Classificação de todos os álbuns de estúdio de Toni Braxton

 

Toni Braxton começou sua carreira artística no final dos anos 1980 com The Braxtons. Depois de chamar a atenção de LA Reid e Babyface , ela assinou contrato com a LaFace Records como artista solo, lançando seu álbum solo de estreia no topo das paradas em 1993. Desde então, ela ganhou vários Grammys, vendeu mais de 70 milhões de álbuns em todo o mundo e se tornou uma dos artistas de R&B de maior sucesso internacional de todos os tempos. Veja como classificamos todos os álbuns de Toni Braxton do pior ao melhor.

10. Libra

Libra, o sexto álbum de estúdio de Braxton e o primeiro a ser lançado pela Blackground Records, pode ser classificado como o álbum menos essencial de Braxton, mas não deixa de ter seus méritos. As melodias suaves, vocais roucos e produção elegante são todos louváveis. Onde cai é na escolha do material. Nos slow jams, Braxton brilha como sempre. O problema começa nos números acelerados, um estilo que empurra Braxton para fora de sua zona de conforto de uma forma que soa tão dolorosa para ela quanto para o ouvinte.

9. Snowflakes

 

Em outubro de 2001, Braxon lançou seu primeiro (e até agora, único) álbum natalino , Snowflakes. Não é um álbum ruim, mas também não é notável, com a produção exagerada e os arranjos dramáticos de cordas chegando perigosamente perto de abafar os sempre excelentes vocais de Braxton.

8. Spell My Name

 

O último álbum de Braxton, Spell My Name, é uma mistura de coisas. Os vocais de Braxton, tão sublimes como sempre, são perfeitamente complementados pela produção elegante, enquanto o elenco estelar de colaboradores deixa pouco a desejar. Mas, apesar de todos os seus pontos fortes, a abordagem da sorte para os estilos musicais é problemática, principalmente quando leva Braxton a enfrentar o tipo de números acelerados que falham em jogar com seus pontos fortes.

7. Love, Marriage and Divorce

Em fevereiro de 2013, Braxton reacendeu seu relacionamento com Babyface para a colaboração Love, Marriage and Divorce. Descrito por All Music como uma “adição sólida às discografias de ambos os artistas”, a química entre os dois é atraente, particularmente em faixas de destaque como Reunited e The D-Word. O álbum se tornou o sexto álbum dos dez primeiros de Braxton e o álbum de maior sucesso de Babyface nos Estados Unidos, chegando ao número 4 na Billboard 200.

6. More Than a Woman

Em More Than a Woman, Braxton se afastou mais do que o som pop-soul de sua estreia e mais em direção ao hip hop e material adulto de R&B que ela estava inclinada para o The Heat. Embora os resultados não sejam tão bem-sucedidos aqui quanto eram lá, ainda é um esforço sólido, repleto de melodias suaves, vocais sensuais e ganchos mastigáveis. Apesar da força de seu material, o álbum teve um desempenho comercial inferior, tornando-se o primeiro lançamento de Braxton a não chegar ao topo da parada de álbuns de R&B/Hip-Hop. Depois de atribuir suas vendas fracas à falta de promoção da Arista Records, Braxton cortou os laços com a gravadora, transferindo seu próximo lançamento para a Blackground Records.

5. Pulse

 

O sétimo álbum de estúdio de Braxton (e o último em oito anos) foi lançado em 4 de maio de 2010. Uma seleção otimista de faixas de pista de dança e baladas de R&B da velha escola, Pulse representou um grande retorno à forma de Braxton após uma série de álbuns nada assombrosos. Seus vocais sensuais são o foco (como merecem ser), mas a equipe de produtores (que inclui David Foster, Harvey Mason, Jr., Frank E, Oak Felder, Lucas Secon, Simon Franglen e Stargate) também merece crédito por os arranjos de dinamite. Embora não tenha alcançado os picos comerciais de seus primeiros álbuns, ainda teve um bom desempenho, alcançando o primeiro lugar na parada de álbuns de R&B/Hip-Hop da Billboard e o nono lugar na Billboard 200.

4. Sex and Cigarettes

 

Após um período prolongado longe do estúdio de gravação, Braxton voltou em 2018 com seu oitavo álbum de estúdio (e o primeiro a receber um aviso de aconselhamento parental), Sex and Cigarettes. Descrito pelo The Guardian como “R&B primorosamente angustiado”, o álbum é composto em grande parte por destruidores de corações de queima lenta, um estilo que combina perfeitamente com seus vocais baixos e esfumaçados. Apesar de seu hiato de oito anos, os fãs de Braxton estavam claramente mais dedicados do que nunca, levando o álbum para a posição 22 na Billboard 200 dos EUA e número um na parada de álbuns de R&B do Reino Unido.

3. The Heat

Após o sucesso surpreendente de seus dois primeiros álbuns. as expectativas estavam altas para o terceiro álbum de estúdio de Braxton. O Heat não decepcionou. Lançado em abril de 2000, afastou-se das baladas que caracterizavam os lançamentos anteriores da cantora para um som mais urbano, com os rappers Dr. Dre e Lisa “Left Eye” Lopes adicionando uma vibe contemporânea. A mudança de direção foi recebida calorosamente pelos críticos, que elogiaram sua arte estilosa e os vocais sensuais de Braxton. Depois de liderar o Top R&B/Hip-Hop Albums Chart, o álbum passou a certificar dupla platina com a RIAA depois de vender mais de 2 milhões de cópias apenas nos Estados Unidos.

2. Secrets

Qualquer álbum que venda mais de 15 milhões de cópias em todo o mundo provavelmente será bom, e Secrets, o segundo álbum de estúdio de Braxton, é definitivamente isso. A performance vocal de Braxton recebeu ótimas críticas, com a Entertainment Weekly elogiando seu "alcance técnico" e "capacidade de entregar os sermões de sensualidade de Secrets - pequenos evangelhos de amor bom e ruim - com eloqüência incomum". O material é igualmente forte, especialmente nas colaborações centrais do Babyface. Lançado em junho de 1996, o álbum liderou o Top R&B/Hip-Hop Albums Chart e disparou para o número 2 na Billboard 200. Desde então, foi certificado 8x platina nos Estados Unidos e 2x platina no Reino Unido.

1. Toni Braxton

Como diz o soulinstereo.com , o nível foi impossivelmente alto para o primeiro álbum de estúdio de Braxton após suas aparições espetaculares na trilha sonora de “Boomerang” de 1992, mas ela ultrapassou com facilidade. Lançado em julho de 1993, o álbum de estreia conquistou o mundo, alcançando o primeiro lugar na Billboard 200 dos EUA e na parada de álbuns de R&B/Hip-Hop. Também conquistou três Grammys, junto com dois American Music Awards. Quase 30 anos depois, ainda é uma das maiores estreias de R&B de todos os tempos.

Classificação dos 10 melhores álbuns de David Bowie

David Bowie foi um pioneiro, um artista que não apenas surfou na maré, mas a controlou. O camaleão final, ele mudou sem esforço de uma persona para outra sem nunca perder sua identidade ou integridade. “Se você estiver triste, lembre-se de que o mundo tem 4,543 bilhões de anos e de alguma forma você conseguiu existir ao mesmo tempo que David Bowie.” Assim disse Simon Pegg, assim como todas as outras pessoas que já encontraram consolo em sua música. Estes são os dez melhores álbuns de David Bowie de todos os tempos. Se você ainda não os ouviu, agora é a hora de corrigi-los.

10. The Man Who Sold the World

The Man Who Sold the World não foi o primeiro álbum de Bowie, mas foi o primeiro a fazer barulho. O motivo desse respingo tinha tanto a ver com o vestido que ele usava na capa do álbum quanto com as próprias músicas (o mundo já percorreu um longo caminho desde 1971), mas mesmo assim, não há como negar que este é um super álbum. A performance de Kurt Cobain da música titular na aparição do Nirvana no MTV Unplugged pode tê-la comprado para uma nova geração, mas mesmo sua versão arrepiante não tinha nada na desolação arrepiante do original.

9. Young Americans

Como observa a Rolling Stone , em meados da década de 1970, Bowie estava farto do glamour, mesmo que o glamour não tivesse acabado com ele. Sempre um homem para ficar dois passos à frente da curva, ele colocou o glitterball e as botas de plataforma de lado, adotou um terno e um novo som furtivo e, no processo, criou uma alma de plástico com as mãos. Com Luther Vandross nos papéis de fundo e o velho amigo John Lennon escalado para os créditos de composição, Young Americans pode ter desafiado os fãs de seu antigo som, mas inspirou todo um novo público a embarcar no expresso de Bowie.

8. Blackstar

 

Mesmo no final de sua vida, Bowie ainda estava ocupado reinventando a roda. Como diz o The Guardian , seu último álbum é uma declaração final luminosa e liminar. É emocionante em algumas partes, devastador em outras e nada menos que extraordinário. Mesmo que ele continuasse a lançar músicas depois disso, o Blackstar ainda se destacaria como uma coisa linda.

7. Let’s Dance

Os anos 80 não foram um grande período para Bowie, mas também não deixaram de ter seus méritos. Let's Dance, de 1983, é uma joia de álbum, cheio de faixas que soam pop puro na primeira audição, mas mostram sua mordida na segunda. A faixa titular é uma obra-prima imponente, com uma grande batida, um lick de blues e alguns saxofones brincalhões. Nem todo mundo conseguiu a paródia muito deliberada dos estereótipos femininos asiáticos em China Girl, mas não há como negar aqueles vocais esfumaçados. Levaria um tempo até que ele lançasse outro bom álbum, mas isso pelo menos nos deu algo para segurar até que ele o fizesse.

6. Aladdin Sane

 

Aladdin Sane foi o primeiro álbum que Bowie lançou como uma verdadeira estrela do rock. Seu período de Ziggy Stardust fez dele um nome familiar da Cidade do Cabo a Cape Cod, seu rosto estava na capa de todas as revistas e ele tinha mais dinheiro do que até mesmo seu prodigioso vício em drogas poderia consumir. E isso o assustou. Como nota o junkee.com , sob a produção jubilosa e as letras espirituosas está um álbum que cheira a medo e a percepção de que toda a fama, fortuna e sucesso do mundo não significam nada no final. É aterrorizante, mas magistral.

5. Heroes

 

O único LP da “trilogia de Berlim” realmente gravado do começo ao fim em Berlim, Heroes é um álbum atmosférico e estranhamente romântico que captura perfeitamente o espírito de Berlim em meados da década de 1970. Sua música titular foi escrita depois que Bowie viu seu produtor Tony Visconti e sua amante se abraçando no Muro de Berlim - com 6 minutos de duração, não é sua música pop padrão de 3 minutos, mas é uma prova de sua grandeza que você ainda quer mais no final dela.

4. Hunky Dory

Em 1971, Bowie estava pronto para parar de brincar de herói folk e se tornar um astro do rock. O resultado é um álbum de textura, estilo e um monte de substância. Ninguém mais estava fazendo nada parecido na época, ninguém mais fez nada parecido desde então, e qualquer musa que inspirou Life on Mars deveria receber um caloroso aperto de mão e um prêmio pelo conjunto da obra. Simplificando, é glorioso.

3. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars

David Bowie sempre foi mais do que Ziggy Stardust. Mesmo assim, você não pode dizer o nome dele sem Ziggy Stardust pairando ao fundo. A razão? A insanamente cativante The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, uma peça extravagante de ópera rock que sempre foi muito, muito mais do que a soma de suas partes. Inteligente, mas bobo, jubiloso, mas ousado, é um caleidoscópio de diferentes histórias e estilos diferentes, todos reunidos em uma gloriosa obra-prima. Este foi o álbum que fez Bowie. É uma prova de sua genialidade que isso nunca o definiu.

2. Low

 

Pessoalmente, meados dos anos 70 não foi um grande momento para Bowie. Seu vício em drogas o deixou paranóico, seu relacionamento com sua esposa Angie estava se deteriorando a cada dia e ele vivia com uma dieta de pimenta vermelha, cocaína e leite. Profissionalmente, ele nunca esteve melhor. Low, o primeiro LP da “trilogia Berlin”, é nítido, mordaz e experimental, com o produtor Toy Visconti e o tecladista Brian Eno contribuindo com tanta mágica quanto Bowie. Moody, texturizado e totalmente absorvente, é uma coisa feliz.

1. Station to Station

 

Station to Station veio em um momento decisivo na carreira de Bowie. Seu interesse pelo Philly R&B estava diminuindo e seu interesse pela nova música eletrônica vinda da Alemanha estava aumentando. O resultado é um álbum que representa um microcosmo de toda a carreira de Bowie até aquele momento. Há pop, há rock, há ritmo e há blues, mas acima de tudo há Bowie, abandonando suas personalidades anteriores ao mesmo tempo em que as revisita para emergir renascido como o Thin White Duke. A ambição e a escala do álbum são extraordinárias. Não é apenas um disco de canções, é o disco de uma vida, e por isso merece o primeiro lugar na nossa lista dos 10 melhores álbuns de David Bowie.

Maestrick - Espresso Della Vita • Solare [2018]

 

Pois eis que o tempo passa, e o grupo formado por Fabio Caldeira (vocais, piano, teclados), Renato "Montanha" Somera (baixo, vocais guturais), Heitor Matos (bateria, percussão), faz uma série de nove apresentações na Europa no ano passado, quando visitou Suíça, Itália, Polônia e República Tcheca, e lança Espresso Della Vita • Solare, que causou um alvoroço muito grande aqui e lá fora. Honestamente, consigo facilmente entender o alvoroço que muitos canais da imprensa especializada fizeram para o trio, já que o disco ocupou a primeira posição como Melhor Disco de 2018 nos sites O Subsolo e Gaveta de Bagunças, e a segunda posição de Melhor Disco de 2018 pela rádio Cangaço Rock e nos sites Road To Metal, Terreiro do Heavy Metal e Metal na Lata. Até a japonesa BURRN! avaliou o disco com a nota 86/100, a frente de gigantes como Anthrax e Spock's Beard.

Espresso Della Vita • Solare é a primeira parte de um disco duplo conceitual e traz uma observação da vida humana pela perspectiva de uma viagem de trem. Ele conta com a participação do guitarrista e produtor Adair Daufembach, além de uma série de convidados, destacando a Solare Choral (um coral formado por 3 sopranos, 5 altos, 5 tenores e 3 baixos), e a Solare Orchestra (4 violinos, 1 viola, 1 violoncelo, flauta e tímpano).

O álbum começa com a vinheta "Origami", uma espécie de "Overture" para a jornada musical que irá ser apresentada por pouco mais de uma hora e dez minutos, com destaque para a bateria de Matos. "I A. M. Living" traz o baixo de Somera em evidência, e a parte instrumental chama a atenção novamente pelo belo trabalho de bateria, além da guitarra fazer seu serviço com perfeição. Aqui há a participação do coral e da orquestra, mostrando ao ouvinte que os brasileiros vieram com grandiosidade. Boa faixa para apagar de vez qualquer má-vontade que possa ter ficado anteriormente.

"Rooster Race" começa com um lindo dedilhado de viola caipira feito por Caldeira, e até a participação de um berrante (Neemias Teixeira), em uma faixa veloz, que mistura heavy metal com elementos da música caipira, também muito boa de se ouvir. O piano e o ritmo dançante de "Daily View" mudam totalmente a sonoridade do álbum. Com vocalizações muito bem encaixadas e a suavidade sonora, parece que estamos ouvindo aquelas canções que o Queen usava para preencher seus discos no início da carreira, como "Seaside Randezvous", "Good Old-Fashioned Lover Boy", entre outras. A orquestra aparece com força em "Water Birds", que lembra bastante Sagrado Coração da Terra, divergindo apenas durante o belo solo de Daufembach.

"Keep Trying" é um som mais acessível, não tão pesado, lembrando bastante o grupo Apocalypse, e que traz criatividade ao citar, na letra, discos e canções do Rush. O coral introduz a suíte "The Seed". Dividida em doze partes, é uma faixa de quinze minutos, daquelas que você deve parar tudo que está fazendo para apreciar suas variações, e principalmente, o exímio trabalho de guitarra, baixo e bateria. Sensacional!! O baixo galopante de "Far West" mostra influências country junto ao peso metálico, em mais uma canção bastante criativa.

O lado acústico da Maestrick aparece na balada gospel "Across The River", mudando novamente o direcionamento musical do álbum e mostrando mais diversidade na música dos paulistas. "Penitência", única canção em português, traz um complicado repente feito por Moacir Laurentino e Sebastião da Silva, e em nada se assemelha ao que já tínhamos ouvido anteriormente nesse disco. Parece outra banda em outro mundo musical, misturando peso com o ritmo nordestino. Genial! Voltamos às lembranças do Apocalypse em "Hijos de La Tierra", trazendo parte da letra em espanhol e elementos latinos. O álbum encerra-se com a mini-suíte "Trainsition", uma faixa suave levada pelo riff do piano (martelando na cabeça por algumas horas) em uma longa e envolvente introdução, que nos apresenta mais uma canção bastante trabalhada, para fechar tranquilamente um álbum que nos dá muito o que pensar.

Primeiro, como é bom ver que o Maestrick é outra banda quando compõe suas próprias canções. Bom gosto e muita técnica são os destaques. O bom gosto, principalmente, aparece não só na qualidade das harmonias e composições, mas também no luxuoso encarte de mais de 20 páginas que acompanha o CD, lançado no formato DIGIPACK. O guitarrista Adair Daufembach bem que poderia manter-se fixo. Seu trabalho é impressionante, e eleva a qualidade do álbum em muitos pontos. Por fim, resta aguardar Espresso Della Vita: Lunare, e esperar que o trio continue com o bom gosto musical, investindo nas suas composições e desistindo de coverizar clássicos.

Track list

1.  Origami

2 I A. M. Living

3 Rooster Race

4 Daily View

5 Water Birds

6 Keep Trying

7 The Seed

8 Far West

9 Across The River

10 Penitência

11 Hijos De La Tierra

12 Trainsition

Bandas Satíricas

 As bandas satíricas podem não se esmerar muito em suas produções ou em sua técnica, mas com certeza divertem e divertiram muito os seus fãs. Conhece mais delas? Recomende mais algumas nos comentários!

Mamonas Assassinas – Mamonas Assassinas [1995]

André: Passam-se os anos e não tem jeito, seu único disco de estúdio continua me divertindo com suas paródias, tiradas bem feitas e bom humor. “Vira Vira”, “Jumento Celestino”, “Lá vem o Alemão” e tantas outras canções das quais a inspiração eram os estilos brasileiros em alta nos anos 90 misturadas a um rock pesado e divertido. Fico imaginando o que eles iriam tirar sarro se estivessem vivos. Certeza que ali pelo fim dos anos 90 seria o samba do É o Tchan, as boybands e aquelas bandas frescurentas de britpop, nos anos 2000 seria o emo e as cantoras pop, e na década atual o sertanejo universitário, os rappers e as cantoras de axé. Isso é claro se a banda não rompesse antes devido ao sucesso subir a cabeça. Uma pena mesmo, fica só na imaginação.

Davi: Muito bacana essa lembrança. Não apenas vivi a explosão do fenômeno, como curti bastante na época. Tive, inclusive, a felicidade de assisti-los ao vivo. Esse disco é bem inteligente e muito bem feito. Os rapazes satirizavam diversos estilos de música: pagode, sertanejo, música brega… Tudo costurado com a base do rock n roll e o vocal sempre irônico do Dinho. Um dos motivos da formula ter funcionado tão bem é que eles eram genuinamente engraçados. Nas entrevistas com os músicos, ria-se tanto quanto na audição do disco. As letras, politicamente incorretas ao extremo, eram muito bem sacadas. O medo que eu tinha é que, como eles caíram nas graças da criançada, que acabassem ficando infantilizados. Infelizmente, nunca saberemos o que iria acontecer no segundo trabalho, mas as boas lembranças ficam… Momentos de destaque: “Chopis Centis”, “Mundo Animal”, “Robocop Gay” e “Bois Don´t Cry”.

Fernando: Os Mamonas Assassinas foram um fenômeno. Eles conseguiam unir crianças, adolescentes adultos que gostavam de todos os estilos musicais possíveis. Suas misturebas musicais passavam desapercebidas pois o que todo mundo queria ouvir mesmo eram as piadas e sacadas geniais, apesar de politicamente incorretas. Aliás, fico me perguntado como seria se uma banda assim surgisse hoje em dia. Acredito que a patrulha não deixaria ser a sensação que foi na época. Também penso como seria se não tivessem tido aquele fim horrível. Um segundo disco poderia manter as coisas em alta, mas não sei se conseguiriam fazer sucesso por muito mais do que isso pois um dos trunfos que tinham era o fator novidade.

Lordi – Get Heavy [2002]

André: A primeira vez que ouvi esta banda e este disco, logo após a sua vitória na Eurovision de 2006, foi paixão logo de cara. Divertidos, engraçados, com clipes toscos e fantasias ainda mais e fazendo um hard rock pesado com influências de Kiss e Gwar e refrãos grudentos, é basicamente tudo o que mais gosto em um hard rock. Tirando sarro de filmes de terror, do rock e de monstros, o Lordi me cativa com a sua sonoridade moderna mas com um quê de datado dos anos 80.

Davi: E finalmente parei para ouvir um álbum do tão falado Lordi. O grupo sempre foi muito comparado ao Kiss, mas nunca vi muita semelhança. O visual deles me lembra mais o Gwar do qualquer outro grupo. E a sonoridade deles é bem mais moderna utilizando-se de bastante teclados, samplers… A audição foi satisfatória, mas por todo o auê em torno deles, esperava um impacto maior. Os músicos são bons, o disco é bem gravadinho, as músicas são construídas de maneira correta, mas o vocal principal não me agradou tanto e senti falta de uma faixa realmente forte. Aquela que te cativasse e te fizesse ouvir de novo e de novo e de novo… Os backings são muito bacanas e remetem à cena hard dos anos 80, mas me fica a impressão de algo faltando… “Would You Love a Monsterman” e “Monster, Monster” são as minhas favoritas.

Fernando: O som do Lordi é tão bem feito que difícil até notar que é uma banda engraçadinha, pois para isso precisaríamos ter um inglês mais apurado e muita gente não presta atenção nas letras. Nas letras e visual é uma mistura de Kiss, Rod Zombie e Alice Cooper e pode animar qualquer festa sem problemas. Entretanto o disco cai bastante na sua segunda metade. Não ouvi o resto dos discos para saber se seguem o mesmo padrão.

Mairon: Sonzinho bacana que me lembrou muito as bandas de hard dos anos 90. Foi inacreditável quando eu percebi que era um álbum de 2002, e finlandesa ainda por cima.Mas sim, a banda é da década de 90. É um hard bem tocado, que dá para animar festas, com vocais bem trabalhados, instrumental ok, nada demais, e nada de menos. Não conseguia destacar uma música em especial, mas posso dizer que na maior parte do tempo, eu jurava que estava ouvindo algo do Ugly Kid Joe. Porém, o “recheio do disco” não me agradou (“Icon Of Dominance”, “Not the Nicest Guy”, “Hellbender Turbulence”) por culpa de uns teclados tinhosos, que não fizeram sentido nenhum para mim. Porém, quando “Biomechanic Man” começou a tocar, um sorriso se abriu automaticamente em meu rosto. QUE SONZEIRA!!! Uma das melhores músicas que conheci esse ano!! Não virei fã da banda, até por que não é um estilo que aprecio muito, mas não foi de forma alguma uma incomodação ouvir isso aqui, e obrigado André por me apresentar “Biomechanic Man”.

Massacration – Gates of Metal Fried Chicken of Death [2005]

André: Como filhote tardio da MTV brasileira que sou, adorava assistir Hermes e Renato, Total Massacration e tudo mais. Meu amigo comprou o disco logo que ele foi lançado e rimos muito ao som de “Metal is the Law”, “Evil Papagali” e “Metal Glu-Glu” com a participação mais do que especial do meu ídolo de infância, Sergio Mallandro. Sem contar a homenagem ao “The God Master” Costinha. O som é pouco trabalhado e até mesmo simplório, mas o bom humor e essas letras são demais. Bruno Sutter e o inesquecível Fausto Fanti (R.I.P.), agradeço demais por esta pérola da música brasileira.

Davi: Lembro quando o álbum foi lançado, muitos headbangers ficaram putos e muitos músicos ficaram incomodados com a brincadeira dos humoristas do Hermes e Renato. Já era esperado. Os caras conseguiram se infiltrar no circuito, sendo convidado para participarem de diversas publicações voltadas ao segmento, começaram a abrir shows de artistas internacionais (assisti eles 2 vezes: na edição do Live n Louder que trouxe o David Lee Roth ao Brasil e na primeira apresentação realizada pelo Twisted Sister por aqui). Mais do que isso, os caras foram direto na ferida. Pegaram todos os clichês do gênero. Desde o visual com cabelos compridos e roupa de couro até o discurso do metal acima de tudo e de todos. E o pior que o produto final era muito bom. Bem tocado, bem gravado e bem cantado (ops, gritado). Há realmente algumas letras que poderiam ser mais elaboradas (sim, entendi que são piadas), mas há algumas tiradas que são geniais como a introdução do cara narrando uma receita com voz demoníaca, o “ai, ai, ai, em cima, embaixo, puxa e vai”, “a passagem é 1 real”, mas nada supera o refrão de “louro quer biscoito”. É um disco que ainda me diverte…

Fernando: O que eu acho de mais legal do Massacration é que a sátira que faziam/fazem pega na veia dos estereótipos do metal, mas com uma visão de quem é do meio e não de alguém de fora. Alguns dos elementos podem até passar desapercebidos para quem não ouve metal. Q questão do Deus Metal é uma delas. Já tive que explicar o motivo disso para amigos não iniciados. Por tudo isso muita gente torce o nariz pois sabemos que os fãs de metal muitas vezes não gostam que mexam em seu estilo sagrado. Várias bandas são fonte de inspiração ali, mas é inegável que o Manowar foi mais explorado. Mas como falei na crítica sobre o Mamonas Assassinas, acho que o fator novidade já não é mais o mesmo e isso diminuiu bastante a curiosidade que tinha sobre eles.

Mairon: Lembro que quando o Massacration surgiu, dava na cara para ver que a banda era uma piada. E óbvio, ao colocar Gates of Metal Fried Chicken of Death para rodar, de cara já ouvimos a “receita de bolo” de forma demoníaca sendo entoada, e as risadas começam de cara. O riff do “ai, ai ai ai, em cima embaixo puxa e vai” marcou muitas festas roqueiras país a fora. “Metal Glu-Glu” é sensacional!!! “Metal Dental Destruction” é uma das piadas mais criativas já feitas no mundo do Metal. “Feel the Fire… From Barbecue” é uma sonzeira desgraçadamente matadora. Diversão garantida do início ao fim, muito bem tocada e muito bem cantada (Detonator para mim tem uma baita voz, e joguem as pedras). Quem acompanhou a MTV nos anos 2000 viveu uma fase única do canal. Além do programa do Hermes e Renato, era impossível não se deleitar de risos com Rock Gol, Fudêncio e o Top Top MTV. Era uma maravilha!! Acho que nunca tinha ouvido esse disco em sua integridade, e foi com muitas risadas e apreço que curti o segundo melhor álbum dessas recomendações. “Loiroooooooooo, loiro quer biscoitooooooooooooooooooooooooo!!!!!”

Dethklok – The Dethalbum [2007]

André: Tirando uma com o death metal, o Dethklok surgiu baseado em um desenho que passava no Cartoon Network chamado Metalocalypse. O desenho fez uma espécie de “sucesso cult” e isso fez com que Brendon Small (criador do desenho e o líder vocal aqui) compusesse canções parodiando os clichês do heavy e do death metal. Gene Hoglan do Dark Angel maceta a bateria aqui em canções como “Murmaider” (que inspirou esta animação incrível do Batmetal) e “The Lost Vikings” (tirando uma com o viking metal). O desenho acabou e com isso a banda também se foi. Mas surpreendentemente, Brendon Small retornou com a banda para um show ainda este ano no Adult Swim Festival que será em novembro. Na torcida para que ele volte a compor nesse projeto e lance um disco novo.

Davi: Esse eu não conhecia. Pelo que entendi, o álbum foi criado como trilha de uma série televisiva. A banda foi criada por conta do programa. Ou seja, em outras palavras, trata-se de um Monkees do mal. A sonoridade deles é mais puxada pro death metal melódico. Brendon Small, conhecido no mundo das animações, é o responsável pela execução de guitarra, baixo, voz e teclado. Continuo não curtindo muito esse tipo de vocal, gutural ao extremo, mas achei o trabalho dele razoável, dentro do gênero. Para quem não é um cantor profissional, está ok. O trabalho de guitarra é bem elaborado e conta com bons riffs. Para gravar a bateria, Brendon recrutou o experiente Gene Hoglan, logo, não preciso dizer que está bem tocada. Esse cara é monstro… Em resumo: o disco é bem feito, mas achei a audição cansativa. Não me cativou…

Fernando: Não conhecia, mas só de ter Gene Hoglan na bateria já me fez querer ouvir com mais atenção. A banda na verdade é uma dupla com Brendon Small fazendo todo o resto. Porém perdi o interesse rapidinho. Algumas ideias legais aqui e ali, mas no geral dificilmente voltarei a ouvir.

Mairon: Os caras resolveram fazer sátira com Death Metal, e o resultado, é essa coisa aqui. Instrumentalmente, um trabalho impecável, com belas linhas de guitarra e uma bateria monstruosa. O problema é o vocal. Que coisa chata esse gutural irritante, que parece que o cara está com a garganta totalmente irritada. Tortuoso ouvir 50 minutos dos vocais. Quando ficava só instrumental, joinha, mas cada vez que entrava o vocal, tinha vontade de torcer o pescoço do André. Enfim, espero nunca mais ouvir algo similar a isso.

Austrian Death Machine – Total Brutal [2008]

André: Eu gosto de thrash metal. E eu gosto dos filmes do Arnold Schwarzeneger. Os dois juntos me divertiram demais. Várias músicas aqui contém frases icônicas do ex-Governator, além das referências aos filmes com sua participação. Tim Lambesis fez uma homenagem engraçada demais ao lendário ator e as vinhetas com Chad Ackerman imitando Arnold ficaram muito hilárias. Some isso a um thrash pesado e curta não só esse, mas os outros dois discos que foram lançados nos anos subsequentes.

Davi: Outro projeto que não conhecia. Esse eu já achei mais bacana. Capitaneado pelo Tim Lambesis (As I Lay Dying), aponta para uma sonoridade mais thrash. Disco pesadaço, trabalho vocal bacana. Agressivo, mas inteligível. Esse tipo de vocal, já curto. O álbum, na realidade, é uma homenagem ao ator Arnold Schwarzenegger. As letras são todas inspiradas em filmes do ator como O Último Grande Herói, Exterminador do Futuro, Um Tira No Jardim da Infância, etc. Essa é a razão do desenho dele estampar a capa do álbum e também de terem contratado Chad Ackerman para uma imitação do ator, utilizada como vinheta entre as faixas. A imitação é a pior do mundo, não engana nem uma criança de 3 anos. Comentários como “você acha que tudo soa o mesmo? É claro que soa o mesmo porque é tudo brutal” também são ridículas e dispensáveis, mas as músicas são muito boas. Agora, não sei se é do arquivo que peguei, mas tem várias faixas onde o volume cai um pouco no meio da música e depois volta. É assim mesmo? De todo modo, é um álbum divertido.

Fernando: Outro que não conhecia. Gostei demais da capa que casou perfeitamente com o som remetendo ao thrash oitentista. Nunca gostei do chamado crossover thrash e aqui temos bastante influência. Também temos umas pitadas aqui e acolá de new metal, que também não me agrada, mas no todo gostei mais do que o Dethklok.

Mairon: Sempre tento analisar as audições de bandas satíricas de duas formas: desprezando o conteúdo lírico; prestando atenção no instrumental. O Austrian Death Machine musicalmente é impecável. O cérebro do projeto é Tim Lambesis, malucaço que toca todos os instrumentos do disco, com exceção dos solos de guitarra e alguns outros poucos instrumentos, já que o disco é repleto de convidados. E cara, ele toca tudo MUITO BEM. O disco soa ótimo nos ouvidos, um thrash metal na linha Anthrax. É paulada atrás de paulada, com destaque para arranjos interessantes (“Here Is Subzero, Now Plain Zero” e “I Am a Cybernetic Organism, Living Tissue Over (Metal) Endoskeleton”) e quebra-pescoços formidáveis (“It’s Not a Tumor”, “Rubber Baby Buggy Bumpers” e “Who Is Your Daddy, And What Does He Do?”). A ideia de usar o Arnold Schwarzenegger como influência pode tranquilamente ser abstraída ao longo da audição. E em termos de dar risada, o encerramento com “Not So Hidden Track” é simplesmente hilário!!! Os momentos em que há “a voz de Arnold” aparecendo são passáveis, e não comprometem à música, apenas trazendo essa satirização estabelecida pelo projeto. Gostei do que ouvi, mas não irei colocar nas prateleiras.

Discos Que Parece Que Só Eu Gosto: The London Symphony Orchestra Featuring Ian Anderson - A Classic Case (The London Symphony Orchestra Plays The Music Of Jethro Tull Featuring Ian Anderson)[1985]

Ao mesmo tempo que o rock 'n' roll se consolidava nos anos 60, e tornava-se uma potência nos anos 70, discos com orquestra e rock se tornaram lançamentos tradicionais. A fusão dos dois rendeu pérolas como Days Of Future Passed (The Moody Blues e London Symphony Orchestra, de 1967), Concerto For Group and Orchestra (Deep Purple e The Royal Philharmonic Orchestra, de 1969), Ekseption 00.04 (Ekseption e The Royal Philharmonic Orchestra, de 1971), Live - In Concert With The Edmonton Symphony Orchestra (Procol Harum e a orquestra citada no título, 1972) ou Journey To The Centre of the Earth (Rick Wakeman e a London Symphony Orchestra, de 1974), entre outros,. Uma única orquestra registrando rock 'n' roll em arranjos clássicos, era algo que poderia levar a música clássica para o jovem público dos anos setenta, e por que não, fazer com que alguns jurássicos apaixonados pelas obras de Bach, Beethoven, Chopin e cia., deixassem de torcer o nariz para a música dos cabeludos.

Como podemos ver, tanto as orquestras do Royal Philharmonic quanto a do London Symphony têm participação importante nesse mundo sinfônico + rock, e foram ambas que resolveram incrementar suas discografias, fazendo com que na segunda metade dos anos 70, uma espécie de lançamento se tornasse figura carimbada quase que constantemente. Tratava-se de gravações de músicas clássicas do estilo por uma orquestra. As primeiras gravações desse tipo foram as de Tommy (London Symphony Orchestra, de 1972) e Tubular Bells (The Royal Philharmonic Orchestra, de 1975).

A The Royal Philharmonic preferiu seguir com regravações para um único artista, e assim foram lançados Performs The Best Known Works Of Rick Wakeman (1978), Plays The Beatles - 20th Anniversary Concert (1982), Plays The Queen Collection (1982), ABBAPHONIC - ABBA's Greatest Hits (1983), Objects Of Fantasy - The Music Of Pink Floyd (1989), enquanto eventualmente trabalhou com Frank Zappa (200 Motels, de 1971), David Bedford (Star's End, de 1974), Ramases (Glass Top Coffin, de 1975), Renaissance (A Song For All Seasons, de 1978), além de seguir sua co-irmã, lançando em 1982 Hooked On Rock Classics, com regravações de Beatles, Stones, Derek and the Dominos, Survivor e outros (1982).

Alguns dos álbuns de clássicos do rock interpretados pela Royal Philharmonic Orchestra

Digo seguir a co-irmã por que foi a London Symphony quem resolveu primeiro ampliar sua homenagem ao rock, isso em 1977, quando gravou Classic Rock, coletânea dupla (no Brasil saiu em duas partes) que apresenta sucessos como "Bohemian Rhapsody" (Queen), "Life on Mars" (David Bowie), "Paint it Black" (Rolling Stones), "Whole Lotta Love" (Led Zeppelin), "God Only Knows" (Beach Boys) e mais 13 grandes clássicos de baluartes do rock, de Beatles a Ike & Tina Turner. Esse álbum inova ao re-aaranjar as canções do rock em um estilo bastante clássico, com metais e cordas simulando as guitarras, vocais e teclados, além da presença da bateria, único instrumento mais próximo ao rock.

Em 1979 veio Classic Rock Rhapsody In Black, outra coletânea de sucessos do rock 'n' roll, e a partir dos anos 80, a London Symphony trouxe Classic Rock - Rock Classics (1981), Classic Rock Rock Symphonies (1983), Rock Classic 5 - Themes And Visions (1983), The Power Of Classic Rock (1985), Classic Rock Countdown (1987) e Classic Rock - The Living Years (1989), que além de buscar clássicos do rock na década de 60 e 70, também atualizava peças do rock dos anos 80 em arranjos sinfônicos. A London Symphony, diferentemente da Royal Philharmonic, especializava-se em registra obras de diversos artistas, mas em 1985, resolveu apostar novamente no formato de um álbum exclusivo de um artista, e o homenageado da feita foi o Jethro Tull.

Alguns dos lançamentos da série Classic Rock, com a London Symphony Orchestra

Acompanhada pelo líder flautista, vocalista, violonista, batedor de escanteio, falta, pênalti e também goleiro e técnico do Jethro Tull Ian Anderson, além de participações especiais do guitarrista Martin Barre, do baixista Dave Pegg e do tecladista Peter Vitesse, ou seja, a formação do Jethro Tull que gravou o controverso Under Wraps (1984), e que precisava fazer alguma coisa para poder "arrumar o filme" que havia sido queimado bastante, a London Symphony Orchestra entrou nos estúdios com a intenção de lançar um álbum de Natal em 1985, e assim nasceu A Classic Case (The London Symphony Orchestra Plays The Music Of Jethro Tull Featuring Ian Anderson). Os arranjos ficaram a cargo de David "Dee" Palmer, que acompanhou o Jethro Tull durante boa parte da década de70, ora fazendo arranjos orquestrais ora sendo tecladista.

Porém, parece que o tiro acabou saindo pela culatra. O disco em si acabou sendo tão renegado quanto Under Wraps, e quase todos os fãs de Jethro Tull que eu conheço acabam desprezando seu lançamento. Nosso próprio colega, André Kaminski, ao fazer a Discografia Comentada dos britânicos, se quer mencionou UMA LINHA para A Classic Case. Desconheço as razões para o André ter feito isso, e tão pouco o julgo mal, mas isso só atesta que A Classic Case é um álbum esquecido na vasta discografia de Anderson e cia.

Contra-capa da versão internacional

Porém, eu realmente não entendo isso. Esse foi um dos primeiros discos ligados ao Tull que conheci (Aqualung, Thick as a Brick, The Broadsword and The Beast e Benefit vieram todos juntos à esse, através de um amigo do Micael que é apaixonado pela banda), e foi um caso de amor a primeira ouvida. A união de orquestra com a flauta furiosa de Anderson me causou um impacto muito forte, o suficiente para que A Classic Case se tornasse meu disco favorito da banda por muitos anos (até ouvir A Passion Play), e principalmente, ter sido minha primeira aquisição dos caras. Além disso, o repertório escolhido a dedo mistura canções de todas as fases do Tull, sendo então uma bela entrada ao mundo musical dos britânicos.

A super clássica "Locomotive Breath" surge com o poder das cordas entoando o riff inicial do piano. Os metais emulam os vocais, e o grande destaque é a flauta de Ian Anderson, que repete as linhas vocais e o magistral solo desse petardo de Aqualung (1971) em sua totalidade. O dedilhado de violão mais famoso da história dos britânico introduz "Thick As A Brick". As cordas fazem a parte vocal, e ao longo de pouco mais de quatro minutos, temos aqui apenas três partes do clássico álbum homônimo de 1972, contando novamente com a presença importante da flauta de Anderson, mas sem impactar tanto quanto a original.

Lado A

"Elegy" é uma das mais belas faixas registradas em A Classic Case. A combinação entre orquestra e a flauta causa emoções fortíssimas até em uma estátua. Um registro perfeito, que supera inclusive o original, lançado em Stormwatch (1979), assim como "Boureé", um espetáculo orquestral que impressiona pela sua imposição sonora logo de início, até baixo e flauta trazerem o consagrado riff de Bach. Na sequência, o que ouvimos em Stand Up (1969) está também registrado aqui, com Anderson mandando ver no solo de flauta, e a orquestra fazendo intervenções pontuais. Fechando o Lado A, a surpreendente "Fly By Night". Gravada por Anderson no seu álbum solo Walk Into Light (1983), aqui ela mantém o mesmo arranjo oitentista registrado originalmente, mas ganhou um clima de trilha sonora de filme de ficção científica através da orquestra, o que elevou em muitos pontos sua criação e inserção no álbum.

Outro super-clássico, "Aqualung", abre o lado B com a orquestra assumindo todos os postos. Um dos principais sucessos da banda, aqui é tratada com toda a honra e grandiosidade que merece, sem tirar uma nota do lugar. "Too Old To Rock 'n' Roll To Young To Die" é outra que a orquestra encaixou super bem. A guitarra da introdução está presente, as cordas emulam os vocais de Anderson, o saxofone. Tudo encaixadinho e agradável aos que apreciam a obra. O Medley com "Teacher", "Bungle In The Jungle", "Rainbow Blues" e "Locomotive Breath" possui a participação de Anderson na flauta, e os metais fazendo uma participação dançante e boa para aumentar o som durante a audição.

Lado B

Para fechar o álbum, uma versão praticamente idêntica para "Living In The Past", com o baixão, flauta e tudo mais, e "Warchild", uma faixa soberana, com uma orquestração que modificou totalmente o arranjo original, tornando-a muito mais próxima a grandes trilhas sonoras do que a pérola progressiva do álbum homônimo de 1974, e que encerra com chave de ouro esse rico trabalho clássico,

Depois, vieram We Know What We Like: The Music Of Genesis (1987), e só nos anos 90 a London Symphony resolveu investir alto nesse tipo de lançamento, com cinco discos em 1994 - Symphonic Music Of The Rolling Stones, Plays The Music Of The Beatles, Plays The Music Of Abba - Symphonic Rock, Fortress: The London Symphony Orchestra Performs The Music Of Sting, Orchestra On The Rock - Queen - The Long Goodbye - dois em 1995 - Symphonic Music Of Procol Harum e Plays The Music Of The Eagles, além do disco Symphonic Music of Yes, outro projeto com arranjos de David Palmer, ao lado de Bill Bruford, Steve Howe e Jon Anderson. A partir dos anos 2000, pararam os lançamentos desse tipo, até por que a nova geração musical já havia praticamente abandonado o estilo clássico, mas A Classic Case ficou para a história, tanto pelo seu ousado - na época - estilo de adaptação de canções progressivas com arranjos clássicos como por ser um dos álbuns ligados ao Jethro Tull menos comentados em toda sua história, seja para bem ou para o mal. Concordam?

Contra-capa da versão americana e britânica

Track list

1. Locomotive Breath

2. Thick As A Brick

3. Elegy

4. Boureé

5. Fly By Night

6. Aqualung

7. Too Old To Rock 'n' Roll, Too Young To Die

8. Medley (Bungle in the Jungle / Rainbow Blues / Locomotive Breath)

9. Living in the Past

10. Warchild