Resenha do álbum: The Black Keys – Let's Rock

Foto: Alysse Gafkjen

A dupla de blues rock The Black Keys com Let's Rock , uma densa e rica barragem de fuzz rock de blues dançantes, misturados com coros gospel de backing vocals e bateria robusta carregada de groove.

O primeiro álbum da banda desde Turn Blue de 2014 , esse esforço vê um retorno mediano para os agora envelhecidos roqueiros. Desde a virada do século, o líder da banda Dan Auerbach e o baterista Patrick Carney se tornaram sinônimo de uma marca despojada de duas peças inspirada no White Stripes de fuzz rock propulsivo do blues, um mercado que desde então se tornou saturado com nomes como Slaves e Royal Sangue.

No entanto, no final dos anos 2000, eles começaram a superar as limitações da configuração de duas peças, optando por uma gama mais ampla de instrumentação e produção mais elegante em favor de seu toque de rock que atraiu muitos para seus álbuns anteriores, e Let's Rock é outro passo . na mesma direção. O álbum vê o progresso da banda da odisséia mais refinada e com toques de psicodelia, Turn Blue.Eles constroem o RnB psicodélico comovente, adicionando mudanças de acordes amplos e tambores saltitantes, que soam como um mashup Black Keys emendado de todos os seus sucessos reunidos em um. É confuso e rápido em alguns lugares, suave e cheio de alma em outros. Desenhando de todos os aspectos do sul profundo, o trabalho de guitarra liso de Auerbach e os preenchimentos em cascata sempre sólidos, às vezes impassíveis de Carney, conduzem cada música à próxima, entrelaçadas em letras cheias de iconografia religiosa, como caminhar sobre a água em nome da devoção inabalável aos perdidos há muito tempo. amantes.

Auerbach assume seu lugar como pregador de coração partido na vanguarda da mistura. Seus floreios vocais e o trabalho de guitarra limpo e arrumado atuam como uma deixa para as harmonias do coral e a bateria dinâmica tocar. Embora esteja longe do estridente fuzz blues cru que formou a maior parte de seus anos de formação, é o que esperamos do The Black Keys desde sua saída de um formato de duas peças, desde o lançamento de Attack and Release de 2008 . É um álbum cheio de rock de rádio no estilo Kings of Leon e, embora não ultrapasse nenhum limite, é levemente agradável. O álbum atinge o pico com “Get Yourself Together”, uma música conduzida pelo shuffle dançante de 'Born on the Bayou', no entanto, como a maior parte do álbum, é esquecível.

Embora este disco seja uma boa música de fundo e se encaixe na maioria dos discos empoeirados de uma romcom adolescente dos anos 80 de baixo orçamento ou no próximo churrasco do seu pai, nada mais é do que rock pronto para o rádio. Embora o álbum tenha mais pulsação do que os últimos lançamentos da banda, está muito longe do hard rock carregado de blues com alma que a banda se tornou sinônimo há mais de uma década.

Não há nada inovador aqui e nenhuma grande mudança de ritmo ou revelação de caráter. Apesar disso, os Keys capturam a essência do rock sólido, de volta ao básico, que vem de todas as épocas de sua discografia mista. 

A história do "Yankee Doodle"

A canção patriótica americana "Yankee Doodle" é uma das canções mais populares dos Estados Unidos e também é a canção do estado de Connecticut. No entanto, apesar de sua popularidade e poder de permanência notavelmente difundido, começou como uma música que zombava das tropas americanas.

Origens Britânicas

Como muitas das canções que se tornaram características do patriotismo americano, as origens de "Yankee Doodle" estão na velha música folclórica inglesa. Nesse caso, e um tanto ironicamente, a música surgiu antes da Revolução Americana como um veículo para os britânicos zombarem dos soldados americanos. "Yankee", é claro, começou como um termo negativo que zombava dos americanos, embora as origens exatas da palavra sejam discutíveis. "Doodle" era um termo depreciativo que significava "tolo" ou "simplório".

O que eventualmente se tornaria uma canção folclórica americana patriótica, na verdade começou com um termo depreciativo destinado a menosprezar o poder e as possibilidades inerentes ao movimento americano inicial. À medida que os colonos começaram a desenvolver sua própria cultura e governo, do outro lado do oceano de seus compatriotas britânicos, alguns deles sem dúvida começaram a sentir que não precisavam da monarquia para prosperar na incipiente América. Isso sem dúvida parecia ridículo para as pessoas em casa, no coração de um dos impérios mais poderosos do mundo, e os colonos na América eram alvos fáceis de zombaria. 

Mas, como há muito se tornou tradição nos Estados Unidos, aquelas pessoas que estavam sendo ridicularizadas pelo termo calunioso apropriaram-se dele e metamorfosearam a imagem do Yankee Doodle em uma fonte de orgulho e promessa.

A Revolução Americana

Quando os ianques começaram a dominar os britânicos na Revolução, eles também assumiram o comando da música e começaram a cantá-la como um hino orgulhoso para insultar seus inimigos ingleses. Uma das primeiras referências à canção foi da ópera de 1767, The Disappointment , e uma versão impressa inicial da canção data de 1775, zombando de um oficial do Exército dos Estados Unidos de Massachusetts.

A versão americana

Embora as origens exatas da melodia e da letra original de "Yankee Doodle" sejam desconhecidas (algumas fontes atribuem à origem irlandesa ou holandesa, e não britânica), a maioria dos historiadores concorda que a versão americana foi escrita por um médico inglês chamado Dr. .Shackburg. De acordo com a Biblioteca do Congresso, Shackburg escreveu a letra americana em 1755.

A guerra civil

Considerando a popularidade da melodia, novas versões evoluíram ao longo dos primeiros anos da América e foram usadas para zombar de vários grupos. Por exemplo, durante a Guerra Civil, as pessoas no Sul cantaram letras zombando do norte, e os Democratas da União cantaram letras zombando do Sul.

Tradição e Tolice

Embora tenha começado como uma canção zombando dos soldados americanos, "Yankee Doodle" se tornou um símbolo do orgulho americano. A inesquecível melodia foi adaptada e executada no teatro, por big bands , e outras variações de apresentações musicais desde sua popularização. Hoje é uma divertida canção patriótica, e a maioria das pessoas conhece apenas alguns versos de apenas uma versão da canção.

 

O que é exatamente Folk Music? Banjos, Jugbands e muito mais

 

A música folclórica é qualquer estilo de música que representa uma comunidade e pode ser cantada ou tocada por pessoas que podem ou não ser músicos treinados, usando os instrumentos disponíveis para eles.

Com a mudança dos tempos, a música folk evoluiu para refletir os tempos. Muitas das antigas canções trabalhistas e de protesto ainda são cantadas hoje, embora com novos versos que foram adicionados para refletir o contexto em que as canções foram ressuscitadas.

Música Folclórica Americana

Tradicionalmente cantada e tocada em comunidades, ou seja, não criada ou produzida para consumo popular, a música folk americana se incorporou à tradição dominante, criando uma combinação de música folk e pop, durante o " renascimento da música folk " de meados do século 20. rádio e música gravada, artistas e fãs em Nova York poderiam desenvolver um interesse pela música nativa dos estados do Golfo. As pessoas em Seattle puderam descobrir as melodias de violino e os números de dança da tradição da música folclórica dos baixos Apalaches.

A música folclórica americana tradicional começou a se misturar com a música pop gravada mainstream, quando os Baby Boomers atingiram a maioridade de uma vez, muitos deles ouvindo Anthology of American Folk Music de Harry Smith . A música do folk revival era música pop narrativa com consciência social. Desde então, formas musicais voltadas para a comunidade ( punk rock , hip-hop ) evoluíram a partir dessa combinação de música folk e pop . Agora, no século 21, a música folk americana tem fortes influências de todos esses movimentos musicais.

O Estilo da Música Folclórica

Fora da musicologia, a "música folclórica" ​​é usada com mais frequência para descrever um estilo de música que evoluiu rapidamente no último século. Você ouvirá críticos e fãs se referindo a um artista como "folclórico" e, geralmente, isso não significa que eles estão pegando emprestada uma melodia de uma fonte tradicional. Em vez disso, esse termo é dado a músicas tocadas com instrumentos que normalmente não são vistos em uma banda de rock ou pop. Se a música que eles escreveram em seu instrumento acústico sobreviverá ou não por gerações até que se torne tão comum, não parece importar para muitos críticos e fãs modernos - ela ainda encontrou seu caminho para o "vernáculo popular". Debater se isso dilui a tradição da música folk é uma conversa frequente entre críticos, musicólogos e fãs.

Para os propósitos aqui, "música folk" refere-se à música derivada ou influenciada pela música tradicional americana, seja uma banda mainstream contemporânea que usa o estilo de banjo com martelo de garra ou uma trupe retrô tocando músicas de jug band exatamente da mesma maneira que eles foram originalmente planejados. A música que mantém a tradição folclórica em mente está constantemente construindo essa tradição e mantendo-a viva. Enquanto essa música for feita principalmente para dar voz a uma comunidade específica, estará contribuindo para a tradição contínua da música folclórica americana.

Como a música folclórica é mais adequadamente definida pelas pessoas que a criam, é importante não ignorar que qualificadores como "cantor folk" ou "folclórico" passaram a significar algo diferente do que significavam há 50 anos. Os artistas folk de hoje são experimentalistas que se aventuram em diferentes gêneros, integrando várias influências musicais em suas canções narrativas.

The Folk Story 'Eu tenho trabalhado na estrada de ferro

 

" I've Been Working on the Railroad " pode ser apenas uma das canções folclóricas mais conhecidas sobre o sistema ferroviário dos Estados Unidos. A música é difundida e a letra é uma das favoritas entre as gravações voltadas para crianças. No entanto, as crianças raramente aprendem todas as letras originalmente planejadas na música, já que algumas delas eram incrivelmente racistas e profundamente ofensivas.

A conexão entre a música folclórica americana e os trens

É difícil imaginar música folclórica, trens e ferrovias existindo neste país sem os outros. Inúmeros cantores folk — famosos e completamente desconhecidos — percorreram o país de trem. Isso inclui grandes nomes como  Woody Guthrie , Utah Phillips e Bob Dylan .

E, no entanto, algumas das maiores canções folclóricas americanas de todos os tempos podem ser rastreadas até a construção das ferrovias, o advento das viagens de trem e, é claro, os trilhos durante a Depressão. Foi nessa época que homens da classe trabalhadora e imigrantes (e, como mencionado, cantores folk) viajavam de trem em busca de trabalho.

Você deve saber que as ferrovias de nosso país foram construídas em grande parte por afro-americanos e imigrantes (particularmente imigrantes irlandeses e chineses, dependendo da região e da companhia ferroviária). Foi um trabalho cansativo e sem dúvida tornou-se mais tolerável pela presença da música. Ajudou a levantar o ânimo dos trabalhadores de maneira semelhante às chamadas de campo e às canções folclóricas afro-americanas desenvolvidas a partir da tradição escrava.

No caso de " I've Been Working on the Railroad ", a linha reveladora é "... todo o dia inteiro." Esses homens realmente faziam um trabalho árduo que durava muito além das horas de trabalho agora aceitáveis ​​em nossa sociedade.

A verdadeira história de ' The Levee Song' ?

Também conhecido como " The Levee Song ", este clássico da música folk tem uma história confusa e pode não ter muito a ver com os trilhos. Foi publicado com esse título em duas ocasiões em 1894, mas os versos de 'Dinah' podem ser datados de antes de 1850.

Há também uma conexão com a Universidade de Princeton. Alguns pensam que o " I've Been Working on the Railroad " que conhecemos hoje foi criado para uma produção musical na escola. Junto com isso, há indícios de que a música é uma mistura de três melodias folclóricas diferentes. 

Esta última teoria explica por que os versos da música não se encaixam perfeitamente. Por exemplo, a letra vai do lânguido "Dinah, toque sua buzina" ao animado "Alguém está na cozinha com Dinah". É uma transição que lembra produções teatrais em vez de canções folclóricas tradicionais .

É possível que a parte ferroviária da música tenha sido realmente cantada pelas equipes que construíam as ferrovias do país. Então, novamente, é perfeitamente possível que tenha sido escrito mais tarde para relembrar esses tempos. Até mesmo a palavra "vida longa" levanta questões sobre suas origens, pois é uma conversa um pouco mais colegial do que de trabalhadores comuns.

Quem é 'Dinah'?

O refrão que fala sobre alguém estar "na cozinha com Dinah" também tem origens debatidas. Alguns relatos o atribuem à Londres de 1830, enquanto outros a 1844 em Boston. A canção original foi intitulada " Old Joe " ou " Somebody in the House with Dinah ".

Alguns acreditam que "Dinah" faz referência a uma cozinheira na cozinha do trem. Outros acreditam que seja uma referência genérica a uma mulher afro-americana.

Alguém está na cozinha com Dinah
Alguém está na cozinha, eu sei
Alguém está na cozinha com Dinah
Dedilhando o velho banjo

Além desse verso original, há também um sobre alguém fazendo amor com Diná na cozinha.

No entanto, " Old Joe " foi uma canção executada nos shows de menestréis de meados do século XIX . Alguns dos versos incluídos nesses shows eram incrivelmente racistas, mas isso era comum nas apresentações que muitas vezes retratavam artistas brancos com rosto preto.

Disco imortal: Scorpions – Lovedrive (1979)

 

Harvest Records/Mercury Records, 1979

Os anos 70 morriam e com eles uma grande etapa na história desta extraordinária banda alemã. Em 1978, os Scorpions lançaram o subestimado "Tokio Tapes", que seria o último álbum com o mil vezes virtuoso Uli Roth. E depois viria «Lovedrive», um clássico completo na discografia do grupo e que contou com a participação de Michael Schenker, outra brilhante insígnia em toda a história do hard rock dos anos oitenta. "Lovedrive" foi lançado em 1979 tornando-se um sucesso mundial e abrindo as portas para os alemães nos Estados Unidos, onde venderam 500 mil cópias.

Tudo começa com "Loving You Sunday Morning", uma agradável combinação de ritmos pesados ​​que timidamente insinuam os acordes de guitarra de Jabs pela primeira vez. «Another Piece of Meat» é mais pesada e dá-nos uma amostra contundente de riffs, juntamente com uma combinação sonora perfeita. A voz de Klauss no seu melhor, sem esforço se esforçando e harmonizando naquela grande balada que é "Always Somewhere". É a melhor balada do Scorpions? Pelo seu calor e sentimento prevalece embora, pessoalmente, «Still Loving You» seja de outro mundo. "Coast to Coast" não tem descrição: é um hino imortal que retrata em cada acorde o que é o rock. Precisão, acoplamento perfeito, composição adequadamente estruturada, alcançando o brilhantismo de cada integrante e deixando clara a maturidade musical que alcançaram. Mais uma vez temos deboche com «Can't Get Enough», uma música cheia de guitarras tremendas, riffs precisos e sólidos que nos convidam a desfrutar de tudo. Ótimo tópico. Mas então caímos em algo, talvez, experimental. O que é "Tem Alguém Aí?" , uma proposta da mão do reggae, muito bem feita em todo o caso, e por isso não destoa das guitarras potentes e dos solos que se acoplam nesta composição.

“Lovedrive” é a ponte que separa o passado e o futuro dos alemães, com um ótimo baixo de Buchholz, que sustenta mais um grande trabalho que adorna brilhantemente a discografia. O álbum fecha com «Holiday», outra balada incrível com um início acústico, cheio de sentimento, passando de um tempo lento para um mais cru, tornando a música um encerramento muito dinâmico.

A dupla Shenker/Meine se inspirou neste álbum que acabou sendo uma influência total no hard rock, abrindo um novo caminho, dando um passo à frente tanto no conceito musical quanto na estética. É perceptível outra forma de compor, menos complexa mas que encontra a mesma perfeição de riffs em relação às placas anteriores. Embora "Lovedrive" seja um recomeço, uma nova etapa, a identidade da banda amadurece através da voz inflexível de Meine e do gigantesco virtuosismo das guitarras. E este primeiro passo consolidou-se com os seus álbuns posteriores, com destaque para “Blackout” e “Love at First Sting”, verdadeiros golpes na cadeira, grandes discos de grande qualidade, que acabaram por cimentar os pilares de uma banda que, até hoje, turnês pelo mundo com os craques de «Lovedrive» na manga.