Classificação de álbuns dos Jethro Tull

 

Hora de outra sessão de classificação de álbuns, e esta é grande. Desta vez, estou apresentando uma das grandes bandas de rock clássico e progressivo de todos os tempos, Jethro Tull . Jethro Tull teve seu início em 1967 e, claro, foi liderado desde o início pelo dinâmico compositor-flautista-guitarrista-vocalista Ian Anderson . Eles começaram como uma banda de rock voltada principalmente para o blues, como era muito popular no Reino Unido na época. Seu primeiro álbum, This Was (1968), contou com a participação do guitarrista de blues Mick Abraham, mas Mick saiu depois de apenas um álbum e foi substituído pelo extraordinário guitarrista Martin Barre , que tem sido um elemento fixo da banda durante a maior parte de sua longa história. O segundo álbum, Stand Up(1969), introduziu elementos mais progressivos, bem como um som e abordagem mais inspirados no folk, enquanto Benefit (1970) retornou a um estilo orientado ao blues mais padrão. Mas seu grande álbum inovador foi Aqualung (1971), que combinou um estilo feroz de hard rock com elementos acústicos mais melódicos e folclóricos para criar uma obra-prima do rock. Eles seguiram esse sucesso com uma série de álbuns clássicos de rock progressivo, mais notavelmente Thick as a Brick (1972), todos mantendo aquela mistura de rock mordaz e elementos folk melódicos. Durante todo o seu auge na década de 1970, eles tiveram uma formação bastante estável que, além de Anderson, contou com a versatilidade da guitarra de Martin Barre , o fantástico Barriemore Barlowna bateria e percussão, John Evan nos teclados e Jeffrey Hammond no baixo. Essa formação se destacou e teceu intrincados trabalhos de conjunto com um álbum fantástico após o outro. Mas na década de 1980, conforme a popularidade do rock progressivo diminuía e a banda lutava para manter o sucesso, a banda (com muitas mudanças na formação) tentou alguns estilos diferentes com sucesso variável. Nos anos 2000, a banda parecia estar acabada e Anderson passou a fazer principalmente álbuns solo. Mas recentemente (2022), Ian Anderson lançou um novo álbum ( The Zealot Gene ) sob o nome Jethro Tull . Conhecido por suas composições intrincadas e musicalidade virtuosa, bem como pelas travessuras de Ian Anderson e suas fantásticas apresentações em concertos, Jethro Tulltem sido uma banda de rock consistentemente excelente e única. Assim, durante um período de 54 anos (!), Jethro Tull lançou um total de 23 álbuns de estúdio, que incluem Living in the Past (1972), que geralmente é considerado um álbum de compilação, mas por consistir principalmente de primeiros singles, EPs, B-sides e material inédito que não foram incluídos em nenhum álbum (e não foram lançados anteriormente nos EUA), ainda considero isso um álbum de estúdio relevante. Também inclui o Álbum de Natal (2003), que foi principalmente uma compilação de retrabalhos de canções temáticas de feriados lançadas anteriormente com algumas canções sazonais tradicionais, então não estou incluindo isso em minha classificação. No entanto, também estou incluindo Thick as a Brick 2(2012), que foi lançado como um Ian Andersonálbum solo, mas como foi anunciado como uma sequência direta do álbum clássico do Tull, também o incluí aqui no ranking. Assim, são 23 álbuns que incluo neste ranking. No geral, eles têm um dos catálogos mais impressionantes de toda a história do rock. Ao examinar os álbuns, eu estava muito familiarizado com toda a produção dos anos 1970, mas realmente não tinha ouvido a maioria dos álbuns depois daquela época, muitos eram novos para mim. Eu estava preparado para ler pelo menos alguns álbuns bastante ruins, mas felizmente, quase todos os álbuns deles são pelo menos bons, se não ótimos ou espetaculares. Eu só encontrei um álbum em toda a produção que eu chamaria de 'ruim', e isso foi uma anomalia de 1 álbum, bem como 1 álbum que estava apenas OK. Todos os outros tiveram pelo menos algumas músicas muito boas e uma classificação geral boa, mesmo que não entre seus melhores trabalhos. Assim, 21 de seus 23 álbuns eu avaliei como bons ou melhores, com quase todos os dez primeiros que considero ótimos álbuns, no geral uma produção incrível de qualidade ao longo dos anos. Como sempre, esta lista é apenas minha opinião pessoal sobre esses álbuns e não representa nenhuma outra avaliação ou classificação. Você terá sua própria opinião sobre isso, e agradeço quaisquer comentários ou sua própria versão dessas classificações.   

  

#23. Under Wraps (1984)

Este é o único álbum do Tull que eu consideraria genuinamente ruim. Isso se deve principalmente à produção e arranjos horríveis. Ian tomou uma decisão terrível de usar b#15. This Was (1968)aterias eletrônicas programadas (nenhum baterista), presumivelmente para parecer moderno e moderno, então agravou esse erro apresentando aquela terrível bateria eletrônica proeminentemente acima de tudo na mixagem. Também usei sintetizadores programados e arranjos de cortar e colar que soam terríveis. Deveria ter sido considerado um álbum solo de Anderson, já que soa como Ian apenas brincando com seus novos brinquedos eletrônicos e software digital. A música foi montada, não realmente tocada aqui, e a tecnologia dos anos 80 usada simplesmente não funciona. É muito ruim, já que algumas das músicas poderiam ter sido muito boas com o absurdo programado removido e instrumentos e arranjos reais usados, como exemplificado com as duas versões diferentes da música 'Under Wraps', uma com todo o absurdo eletrônico, a outra simplificada. A produção e os arranjos aqui merecem apenas 1 estrela, mas as músicas em si merecem mais, então chego a 1,5 para o álbum. Nenhuma faixa realmente boa (mas a única música com uma versão simplificada, Under Wraps #2, dá uma ideia de como o álbum poderia ter sido com uma produção decente).Avaliação: 1,5 ou

#22. Rock Island (1989)

Provavelmente o álbum mais pesado deles no geral, com canções mais pesadas e pesadas de rock, com muito pouco trabalho acústico. Isso pode ter sido uma resposta à reação que receberam depois de ganhar o Prêmio Grammy de melhor álbum de hard rock/heavy metal no ano anterior por um álbum (Crest of a Knave) que não foi considerado nem hard rock nem metal. Então eles voltaram com um álbum mais pesado para solidificar suas credenciais de hard rock. Infelizmente, o resultado é um de seus álbuns menos agradáveis, sem muito que o recomende. Eu realmente não consegui escolher as melhores e piores músicas aqui, já que todas são boas. Nada realmente ruim, mas também não tão bom assim. Contém muitos elementos familiares das canções do Tull, mas as canções simplesmente não se transformam em nada substancial. Músicas um tanto genéricas, em sua maioria não muito memoráveis. Classificação: 2,5#

#21. J-Tull Dot Com (1999)

Ian e a banda estão tentando muitas coisas diferentes aqui, então há uma variedade de estilos, o que é interessante, mas também parecem algumas escolhas estranhas para a banda. Nada mal, há várias faixas boas aqui, e algumas são bastante divertidas, incluindo um final forte para o álbum, mas também algumas faixas questionáveis. Abrange uma gama de canções de hard rock como Spiral a uma leve canção acústica com tema caribenho (Hot Mango Flush) que é diferente de qualquer outra música de Tull. Assim, no geral, um álbum muito bom, mas um tanto irregular. Contém muitos ótimos trabalhos de guitarra e flauta por toda parte. Melhores faixas: Dot Com, Hunt By Numbers, Far Alaska, The Dog Ear Years, A Gift of Roses. Faixas mais fracas : El Niño, Black Mamba. Classificação: 3 ou

#20. The Zealot Gene (2022)

Ian Anderson está de volta com uma nova encarnação do Jethro Tull, e o primeiro novo álbum do Tull em quase 20 anos. E Ian remonta a sons e estilos que lembram alguns de seus álbuns anteriores. No geral, é ótimo ouvir a flauta de Ian como um componente importante, bem como alguns dos estilos característicos de Tull e composições fortes por toda parte. No entanto, a voz de Ian certamente não é o que costumava ser, mas seu estilo de cantar funciona bem o suficiente aqui. Onde o álbum falha, infelizmente, é com a banda de apoio, que é completamente genérica, sem brilho e improdutiva. O álbum parece realmente ser um álbum solo de Ian Anderson, já que os músicos de apoio contribuem pouco aqui e enfraquecem o que poderiam ter sido várias faixas muito fortes. Certamente não como Jethro Tull dos dias de glória, onde o trabalho de guitarra estelar de Martin Barre e a bateria dinâmica de Barriemore Barlow forneceram contribuições cintilantes ao som de Tull. Aqui, outros músicos além de Anderson simplesmente não fornecem muita faísca. Por causa disso, as faixas mais acústicas funcionam melhor aqui, e ainda há várias músicas muito legais, tornando isso agradável, mas um tanto frustrante.Melhores faixas: Mrs. Tibbets, Sad City Sisters, Three Love Three, In Brief Visitation, Betrayal of Joshua Kynde. Trilha mais fraca: The Zealot Gene. Avaliação: 3ó .

#19. Crest of a Knave (1987)

Uma espécie de álbum de retorno para a banda, após o sombrio Under Wraps. Trouxe de volta um toque de rock mais pesado em algumas faixas e recebeu aclamação e reprodução substancial no rádio. Notoriuosly ganhou o Grammy de melhor álbum de hard rock/heavy metal (batendo Metallica), que foi duramente criticado por não ser realmente considerado um álbum de hard rock, e certamente não de metal. No geral, é um pouco variado em estilo e substância, variando de faixas acústicas, pop e rock. Este álbum também marcou o início de seu 'período Dire Straits', em que várias canções neste álbum, e pelo menos uma na maioria dos álbuns subsequentes, apresentavam uma forte semelhança com Dire Straits, não apenas no vocal falado de Ian nessa época, mas também no estilo geral e na estrutura das músicas. Não tenho certeza se essa foi uma decisão consciente de imitar a banda, mas algumas dessas músicas soam como se fossem músicas do Dire Straits (não que haja algo de errado com isso). No geral, uma boa direção para a banda nos anos 80. Bom, mas ainda não é um de seus álbuns mais fortes.Melhores faixas: Jump Start, Budapest, Part of the Machine, Farm on the Freeway. Faixas mais fracas: Steel Monkey, Mountain Men. Canções que soam como Dire Straits : She Said She Was a Dancer, Waking Edge, Raising Steam. Classificação: 3 ou


#18. Thick As A Brick 2 (2012)

Lançado como um álbum de Ian Anderson (na verdade listado como Ian Anderson de Jethro Tull ), mas alegando ser uma sequência da aclamada obra-prima de Tull de 1972, Thick as a Brick. Este álbum continuou a partir de TAAB seguindo (ou especulando) sobre o que aconteceu nos anos intermediários com Gerald Bostock, a figura central fictícia responsável pelo original Thick as a Brick Poem. Assim, em várias seções da peça completa, Gerald é imaginado como um banqueiro, um sem-teto, etc. Embora Ian tente incorporar temas simbólicos da TAAB em vários pontos da narrativa, no geral, há pouco aqui musicalmente ou tematicamente que seja muito conectado ao álbum clássico. As músicas aqui são boas, mas apenas algumas são muito memoráveis ​​e certamente não atingem o ápice de inovação e criatividade alcançado no clássico. É bom ouvir alguns elogios ao original, mas esses são os principais destaques aqui. Melhores faixas:A Change of Horses, What-Ifs Maybes and Might-Have-Beens, Old School Song, Banker Bets Banker Wins. Faixas mais fracas : Cosy Corner, A Pebble Thrown. Classificação: 3 ou

#17. Catfish Rising (1991)

Começa com alguns roqueiros um tanto genéricos, mas depois fica muito mais interessante. Mais acústico do que o esperado (muito bandolim) e mais diversificado. Muito bluesy, de números acústicos blues para blues lento e blues-rock. Provavelmente o álbum mais pesado de blues desde Benefit e, no geral, funciona muito bem, pois eles mudam os vários estilos de blues ao longo do álbum. Melhores faixas: Roll Your Own, Rocks on the Road, Gold-Tipped Boots Black Jacket and Tie, When Jesus Came to Play. Faixas mais fracas : This is Not Love, Occasional Demons, White Innocence. Classificação 3 ou

#16. Roots to Branches (1995)

Este começa com um estilo de música mais internacional, com as primeiras faixas tendo uma vibração meio oriental. O resto do álbum apresenta muitas faixas fortes que fazem desta uma das melhores dos últimos anos, com uma variedade de estilos, composições fortes e excelente musicalidade por toda parte. Também inclui outro em sua série semelhante ao Dire Straits desse período: Another Harry's Bar. Melhores faixas: Valley, Beside Myself, Dangerous Veils, At last Forever, Out of the Noise, Stuck in the August Rain. Faixas mais fracas: Rare and Precious Chain, This Free Will. Classificação: 3 ou
#15. This Was (1968)

Álbum de estreia forte. Nesse estágio inicial, a banda tinha uma formação muito diferente, com o guitarrista de blues Mick Abrahams, Glenn Cornick (baixo) e Clive Bunker (bateria), e era principalmente uma banda de blues-rock puro, com influências do jazz. O álbum está repleto de excelentes trabalhos de guitarra, baixo e bateria de jazz-blues, complementados com a flauta e os vocais de Anderson, mas boas bandas de blues-rock do Reino Unido eram abundantes naquela época, e este é um blues-rock bastante direto. Apesar de um bom começo, a banda ainda não havia desenvolvido seu próprio estilo único e, em comparação com o que a banda se tornaria mais tarde, isso é bom, mas não ótimo. Melhores faixas: Beggar's Farm, A Song For Jeffrey. Faixas mais fracas: Moved On Alone, It's Breaking Me Up. Classificação: 3 ou

#14. Benefit (1970)

Eu sei que muitas pessoas amam este álbum, mas para mim, é um retrocesso em relação ao Stand Up mais original e progressivo.(1969), já que a banda voltou a um Blues-rock do Reino Unido muito mais padrão aqui, sem as abordagens e avanços mais inovadores feitos no álbum anterior. Sim, eles são muito bons no som e estilo de blues-rock, mas isso não mostra melhor seu estilo único e pontos fortes que os tornariam uma banda de rock de destaque. Além disso, algumas das melhores músicas dessas sessões nem foram incluídas no álbum, como 'Teacher' (que foi lançada como single independente) e 'Witch's Promise'. Assim, um álbum muito bom no geral, mas que não avançou seu som e estilo único além do blues-rock tocado por outras bandas. No entanto, eles dariam um salto tremendo no rock progressivo com seu próximo álbum. Melhores faixas: Nothing to Say, Alive and Well e Living In, Inside, Sossity You're a Woman.Faixas mais fracas: Son, A Time For Everything. Classificação: 3,5 ou

#13. Broadsword e The Beast (1982)

Mais mudanças de pessoal, com Peter John-Vettese trazido nos teclados e sintetizadores e Gerry Conway na bateria, junto com Dave Pegg no baixo. A banda retorna a canções e temas de estilo mais folk aqui, e instrumentação acústica, mas agora também incorporando mais sintetizadores e eletrônicos. Assim, mais sintetizadores e menos violão, mas as músicas e arranjos são muito bons no geral, embora termine um pouco fraco em comparação com o resto do álbum. Melhores faixas: Clasp, Fallen on Hard Times, Flying Colors, Slow Marching Band, Pussy Willow. Faixas mais fracas: Seal Driver, Cheerio. Classificação 3,5 –

#12. Too Old To Rock n Roll, Too Young To Die (1976)

Lembro-me de ter ficado bastante desapontado com este álbum em seu lançamento original, pois parecia um passo abaixo das emoções e revigorantes picos de seus álbuns anteriores. Não é realmente ruim, mas um pouco sem brilho em comparação. No entanto, voltando a ele muitos anos depois, acho que é um álbum muito bom (especialmente em comparação com alguns dos álbuns posteriores) com muito para recomendá-lo. Ele ainda tem aquela produção calorosa dos anos 1970, algumas ótimas músicas e uma sensação geral de conforto. O álbum começa ótimo, com uma primeira metade maravilhosa, com faixas fortes como Quiz Kids, Crazed Institution e Salamander, mas depois cai um pouco na segunda metade. Ainda muito bom, mas no geral o mais fraco de sua grande produção de 1970. Melhores faixas: Salamander, Quiz Kids, Crazed Institution, Pied Piper.Faixas mais fracas: Bad-eyed and Loveless, The Checkered Flag. Classificação 3,5 –

#11. Stormwatch (1979)

Muitas vezes considerado o terceiro de uma trilogia de álbuns mais voltados para o folk, mas eu realmente não ouço isso, pois existem apenas algumas músicas que seguem esse exemplo. No geral, o álbum é menos acústico e um pouco mais sombrio e pesado que os dois anteriores. Acho que está mais alinhado com álbuns como War Child e Minstrel in the Gallery , com seus aspectos mais sombrios e pesados. Um bom álbum, no entanto, mas as músicas mais acústicas funcionam melhor aqui. Melhores faixas : Flying Dutchmen, Dun Ringill, Warm Sporran, North Sea Oil, Home. Faixas mais fracas: Dark Ages, Something's On the Move. Avaliação 3,5 ó

Top 10

#10. A (1980)

Som diferente dos álbuns anteriores do Tull. Originalmente planejado para ser um álbum solo de Ian Anderson, continha uma formação diferente de músicos de apoio, com apenas Martin Barre presente da banda anterior. Isso deu a Anderson a chance de experimentar e brincar com sons e estilos não associados anteriormente à banda. Assim, este álbum apresenta sintetizadores e mais teclados eletrônicos. No entanto, a gravadora insistiu que o álbum fosse lançado como um álbum do Jethro Tull, que basicamente reiniciou a banda com uma nova formação, deixando John Evan e Dee Palmer agora fora da banda (o baterista Barriemore Barlow já havia saído e o baixista John Glascock morreu em 1979). O álbum abre com algumas canções de rock no estilo Tull bastante típico, mas depois muda abruptamente para um muito mais 'progressivo' ou 'progressivo'. estilo para as próximas canções (principalmente Black Sunday, Protect and Survive, Batteries Not Included e Uniform). Na verdade, este é o álbum do Tull com som mais 'progressivo', e na maioria das vezes funciona, já que os sintetizadores e prog são bem usados, e fornece um novo som interessante para a banda. Mas então, perto do final do álbum, há um retrocesso ao som acústico mais folk com Pine Marten's Jig (talvez uma faixa restante dos álbuns anteriores com influência folk?). No geral, uma partida muito interessante para a banda, misturando seu estilo único estabelecido com uma abordagem e estilo progressivo mais eletrônico e aberto, e Anderson tira o máximo proveito disso. e funciona principalmente, já que os sintetizadores e prog são bem usados, e fornece um novo som interessante para a banda. Mas então, perto do final do álbum, há um retrocesso ao som acústico mais folk com Pine Marten's Jig (talvez uma faixa restante dos álbuns anteriores com influência folk?). No geral, uma partida muito interessante para a banda, misturando seu estilo único estabelecido com uma abordagem e estilo progressivo mais eletrônico e aberto, e Anderson tira o máximo proveito disso. e funciona principalmente, já que os sintetizadores e prog são bem usados, e fornece um novo som interessante para a banda. Mas então, perto do final do álbum, há um retrocesso ao som acústico mais folk com Pine Marten's Jig (talvez uma faixa restante dos álbuns anteriores com influência folk?). No geral, uma partida muito interessante para a banda, misturando seu estilo único estabelecido com uma abordagem e estilo progressivo mais eletrônico e aberto, e Anderson tira o máximo proveito disso.Melhores faixas: Black Sunday, Protect and Survive, Batteries Not Included, Uniform, 4 WD, Pine Marten's Jig. Trilha mais fraca : Working John Working Joe. Classificação 3,5 ou

#9. Stand Up (1969)

Grande avanço desde o primeiro álbum, ainda começando com uma estrutura baseada no blues, mas introduzindo elementos mais progressivos, composições variadas, instrumentação e arranjos, e começando a mostrar as qualidades únicas do Tull que eles desenvolveriam nos álbuns subsequentes. O início de sua grande capacidade de ir e vir entre canções acústicas e mais rock. Melhores faixas: Look Into The Sun, Back to the Family, Reasons For Waiting, We Used to Know, Bouree. Faixas fracas : nenhuma. Classificação: 4 ou

#8. War Child (1974)

Um álbum divisivo entre os fãs, mas acho que é excelente. Embora o álbum comece um pouco instável com as primeiras faixas tendo melodias e arranjos um tanto estranhos e menos atraentes, o álbum decola a partir daí com o resto do lado 1 apresentando canções únicas e interessantes, e então sobe com uma excelente segunda metade. Anderson usa algumas das canções para responder a seus críticos, mas de maneira geralmente inteligente. O uso de instrumentação adicional, como saxofone, sanfona e cítara (?), adiciona elementos deliciosos a várias músicas, e a banda continua experimentando e adicionando sons e texturas adicionais à sua música.  Melhores faixas: Skating Away, Only Solitaire, Third Hoorah, Two Fingers, Ladies, Back-Door Angels. Faixas mais fracas: War Child, Queen e Country.Classificação: 4 ou

#7. Heavy Horses (1978)

Uma continuação digna de Songs From the Woods , continuando um pouco no estilo folk e mais acústico daquele álbum, mas com algumas reviravoltas. Liricamente, Heavy Horses muda para temas mais terrenos e realistas da vida no campo, portanto, tem um humor um pouco mais sombrio. No entanto, as músicas são uniformemente boas a ótimas, novamente misturando músicas mais voltadas para o rock com faixas acústicas delicadas e belas melodias. Melhores faixas : One Brown Mouse, Acres Wild, Moths, Rover e The Mouse Police Never Sleep. Faixa mais fraca: No Lullaby. Classificação: 4 ou

#6. Minstrel in the Gallery (1975)

Continua com a mistura eletrizante de hard rock eclético e canções acústicas e melódicas de seus álbuns anteriores, com este seguindo um pouco mais sombrio e pesado com mais dicotomia entre as seções mais leves e mais pesadas. Contém uma mistura de canções mais curtas ao lado da peça central do álbum, Baker Street Muse. Também contém alguns de seus melhores segmentos de hard rock ao lado de belas e memoráveis ​​melodias. Um ótimo álbum. Melhores faixas: Cold Wind in Valhalla, One White Duck/Nothing at All, Baker Street Muse. Faixas fracas: nenhuma. Classificação: 4,5 ou


#5. A Passion Play (1973)

Este impressionante acompanhamento de seu inovador Thick as a Brick continua sendo um álbum divisivo entre os fãs, muitos o aclamam como uma obra-prima, enquanto outros o descartam como um passo em falso pesado e pretensioso. Mais uma vez, ele contém uma única música com duração de álbum dividida entre os dois lados do álbum (embora os lançamentos subsequentes tenham dividido a única faixa em várias subfaixas nomeadas). As 2 partes também são separadas pela curta canção cômica The Story of the Hare Who Lost his Spectacles, que também levantou especulações sobre o valor de sua inclusão. Como uma composição inteira, APP também é bastante brilhante, com muitas seções virtuosísticas, mas não atinge as alturas de Thick as a Brick. É bastante denso e complicado, mais um gosto adquirido que requer repetidas audições para apreciar plenamente. É claro que a banda estava tentando replicar ou mesmo superar o que conseguiram com o TAAB, e às vezes isso é em seu detrimento, já que o APP não é tão melódico, envolvente ou acessível, mas ainda assim é uma experiência atraente e gratificante, e um álbum incrível. Classificação: 4,5 ou
 

#4. Living in the Past (1972)

Embora essencialmente um álbum de compilação com singles não pertencentes ao álbum e B-sides, EPs e faixas inéditas de seus primeiros dias, junto com alguns álbuns selecionados e faixas ao vivo, lançadas para capitalizar o novo sucesso da banda (pós-Aqualung e TAAB), este álbum ainda merece ser incluído aqui devido à abundância de músicas que não estão incluídas em nenhum outro álbum. E a maioria dos singles, etc. nunca foram lançados nos Estados Unidos (apenas no Reino Unido), então continham principalmente músicas 'novas' na época. Não por acaso, também contém algumas das melhores canções da banda de todos os tempos. Em particular, todas as músicas do EP Life's a Long Song(1971) são estelares (Life's a Long Song é uma das minhas canções favoritas de todos os tempos) e não haviam sido ouvidas nos Estados Unidos anteriormente. Esses mais a adição de músicas inéditas de sessões anteriores tornam esta parte essencial de qualquer coleção do Tull e um álbum estelar. Melhores faixas: Life's a Long Song, Wond'ring Again, Living in the Past, Nursie, Witch's Promise, Teacher, Love Story, Just Trying to Be. Faixa mais fraca: Dharma for one (ao vivo). Classificação: 4,5 ou

#3. Songs From the Wood (1977)

Excelente álbum. A banda se inclina mais para o lado mais folk de seu repertório aqui, invocando canções e contos folk, misturados com um núcleo de rock efervescente, produzindo um notável clássico do Prog Folk. Uma lufada de ar fresco brilhante, ousado e revigorante em meio à música predominante da época. Uma espécie de retorno da leve decepção de seu álbum anterior. Grandes canções aprimoradas pela produção e arranjos estelares, particularmente a bateria e percussão de Barriemore Barlow (bateria, marimba, xilofone, sinos, tímpanos, etc.) e sua bateria como instrumento melódico aqui. Grandes contribuições dos teclados de John Evans e, claro, da guitarra de Martin Barre e dos vocais e flauta de Ian Anderson. Algumas de suas canções mais deliciosas e enérgicas de todos os tempos. Melhores faixas:The Whistler, Velvet Green, Songs From the Wood, Jack-in the Green, Fire at Midnight. Faixas fracas : nenhuma. Classificação: 5 ou

#2. Aqualung (1971)

Uma impressionante obra-prima do rock. Combina habilmente riffs de hard rock com sequências acústicas e melódicas suaves, misturando folk, rock e pop no que se tornaria um estilo muito influente e muito copiado, mas nunca alcançado com tanta maestria. Embora muitas vezes considerado um álbum conceitual que trata da distinção entre religião e Deus, e as reflexões severas de Anderson sobre fé e religião, a banda contesta isso, já que apenas algumas canções têm algum tema unificador relacionado à religião. Várias das canções também tratam da situação dos párias e dos oprimidos. As canções com temas religiosos, como My God, Hymn 43 e Wind-Up são inegavelmente atraentes e poderosas, mas o álbum inteiro também é do começo ao fim. A composição e inclusão dos números acústicos (Cheap Day Return, Mother Goose, Wond'ring Aloud, e Slipstream) é simplesmente magnífico e dá um equilíbrio perfeito ao álbum. Um tremendo salto em relação ao álbum anteriorBenefício , e o início do estrelato para a banda. Melhores faixas: Mother Goose, Wond'ring Aloud, Wind-up, Locomotive Breath, Aqualung, Hymn 43, Cross-Eyed Mary, Slipstream, My God. Faixas fracas : nenhuma. Classificação: 5 ou

#1. Thick As A Brick (1972)

Por melhor que seja o Aqualung , ele não pode igualar o brilho e a glória de Thick as a Brick , o auge de seus três álbuns de obras-primas e um dos melhores álbuns de rock progressivo de todos os tempos. Embora construído para ser uma paródia da abordagem do álbum conceitual (em resposta aos críticos que se referem a Aqualungcomo um álbum conceitual quando Anderson afirmou que não era), esta composição única de álbum (dividida em 2 lados do álbum) consistindo em muitas partes separadas reunidas com transições engenhosas e seções de conexão. Músicas e partes intrincadamente elaboradas que se encaixam magnificamente e misturam as melodias acústicas com os elementos de rock mais pesado como apenas o Tull de primeira linha pode, e ao mesmo tempo consegue ser bastante acessível, apresentando algumas das passagens mais melódicas e alegres de Tull. Mesmo que a peça inteira dure ~ 44 minutos (com apenas uma breve pausa entre os lados), não há um único momento monótono ou sem brilho em qualquer lugar, nem qualquer parte ou seção que não se encaixe ou deva ter sido deixada de lado. Simplesmente brilhante do início ao fim. Além disso, o mais coeso e fechado de toda a banda está aqui, com cada membro contribuindo muito para o todo, particularmente a bateria dinâmica de Barriemore Barlow e o inspirado trabalho de percussão que se destaca, bem como o trabalho de guitarra de Martin Barre e, claro, a flauta de Anderson e provavelmente sua melhor performance vocal de todos os tempos. E ainda está de pé agora, cinquenta anos depois, já que o tempo não diminuiu nem um pouco o poder e a magnificência deste álbum. é uma conquista monumental na música rock.Rating 5 ó

Escala de Rating 

1 ó – Terrível, torturante ter que ouvir

1.5 ó - Ruim, não vale o seu tempo

2 ó – Razoável, talvez algumas músicas meio decentes, mas abaixo da média no geral

2,5 ó – Médio, OK, meh, não é ruim, mas também não é tão bom

3ó – Álbum bom, sólido, várias músicas boas, mas não espetaculares . Certamente digno, mas pode não ser algo para o qual você volte com muita frequência

3,5 ó – Álbum muito bom. Algumas faixas estelares, muito agradáveis ​​no geral

4 ó – Ótimo álbum, cheio de ótimas músicas, que você vai querer voltar várias vezes

4.5 ó – Álbum excelente, além de ótimo, soberbo em todos os sentidos, quase uma obra-prima 

5 ó – Uma obra-prima, entre os melhores álbuns de seu tipo, e resistiu ao teste do tempo

OK, bem, isso é o que eu penso da discografia do Jethro Tull, verdadeiramente uma das grandes bandas de rock de todos os tempos.

Feist – Multitudes (2023)

 

Multitudes , o sexto disco de estúdio de Leslie Feist ao longo de uma carreira de três décadas, termina com a declaração “É daqui / Podemos realmente começar”.
Este álbum parece ter um fascínio pelos ciclos: da vida, da natureza, da crença. Esses ritmos definem uma mudança crítica para a cantora em direção à aceitação em sua vida profissional e pessoal. Subjugado, mas profundamente emocionalmente ressonante, Multitudes saiu de um período de transformação para Feist; ela se tornou mãe e perdeu o pai em rápida sucessão. Ela disse sobre escrever o álbum: "[Não há] mais nada performático em mim." Este sentimento anima Multitudes – Feist não mostra medo ou incerteza neste álbum.
“Nunca comecei / uma eternidade antes”, canta ela, em tom confessional e esperançoso. Há pouco…

MUSICA&SOM

…para se esconder atrás da instrumentação; muitas das canções são extremamente esparsas, com apenas os vocais de Feist e uma guitarra, tocada por Amir Yaghmai (HAIM, Julian Casablancas, Devendra Banhart). Suas melodias vocais – sinuosas, mas tradicionais, habilmente equilibrando intriga e satisfação sonora – podem florescer no espaço vazio. A rigidez dos arranjos torna as exuberantes expansões harmônicas especialmente belas em contraste; os singles “In Lightning” e “Borrow Trouble” são alguns dos únicos grandes momentos do álbum, lançamentos emocionais em meio a uma profunda contemplação.

“Borrow Trouble” é especialmente catártica, aninhada entre duas canções que lutam sombriamente com a morte e o dever. O último refrão apresenta trompas brincalhonas e os gritos repetidos de Feist, "Problemas!" Sua voz é incrivelmente emotiva tanto em sua liberdade quanto em contenção ao longo do álbum, mas ambos os extremos estão presentes nesta música. Ela volta seu olhar lírico exigente para dentro: “Tão boa em imaginar a vida da qual eu ficaria de fora / Em vez da que eu fiz.” Esses momentos de clareza em meio ao tumulto da reflexão são gratificantes para o ouvinte, acompanhando Feist na jornada de sua dor.

Multitudes está muito enraizado em suas origens: os shows experimentais de residência em que Feist escreveu e trabalhou muito do material e da paisagem onde foi gravado, as sequóias do norte da Califórnia. A natureza colaborativa dos shows de residência foi tecida no tecido das ideias que mais tarde se tornariam canções do disco. Feist explora assuntos pessoais de forma mais transparente do que nunca, aparentemente reforçada pela comunidade ao seu redor no processo de escrita. Essas canções são completamente desobstruídas pelo uso pesado de metáforas que marcaram seu trabalho anterior.

Com Multitudes, Feist entrou em uma nova era em sua arte, na qual ela abre espaço para o devaneio. Suas grandes realizações são lindamente declaradas: “O amor não é uma coisa que você tenta fazer / Ele quer ser a coisa que o compele.” Multitudes deixa os ouvintes com a sensação de que têm algo a aprender com Feist, que está se tornando uma profetisa de sua geração.

Kid Koala – Creatures of the Late Afternoon (2023)

 

O turntablist de Montreal, Eric San, mais conhecido como Kid Koala , tem sido um dos artistas mais maravilhosamente inventivos e catárticos dos últimos trinta anos. Ele remixou e colaborou com todos os tipos, em turnê com todos, desde Radiohead e Arcade Fire até Beastie Boys e Preservation Hall Jazz Band. Ele também se apresentou em Deltron 3030 com Dan the Automator e Del the Funky Homosapien, um time dos sonhos que agraciou o primeiro (e melhor) álbum já feito pelo Gorillaz de Damon Albarn. O garoto realmente deixa sua bandeira de aberração familiar voar em seus trabalhos solo, e Creatures of the Late Afternoon aumenta o botão de excentricidade para onze.
Quase tudo que San coloca sob seu fofinho...

MUSICA&SOM

…nom de plume de Kid Koala tem algum tipo de bônus multimídia exclusivamente associado que ele está constantemente tentando superar - seu primeiro álbum, Carpal Tunnel Syndrome de 2000 , foi notado com humor no encarte como sendo um CD gratuito incluído no modesto livreto de quadrinhos que constituíam as notas do encarte, escritas e ilustradas pelo próprio San. Seu álbum de 2012, 12 Bit Blues, veio com uma plataforma giratória de papelão e, em 2018, ele produziu a trilha sonora de um premiado jogo indie de breakdance chamado Floor Kids . Se for divertido, Kid Koala faz isso.

San estava de olho em seu oitavo álbum e primeiro na Envision Records. Para Creatures of the Late Afternoon , ele criou seu próprio jogo de tabuleiro admiravelmente complexo, com pistas musicais conectadas para tocar no vinil duplo LP (cada lado dos quatro lados da cera contém faixas de “competição inicial” com sulcos de saída bloqueados para olhares indefinidos), instruções nas capas de arte e o tabuleiro do jogo impresso na capa interna do disco.

O jogo coloca de dois a quatro jogadores no papel de produtores Svengali tentando arranjar combinações de criaturas e instrumentos que irão gravar uma música distinta. Alguns resultados possíveis do jogo estão aparentemente espalhados pela lista de faixas do álbum. “1000 Times” pode ser uma música de separação de um baterista de água-viva, baixista de colher e cantor de celacanto com um solo de saxofone quebrado gravado através de um palofotofone, enquanto “When U Say Love” pode ser uma balada sentimental cantada por um lagostim com uma preguiça e seção rítmica de stick bug e um solo de vibrafone gravado em bobina a bobina. O que é certo é que San colocou um esforço incrível neste projeto, com designs diferentes na maioria das 150 cartas do jogo de tabuleiro e aproximadamente 200.000 arranhões na música.

O álbum abre (e o jogo começa) com “Here Now”. Este é o Kid Koala em sua melhor forma. As guitarras pesadas e a bateria estrondosa chutam tão forte quanto qualquer coisa de Your Mom's Favorite DJ, de 2006 . “Dusk” também tem um snap matador, combinando uma batida b-boy boom-bap com contrabaixo e floreios de jazz como algo de um nível avançado de Floor Kids .

Concedido, há algumas vezes em que o álbum perde força. “Jump & Shuffle” foi aparentemente gravada ao vivo em uma loja de ferragens, e parece que sim. O equilíbrio parece errado, com baixo difuso e melodias abafadas que fazem parecer que você está ouvindo do banheiro e não da pista de dança.

A sequência de ação rock de Hammerhead, “Get Level”, também carece de definição para dar impulso, com vocais difusos e dispersos e uma batida lavada por embaralhamentos estáticos. A jam de midtempo “The Frequencies” se arrasta de forma bastante normal, enquanto “Let's Go” tem uma vibe de tela de menu, funky, mas estagnada.

Há muitos interlúdios no álbum que também não costumam acrescentar muito, principalmente em audições repetidas. “Pa$Swerdd” é uma pilha sinuosa de sons por um minuto, e há algumas esquetes excessivamente longas ambientadas em um hotel robô que apresentam duas das vozes padrão da Siri atuando monotonamente nos papéis de hóspede e recepcionista enquanto eles brincam sobre comodidades e eventos locais.

No entanto, o interessante supera em muito o esquecível. San se ramifica em áreas extraordinárias em faixas como “Things Are Gonna Change” com Lealani, que tem aquela empolgação de líder de torcida do Go! Trabalho inicial da equipe. “When U Say Love” do Crayfish deixa a paleta de sons mais para aquele grupo feminino de meados do século e estilo soul de olhos azuis a lá the Chordettes ou Lesley Gore, enquanto Manta Ray traz uma aura de rock alternativo gótico em “The Cards”. esfaqueando assustadoramente em algum lugar entre Goblin e Bauhaus. Mais tarde, as guitarras tristes, com ritmo sombrio e desencarnado, cantarolando em “Til We Meet Again” emprestam a influência de uma balada doo-wop sombria.

Equilibrando a pesquisa espiritual do pop vintage, alguns dos maiores sucessos têm uma atmosfera distintamente futurista. “Decades” soa como música de montagem para um western espacial com sua batida organicamente industrial e atmosfera de lente ampla, trazendo à mente o clássico indie-eletrônico “Timber” de Coldcut e Hexstatic. Dada a forma pela progressão de uma contagem regressiva de lançamento, as amostras espaciais e a tensão crescente de “Rise of the Tardigrades” soam como a prequela de “Guns Blazing (Drums Of Death, Pt. 1)” de UNKLE's Psyence Fiction .

Apesar de toda a sua badassery inerente, Eric San continua sendo o turntablist que você pode levar para casa para a mãe. Na verdade, sua mãe sempre foi vista em seus alegres shows ao vivo, que assumiram a forma de um imersivo cabaré de marionetes chamado “Vinyl Vaudeville”, enquanto a turnê ambiente de Space Cadet viu a multidão sentar em  pods e ouvir em fones de ouvido. As notas do encarte dizem que a extravagância ao vivo de Creatures of the Late Afternoon será um “jogo de tabuleiro de criaturas e evento de sorvete”, então considere-nos gritando. Pode ser difícil apreciar tudo o que San faz até vê-lo fazer ao vivo e, mesmo assim, pode ser muito difícil de compreender. Considerando tudo, este pode não ser o melhor álbum já feito por Kid Koala, mas pode ser uma de suas experiências mais gratificantes.

The Wood Brothers – Heart Is the Hero (2023)

 

Muitos grupos de raízes afirmam ser esforços colaborativos, mas poucos podem substanciar essa afirmação de forma tão convincente quanto The Wood Brothers.
O trio, apresentando os irmãos titulares junto com o multi-instrumentista e “irmão honorário” Jano Rix, não é apenas creditado em conjunto com a composição do material deste, seu oitavo álbum de estúdio, mas co-produzindo e acompanhando tudo (alguns trompetes convidados brevemente aparecem) vivem no estúdio como o coletivo coeso que são.
É uma grande diferença em relação ao lançamento de 2020, onde o overdubbing foi usado extensivamente, em parte porque os membros moravam todos juntos em Nashville e tinham horas quase ilimitadas para ajustar cada faixa. Desde então, porém, o baixista/vocalista Chris Wood mudou-se para…

MUSICA&SOM

…Canadá, reduzindo o tempo que ele poderia alocar para a gravação. Mas, como provam os lendários shows ao vivo dos irmãos, sua habilidade de gelar no palco é incrível. Então eles jogaram fora os computadores e gravaram 10 trilhas em tempo real, diretamente em uma fita analógica de 16 trilhas.

As limitações desse método da “velha escola” criaram desafios, mas os resultados comprovam o clichê de que a necessidade é a mãe da invenção.

Essas peças predominantemente acústicas respiram com a combinação idiossincrática e fluida de folk, gospel, jazz, blues, country e pop que tornam a música dos The Wood Brothers tão insanamente cativante e única. Esse som básico não mudou. A abertura levemente descolada 'Pilgrim' dá o tom. Piano e bateria (tocados simultaneamente pelo talentoso Rix), baixo e guitarra combinam sem esforço com a voz incomparável, incomum e charmosa de Oliver cantando “Better slow down 'cause soul can't travel that fast”. Há espaço e uma abertura que faz parecer que a banda está tocando só para você.

O trio normalmente cria melodias suaves e humildes, muitas vezes com letras inescrutáveis, embora cantadas. Mas essas músicas parecem mais vividas e meticulosamente, mas nunca espalhafatosamente, arranjadas transmitindo a conexão quase espiritual que vem naturalmente para esses caras.

Do sinuoso ritmo reggae imbuído em 'Line These Pockets' ao estilo retrô folk/pop 'Worst Pain of All' (um dos poucos vocais principais de Chris), e o toque melancólico do condado em 'Someone For Everyone', onde o protagonista solitário procura alguém para amar enquanto os três se harmonizam em uma doce melodia animada por um alegre cowbell, esta trindade gradualmente expande seu som enquanto condensa sua instrumentação.

O jogo exala paixão, exuberância contida e emoção. Oliver consolida os talentos de sua equipe cantando na faixa-título, pouco antes da gaita de Chris lamentar: “O coração é o herói de cada música”.

É algo que os Wood Brothers provam mais uma vez neste conjunto elegante, entusiástico e alegre

Fruit Bats – A River Running to Your Heart (2023)

 

“Todos nós queremos uma casa / metafórica ou real / algum lugar para nos fazer sentir inteiros”, canta Eric D. Johnson no último álbum - seu décimo - sob seu apelido de Fruit Bats, A River Running to Your Heart . Como sempre foi o caso em sua carreira de mais de 20 anos, Johnson está explorando os capítulos da vida com um profundo senso de lugar.
Seja a tranquilidade ensolarada de Los Angeles, que Johnson chamou de lar por tantos anos, ou o meio-oeste que o criou, ele é magistral em capturar a essência e as emoções ligadas a onde quer que ele plantou seus pés. E depois de se mudar do sul da Califórnia para o meio-oeste durante a pandemia, Johnson parece particularmente meditativo sobre o que significa estar em casa. Na verdade, a própria tese de A River Running to Your Heart…

MUSICA&SOM

…é que o lar é onde e com quem você faz, mesmo que uma pequena parte de você permaneça em cada lugar depois que você se for.

A Califórnia e o Noroeste do Pacífico aparecem fortemente em grande parte da música de Johnson, e talvez nunca mais do que nessas canções. O jogo de palavras atrevido de “Rushin' River Valley” (referindo-se à área do Russian River Valley em torno de Santa Rosa) é uma chamada de volta aos primeiros dias de Johnson conhecendo sua esposa. “Waking Up in Los Angeles” é um doce lembrete de por que ele ainda ama sua antiga cidade. “Tacoma” é uma carta de amor para um lugar que, nas palavras de Johnson, é o único lugar que o faz sentir-se vivo. Esses arranjos são alguns dos mais dinâmicos do álbum. Johnson, que produziu por conta própria pela primeira vez, tenta um som mais brilhante em outras canções como a serena “It All Comes Back”, a cheia de grooves “Sick of this Feeling” e a carregada de sintetizadores “The Deep Bem ”, todos os quais exploram aquela sensação pós-pandêmica de novidade, tanto desejada quanto forçada.

Onde Johnson realmente se destaca neste exercício de entender a si mesmo através de todos os lugares que o moldaram é com a música mais simples do álbum, “We Used to Live Here”. Em pouco menos de três minutos, com quase nada além de um violão macio e a voz elástica e esganiçada de Johnson, ele consegue criar um mundo inteiro de nostalgia universal. “Tínhamos a idade perfeita / E o aluguel era tão baixo”, ele canta, evocando vividamente o otimismo de olhos arregalados da juventude, o orgulho de viver em seu primeiro lugar que é só seu. Essa capacidade de olhar para trás sem qualquer amargura em relação às mudanças inevitáveis ​​que acontecem em todos os lugares que você ama é o que torna este álbum tão especial. Ele se aquece no calor do que já foi, lembrando tudo em seu melhor ouro.

Neil Young with The Santa Monica Flyers – Somewhere Under the Rainbow 1973 (2023)

 

Somewhere Under the Rainbow , OBS No. 2, foi gravado ao vivo no Rainbow Theatre de Londres (hoje, uma igreja evangélica) em 5 de novembro de 1973. Young foi acompanhado por The Santa Monica Flyers, também conhecido como Nils Lofgren (guitarra principal e base, piano, acordeão, vocais), Ben Keith (guitarra pedal steel, vocais), Billy Talbot (baixo, vocais) e Ralph Molina (bateria, vocais). (Talbot e Molina, é claro, foram os únicos dois membros consistentes do Crazy Horse desde o início da banda; Lofgren tocou na banda em 1970-1971, 1973 e de 2018 até os dias atuais. Ben Keith trabalhou pela primeira vez com Young em Harvest, de 1971, iniciando uma colaboração de 40 anos. Todos os Flyers tocaram nas sessões do álbum Tonight's the Night de Young, muito do qual foi tocado no Rainbow.

MUSICA&SOM

Eles estavam em um estado de espírito particularmente improvisado naquela noite, levando a algumas das apresentações mais espontâneas e carregadas da carreira do artista. O show intenso foi completado por alguns clássicos de todos os tempos, incluindo "Flying on the Ground Is Wrong", "Helpless" e "Cowgirl in the Sand". Somewhere Under the Rainbow oferece novas notas do engenheiro original Pete Long. Chega em dois CDs ou dois LPs.
High Flyin ', OBS No. 6, captura a banda de curta duração conhecida como The Ducks, também conhecida como Young, Moby Grape's Bob Mosley (baixo/vocal), Jeff Blackburn (guitarra/vocal) e Johnny Craviotto (bateria/vocal). A banda fez apenas 22 shows no verão de 1977, a maioria sem aviso prévio, na área de Santa Cruz em clubes como The Back Room, The Crossroads Club e The Catalyst. The Ducks evoluiu de The Jeff Blackburn Band, e as setlists normalmente apresentavam material cantado por todos os quatro membros. Este lançamento foi retirado de vários shows e é o primeiro lançamento oficial dos The Ducks. Cinco canções de Young são apresentadas: “Mr. Soul”, “Are You Ready for the Country”, “Little Wing”, “Sail Away” e “Human Highway”. Jeff Blackburn iria co-escrever "My My Hey Hey (Out of the Blue)" com Neil. High Flyin' será lançado em dois CDs ou três LPs.

The Tallest Man On Earth – Henry St. (2023)

 

Kristian Matsson nunca permaneceu em um lugar por muito tempo. Tendo passado grande parte da última década em turnê pelo mundo como o homem mais alto da Terra, Matsson cativou o público usando, como descreve o The New York Times, cada centímetro de sua longa corda de guitarra para percorrer o palco: disparando, agachando-se, esticando-se, contração do quadril, empoleirar-se brevemente e se afastar. O Sr. Matsson é um guitarrista com raízes no folk, e suas canções são baladas trovadorescas no coração.
Agora, Matsson retorna como o homem mais alto da Terra com Henry St., seu sexto álbum de estúdio após There's No Leaving Now de 2012, cheio de imagens vívidas, frases inteligentes e observações devastadoras e cansativas do mundo (Under The Radar) e Dark Bird Is A Home de 2015, seu mais…

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…registro pessoal surreal e onírico (Pitchfork). Henry St. marca notavelmente a primeira vez que gravou um álbum em uma banda. Durante toda a minha carreira, fui uma pessoa de bricolage alimentada principalmente pela sensação de que não sabia o que estava fazendo, então faria tudo sozinho. Mas agora, ansioso pela energia que só é liberada quando se cria junto com os outros, Matsson convidou seus amigos para brincar.
Nick Sanborn (do Sylvan Esso) produziu Henry St., que inclui contribuições de Ryan Gustafson (do The Dead Tongues) na guitarra, lap steel e ukulele, TJ Maiani na bateria, CJ Camerieri (do Bon Iver) no trompete e trompa, Phil Cook no piano e órgão, Rob Moose (do Bon Iver, yMusic) nas cordas e Adam Schatz no saxofone.