Crítica ao disco de Steven Wilson - 'The Future Bites' (2021)

 Steven Wilson - 'The Future Bites' (29 de janeiro de 2021)

Gravadora: Caroline International; País: Reino Unido; Avaliação: 5

1. Unself 1:05
2. Self 2:55
3. King Ghost 4:06
4. 12 coisas que esqueci 4:42
5. Eminent Sleaze 3:52
6. Man of the People 4:41
7. Personal Shopper 9: 49
8. Seguidor 4:39
9. Contagem de mal-estar 6:08

Duração total: 41:56

 

Músicos:
Steven Wilson - vocais, sintetizadores, guitarras, percussão
David Kosten - som
Rotem Wilson - vocais
Nick Beggs - baixo
Michael Spearman - bateria
Wendy Harriott, Bobbie Gordon e Crystal Williams - backing vocals
Elton John - vocais adicionais
Fyfe Dangerfield - vocais adicionais

Ficha Técnica:
Produzido por: Steven Wilson e David Kosten

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Pois bem, já ouvimos o tão esperado ' The Future Bites ' de Steven Wilson , sim, e foi feito, composto e editado por tanto tempo, quase um ano, que sua publicação oficial em janeiro deste ano mal passa de uma anedota oficial. .

O fato é que poderia causar pouca surpresa entre todos nós que ouvimos bastante avanços de suas canções e temo que não haja boas notícias para aqueles que esperavam mesmo um pequeno renascimento de sua carreira em direção às origens do rock progressivo.

Aliás, como já havíamos ouvido entre as primeiras canções, há uma ótima '12 Things I Forgot' que nos lembra o melhor Porcupine Tree em tom comercial e de fácil acesso. E já. O resto do álbum é o exercício de Wilson de mergulhar no gênero pop e soul sem dissimulação, algo que ficou evidenciado em 'To the Bone' (2017) e que chegou a insinuar por vezes em 'Hand'. Não podes. Apagar.' (2015), em última análise, seu último trabalho progressivo e rock.

A eletrônica toma conta de Wilson em 'The Future Bites', um interessante exercício de reflexão sobre a atual sociedade de consumo, um mundo superficial submerso em novas tecnologias e que esquece as relações pessoais e o contato pele a pele... vai agradar aqueles que agora se gabam de ser um esnobismo sorrateiro. Aqueles que dizem algo como 'ah, que horror com as gravadoras, música boa não tem gênero'. E não, não somos talibãs do rock, metal ou progressivo por qualificar este álbum como mediocridade comercial que também não atinge o seu objetivo, que é atingir novos públicos e novas audiências, mais habituadas às sonoridades eletrónicas atuais.

Claro, legiões de fãs que o acompanham desde os tempos do Porcupine serão os primeiros a fazer fila em seus shows e comprar o disco. Claro que dirão que não somos radicais e que gostamos desse gênio musical. Mas já é cansativo. Deve ser dito claramente: este 'The Future Bites' tem apenas algumas músicas interessantes e o resto são testes de estúdio de um divino Wilson que acredita que pode ser o Peter Gabriel dos anos 1920. E não.

Se Gabriel teve sucesso e lotou estádios - e ainda faria - com sua abordagem pop, é porque canções como 'In Your Eyes', 'Come Talk to Me', 'Love to Be Loved', 'Blood of Eden', 'Washing of the Water', 'Digging in the Dirt', 'Solsbury Hill' e muitos outros são atemporais e ainda soam frescos e ótimos quase 30 anos depois. O mesmo vale para Phil Collins e muitos outros que se aventuraram com sucesso na música pop.

Não acho que nenhum corte desse 'The Future Bites' sobreviverá ao passar do tempo, sério, e se há cortes interessantes é porque Wilson obviamente não deixa de ser um bom músico ou compositor por fazer essa música pop. É claro que ele é talentoso em escrever e atuar, mas honestamente errou nessa virada em sua carreira. E cuidado, porque eu o entendo: ele quer mudanças, quer evoluir e cansa de fazer sempre a mesma coisa. Não pedimos 'Trains', nem 'Raven', nem 'Drive Home' o dia todo e a qualquer hora... Mas é claro que o público progressista não é mais o destinatário claro dessa nova linha criativa.

Revisão tópico por tópico

'Unself' e 'Self', as faixas curtas que abrem o álbum, são meros exercícios de técnica sonora que claramente funcionam nesse nível. Eles soam bem. Mas eles não contribuem com nada, eu acho. 'King Ghost', que já conhecíamos como single de avanço, é uma boa música soul/pop com bases eletrônicas de sucesso e uma sonoridade técnica avassaladora. Wilson deixa claro que mesa de som é coisa dele. Quem gosta, aproveite.

Depois vem um punhado de canções puramente pop, com refrões que vão convencer ele e alguns fãs, mas pouco mais. Estamos falando de 'Eminent Sleaze' e 'Personal Shopper' -outros cortes que Wilson já apresentou-, que pouco têm para seduzir seu público dos anos 1990. Os 'modernos' mandam. 'Follower' entra neste grupo de canções, mais um exercício pop, embora com partes interessantes e cativantes devido ao seu refrão altamente eficaz. Mais uma vez, mais uma boa reflexão sobre os tempos atuais, redes sociais e seguidores, mas com esta embalagem musical que os roqueiros não vão apaixonar.

Salvam-se da queima apostas interessantes, como a perturbadora 'Count of Unease', bem Radiohead das suas fases experimentais, ou a delicada e preciosa 'Man of the People', que podem ser bons acompanhamentos ambientais para um momento de leitura e reflexão.

O melhor do álbum, e não cai mal, é que dura apenas cerca de 42 minutos e é consumido de forma rápida e indolor, como a junk food que Wilson tanto critica com este álbum sobre o mundo de hoje.

Crítica ao disco dos Ozric Tentacles - 'Space for the Earth' (2020)

 Ozric Tentacles - 'Space for the Earth'

(9 de outubro de 2020, Kscope Records)

Hoje temos o prazer de apresentar o mais recente álbum da lendária e atual banda britânica que é campeã do space-progressive há muitas décadas: claro que estamos nos referindo aos OZRIC TENTACLES, e o novo álbum é “Space For The Earth”, o mesmo que foi lançado em 9 de outubro do ano passado 2020. A gravadora responsável por este procedimento, tanto em CD quanto em vinil (edições preto, verde e turquesa), é o Kscope. O material contido neste álbum, composto pelo líder perpétuo do ensemble Ed Wynne entre a segunda metade do ano passado 2019 e os primeiros meses do presente 2020, foi inspirado nas colinas, vales e praias escocesas que existem no meio geográfico onde está localizado, localizado o estúdio de gravação. O local em questão é o Blue Bubble Studio, localizado em Fife. O core group é formado por Wynne [guitarras, sintetizadores e baixo], Silas Neptune [sintetizadores] e Balázs Szende [bateria]. Ao longo do álbum, vários convidados amigos da família por serem ex-integrantes do OZRIC TENTACLES estão presentes: Joie Hinton (sintetizador), Nick Van Gelder (bateria), Champignon (flauta e kaval, que é uma flauta balcânica) e Paul Hankin (percussão). Gre Gracerooms também aparece em algum momento contribuindo com camadas de sintetizador: esse é o apelido do músico holandês Gregoor Van Der Loo, que lembramos dos tempos do LEMUR VOICE, e que também colabora com Wynne em projetos musicais colaterais há alguns anos . O detalhe da presença de ex-integrantes do coletivo é crucial para especificar o foco de retorno ao esquema sonoro geral dos discos da primeira metade dos anos 90 dos OZRIC TENTACLES, uma abordagem de fusão mais explicitamente etérea e contemporânea do que aquela desenvolvida nos álbuns de Wynne & Co. ao longo do novo milênio. Supomos que também influenciou o facto de a inspiração para este novo repertório ter vindo da contemplação das paisagens da Pátria. Bem, é hora de repassar os detalhes desse novo repertório, ok?

Durando poco más de 6 ½ minutos, 'Stripey Clouds' abre el álbum con una exhibición de gráciles recursos de sintetizador mezclados con un groove razonablemente complejo, lo cual resulta muy oportuno a la hora de explorar y reforzar los celebratorios aires fusionescos que emanan del jam no curso. O fato de as contribuições rítmicas repousarem sobre algumas passagens estratégicas aumenta a luminosidade etérea criada para a ocasião. Aliás, a partir desse ponto de partida, a guitarra de Wynne elabora alguns de seus solos mais marcantes do álbum, que ele ousa começar, um de seus ápices expressivos. 'Blooperdome' segue a seguir para aprofundar a faceta explicitamente eletrônica que sempre foi essencial para a proposta musical do conjunto. As sequências de sintetizador de abertura são realmente cativantes e enérgicas, e a entrada da bateria serve principalmente para fornecer um foco nítido para as variantes que surgirão ao longo do caminho. Com uma dose um pouco maior de sofisticação e uma musculatura sonora mais contida do que o tema inicial, o pessoal da OZRIC TENTACLES cria aqui uma peça verdadeiramente suntuosa. O momento em que o violão brilha em um solo incrível é particularmente caloroso. Com pouco menos de 9 minutos de duração, a terceira peça que responde ao título de 'Humboldt Currant' torna-se a mais longa do repertório. Seu balanço geral é mais leve que o de qualquer uma das duas peças anteriores, indo direto para um gancho que é tão retumbante quanto amigável. As cadências distintamente jazz-rock fornecidas pela bateria ajudam o conjunto geral a assumir uma frescura genuína através das sequências sintetizadas essenciais que fazem parte do enquadramento sonoro. Por outro lado, as alternâncias nos destaques da guitarra e do sintetizador nos solos são tratadas com fluidez cuidadosa; Além disso, a presença ocasional de canções é fundamental para enfatizar a essência vital da peça. Outro zênite do álbum. 'Popscape' leva este vitalismo a uma dimensão mais veemente, não só pelo carácter intenso do beat e do groove, mas também pela vertente mais agressiva que assumem os ornamentos sintetizados e os solos de guitarra. Esta peça dura pouco menos de 5 minutos mas tem uma urgência irreprimível que lhe permite dizer muito.

'Climbing Plants' é uma canção muito cativante que incide sobre a faceta mais explicitamente etérea do conjunto, com aquela atmosfera flutuante que envolve o evocativo motivo central com o seu brilho mágico, a partir do qual se elaboram várias permutações: de lugares com maior vigor a outros onde as vibrações envolventes têm precedência na engenharia temática. Tanto a guitarra quanto a bateria incorporam nuances jazz-rock em suas respectivas intervenções. Tal como a música que a precedeu, esta mostra enorme influência do maestro STEVE HILLAGE, enquanto o trabalho dos sintetizadores recebe claramente ecos dos legados de TIM BLAKE e SYNERGY. A dupla da peça titular e 'Harmonic Steps' ocupam os últimos 14 minutos ou mais do álbum. 'Space For The Earth' segue basicamente o caminho de um mood evocativo que traçou para a peça anterior, mas desta vez com uma sumptuosidade mais subtil e uma abordagem mais reggae dentro da estratégia de fusão desenvolvida pelo duo rítmico. A meio caminho entre o contemplativo e o crepuscular, esta peça ainda consegue muito bem organizar o colorido extrovertido para ornamentar adequadamente a sua compota central. Por seu lado, 'Harmonic Steps' é principalmente responsável por condensar os recursos de vitalidade e brio comemorativo que marcaram as três primeiras peças do álbum, talvez estando mais próximas da terceira. Embora haja passagens completamente arrebatadoras por parte da guitarra elétrica, são os teclados e as ocasionais contribuições da flauta que fornecem os recursos mais marcantes da cor sonora inerente a esta impressionante peça final. Em suma, tudo isto é o que os OZRIC TENTACLES nos ofereceram com “Space For The Earth”, uma bela aventura space-rock-progressiva que se impõe como estratégia acertada para manter o brilhantismo da vigência desta banda veterana. Não temos dúvidas que este álbum reforça a importância deste coletivo dentro da cena progressiva mundial das últimas décadas; aliás, foi um dos lançamentos progressivos britânicos mais notáveis ​​​​de 2020. uma bela aventura space-rock-progressiva que se impõe como uma estratégia acertada para manter o brilhantismo da vigência desta banda veterana. Não temos dúvidas que este álbum reforça a importância deste coletivo dentro da cena progressiva mundial das últimas décadas; aliás, foi um dos lançamentos progressivos britânicos mais notáveis ​​​​de 2020. uma bela aventura space-rock-progressiva que se impõe como uma estratégia acertada para manter o brilhantismo da vigência desta banda veterana. Não temos dúvidas que este álbum reforça a importância deste coletivo dentro da cena progressiva mundial das últimas décadas; aliás, foi um dos lançamentos progressivos britânicos mais notáveis ​​​​de 2020.

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- Amostras de 'Space for the Earth':

Disco Imortal: Accept – Metal Heart (1985)

 

RCA Records / Portrait Records, 1985

Muitas bandas de metal foram punidas pela crítica, ou pelos próprios fãs, desde a irrupção do gênero, por proporem variantes que fugiam do puro e duro do estilo. Seria um bom tema discutir se essas propostas mais comerciais fossem sinônimo de estar em desacordo com a qualidade musical; e se essa discussão acontecesse, sem dúvida o “Metal Heart” do Accept escaparia do preconceito. O sexto álbum dos alemães, editado em 1985 e que se seguiu a um trabalho soberbo como "Balls to the Wall", um ruído do heavy metal na sua forma mais pura, tinha uma tarefa gigantesca porque ia ser caracterizado por um som muito mais melódico linhas., que facilitou a chegada da banda no mercado norte-americano; no entanto, isso não significou um sacrifício de troca, pelo contrário, Foi uma manifestação do equilíbrio perfeito entre o hard rock e o heavy, que surge em cada música e que o tornou uma opção muito boa para as rádios. “Metal Heart” teve a produção mais do que caprichada de Dieter Dierks, um colaborador assíduo do Scorpions.

O início é devastador e separa a banda do que se definia, na época, como "comercial". A música "Metal Heart" é pesada, mas muito sensível ao mesmo tempo, incluindo um trecho da "Marcha Eslava" de Tchaikovsky e uma adaptação da conhecida "For Elisa" de Beethoven, perfeitamente intercalada no solo de Wolf Hoffmann. Além disso, possui refrões sensacionais, inconfundíveis, marcados pela força inesgotável do famoso Udo Dirkschneider. O exercício de misturar o metal com o que há de mais erudito e fundacional da música universal, resultou numa música de grande qualidade, com brilho próprio e que rapidamente se tornou um clássico inconfundível, que permitiu à banda ser identificada em qualquer lugar. Ao longo dos anos, ele conquistou respeito e provocou o mesmo em relação aos alemães.

“Midnight Mover” tem um refrão que te prende logo de cara, um trabalho de violão mais clássico muito bom e imperdível em shows ao vivo pela vitalidade que transmite. “Up to the Limit” é uma coleção de riffs e vocais poderosos, tudo elevado a um nível de qualidade acima da média e é um resumo perfeito da proposta do Accept. "Errado é certo" não dá fôlego. Um grande solo, um ritmo apertado e os gritos de Udo, principalmente o do início, falam de uma representação bestial do heavy metal. O recorde, até agora, é sólido.

“Screaming for a Love Bite” é impressionante, especialmente o riff de abertura. Embora seja mais radiante que os anteriores, não perde força por isso e caiu bem no ouvido americano. “Too High to Get It Right” soa mais simples e pensa-se que não vai surpreender, porém, vem o refrão letal que, de fato, deixa a música bem alta. "Dogs on Leads" e o seu início calmo mas que avança para a velocidade, para depois regressar ao tom lento, num bom jogo de velocidades. Wolf oferece um ótimo solo. “Teach Us to Survive” é mais linear, sem tanta surpresa, enquanto as duas do final são bem potentes. “Living for Tonite” e “Bound to Fail” propõem mais movimento e vontade de torcer o pescoço, o que provoca um fechamento redondo.

A capa não deixa espaço para interpretações. Refere-se à tecnologia, numa imagem que hoje pode parecer ridícula, mas em 1985 significava uma reflexão sobre como o progresso tecnológico chegaria um dia ao coração das coisas, tornando tudo artificial. Discussão muito atual, em todo caso. Entre duas sólidas obras, como "Balls to the Wall" e "Russian Roulette", este "Metal Heart" é um ponto igualmente alto na discografia do lendário Accept, muitos críticos inclusive o classificam com a nota máxima, já que não não sacrificou a essência a favor de ser ouvido de forma mais acessível, pelo contrário, colocou a voz aguda e única de Udo e a força característica das cordas ao serviço de um disco transcendental no seu equilíbrio e que se destaca claramente, entre os tantos joias que nasceram no metal dos anos 80.

Disco Imortal: Korn – Issues (1999)

 

Immortal Records / Epic Records, 1999

Korn junto com Deftones são considerados os pais do "Nu Metal" que começou em meados dos anos 90 principalmente na Califórnia, seus primeiros álbuns são carregados de groove, guitarras poderosas em afinações baixas e acima de tudo muita raiva. Em 1999, Korn havia garantido um lugar nas fileiras do Rock e Metal participando de turnês como Ozzfest e Family Values, servindo como padrinhos para a descoberta de bandas como Incubus ou Limp Bizkit, com três álbuns a reboque (Korn, Life is Peachy e Follow The Leader) e singles como 'Blind', 'Got The Life', 'ADIDAS' ou o definitivo 'Freak On A Leash'.

Com uma cena inundada por bandas de Metal Alternativo já no final do milênio passado, os de Bakersfield se trancaram em estúdio para trabalhar em sua quarta produção "Issues", na época David Silveria, ex-baterista declarou a um jornalista: " A música é muito mais pesada e simples, com grooves mais pesados ​​do que os álbuns anteriores. Quase o mesmo no começo, só que agora Jonathan é um cantor melhor, então está tudo se encaixando."

A banda decidiu ir contra a corrente de várias maneiras, primeiro evitando o elemento rap de seus álbuns anteriores com temas mais pesados, pois sentiam que muitas bandas os estavam imitando, e também postaram o single 'Falling Away From Me' em seu download página, enfurecendo os executivos de sua gravadora. Paralelamente, iniciaram uma corrente de e-mails onde os fãs podiam baixar a música e enviar o mesmo e-mail para seus contatos e para cada download, 25 centavos eram doados para instituições de caridade para crianças de rua, com isso conseguiram arrecadar mais de 250.000 dólares .

Para a arte do álbum, envolveram também os fãs através de um concurso da MTV onde o desenho vencedor seria para a capa (Alfredo Carlos é o criador do mítico boneco de pano que até hoje é como o seu próprio Eddie), os restantes desenhos serão usados para o livreto e as versões européia e japonesa.

Já quanto ao "pinheiro" do álbum: as músicas destacam a introdução de "Dead" com aquele Drum Groove e a gaita escocesa de Jonathan Davis, que se tornaria característica em seus shows ao vivo, as músicas assumem um tom mais sombrio como o mesmo" Falling Away From Me", "Beg For Me", "Make Me Bad" ou a sombria "Somebody Someone", também incorporaram muitas canções curtas como prelúdio como "4U", "It's Gonna Go Away", "Wish You Could Be Me” ou “Am I’m Going Crazy” onde Davis canta coisas como “Am I’m going crazy?” enquanto ouve a mesma frase, mas ao contrário. A música “Dirty” termina em quase 4 minutos e então restam cerca de 3 minutos de estática.

Hoje os dois singles do álbum são bem lembrados com seus videoclipes que eram transmitidos o tempo todo na MTV "Falling Away From Me" e "Somebody Someone" (The fly video), ao nível da crítica a Issues teve reações mistas, por por um lado elogiado por seu som pesado e por outro alguns questionaram que a banda se afastou do som de "Follow The Leader", porém as vendas (575.000 unidades na primeira semana e 13 milhões até agora) e o tempo mostraram que isso é um dos álbuns mais sólidos e definitivos da banda.

A partir daqui nos próximos trabalhos é perceptível um efeito decrescente no Korn a nível musical e na dinâmica do grupo após a saída do guitarrista Brian "Head" Welch e David Silveria, primeiro baterista, embora "Head" regressasse em 2013 dando-lhe um novo ar para a banda. Apesar dos altos e baixos, Korn junto com outras bandas como Deftones, Incubus ou Slipknot permaneceram constantes publicando discos, fazendo turnês e conquistando um lugar para si no Olimpo do Rock e do Metal, e para isso, Issues é essencial e imortal.

Bloco do Caos anuncia EP e DVD com Caminhada, parceria com Bells

 Depois do grande sucesso de Na trilha do Bloco #1: Boiçucanga, lançado em 2018, o Bloco do Caos decidiu repaginar o projeto e desta vez aposta em grandes parcerias femininas do reggae em Na trilha do Bloco com elas.

O EP e DVD, que será lançado aos poucos, teve seu debute com o single Caminhada, que conta com a participação de Bells, artista nova da cena do reggae mas que vem se destacando pelo seu estilo e suas músicas já lançadas.

Composta por Alê Cazarotto, Renato Frei e Bells, a faixa fala sobre trilhar o próprio caminho, por mais árduo que ele seja. “A caminhada é longa mas é minha”, canta o refrão. Num arranjo que mistura o acústico com o beat eletrônico, temos reggae e lo-fi coexistindo, com pitadas de hip hop. Música leve, acústica, goodvibes, intimista e reflexiva, como promete ser todo o projeto.

Com cinco singles inéditos em áudio e vídeo, todos com participações femininas que despontam no cenário do reggae nacional, o Na Trilha do Bloco com Elas é um mini DVD Acústico produzido pela Plural Brother Filmes, parceiros de longa data da banda, e dirigido por Rodrigo Rímoli.

A produção musical ficou por conta de Alê Cazarotto e Renato Frei, ambos integrantes do Bloco do Caos. A mixagem e masterização ficou por conta de Fábio Chapa do Chapa Music Estúdio.

“Um dos intuitos do projeto Na Trilha do Bloco com Elas é dar notoriedade e visibilidade para a força e o talento da mulher brasileira regueira, conectar o público com a arquitetura da cidade de São Paulo e também mostrar o lado reggae mais leve da banda, realizando tudo isso de forma harmônica e sutil, buscando um alcance mais amplo no mercado fonográfico”, explica Alê Cazarotto, vocalista do Bloco.

Em complemento à música, o projeto contará com cinco entrevistas das participantes em formato de podcast, contando um pouco sobre sua trajetória, dificuldades e outros assuntos com o objetivo de motivar outras mulheres do reggae.

Esse projeto foi contemplado pela 5ª Edição do Edital de Apoio ao Reggae para a cidade de São Paulo — Secretaria Municipal de Cultura.

Antonio Sobral revela EP Marulho com vídeo em super-8 de Canto Doce

“Quero o meu canto calmo/Quero o espanto calmo”, afirma o multi-artista Antonio Sobral em Canto Doce em busca de um momento de respiro. A faixa é um dos destaques de Marulho, um álbum visual composto em viagem e traduzido em canções-mergulho sem medo de ir a fundo.

O lançamento é do selo Desmonta e ganha um clipe que é um diário visual e afetivo em super-8 sobre um encontro com a natureza.

“Era um dia triste e bonito. Resolvi caminhar. Ao chegar no topo de um morro, me deparei com um vale, coberto de mata. A beleza da vista foi dinamizada pelo rasante de um gavião sobre a minha cabeça. Neste momento, a letra e a melodia de ‘Canto doce’ me vieram, praticamente como foram gravadas depois: cristalinas. A música fala sobre o encontro da paz na Natureza, e sobre a importância de ter os olhos abertos nesta jornada, para poder perceber esta paz e afinar o canto com doçura, aveludando as arestas de dentro”, conta Antonio.

A estreia como artista solo celebra o seu próprio movimento: há 8 anos, Sobral trocou sua vida em Berlim por uma vivência na serra fluminense, onde se dedica à agroecologia e à produção cultural, no território rural de São José do Vale do Rio Preto, fazendo a curadoria da Residência São João.

“O disco foi gravado no auge da pandemia, quando as baterias do mundo andavam fracas. Passamos duas semanas em imersão no estúdio de gravação da Residência São João, um espaço de criação em plena área rural, onde eu vivo. Foi um privilégio ter este tempo para buscar os sons que nos levariam às paisagens emocionais das composições”, reflete Sobral.

Ele trouxe para este trabalho sua formação em Cinema e uma trajetória multimídia, passeando pela música, poesia, vídeo e artes visuais, com obras exibidas em mostras internacionais, museus, galerias de arte e espaços independentes.

O seu projeto musical anterior, Los Pajaritos, em parceria com Antonio Farinaci, chamou atenção da imprensa especializada e lotou a casa de shows Blue Note, em São Paulo.

Agora, Marulho apresenta um novo caminho. As idas e vindas e o balanço das ondas estão no DNA de todo o projeto. Não por acaso, o título do álbum faz referência à constante impermanência – ou à permanente inconstância – das águas do mar. Um movimento incessante, ainda que muitas vezes possa ser imperceptível, está no cerne dessa ideia.

Marulho está disponível em todas as plataformas de música e o novo clipe, Canto Doce, no canal de YouTube de Antonio Sobral.