. Ela usa as ferramentas metódicas e maleáveis do jazz vocal para explorar as maneiras como a vida de outras pessoas reverbera na nossa — por meio de suas canções, suas palavras ou simplesmente suas presenças.
A reverência do álbum pelas diversas…
...os relacionamentos que a inspiraram são mais evidentes em sua constelação de pontos de referência musicais, tanto explícitos quanto tangenciais. Glass interpreta obras de Carla Bley, Karin Krog (“Sing Me Softly the Blues”) e Annette Peacock (“Dreams”), e em “Song for Emahoy” canaliza a contemplação suave e cromática da freira e pianista etíope Emahoy Tsege Mariam Gebru. A austeridade assombrosa dos arranjos de Glass em músicas como “All My Life” e sua atenção aos contornos emocionais de cada sílaba, às vezes a posicionam como uma espécie de Patty Waters da Geração Z. Glass seguiu um caminho não convencional em sua educação musical, mais interessada na liberdade de quebrar regras de Nina Simone ou Elizabeth Fraser do que no manual típico para um estudante de jazz vocal. Essa curiosidade é palpável em E , que evita qualquer modo singular para, em vez disso, perseguir a diversão da descoberta, adaptação e homenagem. Até mesmo uma música mais direta como "On the Way Down", coescrita com Costa, irmão de Eliana, irradia um espírito generoso, como se pertencesse a um canto intimista, em vez de confinada a um álbum solo. Todos os tipos de pessoas habitam essas músicas.
Glass destaca seu processo em Mi, fazendo-o parecer circular, como se uma vida plena fosse vivida dentro da lista de faixas do álbum; quando ela encontra o caminho para as mesmas palavras ou progressões de acordes em várias músicas, parece alongar um músculo ou recair em um velho hábito. A contenção da instrumentação (principalmente piano, baixo e bateria), apesar da extensão formal do álbum, significa que qualquer pequena mudança na atmosfera espectral pode sugerir algo profundo. Uma camada adicional de gravações de campo na sinistra "Dreams" relembra aquelas manhãs proustianas, quando tudo no mundo parece momentaneamente novo, indelével e estranho. Glass é uma nostálgica, em certo sentido, mas o passado que ela busca não está trancado. À medida que você se familiariza com suas tendências como improvisadora, você se pega esperando dolorosamente que ela resolva cada frase em seu piano: sentindo, pensando e lembrando junto com ela, assim como ela faz, por sua vez, junto com suas próprias musas.
" E " pode ser angustiante em um momento e instigante no seguinte. Em "Human Dust", Glass canta e fala a peça da artista conceitual Agnes Denes, um longo texto que descreve a vida, a família e as realizações de um homem morto exposto ao lado de seus restos mortais calcificados. A música é engraçada e hipnótica — não apenas por seu estranho casamento entre forma e conteúdo, que faz sua voz se prolongar em suas peculiaridades, mas porque qualquer pessoa com uma educação musical voraz se identificará com a compulsão de cantar de uma placa de museu (ou, digamos, de uma caixa de cereal) só porque pode. "Eu também decorei", disse Glass sobre o texto de Denes, que ela adaptou a uma melodia improvisada. "Esta vida [no texto] deve ser internalizada para que os fatos estejam em algum lugar dentro de mim." Ela faz com que interpretar a arte de outras pessoas e seus efeitos em nossas almas (uma provação infame e inescrutável) pareça tão natural e essencial quanto respirar.
O ângulo vicário e exploratório da música de Glass lhe confere uma energia mais nerd do que a mística contida de suas inspirações mais antigas; a magia pode parecer mais mundana quando você se concentra no que está por trás da cortina. Exercícios imagéticos sussurrantes como "Solid Stone", embora bastante reflexivos, soam musicalmente discretos, incapazes de preencher o vasto mundo interior que o álbum evoca. Mas as gravações de Glass têm nuances táteis que um estilo mais contido não conseguiria alcançar. "Good Friends Call Me E" é o centro narrativo do álbum, uma reflexão trêmula sobre apegos de infância, términos e crescimento pessoal. A música soa atemporal, mas sua perspectiva como cantora e compositora – a maneira como ela constrói uma identidade a partir de detalhes vulneráveis e discursivos (“bons amigos me chamam de E como meu pai faz”), deixando a melodia se esvair, divagar e se repetir, como se estivesse desabafando com alguém próximo – é sutilmente contemporânea. Ela administra o intervalo estranho entre os sons vocálicos consecutivos de "E" do título ("me-E") com uma obstinação que transforma sua primeira inicial em um emblema.
A música atinge uma veia emocional rica para uma pessoa na faixa dos 20 anos: uma atitude de maturidade conquistada a duras penas por alguém ainda jovem o suficiente para apreciar mudanças sísmicas em seu autoconceito a cada ano que passa. "Eu chorei demais e não consigo mais chorar", ela canta. Um verso como esse nunca é estritamente verdadeiro — sempre há mais choro para chorar —, mas pode parecer verdadeiro, e Glass é habilidosa em isolar os momentos que a oprimem, percebendo exatamente quando uma nuvem escura que a envolve está pronta para se dissipar em uma clareza nova e surpreendente. Quando ela repete "Good Friends Call Me E", no final do álbum, a melodia é mais solta e leve. Você perceberá os diferentes caminhos que ela percorre nas letras e se perguntará sobre quais amigos ela estará cantando desta vez. Seu estudo arregalado de sua tradição musical improvisada é um canal ideal para a introspecção. É um processo de sempre reinventar a roda, cometendo erros imprevisíveis até aprender a prevê-los — assim como crescer.
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