Acima destas linhas você pode curtir o vídeo da música 'Yearning to Fly', cover letter do supergrupo SiX By SiX .
Esta banda acabou de nascer e é formada pelo guitarrista do Saga Ian Crichton , pelo baterista saxão Nigel Glockler e pelo vocalista e multi-instrumentista Robert Berry (que fazia parte do trio Emerson, Berry & Palmer).
O trio lançará seu álbum de estréia auto-intitulado em 19 de agosto pelo selo InsideOut/Sony.
A origem da banda remonta a quando Glockler e Berry estavam juntos como parte da banda GTR que foi formada pelo guitarrista do YES, Steve Howe .
Além disso, Crichton e Glockler trabalharam em sessões de gravação para o grupo Asia . De sua parte, Berry foi o elo para seu amigo guitarrista Pat Thrall se juntar ao Asia.
Crichton explicou: "Ao longo da minha carreira, fui muito exigente sobre com o que me envolver fora da Saga e, quando as oportunidades surgiram, disse 'não' com muito mais frequência do que disse 'sim' ..." Sobre esta nova formação, diz: "Somos 3 músicos experientes de 3 países diferentes, e com nossas 6 mãos, estamos aqui para quebrar os moldes do rock. SiX By SiX é uma banda que construímos juntos e nutrimos em uma estilo único de rock, do qual tenho muito orgulho."
De sua parte, Glockler reconheceu: "Sou conhecido principalmente como o baterista do Saxon, mas sempre fui um grande fã de rock progressivo: Genesis e PFM estão entre minhas bandas favoritas. SiX By SiX é apenas o começo de uma emocionante viagem".
Em última análise, Berry contou: "Depois de trabalhar com o gênio de Keith Emerson e perder essa associação musical em 2016 após sua morte, eu me deparei com uma pergunta assustadora: descer a cortina criativamente ou buscar algo inspirador que alcance novas alturas musicais (. ..) Ian Crichton e eu estávamos determinados a manter essa banda de 3 membros e precisávamos de um baterista com a mesma mentalidade que fosse sólido e pesado. Meu amigo Nigel Glockler se encaixava perfeitamente."
O álbum de estreia do supergrupo estará disponível como um CD limitado Digipak, um LP dobrável de 180g e um álbum digital.
- Cover e tracklist de 'Six By Six':
1. Anseio para voar 2. China 3. Razão para se sentir calmo novamente 4. O mundo de cabeça para baixo 5. Cassino 6. Viva para sempre 7. As últimas palavras na Terra 8. Skyfall 9. Batalha de uma vida 10. Salve a noite
O Sudeste Asiático é uma região exótica e misteriosa, conhecida tanto por suas selvas exuberantes quanto por suas culturas únicas. Influenciou as nações vizinhas, muitos dos países do Sudeste Asiático absorveram influências da China e da Índia enquanto expressavam sua própria expressão musical única. De músicos de gongos a orquestras de câmara, a música do Sudeste Asiático é uma experiência imersiva e comemorativa. Aqui está apenas uma amostra de alguns desses países e suas tradições musicais.
AS FILIPINAS
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Esta nação de ilhas sempre foi um tufão de diferentes tradições culturais. De polinésio a asiático e europeu, o país misturou as cores das sociedades para criar a mistura de tradições que abrange a nação. Isso vale também para a música deles. Para expressar a música, as Filipinas aproveitam uma imensa tela de instrumentação: tambores, flautas, alaúdes, gongos, cítaras, badalos e campainhas. Para executar a música, as Filipinas incorporam um paladar de gêneros: épicos focados na ancestralidade e nas aventuras de deuses e heróis; canções de trabalho sobre plantio, colheita, pesca; canções rituais para afastar o mal ou invocar bênçãos; canções festivas para celebrar casamento, nascimento e vitórias; canções de luto; serenatas; e músicas de jogos para crianças.
Kulintang
No coração da música filipina está o som antigo e icônico da música gong baseada em um instrumento conhecido como Kulintang. O instrumento aproveita uma colagem de gongos que são montados em uma série de placas de metal salientes de uma variedade de ligas - bronze, latão ou aço. Os instrumentos são organizados em um conjunto de oito pequenos gongos em tamanhos avançados, dispostos em um rack. O músico usa baquetas macias, feitas de madeira tropical Maguindanaon, para executar sutilmente as notas melódicas de uma composição Kulintang.
Os ritmos de Kulintang incorporam uma batida e uma melodia. Encantadora e eletrizante, a variedade de gongos evoca uma sensação de relaxamento pensativo e energia festiva.
Harana
Este estilo de música filipina tornou-se um gênero popular durante o período de domínio espanhol, por volta da virada do século XXI . O gênero se baseia nas tradições do violão clássico da Espanha e o re-imagina como uma expressão filipina de adoração e melodia. O estilo é baseado nas melodias líricas de namoro mexicano/espanhol e ritmos habanera espanhol/cubanos imersos na paixão de baladas e instrumentais românticos Tagalog.
A música é tocada de uma maneira que funciona como uma trilha sonora para um caso de amor, desde o início inocente do amor até a frustração do romance, evocando tanto a textura da Espanha quanto o sabor das Filipinas.
TAILÂNDIA
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A música da Tailândia é exótica e familiar para muitos ouvintes. Ouvindo a música, pode-se ouvir ecos da China e da Índia em meio ao clamor de instrumentos e cantores. Influenciado por ambas as nações, o som da Tailândia revela sua localização única na Ásia, pois abraça as tradições de seus vizinhos antes de abrir os braços para revelar seu distinto som tailandês.
Diz-se que a música tailandesa foi cultivada na Índia por causa da influência da nação em todo o país asiático no início da história; no entanto, a música acabou sendo moldada em um som tailandês muito característico e característico. O registro mais antigo da música tailandesa foi descoberto no período Sukhothai entre 1238 e 1438, durante o mesmo período em que o rei Ram Khamhaeng é creditado por inventar o alfabeto tailandês e estabelecer o budismo Theravada como a religião do estado.
Phleng Luk Thung
A música de Luk Thung se traduz em “Criança da canção de campo”. Este gênero de música geralmente é considerado música country tailandesa. A música se originou na zona rural central da Tailândia e é geralmente associada a um instrumento comum chamado khaen, que é um órgão tradicional de madeira e bambu com boca semelhante a um harmônico.
A música de Luk Thung é festiva e muito tradicional. As canções são muitas vezes reflexões poéticas da vida nas regiões rurais da Tailândia, juntamente com celebrações da cultura e da sociedade tailandesa. Os tópicos para Luk Thung incluem as dificuldades dos pobres rurais, a beleza da paisagem natural tailandesa, amor, religião, política e cultura. As músicas são geralmente cantadas com um sotaque tailandês enquanto são executadas com instrumentos ocidentais importados e instrumentos tradicionais tailandeses - incluindo o lendário khaen.
Khaen
O khaen é um dos instrumentos mais proeminentes na Tailândia e nações vizinhas, do Laos em diante. O instrumento é considerado um órgão de boca, o que significa que os sons são criados pelo sopro do ar através de palhetas vibrantes na estrutura do instrumento. O khaen vem originalmente do Lao e normalmente é feito de bambu. O elemento mais interessante do khaen, ao contrário de outros órgãos bucais, é a falta de juncos. Em vez disso, as melodias são total ou parcialmente dependentes da forma do corpo do instrumento. O khaen pode ser comumente ouvido durante a música tailandesa e especialmente nas canções de Luk Thung.
MALÁSIA
A nação malaia é outro país que penetra nas tradições das várias culturas que interagiram e colonizaram. Os malaios receberam colonos ao longo dos séculos de Portugal, Índia e China. E assim, a tradição de dança e música de cada cultura enriqueceu a Malásia, criando uma cultura de música que é icônica da cultura malaia e um reflexo dos sons dos visitantes da Malásia.
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A partir dessas camadas, as tradições musicais fundamentais da nação envolveram as tradições do colono através do uso de uma variedade de instrumentos malaios, cujos usos evoluíram com o tempo. Nos dias dos antigos reinos da Malásia, os ritmos e batidas tradicionais do tambor gigante rebana ubi eram utilizados para alertar e alertar, mas mais tarde essas tradições se tornaram a moldura da música e da dança da Malásia. Enquanto isso, o Kompang, o notável pandeiro como tambor de mão, foi usado em desfiles e casamentos nacionais, mas agora se tornou o instrumento mais tocado nos conjuntos da Malásia.
Gamelão
Essas orquestras indígenas expressam a música malaia através de uma grande coleção de gongos e instrumentos de metal percussivo. Os gongos são suspensos verticalmente ou colocados horizontalmente enquanto são tocados. Os instrumentos de percussão incluem bonang, xilofone e vários metalofones - um instrumento que usa uma série de placas de metal que transportam o som através de uma calha ou tubos de ressonância. Melodias sustentadas são tocadas pela flauta de bambu ou rebab, que é um instrumento de cordas arqueadas.
Antecedendo as culturas hindu e budista, a orquestra gamelan tem uma longa tradição. Começando no Império Majapahit da Indonésia, o gamelan malaio era geralmente realizado em ocasiões reais e está vivo hoje como uma parte importante da cultura malaia.
VIETNÃ
A música do Vietnã prospera em uma variedade de sons que nadam em um vasto oceano de gêneros provincianos. Existem três formas de ópera: hat cheo (ópera de corte tradicional), hat tuong (drama clássico) e hat cai luong (teatro moderno). Existem várias formas de música folclórica, incluindo quan ho, que são canções folclóricas cantadas por mulheres e entre mulheres; e dan ca, que são músicas folclóricas que possuem expressões únicas dependendo da região do Vietnã. Há o cat tru, que são canções de declamação. Há o hat doi, que são baladas de amor executadas em duetos entre homens e mulheres. Existem tantos tipos de música que não há como listar todos aqui.
Muito do que sabemos sobre o Vietnã nos EUA está manchado pela guerra que travamos lá décadas atrás, e mesmo assim o Vietnã ainda tem muito a nos oferecer. Localizado entre uma coleção de países do Sudeste Asiático, o Vietnã, com suas sessenta minorias étnicas e selvas lendárias, está se infiltrando em suas tradições musicais tão diversas quanto a cultura.
Hue Court Music
Sendo o último vestígio da música da corte vietnamita, a tonalidade contém todos os elementos da forma mais antiga que floresceu mais de 1.000 anos antes. Hue contém os elementos icônicos que colorem os vários grupos étnicos da nação, incluindo os vietnamitas, os cham e os chineses. A ambiência da música expressa as características das comunidades da região central do país.
Ca Tru
Este gênero tem uma longa tradição na cultura do Vietnã, além de fornecer uma trilha sonora para festivais, costumes e rituais vietnamitas. As músicas falam de maneira erudita usando palavras concisas com amplas doses de metáfora e imagens. As músicas são executadas por três cantores - uma mulher que canta enquanto toca um instrumento chamado phach, um homem que toca um alaúde de três cordas chamado Đàn đáy e uma mulher ou homem que toca um tambor chamado trong chau.
Quan ho
Esta forma de canto popular é considerada uma forma de arte de forma altamente coletiva. Quan ho encontra suas origens na província de Bac Ninh. Durante as festas da aldeia, os jovens da comunidade se juntam para cantar quan ho. O canto alterna entre diferentes grupos de cantores, alternando entre duas mulheres de uma aldeia e dois homens de outra aldeia que respondem. Ambos cantam um para o outro e recitam uma conversa que engloba o conteúdo da música. Qualquer pessoa é bem-vinda para participar de um Quan ho enquanto o canto passa de mulheres para homens.
Música do Sul da Ásia – Nepal, Índia, Maldivas, Afeganistão
Situado entre o Oriente Médio, África e China; as nações do sul da Ásia têm um ponto de vista único, cercadas por um vasto oceano de culturas, que se misturam e passam por seus países. Essas interações inspiraram e influenciaram as sociedades que as cercam. Da nação insular das Maldivas ao interior do Afeganistão, a música é expressa em termos de absorção de tradições externas e expressões de identidade nacional.
Aqui estão algumas das nações do sul da Ásia e a música que evoluiu lá:
MALDIVAS
Bateria tradicional das Maldivas.
As Maldivas são uma nação do sul da Ásia, localizada no Oceano Índico, a sudoeste do Sri Lanka e da Índia. Uma cadeia de 26 ilhas, conhecidas como atóis, as Maldivas estão localizadas no topo de uma imensa cordilheira submarina no Oceano Índico, conhecida como Cordilheira Chagos-Laccadive. As Maldivas abraçaram o Islã durante o século 12 e construíram relacionamentos com as nações africanas e asiáticas adjacentes do outro lado de suas costas. Sua cultura musical influenciou e foi influenciada por esses vizinhos do continente, simbolizando o som único das Maldivas. Lava, que é o termo maldivo para cantar, tem muitas raízes e tradições diferentes. A lava Baburu é originária da tradição africana, a lava Javee é inspirada em canções javanesas e a lava Arabi incorpora dicção e ritmos árabes.
Bodu Beru
Esta música icônica, que também é conhecida como Boduberu, significa Big Drums (Bodu Beru). A música é feita para dançar e os dançarinos celebram o Bodu Beru apresentando dança enraizada nas tradições das ilhas - começando com uma batida lenta que aumenta o ritmo à medida que os dançarinos reagem e levando a um crescendo de movimentos frenéticos inspirados no pulso desenfreado do batidas. Ao atingir o ápice do ritmo, os dançarinos se eriçam em um giro selvagem de movimento.
As músicas se concentram em uma variedade de tópicos, incluindo romance, sátira e amor à nação. Bodu Beru originou-se nos costumes tribais das Maldivas e liga a nação às suas tradições anteriores; no entanto, a música também é uma celebração das Maldivas hoje, refletindo o estado contemporâneo de sua cultura e celebrando uma variedade de ocasiões, como o Eid muçulmano.
Thaara
Esta tradição musical, cujo nome se origina na palavra Dhivehi para pandeiro, foi trazida para as Maldivas da região do Golfo do Oriente Médio da comunidade árabe em meados do século XVII . A música gira em torno de influências semi-religiosas e é tocada após o cumprimento dos votos. Thaara é interpretada por cerca de 22 músicos do sexo masculino, sentados em duas filas, um de frente para o outro, acompanhados por dançarinos. Os artistas usam cangas brancas, que são grandes extensões de tecido enroladas na cintura, com camisas brancas e lenços verdes em volta do pescoço. A música também começa lentamente antes que o tempo aumente gradualmente para um clímax de melodia e ritmo.
AFEGANISTÃO
Grande Mesquita de Herat, Afeganistão
Formalmente compreendendo os países de Aryana e Greater Khurasan, o Afeganistão abriga uma história rica e envolvente nas origens de sua música. A música do Afeganistão pode ser vista como uma coleção de diferentes tradições culturais e étnicas; misturando princípios indianos de composição, melodias persas e os sabores melódicos das comunidades étnicas Pahtun e Tajik.
Os instrumentos do Afeganistão mantêm um alto destaque na cultura da nação. Sua amplitude de domínio só é igualada pela variedade de instrumentos usados na música afegã. Algumas das opções disponíveis para os jogadores afegãos são o Ghichak, que é feito de uma grande lata de metal que lembra um violino de duas cordas tocado com um golpe de crina; o Tamoor, que é um instrumento de cordas construído em madeira oca com cordas de metal; e o Zirbanghali, que tem formato de ampulheta com cabeça larga e base afilada.
Rubab
Originário do Afeganistão Central no século VII, o Rubad é reverenciado pelos afegãos como seu instrumento nacional. É chamado de “O Leão dos Instrumentos”. O Rubab é um alaúde de corpo duplo. É esculpido em uma única peça de madeira com uma membrana cobrindo uma tigela oca que funciona como uma câmara de som. O instrumento tem três cordas para melodias com quatro trastes. Também possui três cordas drone e 15 cordas simpáticas para acompanhar as cordas da melodia.
Rubabs são usados em todos os gêneros afegãos e são proeminentes na música folclórica clássica e tradicional. Eles são um canal tão famoso para a música na região que foi notoriamente referenciado por muitos poetas sufis do Afeganistão e da Pérsia, especialmente o grande poeta Rumi .
Doyra
Originado como um instrumento executado por mulheres, o Doyra tem muitos nomes que incluem Doyra, Dap, Childirma e Charmanda. Foi tocado por vários grupos turcos, mas tem um lugar especial no Afeganistão. O instrumento em si é um tambor de tamanho médio com uma moldura adornada com jingles. Semelhante a um pandeiro, o Doyra é formado por uma membrana de pele espalhada sobre um anel de madeira. Doyra foi adotado como um instrumento ritual durante as cerimônias dos uzbeques e é participado exclusivamente por mulheres até agora.
NEPAL
Panorama budista dourado de stupa Boudhanath em Kathmandu Nepal
A cultura musical dos nepaleses também é rica em uma tradição de instrumentação musical, contendo cerca de 200 instrumentos diferentes. O Nepal é uma nação povoada por vários grupos étnicos. Cada grupo expressa sua própria tradição de música e instrumentação que juntos formam o universo musical nepalês.
O Nepal é uma nação não costeira no sul da Ásia situada principalmente no Himalaia, embarcando na China, Índia, Bangladesh e Butão. Partes do norte do Nepal estavam entrelaçadas com a cultura do Tibete. O Vale de Katmandu era a capital da confederação de Newar, que era chamada de Mandala do Nepal. O ramo do Himalaia da antiga Rota da Seda era dominado por comerciantes do vale. Em mais de 50 grupos étnicos, a música nepalesa apresenta tantos gêneros que expressam a alta diversidade dentro de sua sociedade. Aqui estão alguns gêneros no Nepal: Tamang Selo, Dohori, Adhunik Geet, Bhajan, música Filmi, Ghazal, música clássica e música Ratna.
Damaha
Este tambor plano é o principal instrumento de Damai, que é uma comunidade étnica que tem uma tradição famosa e rica na maior cultura nepalesa. O tambor fica pendurado no pescoço do jogador através de uma longa alça. Tocado com uma ou duas baquetas, o tambor atua como um bumbo dentro de um conjunto. A cabeça é mantida molhada para garantir que a batida do tambor esteja correta.
Sarangi
A visão nepalesa de um violino é apreciada na música do Nepal. O Sarangi, que também é conhecido como saran ou sarangi, é um violino de pescoço curto medindo cerca de 30 polegadas de comprimento. O violino é aproximadamente retangular com um corpo ligeiramente largo. Não há escala e usa três cordas de melodia que são feitas de tripa.
Madal
Este instrumento é proeminente em toda a sociedade nepalesa e tem sido o instrumento mais popular durante o século XX. Madals são realizados geralmente durante os festivais Dashain e Tihar. O Madal é um tipo de tambor que é tocado em ambas as extremidades. Um tronco de madeira é esculpido, criando um interior oco do instrumento. As cabeças de cada extremidade do tambor usam peles de cabra de membrana dupla, e uma pasta preta feita de farinha, limalha de ferro e ovo queimado é usada no centro de cada cabeça.
ÍNDIA
Dançarinos folclóricos em Pushkar, Rajasthan, Índia
O que muitos acreditam ser música indiana pode ser melhor descrito como a música clássica do subcontinente do norte da Índia. Esta música clássica indiana está enraizada nas culturas e melodias da região vizinha; que inclui Paquistão, Afeganistão, Bangladesh, Butão e Nepal. O que muitos não sabem é que existem outros estilos musicais que são tão significativos quanto o que se conhece fora da região.
A divisão mais importante da música na Índia pode ser vista entre a música “Hindustani” do norte da Índia e a música “Carnatic” do sul da Índia. A música do norte foi fortemente influenciada pela cultura muçulmana e outras culturas externas, enquanto a música do sul é mais fundamentada no hinduísmo, expressando a história e a mitologia de milhares de anos da cultura regional.
Raga
“Ragas são solilóquios e meditações, melodias apaixonadas que desenham círculos e triângulos em um espaço mental, uma geometria de sons que pode transformar um quarto em uma fonte, uma nascente, uma piscina.”
– Otávio Paz
Sendo o princípio organizador fundamental e o modelo melódico da música hindustani e carnática, os Ragas foram escritos pela primeira vez no Brhaddesi, que é um antigo texto sânscrito sobre música clássica indiana, durante o século X.
Existem cerca de 200 ragas principais. Cada raga é definida por uma combinação única de notas dominantes e padrões de escala musical. Um raga é baseado em uma escala com um determinado conjunto de notas, uma ordem de notas conforme são pronunciadas nas melodias e um motivo melódico distinto. Usando apenas essas notas, enfatizando graus específicos de escala e tocando nota a nota de maneiras características do raga, um compositor pode criar um clima conhecido como “rasa” que expressa uma visão única do raga pelo artista. A chave para qualquer grande músico é colorir seu uso de raga com sua própria personalidade, preservando as regras estritas do raga específico.
Dhrupad
Sendo a forma sobrevivente mais antiga da música clássica indiana, Dhrupad é uma forma de música vocal baseada na prática de Nāda yoga. A forma originou-se no canto de hinos e mantras védicos. Gradualmente, evoluiu para uma forma de arte musical independente que foi originalmente cantada em templos, mas depois cresceu em popularidade sob a graça real dos reis Mughal e Rajput.
Os dhrupads são de natureza espiritual e procuram não entreter tanto quanto induzir uma sensação de paz e meditação no ouvinte. É no fundo um estilo de música devocional que se origina do Samaveda, que é um antigo texto sânscrito védico que faz parte das escrituras do hinduísmo. Dhrupads eram cantados nos templos e, desde os primeiros cantos dos templos, evoluiu para uma forma clássica sofisticada, reverenciada como um grande tesouro de toda a Índia.
Existem músicas que marcam de uma maneira inexplicável. São aquelas músicas que, por mais que o tempo passe, continuam sendo hits e passam de geração a geração.
21) My Heart Will Go On — Céline Dion
Claro que na lista não poderia faltar Céline Dion, uma das maiores divas de todos os tempos! My Heart Will Go On é a canção tema do filme Titanic, lançado em 1997.
22) Another Day In Paradise — Phil Collins
Apesar de ser do final do ano de 1989,Another Day In Paradise foi a terceira música mais tocada de 1990 nas rádios brasileira.
23) (Everything I Do) I Do It For You — Bryan Adams
A balada escrita por Bryan Adams foi incorporada na trilha sonora de Robin Hood em 1992. Inclusive, (Everything I Do) I Do It For Yourecebeu indicações de Melhor Canção Original para premiações como Oscar e Globo de Ouro, e ganhou o Grammy no mesmo ano.
24) Always — Bon Jovi
Always foi lançada como single da coletânea de hits de Bon Jovi em 1994 e logo se tornou um dos singles mais vendidos na época, com mais de 3 milhões de cópias por todo o mundo.
Todo mundo conhece essa música! O que muita gente não sabe é que I Will Always Love You não é uma canção original de Whitney Houston. Ela é, na verdade, uma regravação da cantora Dolly Parton feita para o filme O Guarda Costas em 1992.
A versão de Whitney, entretanto, ficou tão famosa que se tornou uma das canções femininas mais bem sucedidas da história.
26) Take a Bow — Madonna
Madonna dispensa apresentações. Reconhecida como a Rainha do Pop, a cantora quebrou tabus, bateu recordes, recebeu dezenas de prêmios e vendeu milhões de álbuns, sendo considerada como a artista mais bem-sucedida de todos os tempos na música.
I’ve always been in love with you, I guess you’ve always known it’s true… You took my love for granted, why oh why (Eu sempre fui apaixonada por você, acho que você sempre soube que é verdade… Você não deu valor ao meu amor, por quê, oh, por quê)
More than words, is all I ever needed you to show. Then you wouldn’t have to say that you love me, cause I’d already know (Mais que palavras, é tudo que eu sempre precisei que você demonstrasse. Então você não teria que dizer que você me ama, porque eu já saberia)
Am I your fire? Your one desire? Yes I know it’s too late, but I want it that way (Sou eu o seu fogo? Seu único desejo? Sim, eu sei que é tarde demais, mas eu quero assim)
And if you say this life ain’t good enough, I would give my world to lift you up, I could change my life to better suit your mood (E se você dissesse que a vida não é boa o suficiente, eu daria o meu mundo pra te levantar, eu poderia mudar toda a minha vida para me adaptar ao seu estilo)
