Crítica ao disco de Jordsjø - 'Pastoralia' (2021)

 Jordsjø - 'Pastoralia'

(7 de maio de 2021, Karisma Records)

Jordsjø é um grupo norueguês que faz parte desta nova vaga de progressivo vindo das terras escandinavas onde se destacam diferentes bandas. É formado por Håkon Oftung (voz, guitarra, flauta e teclados) e Kristian Frøland (bateria e percussão). Também contaram com a colaboração de Håkon Knutzen (guitarra), Ola Mile Bruland (história e poesia), Vilde Mortensen Storesund (backing vocals), Mats Lemjan (clarinete baixo), Christian Meaas Svendsen (contrabaixo) e Åsa Ree - (voz e violino).

O dueto norueguês nos delicia com um rock progressivo altamente sofisticado e mais próximo de uma fusão folk-jazz. Influências dos primeiros anos de Camel são ouvidas , assim como os sons folclóricos de Gryphon .

Seu novo trabalho, ' Pastoralia ' abre com ' Prolog ', um ritmo jazzístico que desde o primeiro momento evoca florestas, rios, montanhas; à natureza em geral. Com arranjos pouco ortodoxos, um baixo muito presente, o teclado a evocar Tony Kaye e as intensas mudanças de ritmos, Jordsjø apresenta-nos um disco de muita graça e magia que bebe claramente do rock progressivo dos anos 70.

Na segunda faixa, Håkon Oftuns oferece todas as suas variantes: guitarra, flauta e o Mellotron M4000D, uma versão que mantém o layout original do Mellotron, mas funciona digitalmente. Por outro lado, as letras são em norueguês e, embora isso dificulte a compreensão de imediato, ajuda a nos sentirmos mais próximos das paisagens projetadas pela música.

' Mellom Mjødurt, Marisko og Søstermarihånd ' é uma das canções mais bonitas. Inicialmente reúne o violão, as flautas e o mellotron, para depois dar lugar ao clarinete baixo, piano, cravo, flauta, entre outros arranjos. Nessa composição vemos uma divisão bem clara entre um disco mais progressivo, altamente influenciado por Jethro Tull , Van der Graaf Generator e Camel , enquanto o fechamento é totalmente rock, e no final abandona todos os instrumentos que vimos no desenvolvimento da canção. .

A instrumental ' Fuglehviskeren ' é guiada pelo violão que tem um ritmo hipnótico, enquanto ao fundo um maravilhoso contrabaixo que tem explosões constantes que junto com o clarinete baixo soam agradáveis, mostrando que quando a dupla norueguesa se concentra nos instrumentos mais acústicos temos verdadeiras obras-primas.

Saltando para o final, ' Jord III ' é a faixa mais longa do álbum, concentrando todos os seus esforços neste recurso experimental de 10 minutos. Todos os recursos do grupo são colocados aqui. Dos instrumentos já vistos nos outros temas, bem como palavras recitadas e alguma poesia. Esta é claramente a faixa central de ' Pastoralia '. Se você já apreciou todas as músicas do álbum e gostou, a composição final vai te surpreender.

Este é um álbum que tem duas almas: O rocker que não predomina mas é mais complementado por aqueles que compõem grande parte da ' Pastoralia ', o folkloric-jazz que juntamente com os instrumentos acústicos predominantes criam um som único que presta homenagem ao progressivo dos anos 70, mas gerando uma identidade própria. O som é cativante, cria momentos inesquecíveis. É charmoso e brilhante com momentos um pouco sombrios.

Atrevo-me a dizer que é um dos melhores do ano.

Ouça o álbum no Bandcamp:

Artistas de Rock Progressivo Italiano

LA PENTOLA DI PAPIN

La Pentola di Papin biografia
LA PENTOLA DI PAPIN era um grupo menor da Itália. Sons de guitarra e órgão garantidos desse período, vocais em italiano. Eles só lançaram um álbum em 1977. "Zero-7" é um bom álbum com leves influências clássicas e teclados à tona, mas uma guitarra fuzz leva de volta a algumas atmosferas do início dos anos 70. Há muitos vocais e este álbum flui como um álbum conceitual que, se for verdade, está completamente além das minhas limitadas habilidades em italiano. Um som como PFM. Não é um achado essencial.

Parecido com

1. Blocco Mentale

   

2. L'Uovo di Colombo

   

3. Alusa Fallax

   

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Álbuns

1. Zero-7

   32 ouvintes

   1977 · 7 faixas

   
2. 
   

Disco Imortal: Social Distortion – Somewhere Between Heaven & Hell (1992)

 

Epic Records, 1992

A mais de duas décadas de distância, é inegável olhar para este álbum como parte essencial do punk rock californiano, bem como obrigatório na carreira de uma das bandas mais sólidas do circuito americano do estilo e que, até hoje , podemos desfrutar como um combo que sabe combinar muito bem o hard hard rock, com letras muito pessoais e honestas e com aquele tempero de country blues da melhor escola dos grandes expoentes de que também ousaram fazer covers para reconfirmá-lo .

Não há música ruim no álbum e o talento de Mike Ness na interpretação é notável, porém esse álbum foi um tanto desvalorizado na época, com músicas perfeitamente radiofônicas que até permitiram ao Social Distortion dar aquele grande salto que haviam conseguido nesses anos. bandas como Green Day e The OffSpring. A energia, a atitude, o fator emocional e a loucura foram os quatro ases com que a banda consagrou seu som definitivo sem cair na tentação do som dominante, mas também, foi algo que jogou um pouco contra eles para chegar onde deveriam chegar. .

Para o quarto álbum do Social Distortion, Ness e a banda mantiveram-se fiéis à direção já assumida no autointitulado de 1990. O cantor/guitarrista não apenas trabalhou em faixas dos antigos discos de Hank Williams e Johnny Cash, mas também fez disso um verdadeiro e muito melodias próprias do país que, quando combinadas com esta entrega tão sincera, nos deixaram momentos verdadeiros e emocionantes. Os casos tão bem trabalhados são óbvios como o tema de um lendário como Jimmy Work em "Making Believe", ou o de William Edwin Bruce Jr. redefinem-se muito bem no glorioso e próprio «Ghost Town Blues», deixando a alma numa harmonia e cheia de momentos quase épicos de energia, estilo e ferocidade.

Mas bem, não foi o que se esperava e a Epic sentiu que perdeu a aposta, apesar de comercialmente, ter sido um grande passo para a banda. Após o lançamento de Somewhere Between Heaven and Hell em 11 de fevereiro de 1992, tornou-se evidente que, apesar da forte promoção e apoio da MTV, talvez uma banda punk muito autoproclamada influenciada pelo rockabilly não fosse exatamente o que eles queriam. . Embora "Bad Luck", tenha sido um hino e se tornou o single de maior sucesso do Social Distortion, seguido por outros sucessos e canções enérgicas como a poderosa "Cold Feelings" (solo notável do falecido Dennis Danell), a melancólica "Sometimes I Do". , a emblemática "Born to Lose" ou "When She Begins", a banda não deslanchou da forma que muitos por aí previam, mas que importa,

Disco Imortal: Faith No More – The Real Thing (1989)

Slash Records / Reprise Records, 1989

“Sempre fomos uma banda alternativa, então este álbum era um novo lugar ”, disse o virtuoso baixista Billy Gould, sobre o que The Real Thing significava para o Faith No More. Os nativos de São Francisco queriam - com esta terceira placa - dar um golpe de estado na música do final dos anos 80 e acabou dando certo para eles, incluindo diversos tipos de estilos muito bem administrados pelo produtor Matt Wallace.

Os formados em 1982, acabavam de demitir seu vocalista Chuck Mosley para receber o californiano Mike Patton, que incluía um estilo que os identificaria e, ao mesmo tempo, os tornaria inimigos de certas bandas, como Red Hot Chili Peppers. No entanto, o último é outra questão e vamos nos concentrar na estreia de Patton como vocalista do FNM.

O Mike de vinte e poucos anos possuía uma gama tonal perfeita e letras angustiadas e variadas para o que a banda pedia e essa foi uma das inspirações para começar a dar vida a um trabalho delirante. Tudo começa com “From Out of Nowhere”, uma música cativante, onde os teclados de Roddy Bottum se transformam em um riff furioso que enfeita uma carta de amor que poderia perfeitamente ter sido tirada de uma passagem de On the Road de Jack Kerouac. “Jogado em minha mente, mexendo com a calma/Você me espirra com beleza e me puxa para baixo/Porque você veio do nada” Porque você apareceu do nada”) , diz a introdução do single para deixar claro que eles levaram o que eles estavam propondo ao mundo com muita seriedade.

"Epic" seria a chave do sucesso e os catapultaria para a fama mundial que os trouxe até esta estreita e longa faixa de terra chamada Chile para se apresentar no Festival da Viña e mostrar um show cult que teve Myriam Hernández e Antonio Vodanovic como protagonistas principais vítimas do vocalista. Este single foi lançado no início de 1990 e acabou sendo bem recebido pela crítica especializada, inclusive o vídeo foi rodado várias vezes pela MTV, já que seu conteúdo mostrava infinitas imagens surreais e de difícil compreensão por um público ávido por novos recursos cinematográficos. na tela pequena. Da mesma forma, os ritmos expressos nesta música fizeram com que a popularidade da banda aumentasse em todo os Estados Unidos, aumentando, sim,

Seu terceiro single, “Falling to Pieces”, mostra a mistura de estilos que eles procuravam, mas que é amplamente dominado pelo ritmo funk constante do baixo de Gould e da bateria de Mike Bordin. «A indecisão obscurece a minha visão/Ninguém ouve…/ Porque estou algures no meio/O meu amor e a minha agonia/ Sabes, estou algures no meio/ A minha vida está a cair aos pedaços» («A indecisão obscurece a minha visão/Ninguém ouve… / Porque estou algures no meio/ O meu amor e a minha agonia/ Vês, estou algures no meio/ A minha vida está a desmoronar”) , é dado num refrão que não deixa indiferentes os seguidores da banda, bem, para muitos, o tom comercial afetou as letras e manchou um disco que foi aplaudido pelo Guns N' Roses e pelo Metallica.

“War Pigs”, a fantástica homenagem de No Más Fe ao Black Sabbath incluiu-os num género que por diversas vezes desprezaram, pois ser rotulados no metal não era a sua intenção, mas apenas um recurso a um estilo que não tinha Nome. "Surpresa! You're Dead!” contém o mesmo viés, mas os gritos de Patton em muitas passagens da música demonstraram o quão fantástica foi a decisão de incluir o vocalista do Sr. Bungle na banda.

Este álbum editado pela editora Slash e com uma duração de quase 55 minutos, foi a grande inspiração para muitas bandas que em meados dos anos 90 veriam o Faith No More como uma das pedras angulares para Limp Bizkit ou Korn lançarem as bases do nu. metal. Mas não é só isso, The Real Thing foi a abertura para os californianos abrirem as apresentações dos liderados por Axl Rose e os criadores de "Enter Sandman" em turnês que lhe dariam popularidade definitiva.

Hoje, você pode encontrar uma versão de luxo desta placa, que inclui novos remixes de "Epic" e "Falling to Pieces", bem como a inclusão de "Sweet Emotion" e versões de estúdio de "The Grade" e The Cowboy Song .

Delain liberta clipe para a canção “Moth To A Flame”

Faixa integra o novo álbum "Dark Waters", que chegará no dia 10 de março próximo via Napalm Records.

A banda neerlandesa Delain, liderada pelo tecladista e principal compositor e arranjador Martijn Westerholt, lançou o seu 3º single, com direito a um videoclipe, intitulado “Moth To A Flame”.

Esta é a terceira canção divulgada do vindouro álbum "Dark Waters", previsto para chegar no dia 10 de março próximo.

O Tecladista, fundador e principal compositor da banda, Martijn Westerholt, comentou sobre a faixa:

"Estou extremamente orgulhoso dessa música. É uma das músicas mais animadas do álbum, além de ter o riff de guitarra mais pesado, e os vocais de Diana são excelentes! É uma combinação matadora que eu acho que os fãs amarão."

Este será o primeiro trabalho da banda depois que Martijn remontou o Delain, após ter demitido 4 integrantes em fevereiro de 2021, dentre eles a frontwoman Charlotte Wessels e convocar novos membros em agosto: o guitarrista e baterista originais Ronald Landa e Sander Zoer, a nova vocalista Diana Leah e o novo baixista Ludovico Cioffi.

Assista o clipe de “Moth To A Flame” no player abaixo:

Tracklist:

01 Hideaway Paradise

02 The Quest and the Curse

03 Beneath (Paolo Ribaldini)

04 Mirror of Night

05 Tainted Hearts

06 The Cold

07 Moth to a Flame (Paolo Ribaldini)

08 Queen of Shadow

09 Invictus (Marko Hietala & Paolo Ribaldini)

10 Underland

11 The Quest and the Curse (Piano Version).

Vivendo do Ócio celebra 11 anos de ‘O Pensamento é um Ímã’, em São Paulo

 O Pensamento é um Ímã, o segundo disco do Vivendo do Ócio, foi um importante passo para consolidar a carreira deste quarteto baiano, hoje com quatro discos de estúdio e turnês por todo o Brasil. A celebração dos 11 anos do seu lançamento será no palco do Fabrique Club, em São Paulo, no show especial que realiza dia 12 de fevereiro.

A produção é da Powerline Music & Books e duas bandas em ascensão da cena alternativa nacional fazem a abertura deste evento: Bratislava e The Zasters.

Lançado em fevereiro de 2012 pela DeckDisc, O Pensamento é um Ímã é composto por consagradas referências, vide a mistura contagiante do rock nacional a la Los Hermanos e Skank com a energia do Strokes, e nomes de peso nos bastidores: teve produção de Rafael Ramos (Cachorro Grande) e Chuck Hipolitho (Forgotten Boys), além da mixagem feita em Los Angeles por Brian ‘Big Bass’ Gardner (Foo Fighters).

Vivendo do Ócio é uma banda brasileira de rock formada em Salvador, Bahia, em 2006 pelo guitarrista e vocalista Jajá Cardoso com o baixista Luca Bori, em seguida houve a inclusão do guitarrista Davide Bori (irmão de Luca) e o atual baterista Dieguito Reis.

O grupo vem sendo uma das principais bandas do cenário do rock brasileiro contemporâneo, já ganharam vários prêmios e possuem quatro álbuns de estúdio, o mais recente auto-intitulado, que já soma mais de 2 milhões de reproduções no streaming.

Pedro Bergamo abre caminho de um novo ano com Escute o som que vem daqui

 Cantor, compositor e multi instrumentista brasileiro radicado na Finlândia, Pedro Bergamo une a sua paixão pela MPB setentista com o rock progressivo nórdico em uma viagem psicodélica e solar no single Escute o som que vem daqui.

A faixa, que sugere início de ciclos e renascimentos, mostra o recomeço de um trabalho artístico para Pedro Bergamo ao mesmo tempo que pode dialogar com o ouvinte que busca no ano novo uma página em branco.

Nascido em uma família de músicos, Pedro busca desde cedo unir suas influências musicais ecléticas do flamenco, folk, forró e rock com seu interesse em assuntos místicos, históricos e filosóficos.

Influenciado por seu avô que era benzedor, tarólogo e contador de causos, o artista iniciou sua discografia com o single Lago Brasil em 2019, contando uma trágica história indígeno-Brasileira fazendo uma ponte entre o dialeto caipira de trovadores paulistas como Tião Carreiro e Pardinho, e o folk rural do nordeste setentista de Zé Ramalho, seu maior ídolo.

Um ano após, em meio a uma perda pessoal forte e inspirado pela obra de Ariano Suassuna, Pedro produz Abrahadabra!

Trabalhando em seu disco de estreia, ele dá a primeira amostra de sonoridade com Escute o som que vem daqui. Produzido pelo guitarrista Lauri Loikkanen, da banda finlandesa The Halophones e masterizado por Jaakko Virtalähde (Death Hawks, Mikko Joensuu), a faixa chega com um clipe dirigido pelo diretor sueco-finlandês Anders Ragnar.