Mark Lindsay, Hal Blaine e o hit nº 1 dos Raiders, ‘Indian Reservation’

 

Mark Lindsay, na capa de seu LP solo de 1970

Após a morte da lenda da sessão de gravação Hal Blaine em 11 de março de 2019, muitos dos artistas que fizeram gravações com os músicos de sessão de Los Angeles conhecidos como Wrecking Crew compartilharam histórias sobre como trabalhar com o baterista. Um desses músicos é Mark Lindsay , mais conhecido como o vocalista principal de Paul Revere and the Raiders

Em um período de 1965-1971, os Raiders, com Lindsay nos vocais principais, ganharam 11 singles no Top 20, incluindo um par de sucessos nº 4 de 1966, "Kicks" e "Good Thing". Em 1971, eles ganharam seu único hit nº 1 com "Reserva indígena (o lamento do índio da reserva Cherokee)".

Enquanto se apresentava na turnê Happy Together 2018, Lindsay teve o que ele chama de “alguns episódios de tontura no palco”. Após o término do passeio, ele marcou um exame físico e, a caminho da consulta, desmaiou e sua esposa, Deb, dirigiu até o pronto-socorro. Acontece que parte de sua “fiação” estava desgastada e ele não estava recebendo oxigênio suficiente. Um marcapasso foi instalado.

Best Classic Bands falou com Lindsay , onde ele está aproveitando o sol da Flórida e ele nos disse: “Eu realmente me sinto 10 anos mais jovem do que quando isso aconteceu.” Ele comemorou seu 80º aniversário em 9 de março de 2022.

Em 1971, Lindsay estava procurando material para um novo single de Mark Lindsay. O chefe de A&R da Costa Oeste da Columbia Records, Jack Gold, chamou-o: “Tenho seu próximo single”, sugerindo “Reserva indígena”.

A música foi escrita por John D. Loudermilk, que também escreveu "Tobacco Road" e "Then You Can Tell Me Goodbye". Lindsay ficou intrigada; o livro Bury My Heart at Wounded Knee foi um best-seller atual do NYT e o próprio Lindsay é parte Cherokee.

Com a produção de Lindsay - seu produtor usual, Jerry Fuller, não estava disponível - os membros do Wrecking Crew foram selecionados para a sessão por Artie Butler, que organizou as paradas e tocava piano e órgão; Al Casey na guitarra; Vic Feldman em vibrações e vibraslap; e Carol Kaye no baixo.

Na bateria estava Hal Blaine. “Hal sempre foi o primeiro músico a chegar ao CBS Studios em Hollywood quando tínhamos uma data de gravação”, lembra Lindsay. “E lá estava ele, mais uma vez, primeiro em cena para a sessão 'Reserva Indígena'.

“Cheguei logo depois dos engenheiros e estava muito nervoso porque nunca havia me produzido antes, e esse seria um disco de Mark Lindsay.”

Glen Campbell (à direita) com o baterista Hal Blaine em uma sessão do Wrecking Crew (Foto: Arquivos de Denny Tedesco; usado com permissão)

Ele continua: “Havia uma infinidade de baterias montadas e microfonadas, e Hal estava ajustando seu kit. Ele me viu na cabine e acenou para que eu saísse no andar do Studio A, a grande sala da CBS. Hal estava muito animado. 'Desenterre isso, cara!' ele disse, mostrando-me a nova configuração. 'Acabei de mandar fazer e mal posso esperar para experimentá-los!'

“Junto com seus tons pequenos, médios e de chão, ele tinha um rack de sete tons em um tubo curvo que se estendia ao redor de seu kit para a direita. 'Olha, cara! Eu posso fazer uma oitava e meia!' E ele me mostrou enquanto percorria o kit.

"Uau!" Lindsay respondeu. “Isso é muita bateria. Espero que possamos usar alguns deles hoje.

“Fizemos algumas revisões e houve algumas partidas e paradas, pois os jogadores queriam esclarecimentos sobre algumas notas aqui e ali em seus gráficos. Quando tudo foi resolvido, eu disse: 'Enrole a fita!' e marcou a tomada 1. Artie contou e lá fomos nós.

“Quando chegamos ao primeiro refrão, havia um preenchimento de 2 compassos para a bateria. Não acho que Artie tenha escrito os preenchimentos, deixando isso para Hal e seu gosto impecável. Hal tocou 4's em seu chimbal e pratos no primeiro compasso e meio, e preencheu a última metade do segundo compasso com tons-tons.

“Eu gritei: 'Pare a fita!' e apertou o botão de resposta. 'Hal, você pode tocar 4 no primeiro compasso, mas preencher todo o segundo compasso?' “Começamos o Take 2 e Hal jogou de acordo. Parei a fita novamente. 'Hal', eu disse, 'quando chegarmos a essa seção desta vez, preencha os dois compassos... e use quantos tons quiser!'”

Depois que os músicos saíram, diz Lindsay, ele e Butler estavam ouvindo a reprodução. “Eu disse a ele: 'Acabou rápido demais. Precisamos de algum tipo de final dramático como o órgão em “Society's Child” de Janis Ian. Ele disse: 'Por que não usamos isso?' Eu disse a ele que não podemos simplesmente roubar isso. Ele disse: 'Não se preocupe com isso. Eu fiz aquela sessão; esse é o meu lick, cara!'”

Após a sessão, eles trouxeram cantores de fundo e adicionaram cordas, mapeadas por John D'Andrea.

“Quando terminamos, pensei que era a melhor coisa desde o pão de forma, mas me perguntei se estava sendo objetivo. Seria o maior disco rígido ou o maior sucesso.

“O resultado - com a excelente bateria de Hal - até hoje eu acho que 'fez' aquele álbum."

Este anúncio para o single apareceu na edição de 10 de abril de 1971 da Record World

O single, anunciado como Raiders, teve um início lento nas paradas. Estreou em 10 de abril, mas perdeu sua "bala" duas semanas depois. Ele continuou uma lenta ascensão nas paradas Record World e Billboard .

“Na mesma época”, diz Lindsay, Paul Revere fez uma viagem de moto pelo país. “Sempre que via uma torre de rádio, ele entrava e dizia: 'Você precisa tocar meu disco'. Paul entraria em contato com o representante local de promoção da Columbia. Ele deu a eles aquele gancho e, para seu crédito, eles se inclinaram para ele.

Em 29 de maio, ainda fazendo sua lenta ascensão, o single recuperou sua bala, em # 37. Quatro semanas depois, chegou ao Top 10. Finalmente, em 17 de julho, atingiu o primeiro lugar, onde permaneceu por três semanas.

Ouça Blaine fazer mágica em “Indian Reservation (The Lament of the Cherokee Reservation Indian)”

“Acabou se tornando o 45 mais vendido da história da CBS Records, e só foi superado anos depois por Michael Jackson com 'Billie Jean'”, diz Lindsay, orgulhosa.

O gráfico de 31 de julho de 1971, onde "Reserva indígena" foi o número 1 em sua 3ª semana

“Tive a sorte de estar presente naquele dia mágico em que Hal trocou as baterias para sempre. E estou convencido de que a adrenalina extra e a emoção de tocar o novo conjunto de bateria levaram Hal ao limite de uma grande performance para uma performance icônica.

“Hal Blaine, baterista. Que cara legal e que gato talentoso pra caralho. Ele era único e eu, junto com milhões de outros amantes da música, sentiremos sua falta para sempre.

“Sempre que você ouve um trovão que soa meio rítmico, provavelmente é apenas Hal. Continue jogando!

'Green River' do Creedence: Admita, você não conhece a letra

Por que a capa da foto não era verde? Pedindo um amigo...

John Fogerty tem uma maneira única de pronunciar certas palavras. Pegue a palavra “dobrar”, por exemplo. Quando ele canta em sua gravação de 1970 com o Creedence Clearwater Revival, “Up Around the Bend”, ele estende a palavra, dando-lhe um “e” forte em vez de um “e” suave.

Creedence lançou o álbum Green River em 1969, o segundo de três LPs de estúdio do grupo naquele ano, e o primeiro a alcançar o primeiro lugar. Nesse mesmo ano, eles começaram uma série de singles no Top 5 que ainda rivaliza com o sucesso de qualquer banda, incluindo clássicos favoritos do rock como "Proud Mary", "Bad Moon Rising" e "Down on the Corner". Provavelmente, você já ouviu centenas de vezes a composição de Fogerty de 1969, “Green River”, e a cantou dezenas de vezes no rádio do carro. Mas, considerando as imagens criativas de Fogerty e seu estilo vocal único, você conhece a letra real?

Bem, leve-me de volta para onde a água fria flui, sim… Hmm… conhecia o começo, mas não a parte da “água fria”…
Deixe-me lembrar de coisas que eu amo… Quase sabia disso…
Parando no tronco onde o peixe-gato morde… O “ registro"??? Sério???
Caminhando ao longo da estrada do rio à noite,
Garotas descalças dançando ao luar. Ok, conhecia essas duas falas…

Eu posso ouvir o sapo me chamando. Acertei isso… Será que
minha corda ainda está pendurada na árvore…. Meio que já conhecia essa parte…
Adoro chutar os pés na água rasa. Tranquilo ...
Shoefly, libélula, volte para sua mãe.
Pegue uma pedra chata, pule pelo Green River. Tudo faz sentido agora.

No acampamento de Cody eu passava meus dias, oh... acampamento de Cody? Seriamente?
Com pilotos de carros planos e caminhantes de amarras cruzadas. Confiança zero agora…
Velho Cody, Junior me assumiu,
Disse, “Você vai descobrir que o mundo está fumegando. Ta brincando né?
E se você se perder, volte para casa em Green River. A confiança voltando…

Assista ao vídeo da letra de “Green River”, para ajudá-lo a decifrar completamente a grande música

Fogerty explica como a música surgiu. “Quando eu era bem jovem, minha família viajava para Winters, Califórnia. Tínhamos uma cabana lá e é um lugar onde aprendi a nadar e a pescar. Claro, libélulas e outras criaturas estavam na mistura. Muito do cenário e essas memórias entraram na música.

“Na rua onde eu morava tinha uma farmácia que tinha refrigerante. E uma das bebidas que eles faziam para você era um Green River. E eu olhei para o rótulo daquela garrafa de xarope quando eu tinha cerca de oito anos e disse: 'Vou guardar isso. Isso é importante.'"

Foi lançado como um single duplo A com "Commotion" em julho de 1969.

Vídeo bônus…  Assista a banda tocar seu hit no  The Andy Williams Show

Beyond the Black lança clipe de "Dancing In The Dark", canção de seu novo álbum

 

"Dancing In The Dark" integra o homônimo 5º álbum de estúdio do Beyond of Black, que chegará no dia 13 de janeiro próximo, via Nuclear Blast.

O trabalho sucederá "Hørizøns" (2020).

Assista ao clipe de "Dancing In The Dark" ou ouça na sua plataforma de streaming preferida, clicando AQUI:

Tracklist:

1. Is there Anybody Out There?

2. Reincarnation

3. Free Me

4. Winter Is Coming

5. Into The Light

6. Wide Awake

7. Dancing In The Dark

8. Raise Your Head

9. Not In Our Name

10. I Remember Dying

11. I Remember Dying (Stranger Reprise)

12. Wide Awake (Piano Version)

13. Raise Your Head (String Version).

Marcela Bovio lança "Loneliness anthem #1", single de seu novo EP

 

Faixa integra o EP "A Song of Death, A Song of Pain", que chegará no dia 9 de dezembro próximo.

A cantora Marcela Bovio, já conhecida por seus trabalhos com o Elfonia, Stream of Passion, The Gentle Storm, Ayreon, MaYan, Dark Horse White Horse, além de inúmeras colaborações com vários artistas, lançou hoje a canção "Loneliness anthem #1", o 2º dos 2 singles que comporão o EP vindouro "A Song of Death, A Song of Pain", que chegará em diversos formatos (pré-venda) no dia 9 de dezembro próximo.

A cantora discorreu sobre a canção:

"Lancei uma nova música hoje. E eu já disse isso no "Loneliness anthem #2", MAS! Acho que esta pode ser a música mais triste que já escrevi... é, claro: "Loneliness anthem #1".

Inclui um dos meus momentos de coral em estilo barroco de que mais me orgulho 😊 e apresenta o convidado especial Raphael Weinroth-Browne no violoncelo. Você deve conhecê-lo por seu trabalho incrível com a banda Leprous, da qual sou uma grande fã, ou por seu trabalho solo mágico. Fiquei super feliz que ele concordou em colaborar nesta faixa! Confira aqui abaixo:"

Assista Bovio entoando "Loneliness anthem #2", disponibilizada anteriormente.

Pink Floyd: Há 46 anos, Algie, o porco voador de 'Animals' ganhava os céus

 

Talvez seja um dos maiores aplausos a receber no mundo da música se você ou sua banda forem descritos como ecléticos. O Pink Floyd certamente cai na classificação de ser quase impossível de classificar. De seu começo humilde, mas estelar como uma banda de rock psicodélico dos anos 1960, eles se mudaram para os anos 1970, sempre fazendo esforços concentrados para adaptar seu som a algo orgânico. Depois de uma série de álbuns irregulares no final dos anos 60, o grupo chegou ao som que os impulsionaria ao estrelato com o lançamento de "Meddle" em 1971, que foi rapidamente usurpado pelo poder de "The Dark Side of the Moon", sem dúvida a obra-prima do Pink Floyd. . A essa altura, a banda havia criado sua própria estranha mistura de gêneros, do blues ao jazz e a maioria dos intermediários.

Depois de "Dark Side of the Moon", o Pink Floyd manteve essa combinação vencedora de genética musical em meados da década de 1970 com o lançamento de "Wish You Were Here", que foi destacado pelo épico de nove partes 'Shine on You Crazy Diamond', escrito sobre O ex-membro fundador Syd Barrett, que havia deixado a banda em meio a problemas com doenças mentais cerca de sete anos antes, e também a faixa-título acústica extremamente acessível 'Wish You Were Here'. Quando começaram a trabalhar em seu décimo álbum de estúdio, a banda voltou à prancheta, não para a composição musical, mas para o assunto, onde os dois álbuns anteriores foram bastante focados internamente em explorar temas de loucura, envelhecimento e vício, este próximo álbum foi criado para apontar o dedo para a sociedade e o status quo.

"Animals" foi lançado em 1977 e teve um bom desempenho nas paradas, alcançando o número dois no Reino Unido e o número três nos Estados Unidos, apesar dos tempos de execução não comercialmente simpáticos das faixas, uma marca registrada de grande parte da discografia do Pink Floyd. O álbum consiste em apenas cinco músicas: 'Dogs', 'Sheep', 'Pigs on the Wing (partes um e dois)' e 'Pigs (Three Different Ones)'. Os títulos dessas músicas apontam para o conceito do álbum antes mesmo de ouvir as letras reveladoras. O Pink Floyd havia apostado em um álbum conceitual inspirado em George Orwell, baseando o conteúdo na sátira política de "Animal Farm", onde Orwel astutamente apresentou as doenças inevitáveis do mundo ocidental, onde os porcos controlam o poder com os cães trabalhando para eles para manter as ovelhas na linha.

O álbum apresenta temas de coerção política e ansiedade em meio à paisagem sonora sombria esculpida por algumas seções rítmicas impressionantes. É, sem dúvida, uma adição muito impressionante ao rio interminável de conceitos belos e eruditos do Pink Floyd, mas o que mais me chama a atenção neste álbum, em particular, é a arte da capa. A imagem mostra a Battersea Power Station, o símbolo supremo do domínio industrial com sua subestrutura semelhante a uma prisão e chaminés ameaçadoras empoleiradas em cada esquina. Acima da estação há um porco voador que presumi, em minha juventude ingênua, deve ter sido adicionado pelas forças mágicas dos métodos de design gráfico da era pré-computador.

Infelizmente, eu estava errado. O Pink Floyd pensou que eles iriam aproveitar o dia e partiram para o oeste de Londres em 2 dezembro de 1976 para inflar um modelo de porco de 40 pés de comprimento projetado por Roger Waters chamado 'Algie'. Na primeira tentativa, a banda e a equipe artística de apoio da trupe de design de Londres, Hipgnosis, contrataram um atirador treinado pronto para atirar e derrubar o poderoso porco caso as amarras do cabo falhassem e o soltassem ao vento. Infelizmente, depois de algumas tentativas de inflar o porco gigante, ele não conseguiu voar. Cansados da derrota, resolveram remarcar para o dia seguinte.

No dia seguinte, o porco finalmente partiu do chão subindo para o céu a algumas centenas de pés no ar, permitindo que os fotógrafos tirassem a famosa foto pronta para ser gravada na história. No entanto, o drama não parou aqui; os ventos estavam fortes neste segundo dia de filmagem e a equipe Hipgnosis havia ironicamente negligenciado a contratação do atirador novamente em caso de emergência. E eis que o porco se esforçou contra as amarras do cabo e se libertou no espaço aéreo de Londres, subindo para a visão dupla dos pilotos de linha aérea a 30.000 pés.

A comoção se espalhou quando os voos de Heathrow e Gatwick foram cancelados e a Royal Airforce enviou um esquadrão de pilotos de caça em busca de um porco voador gigante. Eles não tiveram sucesso porque o radar em suas aeronaves falhou em detectar a consistência plástica do porco. Felizmente, mais tarde, ao anoitecer, a equipe do Hipgnosis recebeu uma ligação de um fazendeiro perplexo em Kent que havia encontrado um porco gigante boiando em um de seus campos, alarmando seu gado, que, imagino, se sentiram bastante amedrontados. Depois de um dia tão estressante, a equipe e a banda ficaram aliviadas. Essa história um tanto pitoresca, eu acho, torna a já notável capa do álbum ainda mais memorável, pois ela se posiciona orgulhosamente na prateleira da história do rock progressivo.

The Residents – Triple Trouble: The Original Soundtrack Album (2022)

 

Triple Trouble: The Original Soundtrack Recording é um álbum de trilha sonora de The Residents , apresentando sete “suítes coladas” contendo pistas musicais estendidas, diálogos e alguns “temas familiares” do longa-metragem de 2022 do grupo com o mesmo nome.
O álbum da trilha sonora foi anunciado pelo co-roteirista e diretor do filme, Homer Flynn, da The Cryptic Corporation, em meados de dezembro de 2020; nesta época, o álbum tinha o título provisório de Endless Illusions . Flynn também observou que as ideias desenvolvidas por The Residents durante a gravação da trilha sonora de Triple Trouble "abriram uma porta para o que eles podem querer fazer com o próximo álbum".
A banda sonora (mais tarde com o título alterado…

MUSICA&SOM

…para simplesmente Triple Trouble ) estava “na lata” em maio de 2022, com os gráficos sendo finalizados em fevereiro. Ele estava originalmente planejado para ser lançado em junho, mas acabou sendo adiado para seguir a estreia do filme no Chicago Underground Film Festival em setembro.

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“Do sacerdócio ao encanador: após a morte de sua mãe, um homem idealista, mas emocionalmente isolado, substitui sua crença em Deus pela fé em fungos…”

Mergulhe fundo na psique de Randall “Junior” Rose, filho de uma estrela do rock recentemente falecida e um ex-padre que perdeu a fé na igreja. Convencido de que um fungo é uma ameaça para a humanidade, e acompanhado por sua única amiga Cherry, um drone aprimorado por IA, Junior lentamente reúne evidências para apoiar sua teoria bizarra, ficando fora de controle no processo…

David Bowie – Toy (2022)

 

O “álbum perdido” do ano 2000 é finalmente editado, trazendo-nos um Bowie feliz a dar novas roupagens a alguns dos seus temas de início da carreira

No dia em que David Bowie faria 75 anos, é finalmente editado Toy, o “álbum perdido” gravado em 2000 e que há muito era ansiado pelos fãs mais conhecedores.

A história começa após o triunfante concerto de Bowie em Glastonbury, no ano 2000. Sentindo-se com energia, o cantor decidiu que era altura de se atirar a uma ideia que tinha na cabeça há alguns anos: revisitar de forma totalmente nova alguns dos seus primeiros temas, dos anos 60. Agarrou na sua banda de então e marcou estúdio. Tinha o alinhamento relativamente estabelecido, que era uma mistura de temas menos conhecidos compostos a partir de 1965, alguns lados B e até uma música gravada nas sessões de Ziggy Stardust mas nunca editada.

As gravações correram bem, já que Bowie e a banda se encontravam num momento de grande vitalidade. O músico queria, de facto, que todos encarassem os temas como se tivessem acabado de ter sido escritos, e sugeriu fortemente que ninguém (nem ele) devia ir ouvir as versões originais. O resultado disto é que as canções surgem realmente com uma nova vida, e mesmo para quem conhece os temas como foram originalmente gravados há uma frescura e um ar de novidade.

Bowie ficou muito entusiasmado com o resultado das gravações e queria editar o disco, chamado Toy, imediatamente, de surpresa. Acontece que a editora tinha outros planos: tinham acabado de disponibilizar digitalmente o catálogo de Bowie, para download, e queriam focar as energias na promoção disso e não de um novo disco que, na verdade, não era de material novo. Por outro lado, a EMI/Virgin foi adiando a data de lançamento para não coincidir com outras edições grandes que tinha programadas, enquanto ao mesmo tempo vivia no meio de um tumulto financeiro que privilegiava apostas mais certas. Resultado: Bowie partiu para o disco novo que a EMI queria, mas não o fez com essa editora. Zangado com o tratamento dado a Toy, saiu para a Columbia, pela qual editaria, em 2002, Heathen.

Nos anos seguintes, Bowie nunca esqueceu Toy. Tanto assim foi que foi retirando fatias deste para lados B de novos singles e autorizando a sua inclusão em compilações. Por outro lado, em 2011, uma versão de Toy foi divulgada online (ainda que ligeiramente diferente do que é editado agora), levando a que os fãs mais conhecedores já soubessem o que lá estava.

Agora, Toy vê finalmente a luz do dia, em todo o seu esplendor (e carregadinho de extras). Em Novembro de 2021, saiu na caixa Brilliant Adventure, que reúne os seus discos de 1992 a 2001; e em Janeiro de 2022, coincidindo com o 75º aniversário de Bowie, ganha edição autónoma.

Focando-nos nos 12 temas de Toy, o que temos é um olhar de uma banda moderna sobre temas quase todos pré-“Space Oddity”, música que acabaria por dar o verdadeiro impulso ao início da carreira de Bowie, depois de alguns trabalhos pouco reconhecidos comercialmente (mas que o autor destas linhas recomenda vivamente!). O que não deixa de ser curioso é que quando ele se reinventa em 1969, já em modo “Major Tom”, renega o seu primeiro disco, impregnado de muito british vaudeville, acabando mesmo por chamar David Bowie ao seu segundo disco (exactamente o mesmo nome do primeiro que, para ele, fora uma falsa partida e era para ser esquecido). Ora, 30 anos depois, Bowie regressa a músicas desse tempo pré-sucesso, mostrando que havia feito as pazes com essa fase.

Temos muitos pontos de interesse nestes 50 minutos de música: desde a recuperação da excelente “Karma Man” à balada elegante de “Conversation Piece”, passando pela oração da inédita “Shadow Man” (a tal que vem das sessões de Ziggy Stardust, em 1971) ou pela pop de “Let me sleep beside you”, a rockalhada de “Can’t Help thinking about me” ou a viagem bowieana do único tema original surgido no meio de uma jam dessas sessões de 2000, “Toy (Your turn to drive)”.

As 12 músicas dão-nos, assim, um pouco do Bowie mod e do Bowie folk antes do mergulho no glam, mas pelos olhos do Bowie de 2000 e da sua banda, assentes no som de discos da época como Hours, de 1999, ou o seguinte Heathen, de 2002.

Se juntarmos a isto o cofre de extras, a fasquia sobe ainda mais: o segundo disto cheio de remisturas e versões diferentes e o terceiro todo em formato acústico, com novos instrumentais gravados recentemente por Earl Slick e Mark Plati, que fizeram parte da equipa original do projecto Toy (com Plati a co-produzir, com Bowie).

Não há aqui nenhuma grande revelação nem estamos perante um dos melhores discos da fabulosa carreira deste alien londrino. Mas é um disco bem feito, com uma banda claramente num momento positivo e um Bowie enérgico e divertido com o que tinha entre mãos. E, sendo uma edição póstuma, não estamos perante uma editora a rapar o tacho já vazio com obscuros out-takes ou temas rejeitados, e sim um disco pelo qual o próprio autor sempre teve grande carinho. Juntando aos extras bem cuidados e interessantes, temos aqui uma compra obrigatória para quem segue a discografia de David Bowie.

E que bem sabe, agora que ele infelizmente partiu, ouvirmos música sua que nunca havíamos escutado….