Vendas de discos em Portugal 2000

 

Vendas de discos 2000

Supernatural - Santana

Discos mais vendidos - 2000

1 - Supernatural - Santana
2 - Only Pain Is Real - Silence 4
3 - Caribe Mix 2000 - Vários (Vidisco)
4 - Oops I Did It Again - Britney Spears
5 - Enrique - Enrique Iglésias
6 - In Blue - Corrs
7 - MTV Unplugged - Alanis Morissette
8 - Terra Nostra - Banda Sonora
9 - Greatest Hits - Lenny Kravitz
10 - 1 - Beatles

Fonte: AFP

Álbuns em destaque nas tabelas de vendas de 2000 - Portugal

MTV Unplugged - Alanis Morissette (6 #1)
Ficarei - Anjos - #2
The Greatest Hits - Cher - #3
Carta de Amor - Nuno Guerreiro - #3
Enrique - Enrique Iglésias (2 #1)
All The Way - Celine Dion - #4
Supernatural - Santana (6#1)
Machina / The Machines Of God - Smashing Pumpkins - #3
La Habana 99 - Vitorino & Septetp Habanero - #4
Masters Of Chant - Gregorian Chants - #2
Is There Anyone Out There? The Wall Live 1980 1981 - Pink Floyd (3 #1)
The Platinum Album - Vengaboys (1 #1)
Dont Give Me Names - Guano Apes (2 #1)
Antologia - Madredeus - #3
Binaural - Pearl Jam (2 #1 )
Oops!... I Did it again - Britney Spears (3#1)
Brand New Day - Sting (1#1 )
Era II - Era - #3
Crush - Bon Jovi - #3
Noche de Cuatro Lunas - Julio Iglésias - #2
Only Pain Is Real - Silence 4 (10#1) [2 platinas]
Voar - Santamaria - #3 [2 platinas]
In Blue - Corrs (1#1)
Who Needs Guitars Anyway? - Alice Deejay - #3
Moment Of Glory - Scorpions & The Berlin Philharmoniker (2#1)
Music - Madonna - #3
Lisbon, Portugal, May 23.2000 - Pearl Jam (3#1)
Kid A - Radiohead - #3
Chocolate Starfish & The Hotdog Flavored Water - Limp Bizkit (2#1)
Greatest Hits - Lenny Kravitz - #2
All That You Can't Leave Behind - U2 (2 #1)
Play - Moby - #6 [mais tarde atingiu o 5º lugar - em Março/2001]
1-Beatles (5 #1) [3 platinas]
Black & Blue - Backstreet Boys - #4
O Melhor de - Rui Veloso (2#1) [2 platinas]
+

(Discos que ocuparam as primeiras posições na tabela de álbuns)

Compilações

Caribe Mix 2000 - Vários (Vidisco) [4 platinas; 3 platinas até 8/12/2000]
Electricidade 2000 - Vários Vidisco (2 platinas)
Terra Nostra - Banda Sonora
+

CARIBE MIX FOI O DISCO MAIS VENDIDO EM PORTUGAL
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Uma colectânea de ritmos latinos intitulada "Caribe Mix", editada pela Vidisco, foi o disco mais vendido em Portugal em 2000 com mais de 160 mil cópias vendidas, segundo soube o NetParque junto da Associação Fonográfica Portuguesa (AFP).

Os artistas portugueses mais vendidos foram Rui Veloso ("O Melhor De"), Santamaria ("Voar") e Silence 4 ("Only Pain Is Real") com mais de 80 mil cópias, cada, escoadas para as lojas.

Os Santamaria já tinham sido os mais vendidos em 1999 com mais de 120 mil cópias vendidas do álbum "Sem Limite".

Os Beatles foram os artistas estrangeiros com mais sucesso em Portugal tendo vendido mais de 120 mil cópias da colectânea de êxitos "1".

NetParque, 13/02/2001

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Caribe Mix - Vários - 160
1 - Beatles - 120
O Melhor de - Rui Veloso - 80
Voar - Santamaria - 80
Only Pain Is Real - Silence 4 - 80

DISCOS: PORTUGUESES GASTARAM 21 MILHÕES DE CONTOS

Cada português gastou em média no ano passado (2000) dois mil escudos em discos, de acordo com dados oficiais da Associação Fonográfica Portuguesa (AFP) obtidos pelo NetParque.

O total da facturação do mercado discográfico em 2000 ultrapassou ligeiramente os 21 milhões de contos respeitantes a mais de 15 milhões de discos vendidos, o que representa um acréscimo de 6 por cento relativamente ao ano anterior.

A Universal/MCA foi líder de mercado por uma "unha negra" - ganhou por 0,09 pontos percentuais à EMI-VC: 21,85 por cento contra 21,76.

No "podium" ficou ainda a Sony com 11,13 por cento.

A música pop internacional continua a dominar as preferências dos melómanos portugueses com 62 por cento do mercado. Seguiu-se a produção nacional com uns escassos 14 por cento e, muito perto, as compilações, cuja aceitação no mercado se encontra em crescendo.

Por segmentos de música e por editoras, a Universal/MCA liderou no pop internacional (25,76 por cento) e na música clássica (46,58 por cento), a EMI-VC na música portuguesa (34,45 por cento), a Sony na música latino-americana (28,93 por cento) e a Vidisco nas compilações (32,76 por cento).

A Associação Fonográfica Portuguesa (AFP) abrange 15 editoras discográficas portuguesas, entre as quais as chamadas "majors".

Netparque, 23/02/2001

Música rende 21 milhões

MAIS de 21 milhões de contos foi quanto os portugueses gastaram em discos no ano passado, o que corresponde a mais 1,2 milhões de contos relativamente a 1999. De acordo com dados da Associação Fonográfica Portuguesa (AFP), em 2000, foram vendidos 1,5 milhões de discos, menos 885 mil do que em 1999. Em termos de facturação registou-se um crescimento de 6,33%. Dos 21 milhões de contos gastos em discos, 13 milhões de contos foram despendidos em música internacional.

Expresso, 17/03/2001

A possibilidade de fazer cópias digitais na Internet, com qualidade igual à do original, começa a gerar efeitos concretos na indústria. Segundo Eduardo Simões, director-geral da Associação Fonográfica Portuguesa (AFP), "de 1999 para 2000, pela primeira vez em 11 anos, a indústria portuguesa, que tinha conhecido taxas de crescimento em termos de vendas, sempre com números com dois algarismos, assinalou um resultado negativo de 1,7 %, um sinal negativo que é imperioso travar".

DN, 12/02/2001

Melodias das Dunas

As nações do Oriente Médio representam algumas das culturas mais antigas do mundo. Composto principalmente por países islâmicos, as nações do Oriente Médio contêm uma infinidade de tradições culturais e religiosas em sua ancestralidade nacional. Dos cantos cristãos coptas do Egito às melodias persas de sua poesia exótica e rica, o Oriente Médio é um poço vibrante e profundo de melodia e lirismo.

Neste post, exploraremos uma pequena amostra dessas nações maravilhosas e o incrível impacto que elas transmitiram ao mundo com suas tradições culturais e ecletismo musical.

EGITO

O Egito tem uma longa e variada história e cultura que retrocedem por vários milênios. O mesmo acontece com sua música. As pistas arqueológicas para o reinado melódico do Egito apontam para o período pré-dinástico do Egito, cerca de 5.000 anos atrás, como as primeiras indicações de instrumentos musicais egípcios.

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A música egípcia moderna tem sido descrita como uma mistura de sons tradicionais indígenas de influências turcas, árabes e ocidentais. Embora a música popular egípcia tenha se tornado amplamente onipresente na cultura egípcia, a partir da década de 1970; a música folclórica tradicional egípcia continua a ser a trilha sonora executada e celebrada durante casamentos e outros festivais tradicionais egípcios.

Mulids

Esses festivais muito tradicionais são realizados no Egito para homenagear e celebrar o santo da mesquita ou igreja egípcia local. A música folclórica egípcia tradicional é um elemento fundamental das celebrações muçulmanas e coptas mulid no Egito. O instrumento mais comum em Mulids é o Ney, que é uma flauta egípcia icônica que oferece um som reconhecível a muitas canções egípcias.

Música Litúrgica Copta

A Igreja Copta do Egito está entre uma das instituições cristãs mais antigas e tradicionais do mundo. São Marcos, o apóstolo e autor do segundo Evangelho do Novo Testamento, teria fundado a igreja no Egito durante o primeiro século. A Igreja tem o cuidado de preservar as tradições e crenças da fé ortodoxa do cristianismo desde suas origens mais primitivas. Isso pode ser ouvido refletido em sua música.

Composta por hinos, a música litúrgica copta se manifesta principalmente em cantos rítmicos acompanhados por instrumentos. Esses acompanhamentos apresentam instrumentos como címbalos e triângulos. Preservando muitos dos sons do antigo Egito, a música litúrgica copta também apresenta melodias que podem encontrar suas origens na Síria clássica e na Constantinopla bizantina

PALESTINA

Pouco se sabe sobre a música dos palestinos antes do século XX, principalmente porque as fontes de informação para pesquisa quase não existem. O que o mundo sabe principalmente é o que a música se tornou para os palestinos durante o século XX. Muitos estudiosos inferiram que a música deve ter sido uma parte vibrante da cultura palestina a partir do entendimento de que a Palestina era uma passagem muito usada entre o Egito e o Mediterrâneo oriental.

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O que sabemos agora sobre a música palestina é marcado pela história do século XX e as vidas palestinas derivam dessa época.

Rádio Jerusalém

A Rádio Jerusalém foi iniciada em 1936 e desempenhou um papel importante na vida dos palestinos até 1948. Além da experiência de audição de muitas culturas diferentes, a estação transmitia não apenas em árabe, mas também em hebraico e inglês.

A estação era de propriedade britânica, mas era um atrativo central para músicos palestinos junto com músicos de países árabes vizinhos. A maioria dos jogadores que foram transmitidos compôs música árabe tradicional que foi derivada da poesia árabe clássica.

beduíno

Muitos palestinos mantêm o estilo de vida beduíno e sua música reflete essa tradição de vida nômade. Os beduínos são um grupo nômade que residia em todo o Oriente Médio e Norte da África. Eles são uma sociedade tribal, composta por famílias extensas patriarcais – tanto polígamas quanto endogâmicas.

Sua música consiste nas canções dos fellahin (ou fazendeiros). As canções beduínas são misturadas com épicos sobre heróis antigos e/ou lendas magnânimas. A música é cantada na forma de um debate melódico com cada cantor representando uma família no casamento. As músicas são ornamentadas com trocadilhos, raps e brigas de palavras expressas em melodia. As canções são executadas por contadores de histórias itinerantes ou músicos improvisados ​​chamados zajaleens. A música para essas comunidades beduínas é principalmente importante durante as festas de casamento e outros festivais.

ISRAEL

A nação moderna de Israel nasceu na violência titânica do século XX . Através da tragédia, perseverança e tenacidade de ferro; Israel formou-se a partir do caos da Segunda Guerra Mundial e do ataque profano de todo o seu povo. Durante esta época, Israel avançou como uma nova nação e começou a estabelecer novas raízes culturais que incluiriam suas próprias tradições musicais.

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Começando durante a Primeira Guerra Mundial, vários grupos de músicos amadores da comunidade judaica palestina, juntamente com um quadro de instrumentistas mais experientes, começariam a materializar o sonho de uma orquestra sinfônica nacional, juntamente com uma sociedade coral e uma companhia de ópera. Mais tarde, músicos mais formais começaram a povoar essa comunidade à medida que a sombra da Alemanha nazista aumentava. Centenas de professores de música, compositores e músicos profissionais começaram a se reunir nas ruas da comunidade.

Orquestra Filarmônica de Israel

Fundada por Bronislaw Huberman, um violinista polonês, a Orquestra deu seu primeiro concerto em 1936 em Tel Aviv. O punho de Huberman imaginou a orquestra como um centro internacional para as artes. Mais tarde, ele decidiu se concentrar na criação de uma sinfonia de primeira classe. À medida que as coisas pioram na Europa, a orquestra tornou-se refúgio para músicos judeus que enfrentam a sombra do ódio brutal nazista. A orquestra tornou-se a Orquestra Filarmônica de Israel em 1948.

O som israelense

O eufemisticamente intitulado “Estilo Mediterrâneo” começou a florescer em meados da década de 1940. Incorporando elementos de melodias tradicionais orientais e o canto ritual de orações antigas, o Som Israelense expandiu as tonalidades da música pós-expressionista, ao mesmo tempo em que integrou o folclore judaico nos mitos de muitas composições. A música de Israel definiria uma nova visão de renascimento de uma nação que está se repensando para os próximos milênios.

IRÃ

A Pérsia tem uma longa história de calamidade e renascimento cultural, religioso e territorial. Mudando de poder e tradições religiosas, a identidade da nação conhecida hoje como Irã é tão profunda e rica em uma cultura que abrange muitas épocas. Das antigas raízes do Zoroastrismo, a adoração do fogo às tradições do Islã, esta nação renasceu muitas vezes.

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A música tradicional persa é a voz tradicional e indígena do Irã e dos países de língua persa. Agudamente emaranhada com a antiga história e cultura do Irã, a música persa expressa a felicidade, tristeza, adversidade e renascimento do povo iraniano.

Antes do Islã

No Império Aquemênida antes de Alexandre, o Grande, a música persa era vital para o culto religioso e a celebração real. Muitas esculturas em baixo-relevo da época retratam cantores e músicos incorporando copiosos instrumentos consagrados pelo tempo da região: harpas trigonais, pandeiros, alaúdes de pescoço comprido e alaúdes duplos.

Durante o Império Sassânida, nos primeiros séculos da Era Comum, o primeiro texto escrito de música persa demonstrou a mais antiga evidência de composição musical escrita. O compositor da corte Barbod, sob o patrocínio de Khosrau II, supostamente desenvolveu um sistema musical usando uma estrutura de sete modelos, que hoje é conhecido como Modos Reais. Diz-se também que ele desenvolveu 365 melodias - cada uma associada aos dias da semana, mês e ano.

Sobre o Islã

O século VII foi a era do Islã e à medida que o movimento se espalhou pela região e criou a civilização islâmica, a música persa tornou-se o som formador dessa nova cultura. Músicos e compositores iranianos dominaram com confiança o que era música durante a vida do Império Islâmico Oriental. Tanto que Bagdá, capital iraquiana, que era o centro da autoridade islâmica, tornou-se o centro da música persa, assim como muitos músicos persas que se confundiam com árabes.

Durante o período da invasão mongol, a música iraniana começou a mergulhar na poesia lírica persa com o estilo melódico do Irã ocidental lentamente abraçando a estrutura e os sons do ghazal, um tipo de poema persa. Nos séculos XVI a XVII, a música persa se desviou das tradições árabe e turca, migrando para sua própria jornada em direção a uma identidade musical única.

 

Música ao redor do mundo

 

Música no Pacífico Sul – Austrália, Nova Zelândia, Papua Nova Guiné

Os migrantes para a Austrália, Nova Guiné e territórios vizinhos se estabeleceram em seus respectivos locais há mais de 30.000 anos. Migrando da África e do Sudeste Asiático, esses grupos se assimilariam lentamente em seus novos lares e criariam novas vidas para si mesmos. Acredita-se que a migração inicial tenha ocorrido quando o continente australiano primitivo, conhecido como Sahul, estava intimamente ligado à Ásia e à Nova Guiné.

Eles trouxeram consigo suas tradições e costumes, criando músicas que não apenas entretinham, mas também instruíam seus jovens sobre como sobreviver e viver em suas sociedades, além de registrar a história de seu povo. A música uniu tribos e formou a base de como eles celebravam.

AUSTRÁLIA

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Para os indígenas da Austrália, a música é mais do que apenas cultura e festividades; é um meio de comunicar a história e educar seus jovens. Transmitindo as tradições, costumes e saberes dos aborígenes; a música desta nação define como eles se relacionam uns com os outros e como eles se relacionam com o mundo. Para o aborígene australiano, a música é compreendida naturalmente e é parte integrante da vida. A música aborígene é valorizada como uma parte vital e fundamental da vida.

Os Ritos de Passagem

No início da vida, as crianças são apresentadas à pura alegria da música. Eles são incentivados a dançar e cantar, apreciando as melodias e ritmos. Durante a puberdade, esse conceito de música muda à medida que as crianças começam a aprender com o que experimentam musicalmente. Eles aprendem através da melodia suas primeiras canções de carma, que os ensinam sobre plantas e animais totêmicos. Eles aprendem sobre seu clã e sua história. Eles também aprendem a história e a mitologia de seu povo – sua linhagem e herança.

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Além disso, no início da idade adulta e no casamento, os aborígenes aprendem canções de carma que se tornam fundamentais para o conhecimento na idade adulta. No casamento, as canções do karma tornam-se a principal fonte de educação. Na meia-idade, o conhecimento adquirido através da música determina seu valor como membros de sua sociedade. Na velhice, o domínio dos cantos sacros é a base do seu valor na comunidade.

Didjeridu (ou Didgeridoo)

Existem muitos instrumentos incríveis e únicos no arsenal da música aborígene, mas nenhum é mais vital e icônico da cultura aborígene do que o Didjeridu. Este longo chifre de madeira, que é quase do tamanho de um homem adulto, reverbera com um tom profundo e sinistro que dá o tom para todas as músicas aborígenes. É um dos instrumentos mais reconhecidos da Austrália e fundamentalmente central para o som indígena do continente. A característica essencial do instrumento é um tubo de madeira de quase um metro e meio de comprimento, feito de pequenas árvores regionais que foram escavadas por cupins de alimentação.

A acústica do Didjeridu deve-se à forma irregular e ao ligeiro alargamento da trompa. A ressonância superior está desalinhada com os harmônicos das paredes do tubo e sua falta de cavidades. O instrumento é revestido de cera e resina na ponta que é soprada, enquanto a outra fica no chão. Às vezes, a ponta do instrumento voltada para o chão é colocada em um objeto para afetar o som da performance.

Os Ritos de Passagem

No início da vida, as crianças são apresentadas à pura alegria da música. Eles são incentivados a dançar e cantar, apreciando as melodias e ritmos. Durante a puberdade, esse conceito de música muda à medida que as crianças começam a aprender com o que experimentam musicalmente. Eles aprendem através da melodia suas primeiras canções de carma, que os ensinam sobre plantas e animais totêmicos. Eles aprendem sobre seu clã e sua história. Eles também aprendem a história e a mitologia de seu povo – sua linhagem e herança.

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Além disso, no início da idade adulta e no casamento, os aborígenes aprendem canções de carma que se tornam fundamentais para o conhecimento na idade adulta. No casamento, as canções do karma tornam-se a principal fonte de educação. Na meia-idade, o conhecimento adquirido através da música determina seu valor como membros de sua sociedade. Na velhice, o domínio dos cantos sacros é a base do seu valor na comunidade.

Didjeridu (ou Didgeridoo)

Existem muitos instrumentos incríveis e únicos no arsenal da música aborígene, mas nenhum é mais vital e icônico da cultura aborígene do que o Didjeridu. Este longo chifre de madeira, que é quase do tamanho de um homem adulto, reverbera com um tom profundo e sinistro que dá o tom para todas as músicas aborígenes. É um dos instrumentos mais reconhecidos da Austrália e fundamentalmente central para o som indígena do continente. A característica essencial do instrumento é um tubo de madeira de quase um metro e meio de comprimento, feito de pequenas árvores regionais que foram escavadas por cupins de alimentação.

A acústica do Didjeridu deve-se à forma irregular e ao ligeiro alargamento da trompa. A ressonância superior está desalinhada com os harmônicos das paredes do tubo e sua falta de cavidades. O instrumento é revestido de cera e resina na ponta que é soprada, enquanto a outra fica no chão. Às vezes, a ponta do instrumento voltada para o chão é colocada em um objeto para afetar o som da performance.

NOVA ZELÂNDIA

Fonte da foto: Fotolia

Os Maori são os nativos indígenas da Nova Zelândia. Seus ancestrais eram polinésios que vieram do Sudeste Asiático. A cultura maori, que permaneceu uma sociedade da idade da pedra até a chegada dos europeus, era uma civilização altamente evoluída dentro dos limites de sua compreensão tecnológica. Trabalhando com ave principal, baleia e osso de marfim; o povo maori foi capaz de criar e desenvolver ferramentas e instrumentos sofisticados e eficientes.

A música, uma das principais características da cultura indígena, desempenhou um papel central na vida maori e esteve presente em praticamente todos os aspectos de sua existência. A música maori é expressa em uma variedade de meios, da música melódica ao canto ritualístico. Muitos estilos misturam ambos os estilos.

Waiata

Waiata são as canções tradicionais dos maoris. Essas músicas não são apenas para entretenimento e festividades, mas também são criadas para funções específicas na cultura maori. Eles transmitem mensagens e experiências, expressando um grau variável de emoção e pensamento. Eles são essenciais para trazer o passado para o presente, formando o registro fundamental de suas origens e história.

As letras de Waiata são usadas como meio de documentar o conhecimento para as gerações futuras. Essas músicas são executadas por indivíduos ou grupos para transmitir a história maori entre os cantores e seu público. Além disso, os Waiatas também são compostos em formas mais reconhecíveis para temas mais tradicionais: baladas de amor, lamentos e canções de ninar.

Os performers Waiata incorporam instrumentos especiais em suas performances chamados Poi. Essas bolas leves são amarradas em uma corda. Eles são balançados e tocados por seu performer enquanto Waiatas são cantados para guiar o público através dos significados e histórias dos Waiatas.

Flautas Maori

As flautas representam a base da instrumentação maori. Esculpido em madeira, osso e pedra; essas flautas são perceptíveis nos ricos detalhes de sua construção.

Existem vários tipos de flautas usadas na música maori. Kōauau são tubos ocos curtos de madeira ou osso com três orifícios usados ​​para tocar flauta. O som é criado soprando pelas aberturas superiores da flauta. Rehu são flautas longas que são tocadas de lado. Pūtōrino, por outro lado, são cornetas de flauta de madeira, que podem ser executadas na maneira de qualquer tipo de instrumento.

PAPUA NOVA GUINÉ

A nação insular de Papua Nova Guiné é uma das nações com maior diversidade cultural do mundo e também uma das mais rurais – apenas 18% da população vive em cidades. A maioria das pessoas em Papua Nova Guiné, que representam cerca de 8 milhões, vive em comunidades com uma grande variedade de idiomas – aproximadamente 852 idiomas. A nação também é a menos explorada. A maioria das pessoas vive no campo, em grupos sociais tradicionais e em fazendas – isoladas do mundo exterior.

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A música desta região é tão diversa quanto seu povo. O estilo de música predominante é uma canção, que é celebrada nos festivais de Papua chamados Sing-sings. Os sons têm um propósito diferente na música de Papua - guerra, caça, ritual, namoro, chuva, funerais, cura e festa de maratona - e são realizados em pequenos e grandes sinais de canto em todo o país. Muitas músicas são acompanhadas por ritmos de dança e percussão.

Cantar cantar

Um Sing-sing é um festival tradicional que inclui comida, presentes, dança e canto. Essas celebrações incorporam flautas, tambores e outros instrumentos de percussão durante as apresentações. As músicas são iniciadas por um líder que inicia a música. Muitas rodadas subsequentes são cantadas à medida que outros cantores adicionam harmonia e camadas melódicas à música à medida que cada rodada cíclica é executada.

Esses festivais podem continuar por vários dias, passando da noite para o dia e assim por diante. Os participantes adornam seus corpos com decorações que adornam uma infinidade de pigmentos diferentes, penas de pássaros, folhas, ossos, peles de animais e conchas. As celebrações atraem até cem tribos diferentes e se tornaram uma grande atração para os turistas. Embora seja uma reunião tradicional, os Sing-sings, como agora são celebrados no presente, foram desenvolvidos em meados do século 20 como um meio de encorajar relacionamentos positivos entre tribos hostis.

Bateria

Um dos elementos-chave de toda a música de Papua são os tambores de percussão. Os tambores fazem parte de uma classe de percussão que usa pele de lagarto que é estendida transversalmente a uma das aberturas de uma câmara de ressonância tubular. As peles são coladas ou presas por um aro de cana à abertura do tambor. Pequenos pedaços de cera presos ao meio do suporte de cabeça para manter a tensão e o tom do tambor de pele. As câmaras de ressonância do tambor têm a forma de ampulheta, tubular ou cônica.

Ouça no Spotify:

Nação do Rock

 

Disco Imortal: Emerson Lake & Palmer - "Trilogia" (1972)

Trilogy é o terceiro álbum de estúdio de Emerson, Lake & Palmer, o quarto de sua carreira levando em conta o álbum ao vivo Pictures at an Exhibition (1971), lançado em 6 de julho de 1972 pela Island Records e gravado no Advision Studios entre janeiro e março do mesmo ano. Foi muito bem recebido por todo o mundo do rock da época, sendo nomeado álbum do ano pela revista Melody Maker .(Reino Unido), tornou-se o maior sucesso comercial da banda e é uma clara demonstração de todo o potencial artístico deste trio londrino. Foi sob a produção do próprio Greg Lake, que mais tarde o consideraria seu álbum ELP favorito. Ele alcançou o topo no Reino Unido e nos EUA (nº 2 nas paradas do Reino Unido e nº 5 na Billboard 200). Também apresentou o single From The Beginning , que alcançou a posição # 39 na parada Billboard 200 . 11 semanas. Mas apesar de todo o sucesso que alcançou, é considerado um álbum complicado e "acessível" pelos fãs do gênero. Algo muito injusto porque o álbum, que completa 50 anos este ano, é a obra-prima de uma das mais icônicas bandas de rock progressivo.

Ao rever as faixas, você pode encontrar detalhes e símbolos que remetem ao número 3. Seus membros, três músicos de outras bandas lendárias de prog, foram considerados juntos como "um gigante de três cabeças", o que afeta o conteúdo da Trilogy. Por exemplo, The Endless Enigma é uma obra dividida em três episódios. Na primeira, Keith Emerson abre o álbum com uma introdução épica onde os monstruosos sintetizadores Moog se mostram através de todo o virtuosismo do tecladista. escapar, faixa 2, é uma peça instrumental muito rica em harmonia e execução, com Keith no piano e Greg no baixo; É um interlúdio que demonstra toda a influência aprendida que esse grupo manifesta em suas canções. Então, no último episódio, The Endless Enigma (parte 2), voltamos a uma nova versão da primeira parte mas com uma mudança na letra que representa a transcendência do que foi exposto no início. E esta forma de composição será replicada ao longo de todo o álbum.

Na faixa 4, Greg Lake nos dá uma música imortal: From The Beginning, e essa é a joia marcante de tudo que é essa joia chamada Trilogy. Sua introdução nos lembra o clássico Roundabout do grupo Yes (1971), mas ambas as músicas se adaptam a diferentes desenvolvimentos harmônicos. A natureza desta música é o que separa este álbum do aspecto experimental do anterior Tarkus (1971) e também se junta à balada anterior Lucky Man (1970)

A próxima faixa é The Sheriff e é um jogo de rimas e cadências muito lúdicas que contam uma história de cowboy, no mais puro estilo spaghetti western . O tema começa com uma falsa partida de Carl Palmer que, quando comete um erro, na luxuosa introdução da bateria, é ouvido vivamente dizendo: " Merda!" É mais uma pedra preciosa deste álbum lendário.

Hoedown , faixa 6 do álbum, é baseada na peça Rodeo de Aaron Copland; É uma festa imparável que nos leva por diferentes episódios musicais. A partir de então, tornou-se um marco no setlist ao vivo . Isso sugere que nos perguntemos: o que seria de nós se essa banda se chamasse HELP e nessa peça tivéssemos o virtuosismo de Hendrix?

Trilogy , faixa que dá nome ao álbum, é outro sinal de que estamos falando de um trabalho conceitual com o número 3 como símbolo. Embora só possamos aplicar essa fórmula a certas passagens, aqui novamente eles usam uma composição dividida em três episódios. Desta vez é contada uma história de desgosto, muito triste, onde na parte final transcende para a superação do que foi exposto no início. Uma coda retirada da herança blueseira despede-nos deste tema que simboliza toda a conceptualização do álbum.

Em Living Sin é possível apreciar uma amostra muito explosiva de rock progressivo, algo muito característico nos trabalhos anteriores de Emerson, Lake & Palmer. O tema nos deixa com outra história onde um indivíduo sofre com a idealização dos prazeres sexuais. Ele acompanhou From The Beginning como um single nos EUA e Canadá.

A última faixa é mais uma demonstração de todo o potencial artístico de Keith Emerson. O Bolero de Abbadon faz uma referência explícita à música erudita e ao cunho sinfônico muito típico das composições deste gigante do rock progressivo. A melodia desta vez não varia ao longo da música, exceto por algumas passagens melódicas onde o sintetizador mais uma vez nos encanta com seu som cósmico.

Tanto a gestação quanto o impacto que teve no cenário musical, Trilogy, faz parte do melhor momento da banda. A princípio, tentaram usar a imagem do quadro Enigma Sem Fim de Salvador Dalí como capa, mas o baixo orçamento de produção não permitiu que isso fosse feito. Finalmente o design artístico do álbum foi feito pelo coletivo de design Hipgnosis. A trilogia é uma obra fundamental do rock sinfônico e uma peça chave do rock progressivo. Apesar de parecer um álbum "acessível" para os fãs do gênero, é, de certa forma, o ápice artístico de Emerson, Lake & Palmer. Apresenta-nos a visão que a banda tinha sobre o rock dessa incipiente nova década de 70. Apesar da sua forma leve de se apresentar a uma onda de discos de rock progressivo cada vez mais exigentes; para os amantes do gênero e especialistas, é um trabalho perfeitamente realizado. Emerson, com a proeminência concedida por Hoedown e Abbadon's Bolero, pegou sua coisa e a banda partiu em seu caminho para um novo material que irá se distanciar palpavelmente dessa fábula melancólica, virtuosa e finamente acabada.