quinta-feira, 10 de novembro de 2022

Melhores Cantoras Da Música Pop Mundial

 A música pop é uma das que mais rende em termos de venda de CD’s e shows. Além disso, esse estilo musical é que conta com as cantoras de mais atitude e extensão vocal. Excelentes cantoras abraçaram o estilo pop e se transformaram em ícones para uma legião de fãs.

Pensando nisso elaboramos uma lista com algumas das melhores cantoras de música pop do mundo. Será que a sua favorita está nessa lista? Continue lendo e confira todos os nomes da lista para ver se concorda com todos.

Melhores Cantoras Da Música Pop Mundial

Melhores Cantoras Da Música Pop Mundial

Christina Aguilera – A Voz Poderosa Do Pop

A cantora Christina Aguilera é uma das vozes mais particulares do universo pop, pois ao mesmo tempo que é bem forte e marcante tem algo de delicado também. Xtina, como é chamada carinhosamente pelos fãs, se tornou uma das cantoras mais famosas e reconhecidas do final da década de 90.

Christina Aguilera – A Voz Poderosa Do Pop

Christina Aguilera – A Voz Poderosa Do Pop

Com altos e baixos na carreira a cantora voltou a ser destaque quando se tornou técnica no programa musical “The Voice” e mostrou que muito mais do que uma cantora de roupas provocantes ela é uma profissional que sabe o que está fazendo no palco. O maior sucesso da carreira de Xtina é certamente a canção “Beautiful”, porém, muitas outras canções dela se tornaram líderes das paradas de sucesso.

Lady GaGa

Para muitos Lady GaGa é muito mais uma performer do que uma cantora, mas a verdade é quando é necessário ela solta o vozeirão. O grande trunfo de GaGa foi ter conseguido trazer algo novo para o pop como estilo musical. Quando as coisas estavam muito paradas e víamos somente mais do mesmo a cantora teve coragem de colocar um figurino estranho e cantar músicas bem peculiares, a maioria delas compostas pela própria.

Hoje em dia é difícil pensar o pop sem a cantora, pois se na década de 80 Madonna chegou para se estabelecer como ícone da moda e da música agora quem faz isso é Lady GaGa. O single de estreia de GaGa já foi um enorme sucesso, a música “Just Dance” se tornou sensação nas baladas e nas rádios.


Beyoncé

Bandas que duraram pouco tempo, mas ficaram marcadas para sempre


A história do rock and roll foi escrita por inúmeras bandas, que fazem a alegria dos fãs do estilo até hoje. Algumas dessas bandas duraram muitos anos, porém, existem algumas que ficaram na ativa por pouco tempo, porém, ficaram marcadas para sempre, como pode ser visto em mais uma lista.

Creedence Clearwater Revival

Período em atividade: 1967-1972

Integrantes: John Fogerty, Tom Fogerty, Stu Cook e Doug Clifford

A banda californiana

Creedence Clearwater Revival gravou inúmeros sucessos durante a sua carreira, que durou cinco anos, por mais incrível que isso possa parecer. O quarteto lançou sete álbuns e vendeu mais de 25 milhões de discos apenas nos EUA.

O Creedence Clearwater Revival separou-se em 1972 e cada integrante seguiu um rumo. Quem mais obteve sucesso foi o guitarrista/vocalista John Fogerty.


The Doors

Período em atividade: 1965-1973

Integrantes: Jim Morrison, Ray Manzarek ,John Densmore e Robby Krieger

O grupo liderado pelo icônico Jim Morrison foi um dos nomes mais influentes do rock e faz muito sucesso até hoje, por conta de músicas como "Light My Fire", "Riders On The Storm" e "Break On Through (To The Other Side)".

A trajetória do The Doors chegou ao fim em 1973, dois anos após a morte de Jim Morrison. Em oito anos de história, o grupo conseguiu escrever seu nome na história da música.


Beatles

Período em atividade: 1960-1970

Integrantes: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr

A maior banda de todos os tempos durou dez anos, período suficiente para os quatro rapazes de Liverpool se tornarem o maior fenômeno de popularidade da música.

O grupo inglês encerrou suas atividades em 1970, dez anos antes da trágica morte de John Lennon.


Led Zeppelin

Período em atividade: 1968-1980

Integrantes: Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e John Bonham

Considerado um dos pioneiros do heavy metal, o Led Zeppelin esteve na ativa por doze anos e lançou alguns dos discos mais importantes do rock, com destaque para os quatro primeiros.

A trajetória da banda inglesa acabou em 1980, depois que o talentoso baterista John Bonham faleceu.


Nirvana

Período em atividade: 1987-1994

Integrantes: Kurt Cobain, Krist Novoselic e Dave Grohl

O maior nome do movimento grunge durou pouco tempo e lançou três discos de estúdio, além de um icônico álbum acústico. Apesar de todo o sucesso, o Nirvana acabou dia 5 de abril de 1994, quando seu líder Kurt Cobain tirou a própria vida.




A música dos Led Zeppelin que Dave Mustaine não consegue ouvir

 Durante conversa com AndrewHaug da Austrália, transcrita pelo Blabbermouth, perguntaram a Dave Mustaine se as mudanças de formação que aconteceram no Megadeth influenciaram sua maneira de compor, e ele respondeu:


"Na verdade não. Acho que se você for verdadeiro consigo mesmo, a música também permanecerá verdadeira. Tivemos muitas músicas nas quais as pessoas acreditaram. Há outras músicas nossas que as pessoas (simplesmente) não se importam de ouvir, acho que é assim com qualquer banda", diz Mustaine.

Em seguida, ele dá um exemplo prático, usando uma banda que gosta muito: "Tipo 'Hot Dog' do Led Zeppelin. Não consigo ouvir essa música. E acho que todo mundo... se eles estão em uma banda, tem uma música que é a menos favorita; é assim a natureza das coisas. Então eu tento retirar essas músicas ruins do caminho. Não sei se você conhece a história, mas o 10CC era uma banda muito popular nos anos setenta, e tudo que fazia virava hit, absolutamente tudo. Daí um dia decidiram propositalmente fazer uma música ruim, e escreveram uma música, não lembro qual era, mas virou hit. Foi algo tipo um tiro que saiu pela culatra".

quarta-feira, 9 de novembro de 2022

Ozzy Osbourne: "Diary of A Madman" é singular e loucamente divertido

Em 1835, o autor russo magistral Nikolai Gogol escreveu o conto ridículo "Diary of a Madman" sobre um sujeito atormentado por cães falantes e malfeitores imaginários de todos os tipos enquanto ele humildemente tenta seguir seu dia. Qualquer um que já assistiu The Osbourne's sabe que Gogol praticamente prognosticou a vida do líder desajeitado favorito de todos com uma perfeição assustadora. Assim, é seguro afirmar que raramente um título emprestado foi mais condizente com seu guardião.

Há resmas de resenhas de "Diary of a Madman" de Ozzy Osbourne que rasgam as narrativas equivocadas, a produção excessivamente impetuosa e a falta de introspecção lírica. Ao fazer isso, eles aparentemente não estão julgando o livro pela capa e percebem que ele mostra Ozzy vestido como uma espécie de lobisomem sorridente com uma criança rindo inexplicavelmente ao fundo. Em outras palavras, não estamos lidando com um álbum que se leva muito a sério aqui.

No entanto, a malícia por si só não dá a nenhum registro um passe livre e, apesar do que possa parecer, Ozzy Osbourne está mais ciente disso do que a maioria. Assim, em meio ao turbilhão da loucura, há uma corrente de design, intenção e musicalidade especializada. Veja, por exemplo, 'S.A.T.O.', a faixa combina rouquidão com ruminação enquanto Ozzy se inspira em uma carta intitulada "A Ship to Cross the Sea of Suffering" por um monge budista chamado Nichiren Daishonin de 1261 e a reproduz com alguns martelos cintilantes por Randy Rhoads. Isso prova que muitas vezes há um método para a loucura quando se trata desse disco. E a loucura era de fato profunda e presente aqui.

O título da música ‘S.A.T.O.’ em si é um pastiche da estranha atmosfera no estúdio quando Ozzy o torceu para representar os nomes de solteira de Sharon (Arden) e sua ex-esposa Thelma Osbourne. Por trás do título está a história de um momento crucial em sua carreira. De acordo com Bob Daisley, esta foi a última música que eles escreveram juntos antes que ele e Lee Kerslake fossem demitidos da banda, deixando apenas Ozzy e Randy Rhoads restantes de seu primeiro álbum solo, "Blizzard of Ozz". Quando Tommy Aldridge substituiu Kerslake no disco e foi creditado no encarte, ele comentou: “Acho que é bastante óbvio que não é minha bateria naquele álbum. Eu nunca levei crédito por essa gravação e sempre dei a Lee Kerslake, sempre que perguntado ou entrevistado, o crédito que ele merece.

Kerslake lembrou: “Tudo estava funcionando bem. Foi só quando Sharon chegou que tivemos um problema. Quando ela começou a administrar, assumindo, ela não era a gerente até "Diary of a Madman.” Se esse caos relatado no estúdio se espalhou no álbum ou pelo simples fato de que Ozzy é um homem predisposto à confusão, é incognoscível, mas é auto-evidente que o álbum de arrepiar os cabelos é mais selvagem do que a maioria, e a razão pela qual aumenta é que está ciente desse fato e incapaz de fazer algo a respeito. É uma loucura risível de alguma forma repleta de autoconsciência e, como tal, reside entre seus melhores esforços.

Na superfície, a musicologia é rock clássico convencional. Ainda assim, quando você coloca isso na coqueteleira com os vocais de Halloween de Ozzy, um conceito consistente de produção semelhante a um álbum e alguns floreios de caos original, você tem algo muito singular e enlouquecedoramente divertido…


A Maravilha chamada "Led Zeppelin IV"

 

Ao discutir álbuns clássicos, alguns dos suspeitos habituais são "Abbey Road" dos Beatles, "Nevermind" do Nirvana, "Paranoid" do Black Sabbath, "Blue" do Joni Mitchell e, claro, o disco sem título de 1971 do Led Zeppelin, "Led Zeppelin IV". Gravado na casa de campo de Hampshire Headley Grange durante o inverno de 1970-71 e produzido por Jimmy Page, o disco é aclamado por críticos e fãs como a obra-prima da banda.

O ambiente informal e descontraído de Headley Grange ajudou a inspirar a banda, e extraiu um poder esotérico que eles haviam provocado anteriormente, mas até este ponto, nunca totalmente aproveitado. O tempo e a natureza relaxante do Grange permitiram que a banda tomasse seu tempo com material e experimentasse diferentes arranjos e uma variedade de estilos musicais.

Isso precisava ser um grande álbum para a banda. Seu antecessor, o "Led Zeppelin III" de 1970, foi amplamente criticado, então eles precisavam entregar. Sobre o meio ambiente, Jimmy Page lembrou mais tarde: “Precisávamos do tipo de instalações onde pudéssemos tomar uma xícara de chá e passear pelo jardim e entrar e fazer o que tínhamos que fazer”. Eles conseguiram o que precisavam. Além disso, não havia bar ou instalações de lazer, permitindo que a banda se concentrasse totalmente na tarefa em mãos.

Page se lembra de escolher o estúdio: “Após a breve estadia que Robert e eu tivemos no chalé de Bron-Yr-Aur (enquanto trabalhávamos em "Led Zeppelin III"), pude ver uma situação em que todos residíamos em Headley Grange e tínhamos um caminhão de gravação. Eu estava interessado em toda essa ideia de usá-lo como um local de trabalho para que você pudesse se concentrar totalmente no esforço de fazer a música, enquanto residia no local.

Foi tudo um pouco experimental”, diz John Paul Jones. “Mas foi a primeira vez que realmente ficamos juntos. Antes, estávamos gravando em estúdios… e era sempre hotel, estúdio, hotel, estúdio. Nós nunca estivemos em um lugar e tivemos instalações de gravação lá. Então essa foi realmente uma nova maneira de trabalhar para nós, e acho que foi uma maneira muito boa. Acabamos de ter uma enorme sala antiga com uma grande lareira com todo o equipamento instalado. E você poderia simplesmente passear e começar as coisas se ninguém estivesse lá, ou se alguém aparecesse, haveria um pouco de congestionamento. Havia música de alguma forma o tempo todo, o que, como você pode ver pelo resultado, funcionou muito bem.

O "Led Zeppelin IV" também foi uma partida no sentido de que a banda se juntou a uma série de músicos convidados durante as sessões de gravação. A falecida vocalista dos heróis folclóricos Fairport Convention, Sandy Denny, inclinou seu assombroso falsete para a mística ‘The Battle of Evermore’ e o tecladista dos Rolling Stones, Ian Stewart, ajudou a aumentar a arrogância de ‘Rock and Roll’. Todas as músicas que entraram no álbum eram originais, exceto pelo trance 'When the Levee Breaks'.

Como em qualquer álbum clássico, não há desvantagem. Cada uma das oito músicas é um clássico em si, um feito notável. A faixa de abertura 'Black Dog' continua sendo um dos riffs mais duradouros de Jimmy Page e é um must-have para todo guitarrista intermediário. Curiosamente, o segmento a cappella foi influenciado pela música inicial do Fleetwood Mac 'Oh Well' de 1969.

'Rock and Roll', enquanto isso, saiu de uma jam no início das sessões de gravação em colaboração com Ian Stewart. Sem surpresa, o baterista John Bonham escreveu a introdução clássica, que foi inspirada por tocar junto com a introdução do padrão de rock 'n' roll de Little Richard, 'Keep A-Knockin'. Rapidamente se tornou um favorito dos fãs e foi tocado como o número de abertura ou como parte do bis.

'The Battle of Evermore' continua sendo um de seus trabalhos mais misteriosos e atmosféricos, continuando na mesma linha de 'Immigrant Song' do "Led Zeppelin III". Aumentado pela voz assombrosa e sirene de Denny, o fator definidor da música é, sem dúvida, a intrincada parte do bandolim tocada por Jimmy Page.

O uso do instrumento tradicional realmente incutiu na música a essência histórica que as letras de Plant evocavam. Suas letras foram inspiradas em um livro que ele havia lido sobre as Guerras da Independência Escocesa. Como uma observação importante, a aparição de Denny foi a única voz feminina a ser ouvida em uma gravação do Led Zeppelin.

Então chegamos ao fim do lado um, a música de assinatura da banda, ‘Stairway to Heaven’. Independentemente das acusações de plágio ou do fato de o riff ser ‘proibido’, não há como negar sua genialidade. Oito minutos de dinâmicas variadas, intriga lírica, poder do hard rock e sutileza folclórica, a música encapsulava todos os projetos essenciais do Led Zeppelin. Grandiosa, mas contida, pesada e suave, elevou a fasquia a um nível estratosférico para a banda seguir em frente. O álbum seguinte, "Houses of the Holy", de 1973, se esforçaria para recriar esse som gigantesco e, de muitas maneiras, o fez. Robert Plant lembra a composição da música: “Eu estava sentado ao lado de Jimmy em frente ao fogo em Headley Grange. Ele havia escrito essa sequência de acordes e estava tocando para mim. Eu estava segurando um lápis e papel e de repente minha mão está escrevendo as palavras ‘There’s a lady who’s sure all that glitters is gold…’ Eu olhei para as palavras e quase pulei da minha cadeira. Olhando para trás, acho que me sentei no momento certo.

O lado dois continua com a mesma fórmula variada, mas vencedora. “Misty Mountain Hop” apresenta as notas quentes e funky do piano elétrico tocado por John Paul Jones. Tomando o título de "O Hobbit", de J. R. R. Tolkien, Plant escreveu a letra ao pensar nos confrontos contemporâneos entre estudantes e policiais por posse de drogas. Um dos melhores grooves da banda; é um verdadeiro verme.

A besta estrondosa que é 'Four Sticks' recebeu o título do padrão de bateria inspirado no jazz que sustenta a música, usando quatro baquetas para obter o som cacofônico. Jones também tocou o sintetizador analógico na faixa, dando aquela sensação de turbilhão. Devido à síncope, foi um desafio gravar e exigiu vários takes.

Alguém poderia argumentar que 'Going to California' é a melhor faixa do álbum. O número acústico melódico foi escrito por Page e Plant sobre terremotos na Califórnia e também sobre o tema bastante díspar de se esforçar para encontrar a “mulher perfeita”. Musicalmente, foi inspirado por Joni Mitchell, de quem Plant e Page eram grandes admiradores. Foi inicialmente definida para ser chamado de 'Guide To California' até que a banda mudou o título ao ir para Los Angeles para mixar o álbum.

A faixa final, 'When the Levee Breaks', continua evocando o sol californiano como 'Going To California'. Uma visão nebulosa e desbotada do original de 1929, que abre com a batida pesada e encharcada de reverberação de Bonham, que foi gravada no saguão do Headley Grange e depois passou por um Binson Echorec, uma unidade de efeitos de atraso. Esta localização espaçosa deu-lhe aquele ambiente super atmosférico que é inigualável no catálogo da banda. A batida é tão boa que Massive Attack, Aphex Twin e até Björk têm sampleado desde seu lançamento.

Fora da música, outros fatores definidores do álbum são o fato de não ter título oficial e de cada um dos membros da banda ser representado por quatro símbolos retirados do compêndio de Rudolf Koch, "Book of Signs". A decisão da banda de lançar o álbum sem nenhuma informação escrita na capa foi tomada contrariando o conselho de seu assessor de imprensa, que chamou de “suicídio profissional”, principalmente após o fracasso do disco anterior.

Felizmente, a banda acreditou no que havia gravado com cada grama de seu ser. Page relembrou: “Acontecemos que tínhamos muita fé no que estávamos fazendo”. A gravadora Atlantic insistiu que um título tinha que ser colocado no álbum, mas eles se mantiveram firmes, pois achavam que renegar seu ponto de vista seria uma perda para os críticos que achavam que não poderiam avaliar um disco do Led Zeppelin sem comparar com outros, o que parece uma coisa bastante inevitável.

A banda tomou a melhor decisão de suas carreiras. O disco sem título se tornou sua obra-prima e não apenas elevou a fasquia para outro nível para eles, mas para todas as outras bandas de rock ao redor. Eles preencheram o grande vácuo deixado após o fim dos Beatles, e essa seria a década do Led Zeppelin. 50 anos depois, ainda tem toda a magia da época de seu lançamento.

Ouça "Led Zeppelin IV" na íntegra abaixo.


"Ace of Spades", a obra-prima dos Motörhead

 

1980 foi provavelmente um dos anos mais importantes no Rock N Roll quando você realmente pensa sobre isso. Em primeiro lugar, Bon Scott e John Bonham morreram, e foi também nessa época que surgiu a New Wave of British Heavy Metal, com a estreia auto-intitulada do Iron Maiden. E onde o "Ace of Spades" se encaixa durante este ano? Bem em cima.

Agora, depois de lançarem um dos melhores álbuns que eles já fizeram, 'Overkill', o Motörhead lançou 'Bomber', que apesar de ainda ser um bom álbum, não tinha o poder bruto que 'Overkill' possuía tão vividamente. E não era como se esses idiotas gordurosos sentassem e dissessem: 'Ei, precisamos escrever um ótimo álbum para todos!'. Era mais provável que eles aparecessem meio bêbados, e Lemmy ainda tropeçando na velocidade, e dissesse 'Foda-se, vamos tocar uma música!'. E foi assim, meus amigos, que começou a maravilha que é 'Ace of Spades'.

Se você notou a capa do álbum mostrando 'Fast' Eddie Clarke, Phil Taylor e, claro, Lemmy Kilmister todos vestidos como velhos bandidos ocidentais no deserto, você pode pensar nisso como uma foto de capa normal. Errado. Essa capa representa o primeiro punhado de músicas deste álbum. 'Ace of Spades', 'Love Me Like a Reptile', 'Shoot You in the Back' e 'Live to Win' são ótimos exemplos disso. Cada um se sente como se tivesse sua própria personalidade fodão ocidental. 'Ace of Spades' e 'Shoot You in the Back' apresentam um uso habilidoso de notas dobradas misturadas com palm mudos para criar uma sensação ocidental, enquanto músicas como 'Love Me Like a Reptile' e 'Live to Win' misturam alguns blues e rock do sul para um som intrigante. Depois dessas poucas músicas, o álbum mergulha mais no gênero 'Hard Rock', com alguns palm mudos grossos que incluem preenchimentos rápidos e bateria forte, como em '(We Are) The Road Crew', 'Bite the Bullet ', 'Jailbait' e 'The Hammer'. Outras, como 'Fire, Fire', 'Dance, Dance' e 'The Chase is Better Than the Catch' incorporam mais um sentimento de blues em seus riffs. 'Dance, Dance' provavelmente seria a mais original dessas três, como os riffs de rock dos anos 50 lembram quando o Rock'N'Roll foi lançado.

Se eu já disse isso uma vez, eu vou dizer de novo. Lemmy soa como se ele fosse um fumante desde os 12 anos. Esse cara tem uma voz tão áspera que se fosse com qualquer outra banda, ele soaria horrível. Mas aqui, misturando-o com o ritmo e o toque imprudente da banda, ele soa como uma lenda vocal. Que ele é, aliás. Ele realmente tem um culto devotado. Mas de qualquer forma, seu alcance vocal consiste em falar áspero e é isso pessoal. E o que ele faz, ele faz bem. Suas letras são rudes, ofensivas e sujas, e ele combina sua voz com elas perfeitamente. Sua fala rápida sobre apostas em 'Ace of Spades' realmente dá vida à música e a faz parecer tão barata quanto o jogo em que ele está apostando. Outras, como 'Jailbait', o fazem gritar coisas como 'Amo essa coisa jovem!' tão alto quanto ele pode. Ele nunca tenta sair do alcance vocal aqui, então uma vez que você ouviu a faixa-título, você já ouviu tudo o que ele faz em todo o álbum.

Quanto às letras dele, que mencionei anteriormente como sendo rudes, ofensivas e sujas, é melhor você acreditar que elas são. E é isso que torna tudo melhor. Linhas como 'Eu gosto de ver seu corpo balançar, não tenho escolha, vou torcer seu rabo', saem da faixa sexual 'Love Me Like a Reptile'. E gente, o sexo não para por aí. Faixas como 'Fast and Loose', 'The Chase is Better Than the Catch', e especialmente 'Jailbait', que inclui versos como 'Eu nem me atrevo a perguntar sua idade,

É o suficiente saber que você está aqui nos bastidores.', mantêm o fluxo sexual vindo direto para você. Se não são sobre sexo, então são sobre jogos de azar ('Ace of Spades') e gabar-se ('The Hammer'). As melhores letras saem da incrível '(We Are) The Road Crew', que conta a vida através dos olhos do Roadie com alguns comentários engraçados como 'Outra parada de caminhão no caminho, Outro jogo que aprendo a jogar, Outra palavra que aprendo dizer.' As letras deste álbum nunca foram feitas para serem levadas a sério, elas são apenas para se divertir.

Quanto ao baixo de Lemmy, o cara é uma grande diversão. Batidas introdutórias de linha de baixo podem ser ouvidas na faixa-título e 'Live to Win'. Embora eles nunca sejam nada surpreendentemente técnicos (a introdução da faixa-título é simplesmente duas notas), eles tocam tão simples que parecem totalmente inovadores. Seu baixo sempre é ouvido claramente e, embora ele nunca faça muitas variações ou preenchimentos por conta própria, é porque ele tem seus vocais para se preocupar.

Agora, quanto a Eddie Clarke, o cara é um guitarrista soberbamente talentoso. Seus solos tendem a seguir o clima da música, e apenas algumas vezes ele salta para o festival de fragmentos sem sentido, como em '(We Are) The Road Crew', mas ele ainda tenta mantê-lo próximo ao sentimento do música. Também nessa música, assim como em 'Shoot You in the Back', ele faz um ótimo uso de seu pedal Wah e em '(We Are) The Road Crew' pode te lembrar de algo que Tom Morello faria, exceto pelo fato que realmente não soa como uma sirene ou um helicóptero ou o que quer que seja, mas está bem do jeito dele. Então, na maioria das vezes, os solos seguem o clima da música, o que é um ótimo caminho a seguir.

No geral, um grande disco de uma grande banda. Eu recomendo fortemente que você ouça isso se você é fã de qualquer tipo de hard rock. Esses caras sabem como tocar e como fazer riffs cativantes, mas muito simples. Confira, você não vai se decepcionar.


Uriah Heep anuncia o seu novo álbum "Chaos & Colour" e libera clipe de "Save Me Tonight"


"Save Me Tonight" integra "Chaos & Colour", 25º álbum de estúdio do Uriah Heep, que chegará no dia 27 de janeiro próximo, via Silver Lining Music.

A canção foi escrita pelo baixista Dave Rimmer e Jeff Scott Soto, que já foi vocalista de nomes como Journey e Yngwie Malmsteen.

O guitarrista Mick Box, único remanescente da formação original da banda, falou sobre a faixa:

"Acho que essa é a beleza de uma boa letra. Uma boa letra significa que você pode interpretá-la de várias maneiras, e é tão importante para mim ao escrever uma letra que ela tenha esses caminhos para entrar. É o primeiro single e faixa de abertura do álbum, e é feito para o rock. rádio, e certamente será incluído em nosso novo setlist em 2023

"Chaos & Colour" é um álbum repleto de guitarras clássicas de rock explosivas, harmonias supremas e a famosa base generosa de teclado do Heep. É, sem surpresa, um álbum que encontrou seu impulso extra durante a pandemia da COVID-19, que foi tão bizarra para o Uriah Heep quanto para a humanidade em geral.

"O título do álbum reflete que estávamos em tempos caóticos com bloqueios, turnês canceladas, negócios fechando e todo o caos que foi lançado no mundo", explica Box. "E até onde eu podia ver, o único escape que as pessoas tinham foi através da música. Ajudou muitas pessoas a passar por esses anos difíceis, usando a força e o poder que a música tem, para tornar esses momentos ruins não tão ruins."

O trabalho já se encontra em pré-venda.

Assista ao clipe de "Save Me Tonight":


Tracklist:

01. Save Me Tonight
02. Silver Sunlight
03. Hail The Sunrise
04. Age Of Changes*
05. Hurricane
06. One Nation, One Sun
07. Golden Light
08. You'll Never Be Alone
09. Fly Like An Eagle
10. Freedom To Be Free
11. Closer To Your Dreams*
12. Save Me Tonight (Demo)**

* CD and digital only
** Deluxe CD only


Lou Reed: "Transformer" é sua encarnação em sua forma mais melodiosa e acessível


Sucesso comercial e aclamação da crítica juntos ou separados não são realmente a verdadeira medida do trabalho de um artista. A história e a aceitação pública podem “transformar” a perspectiva e criar uma reavaliação, ou história revisionista de como a arte é vista. Nenhum outro trabalho tipifica isso mais do que Lou Reed com seu segundo trabalho solo “Transformer”.

"Transformer" é uma encarnação de Reed em sua forma mais melodiosa e acessível, perfeita para um quase adolescente. Apenas errado, você poderia dizer. Se as linhas de baixo arrebatadoras e os refrões gritantes me atraíam, as letras me mantinham fascinado e intrigado.“Shaved her legs and then he was a she”...“Up-all-oh”? “Angel dust”? “Giving head”? What about “”? Ah, como o Google teria me ajudado então.

Com o Velvet Underground, Reed tornou-se um farol para a experiência de forasteiros e, embora as vendas de álbuns estivessem baixas, críticos e músicos encontraram uma espécie de anti-herói a quem elogiar. Uma vez que os Velvets se separaram, Reed continuou suas histórias e de desajustes da contracultura, mas com um efeito mais comercializado no "Transformer". Produzido por David Bowie e seu guitarrista Mick Ronson, Transformer seria fortemente influenciado pelo então movimento 'glam' de Bowie e borraria as mesmas linhas andróginas que podem ser ouvidas cantando backing vocals (seu falsete parece óbvio em "Satellite of Love". No entanto, Reed usaria seu próprio tipo de observação irônica e entrega inexpressiva para criar personagens que viviam com e entre sua multidão em vez de incorporar o espaço dos personagens como Bowie fez com Ziggy e Aladdin Sane.

Assim como seu antecessor Lou Reed, "Transformer" contém músicas que Reed compôs enquanto ainda estava no Velvet Underground (aqui, quatro de dez). "Andy's Chest" foi gravado pela primeira vez pela banda em 1969 e "Satellite of Love" demo em 1970; essas versões foram lançadas em VU e Peel Slowly e See, respectivamente. Para "Transformer", o ritmo acelerado original dessas músicas foi desacelerado.

"New York Telephone Conversation" e "Goodnight Ladies" são conhecidas por terem sido tocadas ao vivo durante a residência da banda no verão de 1970 em Max's Kansas City; esta última toma o refrão título da última linha da segunda seção (“A Game of Chess”) do poema de T. S. Eliot, "The Waste Land: “Boa noite, senhoras, boa noite, senhoras doces, boa noite, boa noite”, que é em si uma citação de Ophelia em Hamlet.

Como nos dias do Velvet Underground de Reed, a conexão com o artista Andy Warhol permaneceu forte. De acordo com Reed, Warhol disse a ele que deveria escrever uma música sobre alguém cruel. Quando Reed perguntou o que ele queria dizer com vicioso, Warhol respondeu: "Ah, você sabe, como eu bati em você com uma flor", resultando na música "Vicious".

Estranhamente, foi “Walk On The Wild Side”, uma música que falava de transexualidade, sexo oral e uso de drogas que impulsionou o álbum a alturas nunca vistas pelo Velvet Underground ou pelo próprio Reed em esforços anteriores. Isso até a década de 1990, quando “Perfect Day” se tornaria um sucesso underground. A suposta ode ao seu vício em drogas, "Perfect Day", só funciona porque, não importa a quem a música seja dedicada, é uma bela balada. Depois, há o adeus épico e encharcado de neon à sua associação com Andy Warhol e seus acólitos de fábrica,

Em seu lançamento em 1972, "Transformer" recebeu críticas mistas de críticos que alegaram que era excessivamente “art-y” e excessivamente sexual. A história, é claro, lançou uma nova luz e "Transformer" hoje figura em quase todas as listas de "Melhores de todos os tempos" de revistas. Houve um documentário da BBC inteiramente dedicado a Walk on the Wild Side. Minhas perguntas foram respondidas. Havia Holly, que de fato “veio de Miami FLA”. Acontece que “Up-all-oh” era o teatro Apollo no Harlem, e “Sugar Plum fairy” um traficante de drogas. Embora Candy e Jackie tivessem partido deste mundo, Joe Dallesandro estava lá, contemplando melancolicamente oportunidades desperdiçadas. E então havia Lou, vestido com jaqueta de couro e pele de couro – reclamando de pessoas usando "Walk on the Wild Side" sem permissão.

Destaque

Wings - Back To The Egg (1979)

  01. Reception 02. Getting Closer 03. We’re Opening Up 04. Spin It On 05. Again and Again and Again 06. Old Siam, Sir 07. Arrow Through Me ...