domingo, 8 de janeiro de 2023

Disco Imortal: Public Image Limited (1978)

 Disco Inmortal: Public Image Limited (1978)

Virgin Records, 1978

“Se o rock and roll vai me destruir, vou garantir que o rock and roll seja destruído comigo ”, disse Johnny Rotten (John Lydon) sem rodeios no final dos anos 1970. Continuando o mesmo estilo irado que o marcou com os Sex Pistols, Lydon queria mostrar ao mundo que ele também estava com medo, mas que não ficaria de braços cruzados vendo a Inglaterra queimar e desaparecer no desespero pós-punk.

Corria o ano de 1978, e em diferentes estúdios PIL gravou aquela que seria a sua estreia na indústria musical. Para muitos, era desaprovado que o 'Rei do Punk' buscasse novos caminhos e sonoridades, deixando para trás a dureza e simplicidade que tinha ao lidar com a monarquia do Reino Unido e todos aqueles que queriam levar aqueles que eles foram deslocados e afundados na merda. “Você já se sentiu enganado?” , a frase marcante que ele teve em sua última turnê com os Pistols pressagiava que essa nova formação provaria que essas palavras estavam certas. Porém, a situação seria oposta e o golpe para os críticos e os mais acérrimos fãs do punk seria duro.

As dúvidas e desconfianças que Lydon tinha naqueles anos eram muito fortes. Sua personalidade estava mudando e os medos estavam se tornando cada vez mais recorrentes. O que aconteceu? Ele começou a ficar paranóico e acreditou que seu nome estava sendo investigado e estava sob suspeita por tudo o que havia feito com seus ex-colegas. A reflexão começou a dar coerência a um projeto ambicioso e Lydon acreditou que esse era o caminho. Quanta razão o tempo daria ao primeiro full-lenght da banda! Sob o título de Public Image ou também conhecido como First Issues, John entrou em uma nova fase em que seria rotulado no pós-punk. "Tema" é escolhido para abrir o LP e demonstrar todos os itens acima:"Agora eu entendo (ha, ha, ha) / O tema continua e continua / Não é mais o mesmo / Não, nunca, nunca não / Desejo / Desejo / Desejo poder morrer" , ha) / Tema que continua e assim por diante / Não é mais o mesmo / Não, nunca, nunca não / eu desejo / eu desejo / eu gostaria de poder morrer») . O baixo de Jah Wobble, a distorção da guitarra de Keith Levene, mais uma bateria suja de Jim Walker brandiram o que seria uma estranha melodia que nos dá argumentos suficientes para prestarmos atenção ao que são mais de 9 minutos de deliberação e uma espécie de suicídio calculado nos gritos de Lydon “ Eu gostaria de poder morrer”.


A direção experimental da banda já estava de pé e os impulsionava a fazer declarações em relação ao culto e aos cultos vigentes. «Rezas ao Espírito Santo quando chupas o teu hospedeiro / Lês quem morreu no Irish Post / Dás o dinheiro que não podes pagar / De joelhos e rezas ao senhor» («Rezas ao o Espírito Santo Santo quando você chupa seu anfitrião / Você lê quem está morto no Irish Post? / Você dá o dinheiro que não pode pagar? / De joelhos e reza ao senhor") , lê o que é Religião 1 , uma introdução feroz e eloqüente Lydon para continuar com Religião 2, que é uma amostra de colagem e dadaísmo atacando as autoridades católicas.

“Public Image” seria o hino deste álbum e uma música que está completamente fora daquilo que são as primeiras faixas. O hit devolveu a esperança a um álbum sombrio e cheio de desolação. A luminância do som desta peça é acompanhada por várias revelações sobre qual foi a relação que teve com Malcolm McClaren e a imprensa conservadora que sempre que possível sobrecarregava os Sex Pistols com capas e artigos. O single ficou entre os dez primeiros nas paradas do Reino Unido e a capa foi simplesmente um retrocesso para todos que a atacaram.

"As meninas que me levaram para o chá" ("As meninas que me levaram para o chá").

"Annalisa" foi uma das melhores essências do que é rock de garagem e a união com o que são os fracassos e frustrações da juventude inglesa. “Fodderstompf” fecha o prato com um ritmo dançante na vanguarda da música disco e que nos faz fazer uma comparação com o que faria o rapper nova-iorquino Kurtis Blow no início dos anos 80. Sim, devemos ser cautelosos com essa comparação, mas a versão de Image é mais sinistra e porque não, reconhecê-la como uma das melhores expressões em inglês de como era o rap e o hip hop do século 20 nos Estados Unidos.

A estreia do inglês da Public Image Ltd não foi isenta de polémica e censura. A Warner Bros. tentou comercializar o disco na América do Norte, mas a indústria os evitou porque seu som não era comercial o suficiente. O PIL não desistiu e gravou novas faixas do LP, mas o álbum só foi distribuído muitos anos depois, porque não havia como voltar atrás. Esse disco deixou a mesma sensação de “Vertigo” de Alfred Hitchcock: incompreensão da indústria. No entanto, esta longa duração aliada ao que foi o trabalho do “Mestre do Suspense” mostra-nos o desconhecimento que tanto a crítica como as editoras tiveram para não acomodar duas obras que com o passar do tempo viriam a ser reconhecidas mundialmente. A eloquência em cada música que completa quase 40 minutos, transpassa com a melancolia e vitalidade,

Disco Imortal: Death – The Sound of Perseverance (1998)

 

Disco Inmortal: Death – The Sound of Perseverance (1998)

Nuclear Blast / Relapse Records, 1998

“Quem luta contra monstros deve se certificar de que não se torne um monstro no processo. E quando você olha para um abismo, o abismo também olha para você" , é a frase de Friedich Wilhelm Nietzsche que aparece dentro de "The Sound of Perseverance", para receber o sétimo e último álbum do Death parece difícil à primeira vista e, claro, ouvindo. Contém muito do que se pede: agressividade e velocidade. No entanto, explora a melodia e contém uma ampla gama de sons que o torna um dos essenciais do rock.

O LP abre o fogo com “Scavenger Of Human Sorrow”, uma obra de metal progressivo que percorre melodias muito bem definidas na guitarra de Shannon Hamm e do vocalista Chuck Schuldiner. Ambos se compactam furtivamente para arranjar harmonias misturadas com os gritos raivosos de Schuldiner. “Grandes palavras, mente pequena / por trás da dor você encontrará / um necrófago da tristeza humana / necrófago / teoria abstrata a arma de escolha / usado pelo necrófago da tristeza humana / necrófago” um necrófago da dor humana / necrófago / teoria abstrata a arma de escolha / usado pelo necrófago da dor humana / necrófago"), diz parte da letra da primeira faixa do álbum, que nos deixa com aquela sensação arraigada de que os nativos da Flórida estavam em uma nova etapa e queriam consagrá-la com ataques a todas aquelas pessoas que lucram ou obtêm benefícios através Sofrimento.

Control Denied, foi o projeto de power metal progressivo de Chuck que nasceu em meados dos anos 90 e que carrega parte da nuance usada para dar vida ao último álbum. Com “Bite The Pain” mergulhamos em novas passagens com uma harmonia que converge numa escuridão niilista que terá grande arte neste trabalho. Para muitos, toques de jazz são bem exigidos e utilizados pelo baterista Richard Christy, algo um tanto atípico no som death metal daqueles anos e que se materializa naquele tipo de balada mais delicada e melancólica chamada "Voice Of Souls". . Este disco é como se tudo o que foi detectado em Schuldiner em 1999 fosse um prelúdio. O câncer que o afligiu e contra o qual lutou até 2001. Além disso,

"Human At Sight, Monster at Heart / Don't Let In Inside It Could / Tear You Right" é um trecho de "Spirit Crusher" que nos traz de volta à frase de Nietzsche e é aqui que o acento deve ser colocado, pois é uma música feita com escrita narrativa, já que contém a introdução, desenvolvimento e desfecho nos instrumentos dos americanos e com uma história estruturada e clamando por aquele monstro. Com uma velocidade vertiginosa, encontramos "To Forgive Is To Suffer" que contém diferentes ritmos, tanto na bateria, guitarra e baixo, mas com um magnífico solo de Hamm que beira a loucura.


Com “Painkiller”, original do Judas Priest chegamos ao fim deste disco. Para grande parte dos fãs, esse cover surpreendeu, pois viam a banda de Chuck fazendo mais covers de bandas na categoria de Testament ou Slayer, pois este último, toda vez que podia fazer, os homenageava com "Black Magic" do álbum “Show No Mercy” de 83. Porém, a homenagem que prestam aos britânicos é considerada de ponta, apesar de ter alguns entulhos na voz de Schuldiner por tentar acertar as mesmas notas de Rob Halford.

O último álbum do Death é considerado sua obra-prima pelos ritmos que experimentaram e conseguiram atingir corretamente. As melodias são devastadoras, juntamente com a voz de Chuck, afastam-se dos cânones impostos até então do que era o death metal, para agregar o som progressivo no seu melhor. A capa artística feita por Travis Smith reflete a perseverança de homens escalando uma montanha sangrenta e a produção de Jim Morris e do próprio Schuldiner nos dão a trilha sonora da paciência e tenacidade que se deve ter diante das adversidades. A voz gutural de Chuck era coisa do passado e essa nova amostra foi considerada o ponto de virada para seguir um caminho pelo qual eles seriam lembrados vinte anos depois. O álbum está atualmente disponível em versão dupla,

Nando Reis convida Jade Baraldo para uma nova versão de “A Fila”


 O cantor Nando Reis lançou, nesta quinta-feira (5), a regravação da faixa A Fila, com a participação especial de Jade Baraldo. A música, que integra álbum 12 de Janeiro, disponibilizado em 1995, ganhou essa versão especial e fará parte da edição comemorativa do álbum, com lançamento no dia do aniversário do cantor.

“Essa música é muito importante na minha vida, uma das poucas parcerias minhas com o Marcelo Fromer”, conta Nando.

Com produção de Pupillo e gravada no estúdio Da Pá Virada, A Fila chega agora com a voz da cantora Jade Baraldo em parceria com Nando.

“Jade cantou lindamente nessa regravação, sua interpretação se encaixou perfeitamente dentro do novo arranjo”, elogia o cantor.

Os fãs poderão assistir também as cenas de Nando Reis e Jade Baraldo em estúdio, na ocasião da gravação. O videoclipe está disponível na página oficial do cantor no Youtube.

Bandas Raras de um só Disco

 

Cosmic Travelers - Live! At The Spring Crater Celebration Diamond Head, Oahu, Hawaii (1972)


Banda americana formada em 1972 por experientes músicos de estúdio, apenas para um evento chamado Diamond Head Crater Celebration, realizado dentro de um vulcão inativo em Oahu, no Hawaii.

Sem praticamente tempo para ensaios, fizeram essa apresentação memorável, que felizmente foi registrada no único álbum da banda. Guitarra comendo solta e uma cozinha de primeira, fazendo um Hard Blues direto e cru, tudo isso dentro de um vulcão! Impossível imaginar a atmosfera que rolava ali!

Drake Levin ainda fez parte da banda Paul Revere & The Raiders, Friendsound e Brotherhood, Joel Christie da Lee Michaels Band e Dale Loyola, a "Mula", na banda Hook. 
Integrantes.

Drake Levin (Guitarra)
Jimmy Mcghee (Guitarra e Vocais)
Joel Christie (Baixo e Vocais)
Dale "The Mule" Loyola (Bateria)
 
 
01. Farther Up The Road (9:08)
02. Move Your Hands (6:40)
03. Jungle Juice (3:41)
04. Look At You Look At Me (10:08)
05. Soul (6:40)
06. Soul Reprise (2:20)



BIOGRAFIA DE Captain Beyond

 

Captain Beyond

Captain Beyond foi criada em 1972 por Larry ‘Rhino’ Reinhardt (ex- Iron Butterfly), Lee Dorman (ex-Iron Butterfly), Bobby Caldwell e Rod Evans (ex-Deep Purle). 

Pouco tempo depois, assinaram contrato com a Warner. Em 1972 apresentaram o primeiro álbum. 

Em 73 lançaram o segundo álbum, mais virado para o progressivo. Devido á pouca receptividade dos fãs, a banda fez uma pausa até 1977, altura em que lançaram o álbum Dawn Explosion, já sem o vocalista Rod Evans. 

Seguiram-se anos de desaparecimento, até que em 1988 fizeram algumas participações em festivais europeus. Em 2000 voltaram a lançar um álbum, Night Train Calling EP.

Integrantes.

Rod Evans (Vocais)
Larry Reinhardt (Guitarra)
Lee Dorman (Baixo)
Bobby Caldwell (Bateria)


Dawn Explosion (1977)

01. Do Or Die (3:38)
02. Icarus (4:17)
03. Sweet Dreams (5:29)
04. Fantasy (6:02)
05. Breath Of Fire (3:04)
(A) A Speck Within A Sphere
06. Breath Of Fire (3:15)
(B) Alone In The Cosmos 
07. If You Please (4:13)
08. Midnight Memories (4:00)
09. Space Interlude (0:52)
10. Oblivion (2:13)
11. Space Reprise (0:55)
 


A OBRA DE AMÁLIA RODRIGUES

 

CHEIRA A LISBOA



COLUMBIA - 8E 016 40235 - 1972

O Rapaz da Camisola Verde - Carta a um Irmão Brasileiro - Cheira a Lisboa - À Janela do meu Peito




LES AMANTS DU TAGE


COLUMBIA/EMI - ESRF 1034 - edição francesa

Barco Negro (Mãe Preta) (Caco Velho/Piratini/D Ferreira) - Solidão (Canção do Mar) (Frederico de Brito/Ferrer Trindade/D Ferreira) - Fallaste Corazon (Cuco Sanchez) - Lisboa Não Sejas Francesa (Raul Ferrão/José Galhardo)



TROVA DO VENTO QUE PASSA


COLUMBIA - 8E 006 40325 G

Trova Do Vento Que Passa (Manuel Alegre/Alain Oulman) - Libertação (David Mourão-Ferreira/Santos Moreira)

O sax-tenor Don Byas participa na gravação de "Trova Do Vento Que Passa".







Resenha - Asturias – Circles In The Forest



Banda: Asturias
Disco: Circle In The Forest
Ano: 1988
Selo: King
Tipo: Estúdio

Faixas:
1. Ryu-Hyo – 4′59
2. Clairvoyance – 5′20
3. Angel Tree – 4′53
4. Tightrope – 6′55
5. Circle In The Forest – 22′21

Formação:
Yoh Ohyama – programações/sintetizadores/guitarras/baixo e percussão
Haruhiko Tsuda – guitarras
Akira Hanamoto – teclados
Kazumi Sakurai – bateria e percussão
Músicos convidados:
Yoko Ueno – voz
Hiroshi Ochiai – guitarras
Hajime Takeuchi – bateria africana

Resenha:
1. Ryu-Hyo
Bonita peça inicial ao piano, logo seguida do sintetizador que faz a base pro ‘dedilhado’ do piano. Uma série grande de teclas por toda a parte, umas se sobrepondo as outras numa melodia bem bonita. Yoh tem um bom senso melódico!
A bateria entra marcando o tempo apenas, as guitarras em duplas e com timbres muito bons entram repetindo o tema, e se estendem por toda a faixa.
Incontáveis camadas sonoras, culminando na linha de violão do final que se não te emociona esquece o teu coração em algum canto porque você não precisa mais dele.

2. Clairvoyance
Esse baixo programado tem a linha mais bacana que eu já ouvi.
É totalmente New Wave a faixa, cheia de teclados ‘cafonas’ e bateria eletrônica, mas querem saber? Isso é o que a torna legal, um Prog/New Wave, sim porque é Progressivo.
Na sefunda parte a percussão torna a canção um tanto quanto ‘clássica’, isso inclui algumas passagens instrumentais.
Depois da volta do tema, a coisa volta a ter um clima espacial para voltarem ao tema, só que dessa vez com um solo virtuoso com o sintetizador.
Concluindo o tema novamente, que faixa dos infernos, isso aqui é muito bom.

3. Angel Tree
Que engano esse comecinho (lembrei de Simpsons risos).
Depois da introdução com os teclados nossos ouvidos são invadidos com uma belíssima melodia ao violão de náilon, pra competir com o belo nome escolhido para a canção.
Lá pelos idos da metade (um pouco depois) da faixa, uma pequena intersecção de sintetizadores esquizofrênicos, que em nada comprometem o resultado final. Mas logo o tema é repetido, o que é muito bom, uma melodia soberba.

4. Tightrope
Que som animal! Que linha de baixo! Bateia marcante! Uma linha de teclados muito bacana, e uma boa guitarra de interlúdio.
Nessa faixa eu acredito que a banda toda tenha participado nessa sequência: Yoh Ohyama – baixo, Haruhiko Tsuda – guitarra, Akira Hanamoto – teclado, Kazumi Sakurai – bateria. Já que ao que parece nas outras faixas foi o próprio Yoh que gravou tudo. Mas ele é o cara tocando o baixo mesmo.
Lá pelas tantas o violão invade tudo, um estranho teclado que eu chamo de ‘flauta de cristal dentro da caverna’ (risos).
A banda volta com a bateria forte e com um solo de guitarra muito bom. Banda afiada e fazendo um som genial, excelente. Obrigatório. Totalmente! Fiquei até sem palavras pra descrever a coisa toda, só escutando mesmo.

5. Circle In The Forest
A faixa épica ‘Circle In The Forest’ é como o próprio Yoh disse no site da banda, era o que ele queria pro seu primeiro disco, uma faixa longa com traços épicos como a própria ‘Tubular Bells’ de Mike Oldfield (que se resume a duas longas faixas com mais de 20 minutos cada, a exemplo de Thick As A Brick (1972) do Jethro Tull).
Iniciada ao teclado com um dedilhado genial no fim de cada tempo e um outro teclado com som de flauta (dessa vez não é o som da ‘flauta de cristal dentro da caverna’ risos). Uma bonita melodia.
O segundo dos temas vem recheado de uma linha de guitarra dupliacada intrigante.
Agora a coisa pega mesmo é quando a banda toda entra na roda deixando de herança uma métrica maluca e melodia caótica, o que é imensamente excelente.
É difícil pra mim explicar como me senti ouvindo tudo isso (e olha que pra isso acontecer tem que me emocionar e me empolgar mesmo).
Numa parte mais emotiva encontramos os vocais Yoko Ueno num vocalize bem bonito.
A parte science fiction começa pouco depois dos 8 minutos e temos um baixo marcando tempo quase hipnoticamente uma infinidade de teclados e uma bateria frenética. Sabem de uma coisa? É muito bom ouvir esse som, uma das únicas bandas instrumentais que eu ouço com gosto. E tem mais isso é final dos anos 80 (1988), nesse tempo a música era empesteada de coisas ruins e sem gosto. Um orgulho ter descoberto esse som!
Exatamente aos 12 minutos um violão surge e com ele traz uma nova melodia, definitivamente se não era a intenção a música parece ser dividida numa segunda parte, num tema belíssimo ao piano (uma melodia é construída sobre esse piano com um som de gaita de fole ou algo assim risos).
Ao 15 minutos e meio uma nova melodia surge, vindo uma de cada lado dos fones, trazendo uma real viagem, (sempre recomendo pra galera fazer uma primeira audição caprichada com fones de ouvido, de preferência aqueles grandes que cobrem os ouvidos pra poderem prestar real atenção ao som, vocês não imaginam o que se descobre em discos que você escuta há anos com esses fones).
Uma nova faixa de sons, com bateria e baixo num ritmo frenético e empolgante, base mais que excelente para os teclados que se sobrepõem durante todo o disco.
Aos 19 minutos e meio a faixa toma tons de faroeste, acho que esse tema em questão foi inspirado nas antigas séries de faroeste americanas, pelo menos a melodia me remete muito a isso. As guitarras principalmente. E cada vez mais a canção toma proporções épicas, desde o começo ela vem num crescendo que toma os falantes em toda a proporção.
A parte de encerramento tem os vocais novamente e ao fundo os sempre presentes teclados (que diferença eles fazem, sei por experiência própria).

É difícil, muito difícil não gostar deste disco. É até difícil pra mim escrever sobre ele, por alguma razão eu não gosto de discos instrumentais, deve ser pelo fato de escrever e achar que as palavras são importantes. Mas nesse caso é totalmente diferente. Um disco totalmente obrigatório.


Resenha - Area – 1978 Gli Dei Se Ne Vanno, Gli Arrabbiati Restano!


Banda: Area
Disco: 1978 Gli Dei Se Ne Vanno, Gli Arrabbiati Restano!
Ano: 1978
Selo: Ascolto
Tipo: Estúdio

Faixas:
1. Il Bandito Del Deserto – 3′13
2. Interno Con Figure E Luci – 4′07
3. Return From Workuta – 3′02
4. Guardati Dal Mese Vicino All’Aprile! – 5′12
5. Hommage À Violette Nozières – 3′18
6. Ici On Dance! – 3′27
7. Acrostico In Memoria Di Laio – 6′12
8. “FFF” (Festa, Farina E Forca) – 3′49
9. Vodka Cola – 7′27

Formação:
Demetrio Stratos – voz/órgão/pianos o ocarina
Ares Tavolazzi – baixos/violão/mandola/trombone/trompete e vocais
Patrizio Fariselli – pianos/órgão/teclados e sintetizadores
Giulio Capiozzo – bateria/vibrafone e percussão

Resenha:
1. Il Bandito Del Deserto
Excelente melodia, várias vezes duplicadas.
Vocal de Demetrio Stratos cantado em um tempo totalmente estranho quebrado e complexo, o vocal pra não ficar pra trás acompanha toda a estranheza.
A seguir uma parte total jazz/fusion com certa influência de Weather Report, principalmente no baixo de Ares Tavolazzi, inclusive com aquele famoso fretless..
Teclados, guitarras e bateria em plena fusão sonora (e mental para os músicos).

2.Interno Con Figure E Luci
Mais uma estranhíssima! Com um início quase alegre e infantil, o que é totalmente complementada com as vocalizações que seguem essa estranha parte (muito estranho as coisas por aqui).
Mas que baixo viu! Cada um dos riffs é mais infernal que o outro. Incluindo muitas passagens de teclados em destaque.



3. Return From Workuta
A voz de Demetrius é quase um instrumento de sopro adicional aqui. Surpreendente!
E que gravação de baixo estranha, é o som mais estranho que já ouvi num baixo, mas pra quem tem um vocalistas desse tá tudo ok (risos).

4. Guardati Dal Mese Vicino All’Aprile!
Esse piano é o cúmulo do fusion-jazz. E a bateria de Giulio Capiozzo sempre quebra tudo em performances mais que especiais.
E outra vez os vocais entram como um instrumento adicional.
As partes de piano de Patrizio Fariselli são insanas.

5. Hommage À Violette Nozières
Do começo ‘bonito’, passam vocais cheio de lirismo e uma instrumental bonito e calmo, mas cheio de complexidade em sua simplicidade.
O vocal é quase um ‘gago’!


6.Ici On Dance!
Ici On Dance! começa com vocalizações extremadas e um ótimo riff de sintetizador, um sinal supremo do baixo e vocais dessa vez ‘normais’ e por sinal muito bons.


7. Acrostico In Memoria Di Laio
Começou pegando fogo com o sintetizador e a linha de baixo ferrada, mais interessante é a bateria da música com um chimbau bem diferente.
Antes de começar mais uma parte vocal, que entra de forma macabra, mas condiz perfeitamente com o som. Sabe como é, meio ‘sem lar’!
Mas é muito interessante a forma interpretativa que Demetrius impunha à banda nos vocais.
Um som quase divertido, até palmas no fim.

8. “FFF” (Festa, Farina E Forca)
Espaço iniciado para o solo de bateria, mas em pouco tempo um piano arrasador e ferra com tudo, baixo também numa excelente linha de trabalho. Excelente também os solos de piano e uma salve também pra levada de bateria.


9. Vodka Cola
Vodka Cola, incia com um riff quase na velocidade da luz. Um som praticamente acústico apesar das vocalizações e dos mais variados ritmos e levadas/quebradas. Que som de maluco!


Este disco é difícil de ‘digerir’, é um daqueles que tem que ter paciência pra ouvir os detalhes e prestar atenção.


Resenha - Apocalypse – The Bridge Of Light


Banda: Apocalypse
Disco: The Bridge Of Light
Ano: 2008
Selo: Free Mind Records/Musea
Tipo: Ao Vivo/Inédito

Faixas:
Act I
1. Next Revelation – 4’41
2. Dreamer – 5’22
3. Ocean Soul – 7’15
4. Last Paradise – 7’26
Part I – The World Behind
Part II – The Mourning
5. The Dance Of Down – 7’19
6. Meet Me – 4’53

Act II – The Bridge Of Light
7. Wake Up Call – 3’43
8. … To Madeleine – 5’14
9. Escape – 5’38
10. Welcome Outside! – 5’01
11. Meeting Mr. EarthCrubbs – 4’21
12. Follow The Bridge – 6’45
13. Not Like You – 3’47

Integrantes:
Gustavo Demarchi – voz e flauta
Eloy Fritsch – teclados
Ruy Fritsch – guitarra
Magoo Wise – baixo
Chico Fasoli – bateria

Resenha:
1. Next Revelation
O primeiro ato do disco se inicia. A sonoridade da banda é muito interessante, normalmente os timbres utilizados, mesmo aqueles que são originários dos anos 70, são um tanto quanto falsos, aqui temos uma ótima sonoridade, destaque para os timbres de teclado de Eloy Fritsch e o vocal marcante e forte de Gustavo Demarchi.

2. Dreamer
É interessante ouvir a guitarra dentro do Rock Progressivo, normalmente ela tem um papel harmônico diferente do outros estilos de Rock. Ruy Fritsch mostra uma maneira diferente de conduzir as 6 cordas por entre os teclados, inclusive com ótimos ‘duelos’ entre os dois.

3. Ocean Soul
Desde o começo do disco ele têm uma atmosfera diferente, não sei dizer se foi por ter sido gravado ao vivo, a apresentação foi no Teatro UCS em Caxias Do Sul (RS).
Nessa terceira faixa a flauta de Gustavo permeia por entre as melodias dos sintetizadores de Eloy, das guitarras de Ruy e do baixo de Magoo Wise, todos em uma espécie de ‘briga’ musical.

4. Last Paradise
‘Last Paradise’ é dividida em duas partes. A primeira é ‘The World Behind’ e conta com a participação do grande violinista gaúcho Hique Gomez, o nome talvez seja conhecido daqueles que conhecem ou já assistiram o espetáculo ‘Tangos E Tragédias’ do qual Hique faz parte. Uma dica aos desavisados , Hique tem um disco que foi lançado em 1994 chamado O Teatro Do Disco Solar que é simplesmente fantástico!
Na minha opinião o violino dentro do Rock Progressivo é sempre ótimo, ainda mais quando colocado dentro de um contexto ‘Rock And Roll’, já que normalmente ele é inserido dentro de uma canção ou passagem mais ‘clássica’. Achei que a participação foi um pouco ‘tímida’, o destaque em cima dele poderia ter sido maior.
Dois pontos fortes dessa primeira parte: as guitarras de Ruy e a ótima bateria de Chico Fasoli.
A segunda parte é ‘The Mourning’ e é uma balada. Engraçado, o timbre ‘coral’ dos teclados normalmente me irritaria bastante, mas aqui ele foi usado com sabedoria por Eloy, dessa vez o violino de Hique tem um destaque maior com uma bela melodia e um belo timbre.

5. The Dance Of Dawn
Aqui o espírito dos anos 70 é sentido com força, tanto na melodia, no ritmo quebrado, quanto nos timbres. O uso do piano também é bem bacana, normalmente ele é esquecido nas ‘bases’ musicais ficando apenas para passagens calmas e baladas.
Mas tem uma coisa que me incomodou, já havia aparecido em faixas anteriores, mas nessa ficou mais evidente. Depois de determinada passagem surgem aplausos ‘do nada’, eles passam uma impressão falsa, ainda mais porque depois temos uma bonita passagem com a participação da platéia.

6. Meet Me
Essa faixa tem um som diferente do restante do disco, me deu a impressão de que foi gravada em um show diferente.
O destaque é o baixo de Magoo.

7. The Bridge Of Light – Prelude Wake Up Call
Aqui começa o Ato II do disco com a ousada idéia de uma única longa faixa, infelizmente as faixas foram divididas em partes como composições distintas no CD.

8. The Bridge Of Light – … To Madeleine
Uma canção mais enérgica e com um bom riff de guitarra, a letra é um pouco ‘corrida’.

9. The Bridge Of Light – Escape
A história segue em frente cmo o que parece ser a fuga de Jimmy (personagem central da história).

10. The Bridge Of Light – Welcome Outside!
Introdução com a bateria de Chico e um insistente riff, e a história de Jimmy continua sendo contada, agora ele acorda no Centro da cidade.
Interessante a passagem sincopada antes do solo de Eloy. Uma vez mais a impressão de uma gravação diferente me foi passada.
Há um vídeo para esta música, veja logo abaixo ou na página de vídeos do Progshine AQUI.

11. The Bridge Of Light – Meeting Mr. Earthcrubbs
Riff de baixo no começo da música, flautas numa grande influência de Jethro Tull. Mr Ian Anderson ficaria contente.

12. The Bridge Of Light – Follow The Bridge
Jimmy finalmente encontra a ‘Ponte De Luz’.
Interessante faixa com bom vocais de apoio e ótima parte rápida no tema central, que logo é acompanhada de um ‘jazz de cabaré’.

13. The bridge Of Light – Not Like You
A parte final de ‘The Bridge Of Light’ foi escolhida como single do álbum.
Ao violão Ruy dá o ritmo à canção e Magoo acompanha com uma melodia vocal. Hique uma vez mais entra em cena para mostrar seu violino e encerrando assim a epopéia.

Apocalypse nos mostra um trabalho audacioso, que em termos de Brasil é quase inédito, o chamado ‘disco conceitual’.
Na minha opinião o estúdio é o melhor lugar para tal desafio, mas a banda se saiu muito bem no final das contas.

GRAVETOS & BERLOQUES (THE LAST INTERNATIONALE-SOUL ON FIRE (2019)

                                THE LAST INTERNATIONALE-SOUL ON FIRE (2019)




Destaque

Dave Cousins "Two Weeks Last Summer" (1972)

  Em outras circunstâncias, este álbum dificilmente teria visto a luz do dia. No entanto, o acaso decide tudo. Assim, ao recrutar o baixista...