Disco Imortal: David Bowie – Station to Station (1976)

 

RCA Records, 1976

 É interessante como tudo isso começou. Quando eu fiz Aladdin Sane, tudo o que eu tinha era um pequeno culto de seguidores na Inglaterra desde Hunky Dory. Acho que foi mais por curiosidade que comecei a imaginar como seria ser uma estrela do rock. Então eu basicamente escrevi um roteiro e o interpretei como Ziggy Stardust no palco e na gravação. É verdade quando digo que não gostei desses discos - Aladdin Sane, Pin Ups, Diamond Dogs, David Live. Não era sobre gostar deles, era “Eles funcionam?” Sim, eles funcionaram. Eles mantiveram o circo funcionando. Agora. Estou farto de rock & roll. Terminar. Eu já 'rolei minha pedra'. Foi muito divertido enquanto durou, mas não vou mais fazer isso.” (David Bowie para Cameron Crowe, algumas horas depois de uma sessão malsucedida com Iggy Pop e 2 dias sem dormir, em maio de 1975, aproximadamente às 9h, no quarto 207 de Ronnie Wood, que também o ouve no Hotel Beverly Wilshire, 4 meses antes de gravar Station to Station ).

Musicalmente e contextualmente, este álbum é um alinhamento extraordinário de estrelas, eu acho. A linha do tempo que David Bowie escreveu em 1975 entre a produção de janeiro de seu importantíssimo primeiro número 1 dos EUA, Fame , com John Lennon, em uma sessão no Electric Lady Studios (Nova York) programada para gravar a versão de Across the Universe , para que depois nós, mortais, só possamos agradecer à jam session que Carlos Alomar desencadeou espontaneamente com seu violão em seguida, que culminou com o hit escrito e gravado na hora (45 minutos, diz a lenda); jovens americanospor sua vez, vê a luz em fevereiro, girando apenas pela América do Norte; muda de oceano e se muda para Los Angeles em abril (na casa de Glen Hughes a princípio), demite seu empresário desavergonhado a um custo escandaloso (e contrata outro que custaria outra fortuna um ano depois de demiti-lo!), estrela em The Man Who Fell To Earth (julho a agosto, em Albuquerque – Novo México) como Thomas Jerome Newton, um alienígena que, diante do plano fracassado de trazer água para casa, sendo preso pelo governo e pelo álcool, grava um álbum esperando que sua esposa o ouça em seu planeta natal, onde todos morrem inexoravelmente devido à seca que levou à sua partida (esse modo de vida em colapso em todas as suas frentes parece uma síntese e uma frase, em forma de filmagem, do que estava acontecendo com ele, um ano antes de atingir o fundo do poço); enquanto, entre as cenas, ele digita freneticamente The Return of the Thin White Duke , autobiografia inacabada, cujas primeiras 9 páginas estão no manuscrito do Capítulo 1 na Biblioteca e Arquivos do Rock and Roll Hall of Fame , Cleveland, Ohio; então ele fica sozinho com Alomar de sua banda e vai gravarStation to Station (Setembro a Novembro), um álbum de transição como sempre se disse, que anuncia sublimemente que este Delgado Duque Blanco , que se estreia neste álbum na pele do inglês, é em si o novo objecto, mensagem , um novo porta-voz do novo percurso musical que entusiasma este criador implacavelmente auto-exigente. Como sempre com esse autoproclamado pós-modernista (“ só admiro quem posso roubar algo”.” é uma citação e definição sem paralelo disso), ele estava pegando emprestado e processando sem deus ou lei a seiva artística que encontrou em Can, Neu! e o Kraftwerk que desbravou esse novo caminho, sem deixar de lado o funk e o soul que o fizeram deixar para trás, por sua vez, Aladdin Sane junto com Europa e a lápide de Ziggy, tudo com graça, peso, pedalando uma máquina de rock Extraordinária para rodar tudo .

Novos músicos e produtor, Harry Maslin, com quem gravou Across the Universe / Fame na Costa Leste no início do ano. Em dezembro, anunciou o calendário de shows para a Europa e em 23 de janeiro de 1976, adiado pelo pedido tardio de Bowie para mudar o quadro de The Man Who Fell to Earth escolhido para a capa para preto e branco, Station to Station estreou nas prateleiras . Este ano inteiro, para completar uma grande história, é um apagão total na cabeça de David Robert Jones. Havia uma inércia criativa devastadora, então imparável, maior que a vida, pois devemos acreditar em Bowie que garantiu até a última vez que lhe perguntaram sobre o período de pré, pró e pós-produção de Station to Station ., que coletou imagens muito vagas e que o deixaram com a sensação de um grande buraco negro chamado 1975 em sua mente; então o piloto automático alienígena que o operava nos estúdios Cherokee em Los Angeles definitivamente teve muito bom senso para moldar essas 6 músicas.

O grande feedback em primeira pessoa e contextual que existe, graças a Deus, em um período de afastamento declarado da mídia, foi quando ele falou (e muito) em 2 ou 3 ocasiões com Cameron Crowe durante 1975. Ajuda muito a imagine a energia e a sinergia, tanto centrífugas quanto centrípetas, que gravitaram então no vendaval Bowie, se as transcrições mais longas dessas conversas puderem ser encontradas. Outra coisa também é muito clara, evidente e conhecida: a cocaína farmacêutica da Merck tem tudo inundado aqui e é paradoxalmente o elemento que pousa e torna possível esta história, que pode ser verdadeira em seus fatos e marcos artísticos. Por mais inconciliável que a frase possa soar, Os intensos círculos virtuosos que podem ser desencadeados com a cocaína produzida em laboratórios com padrões universitários ou corporativos, creio eu, dão plausibilidade ao fato de que todos esses processos poderiam ter sido realizados com eficiência, com tremendas e numerosas acertos em estranhos períodos de tempo, mas dentro de um calendário ideal. A diferença abismal com o produzido ilegalmente é lindamente explicada por Keith Richards e Freddie Sessler na autobiografia do Stone,Vida (Weidenfeld & Nicholson, 2010), além de escorregar que era esse, o do laboratório Merck em garrafa de onça (28,3 gramas), aquele que pululava entre os pop stars nos anos 70 (e músicos famosos em geral que eles como drogas rápidas, lendo Miles Davis em seu próprio livro é muito claro desde os anos 40). Bowie confessou muito mais tarde que seu regime para 1975 era de 10 gramas por dia, o que é a morte garantida para um iniciante, mas um cérebro viciado é capaz de fazer uma corrida desumana fora da tolerância de seu corpo. Claro que esta forma de operar é insustentável ao longo do tempo e a história prova-o sempre que é tentada. E bem, desta vez também foi o organismo de Bowie, então é bastante óbvio na minha opinião que o mérito aqui é mais humano do que químico. O profissionalismo dos músicos, engenheiros e assistentes, quando houve alguns usos e talvez abusos, manteve tudo absolutamente subserviente à produtividade, com uma grande ética de trabalho em equipa. Alomar guarda algumas das melhores lembranças profissionais de sua carreira sobre as sessões deStation to Station , a atmosfera agradavelmente experimental onde todos estavam dispostos a esquecer o relógio para tentar outro novo efeito, som, trilha, arranjo, detalhe, o que fosse.

A procissão de demônios, a tristeza e a loucura que são parasitas (e depois monarcas) no vício, Bowie viveu hermeticamente até que foi insustentável não perceber, não expôs coletivamente, muito menos festejando; um instantâneo ensurdecedor desse sofrimento que de repente se tornou visível e de onde partiu para a Europa no ano seguinte para completar o caminho indicado por Station to Station , está na primeira entrevista com Cameron Crowe daquele ano de 1975, quando de repente se levanta do sofá onde estava conversando com o repórter e ele vai em passos rápidos em direção a uma janela da sala gaguejando " tenho que fazer isso...”. Uma vez na janela, ele verifica o chão do lado de fora se há um corpo que ele afirma ter visto cair pelo vidro. Acreditar que essas coisas estão realmente acontecendo com você deve ser muito estressante, para dizer o mínimo. Por outro lado, uma olhada em The Return of the Thin White Duke também ilustra, eu acho, esse grande estado alterado, fragmentado e com data de validade, porque tal cabeça não pode ser sustentada ao longo do tempo, não por muito tempo, e é assim foi feito:

"E todos os imbecis e cretinos, que foram

delegado a uma providência imperceptível apenas para eles

si mesmos, tropeçaram e caíram do céu, disparando

dos mares. O cenário catastrófico está se desintegrando e

torturando sua libertação da alma de OM. E as

bandas de rock são fúnebres e causam malformações no

frenético vals del [símbolo de infinito]”

(Trecho do manuscrito do capítulo 1 de The Return of the Thin White Duke, texto autobiográfico inacabado de Bowie de 1975, escrito durante as filmagens de The Man Who Fell to Earth (junho-agosto), adaptação cinematográfica de Nicolas Roeg do romance de 1963 por Walter Tevis.)

As 2 trilogias que compõem os 2 lados ou metades deste disco têm semelhanças óbvias e profundas. Suas diferenças são exatamente as mesmas.

A primeira de cada trilogia ( Station to Station e TVC15 ) é uma epopeia que, após uma introdução, apresentação e repetição, revela uma novidade melódica tardia para qualquer cânone pop e estabelece a sua presença no resto da canção, dividindo-a claramente. No caso de Station to Station, há a entrada maravilhosa das vozes, logo aos 3 minutos e também quando vem o primeiro de muitos mantras desse álbum, ' É tarde demais! – O canhão europeu está aqui ' / “ É tarde demais! – O cânone europeu está aqui” , após 6 minutos. TVC15com seu mantra poderoso (de novo), para o qual ele é cativante e óbvio segundo single do álbum, ele aparece no final da música, pega e carrega para o seu desenlace. A pausa com piano e coros ao fim de 3 minutos dão à peça uma visão geral maior, uma sensação fria mas impecável, como a própria mensagem que é El Delgado Duque Blanco , o modelo a seguir depois de meio advertido por Ziggy (cujo hedonismo a desintegra antes ) e abruptamente declarada entre nós pelo mais refinado e cínico Aladdin Sane. Este novo humanóide limpo, bonito e higiênico, capaz de interpretar a mais ampla gama de emoções com intensidade e precisão avassaladoras, mesmo que seja uma história de tesão com uma televisão do futuro, a executa sem sentir um pingo de empatia: ele não sente nada, aquele que persegue a perfeição na interpretação (o cânone europeu? – Ha!) Essa limpidez, austeridade e pureza brutal revela o buraco negro que é sua alma através de espessas camadas de texto enigmático, presente em Station to Station mais do que em qualquer outra parte de as letras do álbum. Um pouco do perfil do Duquevê-se ali e é astronomicamente indecifrável, auto-suficiente e magneticamente gelado, silencioso. Ele não é humano e é o que dá o caráter sombrio, de surda e desolada tragédia latente a este presente do alter ego camaleônico. Existe um material espetacular chamado David Bowie: Critical Perspectives (Routledge, 2015) que são ensaios acadêmicos interdisciplinares que tentam explicar o indivíduo por trás da obra. Há um em particular ao qual eu absolutamente atribuo (Capítulo 6 ' Dear Dr. Freud – David Bowie Hits The Couch' / “ Dear Dr. Freud – David Bowie on the couch” de Ana Leorne), que é uma leitura psicanalítica do evolução do equilíbrio entre os instintos de vida (Eros) e de morte (Thanatos) que seus personagens possuíam, desde oMajor Tom de Space Oddity ao travesti nietzschiano The Thin White Duke , onde o primeiro exulta com a vida e daí é a tragédia exposta na canção, mas o segundo é a carcaça de um homem inexistente, poderoso, impecável e morto. Complementa que a gênese dos personagens se deve à racionalidade maníaca de Bowie que determinou que os personagens, que protegiam o Self e cultivavam com indulgência o Super Self, fossem as armas indispensáveis ​​para o alcance artístico e cultural que sua obra tem até o primeiro semestre. dos anos 70 e permitiu-lhe os extremos que viveu até 1976, ano em que deixou as drogas junto com os personagens por uns bons 20 anos, quando se reinventou novamente com Brian Eno, passando por Trent Reznor, além doJungle e Drum n' Bass que o deslumbraram então, dando vida a Nathan Adler para o excelente Outside (1995, Virgin Records) .

Os segundos são funk com reviravoltas em camadas de guitarras, trabalho vocal e percussão dos mais variados timbres, como congas, palmas e ruídos de mão e boca em Golden Years, arranjados para dar luz e calma ao labirinto de melodias . tecida enquanto a música também tem todos os méritos de um hit de rádio. aqui o duqueele ostenta histrionismo do mais amplo espectro com letras impenetráveis, e quando os versos parecem estar relacionados a algo, a escolha que ele faz de cantá-los os petrifica, revelando o toque de Medusa que esse novo caudilho com falsos vernizes de Nietzsche e fascismo estético pode implantar em vontade (controle total e intimidador). As linhas vocais que se cruzam também se distinguem e brilham, por vezes acrescentando mais melodias, de diferentes durações, até se sobrepondo à parte seguinte da música, aqui já encontram o estilo de vocalização que Bowie cultivaria até ao fim e que em Stay ele faz uma grande exibição no coro. Os mantras nos Anos Dourados : ' Anos Dourados, ouro whop whop whop ' 'Come get up my baby´ 'Run for the shadows' , são habilmente harmonizadas e espalhadas ao longo da música, lembrando-me o que o tremendo compositor contemporâneo Philip Glass, que trabalhou com Bowie e Eno em 1992 para sua sinfonia girando em torno de Low (1977, RCA Records), eu admirava muito o inglês, que era sua capacidade de disfarçar músicas bastante complicadas em simples (ideia que ilustra amplamente para mim, por sua vez, o minimalismo feroz que Glass cultiva).

Word on a Wing e Wild Is the Wind são baladas soul emocionantes, mas é claro como cristal, em uníssono, que você está sendo enganado pela arte da performance do Thin White Duke, 'Estou pronto para moldar o esquema das coisas'' / “Estou pronto para moldar o esquema das coisas ” diz o enésimo mantra do álbum em Word On A Wing .Essa oração paradoxal e intrigante dessa espécie de super-homem nietzschiano (que em sua essência é na verdade a antítese) dirigida a Deus, para aparentemente se entregar a ele, é na verdade um plano que contempla prendê-lo em um esquema de poder dependente do falso suplicante, que cordialmente lhe oferece sua palavra em uma de suas asas (inegável amazona judaico-cristã), falando assim com ele como um igual, também tratando-o como uma donzela às vezes e lançando-lhe reveses filosóficos sobre autopreservação e autodeterminação aqui e lá. O próprio Don Federico teria gritado, ao mesmo tempo, de emoção (por causa da ignorância descontente e cínica do deus que ele tanto odiava) e raiva (porque quem está falando é um líder da morte do homem) antes desta exposição filosófica brilhante e despreocupada vestida como uma balada celestial sincera. a carta deWild Is the Wind contém uma poesia para mim raramente igualada em uma canção de amor, somada a essa excelência emocional muito calculada do Duque para cantar, confesso que me faz chorar até hoje com muita facilidade e tenho 38 anos, longe de melodrama adolescente ou a emocionalidade transparente da velhice, digo, porém, há muitos anos caio no choro como uma criança com esta capa, inspirada muito mais na versão de Nina Simone do que na de John Mathis . Acho que é a prova mais clara que tenho de que The Thin White Duke é real e reivindica o seu próprio toda vez que vou à falência. Esta pureza total, que fria e sangrenta atravessa a humanidade, deste Duqueque canta, é perfeito, pois minha emoção humana é genuína. E é emprestado, como dado ao mesmo tempo: um líder que tem você na alma sem que ele tenha ou precise de uma, essa é a minha visão por trás da voz em Station to Station , com sua tempestade de música espetacular .

Se as overdoses e o declínio final de 1976 causaram um curto-circuito que arrancou 1975 da memória de Bowie, então creio que sua sobrevivência anulou todo o período em que a balança pendia fortemente para o instinto de morte, em que a carcaça era mantida flutuando, vivo, apenas graças a um férreo orgulho profissional e paixão, aliados à “ necessidade repulsiva de ser algo mais que humano”.”, mas uma vez desintoxicado em 1977, simplesmente não pode ser mantido em arquivo para continuar. O álbum fica para nós, só temos que nos render ao primeiro minuto de panning direito - esquerdo do som de abertura, ouvir a palheta de Alomar iniciando o feedback, que terá pelos próximos 2 minutos e 20 segundos naquele, o 2 notas dissonantes do piano e pronto, são menos de 37 minutos nesse ponto, que podem ser ouvidos para sempre!

E estamos falando de David Bowie aos 29 anos, nunca se esqueça disso também.

Disco Imortal: Rush – Moving Pictures (1981)

 

Anthem Records, 1981

“No verão de 1979, saímos de férias e trabalhamos com música. Ficamos numa casa de campo e foi muito feliz. Adorávamos trabalhar juntos, a dedicação era absoluta, sem responsabilidades, só tínhamos que escrever” , disse o baterista aposentado do Rush, Neil Peart, sobre o trabalho que fez junto com a banda para lançar um dos álbuns mais elogiados e prolíficos: «Moving Fotos".

O trabalho que dedicaram a este trabalho foi muito significativo e técnico, já que o oitavo álbum de estúdio dos canadenses é a peça mais popular e multitudinária da banda. Porém, não é que tudo tenha sido feito a rigor, mas sim que se resume na harmonia que Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (baixo, voz e tecladista) e o já citado Neil Peart (bateria) exibiram para que a placa, que foi lançada em 12 de fevereiro de 1981, deixou um legado que se refletiria em quase 40 minutos de habilidade e habilidade.

Sintetizadores Taurus, Oberheim e Mini-Moog, além de sons reggae, pop e metal acompanham as histórias independentes que Peart viria a narrar na obra do início dos anos oitenta através de temas universais. A produção ficou a cargo do canadense Terry Brown junto com a mesma banda, dividindo os créditos. Enquanto isso, na arte gráfica continuaram confiando em um velho conhecido chamado Hugh Syme, que é conhecido por criar o logotipo canadense, além de participar de suas músicas e ter trabalhos com Megadeth, Stone Sour e Iron Maiden, entre outr A crítica rapidamente endossou Moving Pictures e seus seguidores também não duvidaram, deixando o álbum em terceiro lugar na Billboard 200 em 1981. Para muitos, a sonoridade característica desta obra se encontra na música que abre os fogos de artifício, "Tom Sawyer ". No início da pista, percebe-se o uso do Oberheim, o que o torna uma das marcas pelas quais os norte-americanos seriam reconhecidos mundialmente.

Junto com a experimentação de diferentes vozes de Geddy Lee, acompanhados de sintetizadores, "Tom Sawyer" nos mostra que esses instrumentos teriam um papel fundamental nesta música, além de criar atmosferas precisas para frases famosas como "No his mind is not para alugar / A qualquer deus ou governo» («Não, a sua mente não está à venda / a nenhum Deus ou governo»). Neil, através de suas improvisações na percussão e que seriam guiadas por Lee e Lifeson para se complementarem como um todo, nos daria uma lição de maestria nos mais de quatro minutos que dura a peça. A frase "O mundo é, o mundo é / O amor e a vida são profundos / Talvez tão largos sejam seus céus",Mostra-nos os individualismos mundanos que a carta mostra e a oposição a setores religiosos e conservadores de uma geração atormentada pelo LSD e pela busca de Deus.

“Eu fantasiei sobre viver em uma época onde os carros não eram permitidos. Contamos essa história, essa fábula sobre bater no carro da polícia.", Geddy Lee mencionou em entrevista sobre o que esconde uma das canções mais populares do Rush: “Red Barchetta”. O Barchetta vermelho oferece tudo o que você poderia pedir, desde uma herança até um passeio rápido por uma estrada proibida. Lee e Alex Lifeson fornecem um compêndio que leva o ouvinte, por vezes, por túneis inóspitos que só através da sua música se encontra coragem para atravessar. A decoração é feita através de adágios complementares entre os membros da banda para criar uma peça de nível substantivo de talento musical e, acima de tudo, técnico. Tudo isso se traduziu em um sucesso que até hoje se fala."Eu giro com os pneus cantando / Pra correr a corrida mortal / Vou gritando pelo vale / Enquanto outro se junta à perseguição" enquanto outro se junta à diversão"), lê-se num excerto da sinfonia composta pela Moving Pictures .

Os torontonianos podem se orgulhar de que um pedaço do nível “YYZ” tenha esse nome. A designação faz referência ao código do aeroporto da cidade e para muitos expressa a volta de Rush para casa. Nas palavras do próprio baterista, Neil Peart, explicou que a faixa nasceu depois que "estávamos voando de avião para Toronto, quando ouvimos o código morse do aeroporto, que é 'YYZ' e o ritmo foi imediatamente gravado em meu mente."

A música tem um começo explosivo através de bateria e baixo. Chegou até a passar pela cabeça dos músicos não incluir o violão, pois, nos ensaios que fizeram, a peça parecia não precisar do instrumento de Alex. No entanto, todos nós sabemos o que isso significa e o peso que a guitarra de Lifeson tem entre os nativos de Ontário. Uma das músicas que formula o melhor do Rush, segundo muitos especialistas, já que grande parte das melodias são escritas em máximas instrumentais. “O solo de Alex foi como uma viagem exótica, ele tocou em um estilo oriental que lhe deu o poder de ser exótico ”, acrescentou Peart sobre o virtuosismo de seu parceiro nas cordas.

“Limelight” e “Vital Singns” são canções que saem de um futurismo que só a banda poderia imaginar, uma espécie de Júlio Vernes ou Aldous Huxley do rock. No entanto, “The Camera Eye” devolve-nos àqueles temas das suas raízes mais puras e urbanas, o que nos reflecte que nada deixarão para trás aqueles arpejos sonoros que mostraram ao mundo nas suas primeiras composições.

Moving Pictures iluminou cada membro do Rush para trazer o melhor de si, experimentando sons que dariam a eles uma distinção única que duraria até hoje. A quádrupla platina, depois de mais de 30 anos nas vitrines das lojas de discos, é uma das obras mais enriquecedoras e marcantes que a música progressiva e principalmente o rock ostenta. Lee, Peart e Lifeson criaram um corpo de trabalho único que toca em tantos sons de metal, pop e reggae que as letras simples, mas diretas, elevaram os canadenses a um lugar celestial de técnica musical.

Resenha Ecliptica - Revisited (15th Anniversary Edition) Álbum de Sonata Arctica 2014

 

Resenha

Ecliptica - Revisited (15th Anniversary Edition)

Álbum de Sonata Arctica

2014

CD/LP

Sejamos francos, ninguém esperava a mudança drástica de direcionamento que ocorreu na carreira do grupo de power metal (não mais) finlandês Sonata Arctica. Estreando com "Ecliptica", muito influenciado por Stratovarius, e depois com seu maior clássico, "Silence", do qual a banda conseguiu imprimir sua identidade, mais dois grandes álbuns vieram depois. Era o auge do power metal melódico e a banda conseguiu se sair muito bem no período de transição entre as décadas 90-2000. Até que, ao chegar em "Unia", quinto álbum de estúdio, algo mudou. A cena não era mais a mesma, conflitos internos ocorriam e Tony Kakko, líder, vocalista e principal compositor, virou a chavinha. Daí em diante, disco após disco, os fãs foram perdendo o interesse, tamanha a falta de potência do material que vinham produzindo. O metal já não era mais metal, muito menos power, e as músicas já não traziam mais aquela energia de outrora. E é por isso que o disco alvo dessa resenha é importante nessa trajetória.

Com a comemoração de quinze anos do álbum "Ecliptica", a ideia de regravá-lo veio da Nuclear Blast, claramente para empurrar as vendas do disco de inéditas "Pariah's Child", também lançado em 2014 e que trouxe sinais de uma tentativa de resgatar a energia do passado. É de fato um álbum melhor que os antecessores. Deu certo, já que a reação do público foi positiva e a banda foi bem recebida nas turnês de promoção. Mas, a pergunta que fica é: essa nova versão de "Ecliptica" vale a pena? Vamos explorar um pouco mais sobre isso.

Posso responder como fã da primeira fase da banda que, como um dos que compraram "Ecliptica" assim que saiu, que mexer em um disco considerado clássico, mesmo não sendo perfeito, é como mexer em um vespeiro. Além disso, para Tony Kakko seria praticamente impossível cantar canções como "Blank File" e "Destruction Preventer" no mesmo tom, e ele pensou o mesmo, já que fez ajustes que podem causar um leve desânimo para quem conhece as versões originais. Mas, em contrapartida, a produção é magnífica, limpíssima, pesada e muito melhor que a do disco de 1999. "My Land", que também foi cogitada lá no passado como título do álbum, a semi-balada "Replica" e a veloz "8th Commandment" ficaram ótimas. "Kingdom For A Heart" e a super rápida "Picturing The Past" também mostram que a formação em questão não deixa a desejar.
Existem algumas versões que trazem bônus distintas. Ouvi um cover que não curti muito de "I Can't Dance" do Genesis, que mostra claramente o motivo de Tony Kakko ter mudado o direcionamento da banda. Simplesmente é um artista que quer experimentar coisas novas e que já não é tão fã assim do estilo que cresceu ouvindo. O problema aí é usar o mesmo nome de banda. Um disco solo resolveria.

De qualquer forma, recomendo a audição. Não é um clássico e não é melhor que o disco original, mas é interessante ver a nova proposta da banda - de Tony Kakko, na verdade - com um olhar mais maduro. Para quem é fã e conhece a carreira da banda, sentirá vontade de ouvir mais alguns de seus álbuns para relembrar o passado. Ponto para a Nuclear Blast.

"Ecliptica - Revisited (15th Anniversary Edition)" foi lançado originalmente em 2014 e agora está disponível no Brasil pela Shinigani Records: www.lojashinigamirecords.com.br. A arte está bem legal e o encarte conta com depoimento de Kakko sobre o período de gravação do álbum, a nova proposta e dá mais informações sobre cada composição. Vale a aquisição para quem é fã da banda e também de power metal melódico.

Faixas:

Blank File	4:09
My Land	4:49
8th Commandment	3:46
Replica	5:04
Kingdom For A Heart	3:47
FullMoon	5:12
Letter To Dana	6:23
UnOpened	3:14
Picturing The Past	3:35
Destruction Preventer	7:46

Banda:

Pasi Kauppinen (b)
Tommy Portimo (d)
Henrik Klingenberg (k)
Elias Viljanen (g)

Resenha Secos & Molhados Álbum de Secos e Molhados 1973

 

Resenha

Secos & Molhados

Álbum de Secos e Molhados

1973

CD/LP

Ney, Conrad e Joao Ricardo 
com toda a ideia na cabeça, corria 1972! 
Ney continua fazendo teatro 
paralelamente em São Paulo.
João Ricardo impressionado com a banda 
que fazia a trilha sonora da peça, 
convida Marcelo Frias"Baterista, 
para formarem um quarteto! 
Ops... 
Marcelo só aceita com toda a banda! 
GENIAL!
Joao impõe uma condição: 
"Marcelo deveria sair na capa! 
Perfeito!!!
Eis os arranjos livremente geniais
"da banda de apoio" adequados à proposta 
dos cantores compositores 
em suas "outras ideias."

Então, 
folk, jazz, blues, hard, glam, mpb, poesia...
Um caldeirão de influências,
dentro daquilo que caracteriza 
as obras primas 
do "nosso amado" Rock Progressivo: 
qualidade e originalidade
das composições, da instrumentação
e das letras 
(quando houver, que sejam poéticas"rs).
Mais,
a paixão de músicos de Rock experientes 
e desprovidos dos interesses diversos 
do contexto de sua criação,
nasceu o maior disco Progressivo do Brasil!
(Numa ótica muito pessoal, há 26 anos""rs)

Secos & Molhados 1973, 
com os devidos créditos:
*Ney Matogrosso - Vocal
*João Ricardo - Acoustic Guitar (6/12), Harmônica, Vocals 
*Gerson Conrad - Acoustic Guitar (6/12), Vocals
Mais,
A "Banda de Apoio"
*Marcelo Frias - Drums, Percussion
*Willi Verdaguer - Bass
*John Flavin - Guitar, Twelve-String Guitar
*Emilio Carrera - Piano
E:
*Sérgio Rosadas - Flute, Flute [Bamboo]
Participação Especial:
*Zé Rodrix - Piano, Synthesizer (In Memorian)
"Fala"

Destaque para todas as faixas!
Com licença poética para, além de "Fala":
Sangue latino/   Amor/ 
O patrão nosso de cada dia/ 
Rondó do Capitão/   Assim assado/ 
As andorinhas/   Rosa de Hiroshima/ 
e
Primavera nos dentes

Female President lança “Joy Lab”, single é um hino a todos que lutam pela igualdade

 

Female President lança “Joy Lab”, single é um hino a todos que lutam pela igualdade

A Female President está escrevendo e gravando seu segundo EP, previsto para o final do verão de 2023, ‘The Healing Ritual’. "Joy Lab" é uma declaração explosiva sobre mulheres presas em um ciclo de gurus de positividade tóxica e hiperconsumismo, enquanto os políticos do mundo nos despojam de nossos direitos civis e humanos. A repetição rosnada do riff principal ilustra o poder que temos em nossas mãos se apenas o usarmos. Joy Lab estreou no último dia do Mês da História da Mulher como um hino a todas aquelas que ainda lutam pela igualdade.

JOY LAB é o primeiro single lançado de “The Healing Ritual” e dá o tom para um som muito mais alto, mais agressivo e energizante do que em “Our Year To Grieve”. A cura é um processo difícil e caótico, muitas vezes é preciso dor e desconforto para motivar a mudança. Muitas vezes, quando você trabalha para tornar sua vida ou circunstâncias melhores, você se vê cercado por estranhos e fora de sua zona de conforto. The Healing Ritual explora a montanha-russa da dor à paz.

"Joy Lab": open.spotify.com.

FEMALE PRESIDENT
 Um trio familiar americano inspirado nas primeiras raízes do rock n roll; riffs simplistas que balançam e dinâmicas que atingem um pico febril. Começando durante a pandemia como uma forma de lidar com turnês canceladas e locais fechados, a Female President escreve canções com uma coragem honesta e uma vibração emocional que você pode curtir e curtir. Combinando seus estilos únicos de tocar e amor genuíno pela música, Female President é uma banda de rock moderna e energizada com um som próprio.

Dio: sobre ser o criador do famoso símbolo do chifre com os dedos: “É claro que não!”

 

Dio: sobre ser o criador do famoso símbolo do chifre com os dedos: “É claro que não!”

Todo roqueiro aprende desde logo a fazer e reconhecer aquele famoso gesto feito com os dedos indicador e mindinho em analogia a um par de chifres, teoricamente, os chifres do próprio diabo. Sem dúvidas, trata-se do símbolo mais forte no universo do metal – ainda que de uns tempos para cá, muitas bandas e gente não ligada ao metal poste fotos fazendo ele, enfim....

O “chifrinho”, como chamamos por aqui (ou horns, na gringa), marcou também a história de ninguém menos que Ronnie James DIO, um dos seus maiores divulgadores em shows e fotos promocionais.

Já na capa de “Holy Diver” (1983), seu primeiro disco solo, o gesto está ali, feito pelo próprio diabo com sua mão esquerda, enquanto chicoteia sem dó nenhuma um pobre padre com uma corrente.



DIO é tido por muitos como o “pai” do gesto universal no metal, porém, ele mesmo desmente e explica, afinal de contas, o que é e significa o tal símbolo, como mostram alguns trechos do livro "Dream Evil: DIO Nos Anos 80", do escritor canadense Martin Popoff, lançado no Brasil pela Editora Denfire:

“Fui questionado muitas vezes sobre se eu inventei isso e sempre disse, “É claro, que não”. Se eu fosse tão brilhante, não estaria mais aqui, não é? Talvez me tornasse presidente dos Estados Unidos e diria ‘Meus colegas americanos...’ ou ‘Meus colegas canadenses’, também, nesse caso. Sou de descendência italiana e meus avós de ambos os lados, pai e mãe, vieram da Itália para a América e eles tinham superstições. Quando eu era criança, minha avó segurava minha mão quando andávamos pela rua; às vezes ela via alguém e fazia o sinal com os chifres. Eu pensava, “Oh, o que é isso?”

“Finalmente aprendi que era chamado de Maloik, que nos dava proteção contra o mau-olhado. Ou você também pode dar a alguém o mau-olhado. Então, anos depois, especialmente quando entrei no BLACK SABBATH e Ozzy se foi, eu não queria continuar fazendo o sinal da paz que ele costumava fazer. Por algum motivo estranho, apesar de eu já ter feito o Maloik antes do RAINBOW, de repente saiu e lá estava.”

“Então, inventei isso? Não. Mas aperfeiçoei e o tornei significativo? Sim, porque fiz isso muitas vezes, especialmente enquanto estava naquela grande banda, o BLACK SABBATH, que já tinha um nome incrível. Aí, você junta isso com o que as pessoas pensam que é, e pode-se dizer que se tornou mais meu do que de qualquer outra pessoa. E acho que o problema é que agora vemos isso nos shows da BRITNEY SPEARS, do BACKSTREET BOYS e do N´SYNC, por isso realmente perdeu seu significado. Mas, porque tenho a sorte de ter feito isso em demasia, é atribuído a mim mais do que a qualquer outra pessoa. Embora Gene Simmons lhe dirá que foi ele quem inventou isso, mas, é aquilo; Gene inventou a respiração, os sapatos e tudo mais. Todo mundo dirá isso, e ninguém o inventou; é apenas uma superstição de anos e anos atrás. Eu apenas decidi fazer o gesto com muita frequência.”

“Dream Evil: DIO Nos Anos 80" (2022) pode ser encomendado diretamente com a Editora Denfire ou em lojas físicas. São 176 páginas em papel couchè 115g, acompanha o livro um card do mesmo tamanho com imagem do material de divulgação da época do single "We Rock" e um adesivo com a capa de "Holy Diver" (1983).

Resenha Journey To L.A Álbum de AOR 2009

 

Resenha

Journey To L.A

Álbum de AOR

2009

CD/LP

No início deste século, um cara já prestigiado na música por ser jornalista e crítico musical décadas antes, resolveu que iria criar um projeto onde a música de qualidade seria o domínio. 
Assim surgiu o fantástico projeto cujo nome já leva o seu próprio estilo. Mr. Frédéric Slama usou sua credibilidade no universo AOR para trazer a essa empreitada os maiores nomes do estilo, e a cada lançamento você vai desfrutar de inúmeras variedades de vozes e ambientes musicais.
Especialmente esse em questão, Journey to L.A. (Los Angeles, onde Slama viveu por 10 anos e se encantou completamente), reuniu nada mais nada menos que Steve Overland, Fergie Frederiksen, Bill Champlin, Phillip Bardowell, entre outros.
E com esse timaço, a obra não poderia ser menos que magnânima.
Ao meu gosto, as que mais se destacam são as peças interpretadas por Bardowell. O cara destila poder, elegância e uma emoção que se sente na alma. uma delas me emociona permanentemente: Love Remains The Same. Ouvia essa com minha filha quando era pequena, e hoje, já bem crescida, a ouve e se lembra de nossa vivência com muito carinho. Realmente é uma das maiores joias do estilo, com dobras de vocais, backing vocals femininos lindos e de um requinte brilhante.
Don't Turn Back, Read The Signs e Just For Love são as outras onde Philip detona em puro AOR matador.
O disco já começa com mestre Overland e sua Waiting In The Darkness, um primor de poder já de cara.
Desperate Dreams é com nosso saudoso Fergie,  ali ele derrama seu talento como sempre foi, e soma mais uma para seu legado inconfundível.
West Into The Sun fica com mestre Champlin, sempre em tremendo estilo, mais suave e navegando no belo Wescoast, coisa que maestro Slama também sabe compor lindamente.
Enfim, esse disco pode ser uma bela porta de entrada para quem quer conhecer a discografia do AOR e que digo orgulhosamente que este carrega com justiça o estilo no nome!

Resenha Remember The Future Álbum de Nektar 1973

 

Resenha

Remember The Future

Álbum de Nektar

1973

CD/LP

Um dos mais aclamados discos da banda, mas que eu confesso que não me pegou inicialmente, portanto, caso você também não goste inicialmente desse álbum, não o abandone, pois você, assim como eu, poderá ir descobrindo mesmo que aos poucos toda a sua beleza. É um álbum de composição excelente, vocais muito bons, inserções muitas vezes brilhantes de conteúdos sinfônicos bem construídos, tanto a guitarra quanto as teclas – principalmente os órgãos - fluem muito bem e há várias melodias de caráteres notáveis.  

Antes de começar a ouvir Remember The Future, é importante estar ciente de que você não vai estar diante de um disco genuinamente progressivo – como acontece, por exemplo, com o seu antecessor -, pois aqui, por exemplo, também há muito hard rock. Em momento algum, a banda vai entregar passagens instrumentais intrincadas ou arranjos pomposos e cheios de frenesi, ou mesmos os próprios solos, que são muito mais na linha do hard rock do que progressivo, porém, de qualquer forma, a música encontrada é de muita qualidade. 

“Remember the Future Part 1”, uma sonoridade atmosférica vai crescendo aos poucos, mas logo, uma grande surpresa, uma guitarra funk inicia isoladamente a música, algo completamente impensável caso estejamos falando de um disco de rock progressivo, mas é bom deixar claro, que a banda apresenta por meio desse segmento um excelente trabalho instrumental até chegar na próxima seção. Quando os vocais regressam, a peça se direciona para algumas linhas mais dramáticas e lentas – permanecendo assim até se tornar mais rápida novamente. Um dos momentos mais pesados da música, acontece por volta dos onze minutos e meio e dura cerca de um minuto – que inclui um ótimo uso de órgão -, então os vocais regressam e fazem uma marcação junto da banda até que a peça começa a ir silenciando, entregando quase um final falso – que só não acontece devido a guitarra que permanece na superfície. Aos poucos, a música vai regressando, criando uma atmosfera bastante tensa, enérgica, psicodélica e progressiva até começar a ficar mais serena, entregando um ambiente para que aconteça o início da parte dois.  

“Remember the Future Part 2” começa por meio de uma guitarra melódica isoladamente antes que os demais instrumentos se juntem a ela, criando uma progressão que vai crescendo até explodir em um som mais enérgico e dramático, não demorando para a peça voltar para uma sonoridade amena. Novamente, a música ganha um ritmo mais agitado e os primeiros versos surgem. Aqui a faixa está dentro de um segmento mais agitado, com bons vocais, linhas de guitarra adequadas e cozinha sólida. Por volta dos 7:45, há uma mudança que direciona a música para uma linha com muito mais suingado. A peça então torna a ficar, instrumentalmente, melódica de novo, enquanto os vocais evocativos também entregam muito drama. A linha com mais suingado então retorna, mas de forma mais tímida, com ênfase muito mais no baixo e bateria, porém, com alguns espasmos de mudança de ritmo no meio, sendo que na terceira vez em que o suingado se fixa na faixa, agora há também a utilização de guitarra funkeada, deixando a música muito mais intensa, até mesmo com alguns toques também de hard rock influenciado no Captain Beyond antes de se encaminhar para o seu final.  

Impressionante, como mesmo me agradando em tantos pontos, a música desse disco não consegue me pegar de cheio como teoricamente era pra acontecer. Após ouvi-lo algumas vezes enquanto fazia essa resenha, já foi o bastante para eu poder engavetar ele novamente por muito tempo. De qualquer forma, a qualidade é indiscutível, interessante e com o desenvolvimento de cada segmento musical feito com nítida sabedoria. 

Screaming Bones assina com Wormholedeath Records e anuncia reedição do álbum “And It’ll All Be Good”

 

Screaming Bones assina com Wormholedeath Records e anuncia reedição do álbum “And It’ll All Be Good”

O projeto solo instrumental pesado psicodélico Screaming Bones assinou com a Wormholedeath Records para a reedição de seu último álbum, “And It'll All Be Good”, em 28 de abril de 2023. O álbum leva o ouvinte a uma jornada pelos sons de guitarra psicodélica, doce tons de flauta hipnóticos e riffs pesados, criando uma paisagem sonora única que envolve os sentidos e captura a imaginação.

Mike Ludwig, o cérebro por trás de Screaming Bones, afirmou: “As melhores coisas da vida acontecem do nada quando você não as espera. Minha música sendo distribuída através do Wormholedeath é um sonho que se torna realidade. Me sinto feliz e acolhido na família WHD, obrigado por me aceitar!” “And It’ll Be Good” é o resultado de intermináveis ​​experimentos sonoros, explorando a própria natureza da criação sonora, enriquecimento sonoro e escultura sonora”.

O álbum apresenta faixas clássicas dominadas pela guitarra, como “Ghost Ride” e “Leave Me Alone”, mas também leva os sons da guitarra a um nível diferente quando os sons são repetidos indefinidamente enquanto são distorcidos e distorcidos em linhas de atraso malucas e reverberações distópicas como pode ser. ouvido em faixas como "Dragonfly" ou "Hive Song".

As faixas de "And it'll be good" não têm um tema comum, mas cada uma de suas sementes musicais nasceu em um estado de sonho, e algumas delas se transformaram em monstros sônicos que precisavam ser domados. para criar padrões e temas repetidos que levam o ouvinte a uma jornada musical que nunca fizeram antes.

A música deste álbum é uma joia, uma flor, uma árvore que cresce um pouco mais a cada vez que você a ouve. O que parece um caos aleatório a princípio se torna uma melodia distorcida de beleza irreal. A música do Screaming Bones existe para preencher seu espaço na cabeça. Isso o levará a uma jornada sem fim, se você estiver disposto a mergulhar na música. A música tocará algo profundo dentro de você quando você a ouvir e deixá-la se desenrolar.

 Screaming Bones:

“STILL LIFE” É O NOVO DISCO DE APRIL MARMARA

 

April Marmara, lança o seu novo disco no próximo dia 14 de abril. Deste “Still Life“, que tem o selo da nova editora Lay Down Recordings, já são conhecidos os temas “Who Knows Where the Love Goes”, “Shell” e “Dead Flowers”.

 

Estas 3 canções já nos introduziram e abriram um pouco da porta deste novo LP de April Marmara, mostraram-nos à ambiguidade de uma artista que observa, de forma atenta, a passagem do tempo, mas que de forma alguma se senta passivamente à sua margem, sem interagir com ele.

 

“O ‘Still Life’ é um álbum escrito com tempo. São canções escritas sobre a contemplação da natureza, a sensibilidade da passagem do tempo e sobre as histórias que vou descobrindo e escrevendo. São também sobre o exílio e os meus pensamentos. Foi durante as gravações deste álbum que me apercebi do poder, da energia que é fazer música e do buraco enorme que esta preenche na minha vida. “Still Life” é a minha afirmação como artista. É um álbum que embarca tantas pessoas que o ajudaram a remar em frente e que o suportam.” Nas palavras de April Marmara.

 

Este novo álbum é um mergulho profundo no isolamento, na solidão, na qualidade das relações humanas e, acima de tudo, na relação de alguém com a natureza e seu próprio lugar neste mundo. É um amadurecimento em relação ao trabalho de estreia de 2018 “New Home”, tanto a nível espiritual quanto artístico. “Still Life” é uma coleção de 8 faixas repletas de paisagens sonoras cinematográficas e letras pictóricas. Ao ouvir somos imediatamente convidados a entrar num calmo transe, que ganha forma nos riffs hipnóticos da guitarra, apenas para ser ocasionalmente interrompido pelo conforto de uma bela melodia de violoncelo ou clarinete. E, claro, a qualidade sempre estranha e única da voz de Beatriz Diniz.

 

Todas as 8 canções foram criadas pela própria April Marmara e os arranjos foram escritos e produzidos em colaboração com Afonso Cabral (You Can’t Win Charlie Brown; Bruno Pernadas; Minta & The Brook Trout). O álbum foi mixado por Eduardo Vinhas entre os Estúdios da Estrela e os Namouche em Lisboa. Os toques finais vieram do Canadá com masterização de Philip Shaw Bova (Angel Olsen; Andy Shauf; Bahamas).

 

April Marmara expande continuamente os limites do significado da música folk, misturando influências de artistas folk ingleses como Nick Drake ou Vashti Bunyan com heróis do folk português como Fausto Bordalo Dias. Com uma gama de instrumentos globalmente diversos como a guitarra acústica, o adufe (percussão tradicional portuguesa), e até as tablas e harmónio indianos.