Durante o festival pop de Essen, realizado em 1968, o coletivo alemão Amon Düül se dividiu em dois. Um partindo para uma estrutura de formação rochosa batizada de Amon Düül II e o outro mantendo o espírito coletivo de conhecer pessoas que sabem tocar um instrumento ou não.
Esta segunda metade manteve o nome original e lançou um álbum em 1969, Psychedelic Underground no ano seguinte na Metronome após sessões feitas em 68. Um disco barrado, com um som podre quase inaudível, feito por músicos que para muitos não sabem Toque. Uma volta de 33 voltas cujo único interesse era lançar um gênero que mais tarde se chamaria krautrock (chucrute rock). Como a experiência obviamente só pode ser efêmera, o coletivo se desfaz logo em seguida. Amon Düül II, mais estruturado assume e lança na multidão Phallus Dei mais acessível.
No entanto, Amon Düül lançou um segundo álbum Lp ainda em 1969 que é composto por títulos das sessões de 1968 onde recuperamos o que é recuperável e que remendamos com várias colagens. Intitulada Collapsing – Singvögel Rückwärts & Co. , encontramos a mesma formação da obra anterior (o baixista Ulrich Leopold, o baterista/pianista Wolfgang Krischke, o guitarrista Rainer Bauer, o baterista/cantor Angelika Filanda, o percussionista Helge Filanda, o maracas Uschi Obermaier e percussionista/cantora Eleonore Romana). Há também o baterista Peter Leopold (irmão Ulrich Leopold) antes de decidir partir para o Amon Dûül II.
Pode-se perguntar o significado desta publicação. Psychedelic Underground pretendia evidenciar a experiência de um coletivo que, no entanto, havia desfrutado de um certo reconhecimento no circuito underground. Mas aí, com este Colapsante – Singvögel Rückwärts & Co. com a capa sóbria de um preto profundo, pergunta-se Provavelmente ligado ao Phallus Dei que encontra um certo sucesso que pode ultrapassar as fronteiras alemãs. O metrônomo pode estar tentando explorar a veia o máximo possível.
Composto por 11 faixas que variam de dois a seis minutos, este vinil é dominado por percussões tribais, mas acima de tudo cacofônicas como “Bass, Gestrichen” e “Nachrichten Aus Cannabistan”. Acompanham uma guitarra saturada, gritante, dissonante e áspera ("Booster" na abertura), bem como acordes inebriantes e esquizofrênicos ("Shattering & Fading"). Eles vestem sons de fundo (“Krawall”) e lamentações capturadas em transe total (“Tusch Ff”). Eles são intercalados com efeitos sonoros, trilhas sonoras reversas, guitarras com efeito tremolo (“Singvogel Ruckwarts”). Eles introduzem um registro zombeteiro (“Lua-Lua-He”). Eles desfilam (“Big Sound”). Eles vão em uma viagem hindu (Blech & Aufbau). E para finalizar, eles estão vestidos ao som de pássaros e moscas ("Natur").
Em suma, um LP francamente não essencial, mas que testemunha os primórdios torturados do krautrock, onde Can, Tangerine Dream, Ash Ra Tempel e, claro, Amon Düül II se apressarão.
Títulos:
1. Booster (Kolkraben) 2. Bass, Gestrichen (Pot Plantage, Kollaps) 3. Tusch Ff. 4. Singvogel Ruckwarts (Singvogel Vorwarts) 5. Lua-Lua-He (Chor Der Wiesenpieper) 6. Shattering & Fading (Flattermanner) 7. Nachrichten Aus Cannabistan 8. Big Sound (Die Show Der Blaumeisen) 9. Krawall (Repressiver Montag) 10. Blech & Alfbau (Bau, Steinen & Erden) 11. Natur (Auf Dem Lande)
Músicos: Ulrich Leopold: Baixo Wolfgang Krischke: Bateria, Piano Rainer Bauer: Guitarra Angelika Filanda: Bateria, Voix Helge Filanda: Percussão Uschi Obermaier: Maracas, Voix Eleonore Romana: Percussão, Voix Peter Leopold: Bateria
O disco de estreia dos Grand Funk está prestes a completar meio século. O power trio da classe trabalhadora, vindo de Flint, Michigan, era um trem desgovernado desde o início. Não estamos falando de uma carreira que teve que dar passos graduais, eles explodiram desde a primeira parcela; antes dos anos 60 acabarem.
Apenas entre 18 e 21 anos: Mel Schacher no baixo, Don Brewer na bateria e Mark Farner na guitarra e vocal - esses dois últimos vieram de um grupo que não conseguiu decolar: Terry Knight and the Pack (1965-67), o mesmo Terry Knight que interpretou o produtor nas cinco primeiras placas da Ferrovia; além de permanecer como gerente. Impulsionados por outros tridentes que quebraram esquemas, como Cream e The Jimi Hendrix Experience, eles se refugiaram na Capitol Records para o lançamento de On Time ; em agosto de 1969 - com a capa referente ao Grand Truck Western Railroad, uma linha férrea ainda em uso; passando pela cidade do referido.
E desde o início, eles nos recebem com Are You Ready ; que com seus três minutos e meio é curto. As quatro cordas dão origem a Anybody's Answer , em um sentido nostálgico — que às vezes soa como Paint It Black , dos Rolling Stones. Segue-se o single promocional que avançou o álbum: Time Machine . Quase quatro minutos de pura elegância e frescura, que se recusa a envelhecer; com uma abertura de guitarra de marca registrada. A letra despreocupada, como a base, desliza sem esforço; nada ali entra à força, muito menos a gaita que aparece na última terça. E seguindo a pista, nessa vibe de blues, High on a Horse é costurado—Embora aumente o volume novamente.
TNUC é a desculpa para Brewer atacar no meio com um solo de bateria, sendo de fato a maior parte da música - muito na veia do que Led Zeppelin com Moby Dick , Deep Purple com The Mule ou Black Sabbath fariam alguns. tempo depois. com Sintoma do Universo . Enquanto isso, Side B ataca com mais densidade: primeiro com Into the Sun , toda a primeira parte Farner roubando os holofotes com um violão delicado; para que depois entre a mudança de ritmo batida e esfaqueada.
Heartbreaker está entrando em águas profundas. O segundo single promocional e forte gráfico do álbum; um lamento à flor da pele “que o está derrubando”, saltando de tons frágeis para acelerados — principalmente depois do final falso, com um retorno que nada retém. Meio tempo da mão de Call Yourself a Man , para abrir caminho para o original Can't Be Too Long ; e aparecendo na reta final a jovialidade de Ups and Downs .
Eles só precisavam de cinquenta minutos para cimentar seu caminho para o estrelato. Ainda primitivos, faltava-lhes uma rota para serem "The American Band"; junto com os teclados de Craig Frost — que chegaria para a sétima obra, de 1973; mas enquanto isso eles eram uma panela de pressão. Onde neste On Time , Mark Farner assumiu o grupo; mantendo 100% do crédito de composição. Ainda soando impecável em suas bodas de ouro
Com quase 100 mil streams em menos de uma semana, Muito Além, parceria entre Day Limns e Di Ferrero, ganhou um clipe que mostra a explosão de sonoridades e o renascimento do pop punk/emo. Com cenas de apresentação ao vivo, o vídeo chegou ao YouTube nesta sexta-feira (11).
Composta por Day Limns, Di Ferrero e Los Brasileiros, que também assina a produção do single, a faixa segue a mesma linha pop underground. Em resumo, uma mistura de punk, trap e pop, que a artista já vem realizando nos seus últimos trabalhos. O clipe apresenta uma releitura da “ilha” apresentada no vídeo de 7 Vidas.
“Construímos uma ilha onde o mar é simbolizado pelo bowl-piscina, e o palco é como se fosse o posto salva-vidas. Os “habitantes” são os skatistas, os amigos, o público – recrutado na nossa apresentação surpresa -, a banda etc. Mas nesse, não teve sereia pra me salvar quando eu ‘morri no mar’. Com isso, queria reforçar outro conceito já muito conhecido que é o D.I.Y (“Do It Yourself”, aspecto fundamental do punk rock). Isso me veio a partir do momento que entendi que quando eu me senti estagnada e frustrada era justamente quando eu comecei a esperar que os outros fizessem o que, muitas vezes, eu poderia estar fazendo por mim. Mas é claro que, fazer você mesmo não significa fazer sempre tudo sozinho”, explica Day.
“Acredito que esse clipe reforça muito essa ideia do corre, do correr riscos e de usar o que se tem nas mãos para realizar um sonho. E também existe um espírito de coletividade, das pessoas botando a mão na massa juntos por acreditarem num mesmo propósito ou mensagem; e mostra que esse processo por mais difícil e trabalhoso que seja, pode ser divertido”, completa.
Músico francês rolando sua barriga por alguns anos, Klod foi notavelmente parte dos metalheads do ADX e do grupo cult Taï Phong. É sob seu nome que ele lançou este primeiro álbum do Klod Project intitulado Or…
Deste álbum, podemos dizer que tem dois pontos fortes e dois pontos fracos. Em termos de pontos fortes, há originalidade. Em um mundo onde - seja qual for o estilo praticado ou quase - a música é muitas vezes formatada e sem surpresas, Klod decide fazer o que gosta. Entre Rock, por vezes Hard (alguns solos de guitarra bem sentidos), muitas vezes progressivo, mas sempre com um sentido real de melodia Pop e alguns toques jazzísticos agradáveis. Difícil resistir à classe de um “Caos da luz” que poderia ter seu pequeno sucesso nas ondas do rádio. Neste título, às vezes pensamos em Sade, às vezes em Paul Weller de Stanley Road. Mas as influências são múltiplas e um título pode convocar tanto o Genesis de Peter Gabriel quanto o Toto de Steve Lukather. O outro grande ponto forte é a interpretação dos músicos que é afiada. Apreciamos quando o tom é mordaz em "Tale of the present time", cativante em "Black Wedding" ou astuto em "Synapses".
Ao nível dos pontos fracos, vamos citar uma mistura que se mostra uma produção caprichada e uma atenção para destacar todos os instrumentos é muitas vezes em detrimento dos vocais. Este é realmente um pouco retirado em comparação com os instrumentos. Como resultado, muitas vezes é difícil entender a letra, o que prejudica a decisão de cantar em francês. Uma pena porque parecem interessantes, mas geralmente ficam em segundo plano. O álbum certamente se beneficiaria de ser remixado para destacar mais os vocais. Outro ponto fraco, o disco é muito longo. Uma sensação de cansaço acaba levando o ouvinte. Talvez devido à falta de variedade de andamentos, apesar das pequenas variações. Alguns títulos mais lentos e atmosféricos seriam bem-vindos. Mas sobretudo por causa das linhas vocais que tendem a se repetir de título em título, principalmente na abertura. Reduzir tudo para dez títulos pode ter sido sábio.
Afinal, se admirarmos a qualidade e a quantidade de trabalho que trouxe ao Or… , isso não nos impede de pensar que ainda devem ser feitas melhorias para o futuro. Especialmente em termos de canto que, se a voz for boa e justa, muitas vezes é repetitivo e muito atrasado na mixagem para poder integrar as letras.
Títulos: 1. Le Centre du Ciel 2. Chats Rudes 3. Chaos de Lumière 4. Soleil Bleu 5. J’abhorre Saturne 6. Le Conte du temps présent 7. Le Numéro de ton coeur 8. Noces noires 9. Zeste de vie 10. Jack Rouge 11. Corneille 12. Ailleurs 13. Synapses 14. Fontaine de Jouvence
"Hey now, hey now, don't dream it's over"... Este refrão, tenho certeza que todos vocês já ouviram pelo menos uma vez porque a música em questão ("Don't Dream It's Over") é um parte integrante da herança dos anos 80, tornou-se ao longo do tempo um hino intemporal. Terei a oportunidade de falar sobre este título um pouco mais abaixo na coluna, mas antes de tudo, é bom relembrar alguns fatos históricos. Após a separação do SPLIT ENZ (grupo neozelandês que trabalhou em New-Wave, Pop-Rock, Art-Rock) em 1984, o cantor/guitarrista Neil Finn e o baterista Paul Hester (que era australiano) fundaram o THE MULLANES em 1985, então desembarcaram um contrato com a Capitol no processo. Então, após algumas mudanças na formação, o grupo mudou de nome e se renomeou definitivamente CROWDED HOUSE.
CROWDED HOUSE então começou a gravar seu primeiro álbum entre Melbourne e Los Angeles. Um detalhe deste álbum deve chamar a atenção: é a presença de Joe Satriani nos backing vocals (o que foi confirmado pelos integrantes do grupo posteriormente), quando ainda era um ilustre desconhecido. Produzido por Mitchell Froom (que já foi tecladista do GAMMA alguns anos antes), o álbum de estreia sem título do CROWDED HOUSE foi lançado em agosto de 1986.
Foi, portanto, "Don't Dream It's Over" que tornou CROWDED HOUSE conhecido internacionalmente e foi o 4º single do álbum. Já que os 3 singles anteriores ("Mean To Me", "World Where You Live", "Now We're Getting Somewhere"), dos quais falarei um pouco mais tarde, não tiveram grande impacto (no máximo, um simples sucesso de estima na Austrália, nada mais), "Don't Dream It's Over" surgiu de certa forma como o single da última chance para CROWDED HOUSE e acertou em cheio: esta balada pop encantadora com melodias majestosas é um modelo de do gênero, ela esbanja classe em todo o seu esplendor com seu refrão de charme irresistível, um conjunto de forte conteúdo emocional, exala uma forte sensibilidade e sua escuta provoca uma sensação de bem-estar, de calma.
Na sequência de "Don't Dream It's Over", foi lançado um 5º e último single: "Something So Strong", colocado na 6ª posição do álbum. Esta composição Pop-Rock com acentos Folk e Heartland-Rock, bastante convencional em substância, é bastante bem composta, bem arranjada, permitindo a ocasião de admirar o artesanato dos músicos e o refrão é muito agradável, aguenta-se muito bem. Sem ter tido o mesmo impacto, "Something So Strong" fez melhor do que se defender nas paradas: 3º na Nova Zelândia, 7º nos EUA, 10º no Canadá, 18º na Austrália, 95º na Grã-Bretanha. Muitas bandas e artistas solo matariam para que um de seus singles chegasse a tal resultado... Sobre os 3 singles que antecederam o lançamento de “Don't Dream It's Over”, aqui vou eu. "Meio Para Mim", que tem a pesada tarefa de abrir o álbum, é uma composição entre Pop-Rock e Folk-Rock cheia de classe, elegância, tudo em finesse com suas melodias cativantes e encantadoras, seus metais que reforçam judiciosamente o todo, além de uma soberba refrão, tudo impulsionado pela voz impecável de Neil Finn. Este título contentou-se com um 26º lugar na Austrália, ficou em branco no resto do mundo e é uma pena porque tinha potencial para ter um grande sucesso a nível internacional. O mid-tempo "World Where You Live", também de conotação Pop-Rock, distingue-se por seus arranjos finos, com instrumentos que acariciam o ouvido de forma eficaz, além de um refrão bem encaixado nas mentes e, por não ter capa dura , começou a instalar o nome de CROWDED HOUSE fora do continente oceânico: 43º na Austrália, 65º nos EUA e 76º na Holanda. Quanto a "Now We're Getting Somewhere", é uma composição animada com arranjos sutis, ritmo à perfeição, bem apoiado por coros, um cantor imperial que exala um carisma louco e essa música, que tem tudo para agradar os fãs. the BEATLES, só fretou na Austrália (63º) e Nova Zelândia (33º).
Em relação aos outros títulos, há um que possivelmente poderia ter sido lançado como single, é "Love You 'Til The Day I Die". Esta composição pop-rock com acentos funky destaca particularmente o baixo, bem como guitarras suculentas e rodopiantes no refrão e se à primeira vista parece em sintonia com os tempos, o grupo australiano-neozelandês conseguiu injetar o toque pessoal toque necessário para que se destaque: Neil Finn parece possuído em seu jeito de cantar e o refrão, bastante poderoso, fica bem gravado nas memórias. No mesmo gênero, "That's What I Call Love" está apenas dentro dos limites do aceitável, nada mais e parece fundamentalmente menos inspirado do que "Love You...". Também em sintonia com os tempos, "Hole In The River" é uma composição bastante refinada, tudo em sobriedade com reforço de metais e piano no meio do título, enquanto "I Walk Away", na tradição de Bryan ADAMS, THE OUTFIELD, pode ser ouvido com prazer mesmo que as cordas sejam bastante fáceis (por exemplo, certas passagens melódicas são uma reminiscência do hit do THE OUTFIELD "Your Love"). Mais interessante é "Tombstone", um título entre Pop-Rock e Folk que está impregnado de melancolia, amargura, exala uma sensibilidade que não o deixará indiferente e cujo refrão é certeiro, impecável. Quanto a "Can't Carry On", é um título não muito longe de New-Wave que é passável, nada mais. certas passagens melódicas são uma reminiscência do hit "Your Love" do THE OUTFIELD. Mais interessante é "Tombstone", um título entre Pop-Rock e Folk que está impregnado de melancolia, amargura, exala uma sensibilidade que não o deixará indiferente e cujo refrão é certeiro, impecável. Quanto a "Can't Carry On", é um título não muito longe de New-Wave que é passável, nada mais. certas passagens melódicas são uma reminiscência do hit "Your Love" do THE OUTFIELD. Mais interessante é "Tombstone", um título entre Pop-Rock e Folk que está impregnado de melancolia, amargura, exala uma sensibilidade que não o deixará indiferente e cujo refrão é certeiro, impecável. Quanto a "Can't Carry On", é um título não muito longe de New-Wave que é passável, nada mais.
No geral, este primeiro álbum CROWDED HOUSE é inspirado, contém boas composições e não deve ser reduzido a apenas "Don't Dream It's Over". É verdade que alguns títulos se destacam claramente da multidão para se estabelecerem como clássicos. Ao ouvir este disco, sentimos em todo o caso um verdadeiro potencial em CROWDED HOUSE, a que não falta muito para atingir o estatuto de grupo intemporal porque soube demonstrar um know-how que muitos poderiam legitimamente invejá-lo: refrões, muitas vezes irresistíveis que batem em casa, melodias suntuosas, procuradas. De qualquer forma, este primeiro álbum do CROWDED HOUSE foi um grande sucesso: 1º na Austrália (e 6 vezes disco de platina), 3º na Nova Zelândia (e disco de platina), 8º no Canadá (e disco de platina), 12º no EUA, 20º na Holanda, 44º na Alemanha,
Tracklist: 1. Mean To Me 2. World Where You Live 3. Now We’re Getting Somewhere 4. Don’t Dream It’s Over 5. Love You ‘Til The Day I Die 6. Something So Strong 7. Hole In The River 8. Can’t Carry On 9. I Walk Away 10. Tombstone 11. That’s What I Call Love
Line-up: Neil Finn (vocal, guitarra, piano) Nick Seymour (baixo) Paul Hester (bateria) + Mitchell Froom (teclados) Tim Pierce (guitarra) Joe Satriani (backing vocals)
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
