Ike & Tina Turner foram uma dupla musical americana ativa durante as décadas de 1960 e 1970, composta pelo casal Ike Turner e Tina Turner. A Rolling Stone classificou-os em segundo lugar em sua lista das "20 maiores duplas de todos os tempos" em 2015.
Eles se apresentaram ao vivo como Ike & Tina Turner Revue, apoiados pela banda de Ike Turner, os Kings of Rhythm, e pelos cantores de apoio, os Ikettes. O Ike & Tina Turner Revue foi considerado "uma das apresentações ao vivo mais potentes do circuito de R&B". Suas apresentações ao vivo foram um espetáculo musical no estilo de James Brown and the Famous Flames.
Os primeiros trabalhos da dupla, "A Fool In Love", "It's Gonna Work Out Fine" e "I Idolize You", tornaram-se pontos altos no desenvolvimento da soul music. Seus trabalhos posteriores foram notados por rearranjos interpretativos de canções de rock como "Come Together", "Honky Tonk Woman" e "Proud Mary", a última das quais lhes rendeu um prêmio Grammy em 1972. Ike Turner e o trabalho profissional de Tina Turner e relacionamento pessoal terminou em 1976, e seu divórcio foi finalizado em 1978.
Ike e Tina Turner foram introduzidos no Hall da Fama do Rock & Roll em 1991. Eles têm dois singles incluídos no Hall da Fama do Grammy, "River Deep – Mountain High" e "Proud Mary".
Com seu quarto álbum, Gandalf continua a mesma fórmula do álbum anterior "To Another Horizon". Uma obra instrumental baseada na reflexão espiritual e filosófica. A sensação de perda e a chance de se levantar de cada homem e mulher é o que ele está tentando explicar na música. Assim, as nove faixas são colocadas em uma ordem precisa que vai do desespero à verdadeira alegria. Sua imaginação visionária e fértil constrói a cena de um teatro mágico diante do qual o ouvinte chega sozinho. Ao entrar, pela porta principal que fica em frente, está no início de um longo corredor com sete portas. Cada porta se abre para uma reflexão interior ou para um sentimento ou estado psicológico específico. Apenas passar por todas as sete portas é a chave para a ascensão moral, o segredo da verdadeira alegria. Obviamente, a música reflete cada estado de espírito, indo ora lutando com um piano de cauda solitário, ora poderoso com aqueles fortes interlúdios orquestrais.
A lista de faixas é muito interessante de ler: 1.Entrada/O Corredor das Sete Portas (5,47 mns); 2.1ª Porta: Reflexão da Infância (4,02 mns); 3.2ª Porta: Castelos de Areia (13,06 mns) 4.3ª Porta: Perda de Identidade no Labirinto das Ilusões (3,15); 5.4ª Porta/O Espelho Mágico (3,52 mns); 6.5ª Porta: Além dos Muros da Ignorância (7,35); 7.6ª Porta: Paz de Espírito (4,54 mns); 8.7ª Porta: A Fonte da Real Alegria (5,36 mns); 9.Saída (3,37).
Gandalf é um músico habilidoso e um excelente multi-instrumentista. Ele sabe bem como conseguir os arranjos mais adequados para cada estado de espírito diferente. Assim, a guitarra elétrica ardente e o saxofone distorcido, tocados pelo músico convidado Peter Aschenbrenner, junto com a bateria de ritmo rápido representam o Labirinto das Ilusões e a Perda da Identidade, enquanto a esperança e a redenção pedem violão, cítara, flauta e performances de sintetizadores celestiais. Mellotron e órgão também fazem bem seu próprio trabalho, não com tanto destaque quanto no álbum anterior. A propósito, o resultado é um pouco menos convincente. Talvez porque foi baseado em uma fórmula já usada. "Magic Theatre" é algo que você tem que colocar no seu CD player enquanto vai fazer uma pausa e quer relaxar depois de um longo dia de trabalho. Música da nova era? Ainda não no seu ápice!
Tracks:
1. Entrance / The Corridor Of The Seven Doors (5:47)
2. 1st Door / Reflections From Childhood (4:02)
3. 2nd Door / Castles Of Sand (13:06)
4. 3rd Door / Loss Of Identity
In The Labyrinth of Delusions (3:15)
5. 4th Door Magic Mirror (3:52)
6. 5th Door / Beyond The Wall Of Ignorance (7:35)
7. 6th Door / Peace Of Mind (4:54)
8. 7th Door / The Fountain Of Real Joy (5:36)
9. Exit (3:37)
Time: 51:47
Musicians:
- Gandalf (Heinz Strobl) / electric and acoustic guitars,synthesizers, mellotron, organ, sitar, vocoder, wind chimes, rhythm machines, bass, gongs, drums, polyphonic syntheziers, and percussion
+ Robert Julian Horky / flutes
- Peter Aschenbrenner / grand piano and organ and saxophone
É muito difícil escrever uma biografia de uma banda que tem uma história tão longa, mas apenas um lançamento oficial, a história do OPUS EST está cheia de situações que poderiam ter levado ao desenvolvimento de uma banda real e prolífica, mas as circunstâncias foram contra eles, começando pelo fato de que a ideia da banda foi formada por volta de 1977 quando o Prog Rock estava morrendo devido à pressão imposta pelo Punk do espectro musical alternativo e Disco do lado mainstream um momento caótico.
O OPUS EST foi fundado oficialmente em 1977 por Kent Olofsson na guitarra, Anders Olofsson na bateria e Torbjörn Svensson no baixo. No mesmo ano os dois Oloffsons (não aparentados) conhecem um bêbado na Espanha que lhes propõe o nome OPUS EST e eles gostam, então percebem que a banda precisa de um vocalista e entram em contato com Håkan Nilsson, que tinha uma voz espetacular. Durante os anos seguintes a banda começou a escrever material com influências que vão desde Stravinsky a ELP, passando por YES e até GENESIS, mas só em 1982 (com uma mudança na formação), é que entraram em um concurso organizado pela Rádio Blekinge, ganhando o primeiro lugar. Nesse momento decidiram lançar o seu primeiro e único álbum, "Opus I", que devido ao fato de estarem a usar letras do poeta W.H. Auden (receber os royalties foi difícil) e ao fato de que seria algo quase privado, eles lançaram 500 cópias desse álbum, e isso foi tudo, em 1983, a banda deixou de existir.
Para o lançamento do álbum em CD, duas faixas gravadas na mesma época foram incluídas, e na edição em 2003 pela Musea mais uma faixa ao vivo foi adicionada além da remasterização que deixou o disco com som extremamente mais claro. Vale a pena conferir!
Tracks:
1. The bonfires (4:16)
2. Ventis Rem Tradere (5:52)
3. A walk after dark (6:38)
4. Times (8:34)
5. Miss Gee (4:39)
6. O what is that sound (7:38)
7. If I could tell you (2:31)
8. Mirrocle (9:40)
Bonus tracks on Musea CD:
9. Another Time (5:02)
10. The Witnesses (8:42)
11. No Change Of Place (live)(6:47)
Time: 49:48
Musicians:
- Håkan Nilsson / lead vocals
- Anders Olofsson / drums, percussion
- Kent Olofsson / acoustic & electric guitars, bass
O que há de positivo na música de ELOY é que eles sobreviveram ao final dos anos 70, quando o Prog não estava mais na linha de frente, e ao início dos anos 80, quando o Pop e o Heavy Metal estavam dominando as rádios. Lançaram mais de 10 álbuns até aqui, e do mais alto calibre. Agora, em "Performance", eles ainda fazem Prog, mas com um aspecto mais Pop, alguns exemplos estão disfarçados na faixa de abertura "In Disguise", na verdade todas as faixas estão com um toque de teclados modernos, bateria eletrônica e outras coisas que são necessárias para esse tipo de abordagem musical. Não é um álbum ruim, mas com uma sonoridade plástica, mais para bandas pop do início dos anos 80, algo como Thomas Dolby por exemplo. Enfim "Performance" tem melodias bem cativantes e cheia de teclados "coloridos". Falando musicalmente, ELOY sempre foi muito bom, entregando muitos álbuns impressionantes. Portanto, aqui temos um trabalho interessante mas longe de ser essencial.
Tracks:
1. In Disguise (4:29)
2. Shadow And Light (5:17)
3. Mirador (3:44)
4. Surrender (5:38)
5. Heartbeat (6:26)
6. Fools (5:10)
7. A Broken Frame (8:10)
Time: 38:54
Bonus tracks on 2005 remaster:
8. Shadow And Light (Live *) (5:08)
9. Heartbeat (Live *) (6:00)
10. Fools (Live *) (4:49)
* Recorded live in Paris, France, 1983.
Musicians:
- Frank Bornemann / lead vocals, guitars, co-producer
O nono álbum de estúdio do NOVALIS, "Sterntaucher" (mergulhador estelar) não é tão ruim quanto se pode pensar, pois se trata da banda totalmente fora do estilo sinfônico que a tornou conhecida nos anos 70. As duas primeiras músicas são bem diretas. "Fährmann" tem um bom refrão e "Ich will hier 'raus" (na verdade as duas) se encaixam muito bem na letra (que fala sobre a vontade de fugir de situações ruins). "Abschied" é uma música assombrosa e muito emocionante sobre a morte de um amigo. "Grenzen" (6:28) e "Keiner kann gewinnen" (7:34), são as canções mais longas, ambas bastante lentas. "Keiner kann gewinnen" é uma melodia bastante intensa que funciona bem, não há complexidade aqui, mas pelo menos algum desenvolvimento e uma boa guitarra. "Grenzen" é sobre derrubar fronteiras, depois de "Kein Frieden" no álbum anterior e "Flossenengel" outro exemplo de seu engajamento político um tanto ingênuo, mas certamente autêntico da banda. Novamente, isso não é realmente complexo, mas intenso. "Sinus" é o único instrumental, então bastante lento no começo, mas decolando mais tarde, com a qualidade instrumental usual de NOVALISe até um pouco acima da média. A faixa-título tem um refrão surpreendente de reggae e, embora não esteja nem perto do Progressivo, é uma coisa divertida de se experimentar.
A grande força deste disco é que as músicas suportam muito bem as letras emocionais, autênticas e diretas, qualidades que não são encontradas com frequência no Progressivo. Por outro lado, a voz de Mühlböck não está no seu melhor aqui e às vezes soa um tanto cansada.
O mês de Maio traz a segunda descoberta do novo disco de Mila Dores, o tema “Limão e Jasmim”. Se a primeira canção a ser divulgada, “Não te ponhas a jeito”, anunciava uma visita às sonoridades da música portuguesa das décadas de 70 e 80, este “Limão e Jasmim”, uma canção harmoniosa e marcante, confirma que a artista bebeu muita da sua inspiração dos nomes que se destacaram na criação da “nova canção portuguesa”.
Mila Dores tem em “Limão e Jasmim” uma canção com aromas e sabores, escrita de modo criterioso e feliz, que nos transporta para um imaginário intrinsecamente português – o poejo, o colo, o carinho, o vinho e pão na mesa – com um toque contestatário e, até, revolucionário.
É uma música primaveril em que as referências a José Mário Branco ou a Sérgio Godinho não são inocentes, fazendo dos estilhaços da tradição uma sonoridade contemporânea e orgânica.
““Limão e Jasmim” cheira a terra, a poejo e a jasmim. Tem a força de maio, da foice e das palavras que se formam no peito. É a minha declaração de amor ao Alentejo e a minha forma de continuar as canções de intervenção.” conta Mila.
Este é mais um tema resultante da parceria da artista com Filipe Sambado, que ficou encarregue da produção, e de um grupo eclético de músicos, que contribuíram para a nova definição estética com que a cantautora nos irá deliciar este ano.
Depois de uma ousada primeira impressão deixada com o álbum de estreia “Uma Noite Romântica com João Borsch“, o multi-intrumentista natural do Funchal está de regresso com “É Só Harakiri, Baby“, um álbum-musical que explora os vícios, as suas consequências, a introspecção e o medo paralisador de se ser vulnerável.
O álbum será editado dia 26 de maio e esta sexta feira, 19 de maio, é apresentado ao vivo no Musicbox, em Lisboa e dia 2 de maio no Plano B, numa noite partilhada.
Chega agora a todas as plataformas de streaming o novo single, “Nunca Consigo Recusar“.
O disco continua a linha de ambição do artista, explorando os limites da sonoridade e ambientes pop, com saltos vertiginosos de género e estilo ao longo da tracklist e com um foco crescente na escultura tímbrica e ambiental. Nesse sentido e nesta linha artística, faria apenas sentido uma conclusão lógica: um disco conceptual, ou melhor, um musical de art pop, com uma narrativa e personagens definidas, irónico, folião, escandaloso e arrasador. “É Só Harakiri, Baby” faz-nos acompanhar uma personagem hedonista e as consequências de uma vida de vícios, insegurança e auto-destruição, entre a Terra e o Inferno, moldando o espaço e o tempo pelo caminho.
Após já ter editado as faixas “Pólvora” e “Deixa-me em Paz (Chagas)”, ao longo dos últimos meses, Borsch revela agora “Nunca Consigo Recusar”, uma última amostra do álbum, que remete para as sonoridades 70s a que o artista nos veio a habituar, com arranjos meticulosos e instrumentação exuberante, contando com a participação especial de João Roque, da banda Mordo Mia
Acaba de ser lançado “WHERE’S THE GROUND?”, o quarto longa duração dos Unsafe Space Garden com o selo da gig.ROCKS! e da Discos de Platão, em vésperas das datas de apresentação no Porto (Maus Hábitos), Aveiro (GrETUA) e Musicbox (Lisboa).
Tida como uma das bandas mais refrescantes do panorama nacional, há muito que os Unsafe Space Garden nos “devem” um novo disco para fazer jus a toda a expectativa e fluorescência com que nos presenteiam a cada concerto.
Depois de “GROWN-UPS!” e de “Tremendous Comprehension!” – um hino antes sequer de nascer enquanto canção – a Primavera brota finalmente, trazendo novas de alívio e de ansiedade a todos os aficionados do surrealismo punk do sexteto vimaranense.
O sucessor de “Bro You Got Something In Your Eyes – A Guided Meditation” mantém o sarcasmo como principal figura de estilo, num discurso cada vez mais introspectivo de quem reclama por um mundo melhor ou – como quem tem os pés bem assentes no chão -por um onde o discurso seja mais respirável.
Numa panóplia de influências difíceis de catalogar ou enfiar dentro de gavetas (de algum sítio hão-de sair os figurinos que são parte integral de uma banda que parece querer ir além de Zappa e da própria música), o novo registo dá passos rumo a uma identidade mais madura e vincada, articulando a reivindicação com um universo que nunca deixar de ser fun.
Num divertimento que, por certo, os levará a novos voos e a mais quilometragem de estrada, as primeiras paragens do autocarro que todos sonhávamos na escola levam “WHERE’S THE GROUND?” em fim de semana prolongado, com concertos de apresentação no Porto (18, Maus Hábitos), Aveiro (19, GrETUA) e Lisboa (20, Musicbox) num jornada de apontar ao céu sem nunca – Mas Nunca – esquecer o chão.
Vale a pena pesquisar esse álbum. Os vocais poderosos de Adrianne são certamente um trunfo e, embora os metais façam uma intrusão ocasional e indesejável no álbum, ele contém um bom trabalho de guitarra, que na faixa-título e Sunny Please Hold Me se torna bastante psicodélico.
Outros pontos altos incluem You And I Together e o corte final, She's So Good. Recomendado. Ambas as 45 faixas fazem parte do álbum, que foi gravado no Ultra-Sonic Studios em Long Island, Nova York.
Quase todos no mundo podem recitar as grandes formas musicais afro-americanas. Jazz, blues, R&B, soul, hip-hop, house, gospel. Um gênero influente sempre fica de fora da lista: uma música folclórica conhecida como rock n' roll. Rock n 'roll foi um termo originalmente cunhado para comercializar a versão branca de um gênero que já existia; antes de 1965, a linha entre rock n' roll e R&B era tênue: Ike Turner gravou e lançou "Rocket '88'" em 1951 e, embora seu lançamento pela Chess Records tenha alcançado o primeiro lugar na parada de R&B da Billboard, é considerado por muitos como o primeiro disco de rock n' roll.
A grande divisão entre R&B e rock n' roll veio depois que os Beatles e a invasão britânica dizimaram o Top 40 das paradas em 1964. Simultaneamente, o R&B entrou em uma nova fase, que logo seria rotulada como “soul”, que elevou o quociente gospel da música e transformou seu som frenético. Então, em algum lugar em meados da década de 1960, o rock n 'roll passou a ser percebido como algo para as crianças caucasianas. Quando Jimi Hendrix e Arthur Lee fizeram a cena, diziam que eram músicos negros entrando em um mundo branco. Embora isso não possa estar mais longe da verdade, essa falsa dicotomia existe na consciência popular da América desde então, a ponto de a ideia de um músico de rock negro estar no mesmo nível da ideia de um caubói negro.
Em meados da década de 1960, o funk substituiu o soul como o ritmo que iria mover o mundo. Conhecemos todo o seu progenitor – James Brown, The Meters, Kool & The Gang – e suas inovações: a sincopada dança 4/4 entre baixo e bateria, trompas reaproveitadas como percussão, galinha-scratch e guitarra wah-wah. Podemos rastrear de onde eles vieram. Mas há uma influência crucial do funk que ninguém parece querer reconhecer – uma atitude despreocupada que podemos atribuir ao rock n' roll. Não é exagero dizer que o funk é a resposta afro-americana à psicodelia e ao hard rock em um só.
A ideia de “progressivismo” que tomou conta do rock após o apogeu da psicodelia no final dos anos 1960 acabou se espalhando para o funk. No início dos anos 1970, quando o fogo underground/psicodélico se extinguiu no mundo do rock branco, ele explodiu na comunidade musical negra. Quase todas as cidades americanas com uma grande população negra ostentavam bandas de funk independentes que não se consideravam simplesmente revistas ou grupos de apoio, mas sim conjuntos totalmente operacionais. em casa pelos membros da banda. Estas são as bandas cuja música compõe esta antologia e, embora sejam todas diferentes, são únicas de uma forma: eles mantiveram seus ouvidos abertos para novos desenvolvimentos no funk e no rock.
Esta antologia apresenta questões sérias sobre por que sabemos tão pouco sobre essas bandas e o movimento do qual elas faziam parte. Embora não prevejamos que algum dia encontraremos uma resposta definitiva sobre quais eram os verdadeiros objetivos desses conjuntos, sabemos que eles levaram suas acusações a sério. E eles sabiam que estavam em algo diferente, algo que, embora apenas eles e seus parentes imediatos pudessem reconhecer, era mais interessante do que o status quo. Function Underground ilumina uma parte importante e negligenciada da história do rock n' roll e conjuntos talentosos que trabalharam nas sombras, ridicularizados por seus pares
"Você percebe que Hendrix estava morto antes que a maioria dos negros na América soubesse que ele era um homem negro?" O baterista da Ebony Rhythm Band, Matthew Watson, questiona retoricamente: "Fomos desprezados. Naquela época, todo mundo na comunidade negra usava ternos de três peças, processos e perucas afro e essa merda. Fomos os primeiros caras a usar boca de sino. O primeiros caras a usar chapéus grandes. Estávamos em uma coisa totalmente diferente.
01. 1984 - There's A Wrinkle In Our Time 02:40
02. Purple Snow - Down By The River 03:55
03. Jimi Macon - Jimi's Guitar Raps With The Bass 02:39
04. Creations Unlimited - Corruption Is The Thing 03:00
05. We The People - Function Underground 02:53
06. Michael Liggins And The Super Souls - Loaded Back 04:02
07. Stone Coal White - Stone Coal White 02:42
08. Blacklites - BL Movement 02:22
09. Ebony Rhythm Band - Drugs Ain't Cool 02:45
10. Cisneros And Garza Group - I'm A Man 02:46
11. L.A. Carnival - Blind Man (45 Version) 02:51
12. The Revolution - The Siesta Is Over 04:25
13. Black Conspirators - Just Got To Be Free 03:17
14. Black Maffia - I Want To Take You Higher 04:06
