sexta-feira, 19 de maio de 2023

Matéria: Do Pior Ao Melhor – Queen

Para mim, falar de Queen não é muito fácil. Foi a banda que me fez querer ser músico, foi a banda que me fez perceber que a música ia além do rádio e que havia coisas a serem exploradas. Minha história com o grupo é longa e o texto ficaria um tanto chato, então apenas digo que não gosto de “fãnáticos”, mas se há uma banda que me faz chegar perto do “fãnatismo”, essa banda é o Queen. Por esse motivo, falar de sua discografia nunca foi fácil para mim. Sempre evitei resenhar os discos, pois eles geralmente têm um apelo emocional forte e é difícil ser imparcial. Decidi, porém, encarar o desafio, e o resultado está logo abaixo!

15. Made in Heaven (1995)

‘Made In Heaven’ é um daqueles discos difíceis… Em meados de 1990-91, Freddie Mercury sabia que tinha pouco tempo de vida e que sua saúde estava se deteriorando rapidamente por culpa do vírus da Aids. De acordo com entrevistas, quando a banda começou a pensar no repertório do que viria a ser o último disco de estúdio dela – ‘Innuendo’ – o vocalista pediu aos outros três membros para darem o máximo de material para ele gravar, mesmo que não houvesse música pronta ele gravaria vocais e depois o grupo poderia fazer o que quisesse. Pois bem, depois que o vocalista morreu, em novembro de 1991 e depois de diversos tributos, o trio começou a trabalhar no material que viria a ser ‘Made In Heaven’. As músicas saíram das sessões de ‘Innuendo’ e de várias gravações solo que o vocalista fez, com instrumental registrado pela banda depois. Por culpa disso, o disco é uma colcha de retalhos. “It’s a Beautiful Day” é uma bela faixa, registrada originalmente por Freddie em 1980. “Made in Heaven” e “I Was Born to Love You” foram gravadas originalmente no disco solo de Mercury ‘Mr. Bad Guy’ (1985). O restante da banda simplesmente gravou novo instrumental por cima da voz do cantor… “Let Me Live” saiu de uma sessão de 1984 e é interessante com os três vocalistas fazendo uma estrofe cada. “Mother Love” e “A Winter’s Tale” foram as últimas gravações de Mercury e mostram que, mesmo com a voz fraca, ele ainda estava anos-luz de distância de qualquer outro vocalista. “My Life Has Been Saved” foi gravada em 1988. “Heaven for Everyone” foi registrada em 1987 para o disco da banda paralela de Roger Taylor, The Cross. “Too Much Love Will Kill You” foi gravada em 1989 para ‘The Miracle’, mas, por problemas legais, não foi lançada na época. “You Don’t Fool Me” é simplesmente terrível. No lançamento em CD ainda temos a “pérola” “Made In Heaven (Instrumental)”… Em suma, não só uma colcha de retalhos, uma colcha de retalhos muito mal cerzida e que ninguém quer ganhar como presente…

14. Flash Gordon (1980)

Veja bem, como trilha sonora ‘Flash Gordon’ até que não é ruim, pelo menos não como disco, já que, confesso, nunca assisti ao filme. Mas se há uma banda que a gente não quer ver tocando música instrumental, é o Queen! O álbum começa absurdamente bem com “Flash’s Theme”, que se tornaria um tos temas mais amados pelos fãs pelo simples fato de que ele tem tudo que o Queen representa em uma única faixa. O problema é que “Flash’s Theme” é apenas uma das duas músicas com vocais no disco todo (a outra é a também ótima “The Hero”), e mostra uma banda que não lembra em absolutamente nada o Queen do qual os fãs gostam. Eu nunca achei que este álbum deveria ser visto como lançamento oficial, mas o quarteto nunca o negou e ele aparece em todos os relançamentos e remasterizações. Alguns temas são fantásticos, como “Football Fight” e “The Wedding March”. A primeira sempre me bota um sorriso no rosto, mas fica a pergunta de novo, fantástico, mas isso é Queen? ‘Flash Gordon’ não é a minha primeira escolha quando eu quero ouvir o grupo.

13. Hot Space (1982)

Não é de hoje que este disco é tido, com unanimidade, como o pior que o Queen lançou. No entanto, apesar de concordar que ele é ruim, não posso concordar que foi a pior coisa que a banda lançou (vide os dois citados acima), apesar de estar bem perto. Até hoje, ele é motivo de discórdia entre os integrantes e tanto Brian May quanto Roger Taylor já admitiram que ‘Hot Space’ está longe de ser o melhor álbum do grupo. Quando “Another One Bites the Dust”, composta por John Deacon, entrou em ‘The Game’ e fez um enorme sucesso, tanto o baixista quanto Freddie acharam que esse era um lado que a banda deveria explorar. Quando a ideia foi vetada por Roger e Brian, ficou decidido que o lado A seria nesse estilo funk/disco/pop e que o lado B traria faixas mais ao estilo clássico do Queen. Já ouvimos falar, várias vezes, de grupos que fizeram algo do gênero, e em todas as vezes o resultado é uma bomba no colo dos fãs e o pior disco da carreira. Não é muito diferente com o Queen. Apesar das excelentes guitarras de May durante todo o lado A, faixas como “Staying Power”, “Back Chat” e “Body Language” são absolutamente intragáveis e mostram uma banda totalmente fora de seu território. A black music que o Queen tentava fazer tinha como principal componente a espontaneidade. Ao invés disso, o grupo soa forçado e sem um pingo de inspiração. No lado B, temos o Queen apostando alto e acertando na maioria das vezes. “Put Out the Fire” é fantástica, “Life Is Real” é uma homenagem a John Lennon e uma ótima faixa, “Las Palabras de Amor” é uma tentativa de balada que não é das piores, apesar de também não ser nada de mais. “Under Pressure”, inusitada parceria com David Bowie, acabou salvando o disco do fracasso completo, e com razão, pois está entre as melhores compostas pelo Queen! Em suma, coloque a maioria das músicas do lado B para tocar e esqueça do resto!

12. A Kind of Magic (1986)

O Queen aprendeu com a experiência de ‘Flash Gordon’ e, ao compor uma nova trilha sonora, decidiu não seguir o mesmo caminho. ‘A Kind Of Magic’ serve como trilha sonora do filme “Highlander” (1986), com Christopher Lambert. Dessa vez, ao invés de criar um disco instrumental, a banda compôs canções normais que tinham como tema os fatos do filme. Até aí uma boa ideia, uma trilha sonora com músicas “normais”. O problema de ‘A Kind Of Magic’ está em duas “pequenas” coisas: a produção horrível e as músicas em si! O álbum tem tudo que os amantes dos anos 1980 amam e eu detesto: teclados de churrascaria, efeitos datados e um som de bateria que dá vergonha! As canções em si não são ruins, mas tudo isso combinado faz com que elas não atraiam o interesse que poderiam atrair. Para fazermos uma comparação, “One Vision” (que na verdade é trilha sonora de outro filme, “Iron Eagle”, lançado no mesmo ano) é uma faixa matadora, mas não em estúdio. Basta ouvir a versão ao vivo presente em ‘Live At Wembley ’86’ (1992) para comprovar. Algumas músicas são muito boas, como a faixa-título, a clássica “Who Wants to Live Forever” e as canções mais rock “Gimme the Prize” e “Princes of the Universe”. O restante, porém, é vergonhoso. “One Year of Love” e “Pain Is So Close to Pleasure” são simplesmente bisonhas; “Friends Will Be Friends”, apesar de ser boa, é tão piegas e melosa que não desce; “Don’t Lose Your Head” poderia ter sido jogada fora que ninguém ligaria. Em suma, ‘A Kind Of Magic’ é incrívelmente fraco e ruim!

11. The Works (1984)

‘The Works’ tem o mesmo problema de ‘A Kind Of Magic’, aquele som terrível e datado dos anos 1980. As composições são boas e fortes, mas a sonoridade em geral o deixa… Meh! Pelo menos a banda aprendeu com o fiasco de ‘Hot Space’ e decidiu apostar em músicas mais pesadas e deixar de lado a besteira pop dançante do álbum anterior. Mostras disso estão nas ótimas “Tear It Up” e “Hammer to Fall”. “Man on the Prowl” tenta repetir o sucesso the “Crazy Little Thing Called Love”, mas, apesar de ser um bom rock ‘n’ roll, soa meio forçada. “Machines (or Back to Humans)” é um bom exemplo de como fundir o som pop eletrônico dos anos 1980 com o rock. As piores, para mim, são as mais famosas, os singles “Radio Ga Ga” e “I Want to Break Free”, que são simplesmente sem sal. “It’s a Hard Life” é uma das minhas favoritas da banda e mostra como o Queen soaria bem se apostasse mais em seu som clássico, mas com uma produção mais moderna (para a época). “Keep Passing the Open Windows” é uma boa faixa com um groove insistente de baixo no mesmo estilo de riff que apareceria novamente em ‘The Miracle’. Para finalizar, a fantástica e emocional “Is This the World We Created…?” No geral, um álbum decente, com boas faixas, que não faz tão feio na discografia do Queen.

10. Queen (1973)

Discos de estreia são 8 ou 80: ou comanda a música que a banda fará durante toda a carreira e, se houver qualquer mudança, os fãs torcerão o nariz, ou o grupo geralmente não consegue alcançar o som que realmente queria por vários motivos: inexperiência com estúdios, produtor que não entende a proposta, estúdios mais baratos, músicos ainda sem um conceito claro na cabeça de como a banda deveria soar. Na minha opinião, a estreia do Queen cai no segundo exemplo. Apesar de termos várias “dicas” do que viria a ser aquilo que todos amam, o álbum parece que tem um pé atrás no que faz. Fica claro que os músicos tinham ideias, mas não sabiam como extraí-las no estúdio. Fica evidente também que o disco foi gravado de forma rápida, sem muito tempo para detalhes extras (pelos quais o Queen ficou conhecido). O próprio Brian May disse diversas vezes que o quarteto tinha uma ideia de como a música deles deveria soar: grandiosa e profunda. O problema é que eles não sabiam trabalhar com o estúdio e insistiram em ser coprodutores, fato que seria corrigido nos próximos lançamentos, nos quais Roy Thomas Baker seria o produtor. Na, estreia ele apenas coproduz. Mas não se engane, o Queen clássico pode ser encontrado em diversas faixas, como a fabulosa “Keep Yourself Alive” (que traz as guitarras de Brian May, marca registrada da banda, em tímidas tentativas), a modesta “Doing All Right” (que mostra o Queen brincando com os vocais, outra marca registrada) e a poderosa “Great King Rat”. “My Fairy King” dá uma mostra do que viria no próximo disco e “Liar” é uma das mais potentes do repertório do Queen. Em suma, um bom álbum de estreia, que sofre com a falta de experiência em estúdio. No entanto, isso seria resolvido no próximo lançamento…

9. Jazz (1978)

‘Jazz’ é o disco esquecido do Queen. Mesmo tendo um repertório de primeira e vários hits, é o álbum da fase clássica sobre o qual as pessoas menos comentam. Talvez seja o fato de que o mundo do rock estava mudando no fim dos anos 1970 e as pessoas já estavam cansadas do estilo pomposo e superproduzido da banda. Para mim, é um disco muito acima da média. Para começo de conversa, temos “Mustapha”. Que outro grupo faria uma música com tema árabe? Nunca ouvi. Depois disso, há uma série de faixas fantásticas, uma atrás da outra. O fenomenal hit “Fat Bottomed Girls” e seu riff de primeira, a melancólica (típico estilo de composição de Mercury) “Jealousy” e outro hit fenomenal com “Bicycle Race”. Depois disso, não há mais hits, mas ‘Jazz’ continua em alto estilo com “If You Can’t Beat Them”, “Let Me Entertain You” (que lembra duas faixas meia-boca do disco anterior, mas muito melhor arranjada) e o riff pulsante de “Dead on Time”. Na sequência, a “Mercuryana” “In Only Seven Days” e “Dreamer’s Ball”, que mostra o lado dixie jazz band de May. E também “Leaving Home Ain’t Easy”, que apresenta o lado acústico do quarteto. Então temos os únicos senões, “Fun It” e “More of that Jazz”, duas faixas compostas por Roger Taylor, mostrando que o baterista era o compositor mais fraco do grupo. Como eu disse, ‘Jazz’ é o disco perdido do Queen e deveria ganhar mais atenção dos fãs!

8. The Game (1980)

‘The Game’ dividiu os fãs. Vindo de ‘Jazz’ e do ao vivo ‘Live Killers’ (1979), a banda decidiu apostar em um som diferente, menos pomposo e mais direto, mais pop, por assim dizer. Pessoalmente, é difícil dizer que este disco é ruim (como muita gente diz que ele é). ‘The Game’ foi o primeiro álbum de estúdio do Queen que eu comprei (antes, só coletâneas e ao vivo) e eu o ouvi até, literalmente, furar o CD. Ainda hoje acho que ‘The Game’ é um álbum muito bom, com diversas composições inspiradas. “Play the Game”, “Sail Away Sweet Sister” (uma das minhas favoritas do disco) e “Save Me” são baladas belíssimas. O álbum ainda traz o Queen se aventurando no rock anos 1950 na deliciosa “Crazy Little Thing Called Love” e “Don’t Try Suicide”, e é claro que também temos as músicas mais porrada, como “Dragon Attack” (com seu riff poderoso) e “Rock It (Prime Jive)” (o começo quase engana). Mesmo assim, é verdade que ‘The Game’ soa mais pop, mas pop com classe. O único alien é o hit “Another One Bites the Dust”. Em primeiro lugar, a faixa simplesmente não combina com o Queen; segundo, foi ela que deu a deixa para que a banda gravasse ‘Hot Space’, então… Alien é pouco! Para mim, ainda hoje é um disco ótimo, que ouço com um sorriso.

7. Innuendo (1991)

‘Innuendo’ é poderoso e existem duas razões para isso. Em meio às circunstâncias em que foi gravado, não poderia ser diferente, as canções teriam um apelo emocional forte. Freddie Mercury gravou-o durante o último período “bom” de sua saúde, já que o vocalista sucumbia rapidamente ao vírus da Aids. Soma-se isso ao fato de que a banda realmente compôs algumas das melhores músicas de sua carreira. ‘Innuendo’tem uma produção forte e de respeito. Apesar de ainda ter um certo semblante da produção do início dos anos 1990, as guitarras são altas e a bateria é mais orgânica. Rocks poderosos e arrebatadores são encontrados durante o álbum todo: “Headlong”, “I Can’t Live With You” (uma das minhas favoritas da banda, melhor ainda como bônus em sua versão de 1997), a pesadíssima “The Hitman” e a patada que é a faixa-título, uma das melhores canções gravadas pela banda! Como eu disse, ‘Innuendo’é cercado por fortes momentos de pura emoção e isso fica visível em faixas como “I’m Going Slightly Mad”, “Don’t Try So Hard”, “These Are the Days of Our Lives” (eu teria tudo para não gostar dela, mas a adoro) e a música que já se tornou uma lenda por si só, “The Show Must Go On”, que fecha o disco magnificamente. Porém, nem tudo são flores. O álbum também tem deslizes enormes, como “Lost Opportunity” (que mostra o Queen tocando Blues, coisa que a banda nunca foi: uma banda de Blues), a terrível “Delilah” (escrita para a gata de estimação de Mercury) e a desnecessária “Bijou”. ‘Innuendo’tinha tudo pra ser um disco esquecível, especialmente por toda a má situação que cercou as suas gravações, mas acabou se tornando um poderoso adeus. Ah, se a banda tivesse realmente parado neste disco!

6. Sheer Heart Attack (1974)

Se o disco anterior mostrava um Queen que evoluía em relação à estreia, o terceiro álbum, ‘Sheer Heart Attack’, mostrava ao mundo o Queen “de verdade”. Este é o disco que definiu o som da banda de uma vez por todas. A sonoridade progressiva que invadiu ‘II’ ainda se faz presente, com muitas faixas conectadas umas às outras, mas toda a pompa que fez o Queen famoso no álbum posterior começa de verdade em ‘Sheer Heart Attack’. Clássicos absolutos da banda estão presentes neste álbum: “Killer Queen”, “Now I’m Here” e “Stone Cold Crazy”. Por outro lado, temos pérolas do cancioneiro do Queen, como “Brighton Rock”, “In the Lap of the Gods”, “Bring Back that Leroy Brown” e a tríade “Tenement Funster”/”Flick of the Wrist”/”Lily of the Valley”. Enfim, o primeiro clássico do grupo!

5. The Miracle (1989)

‘The Miracle’ é um puta disco! Essa frase deveria ser suficiente, mas tentarei ser mais detalhado. O Queen vinha de discos fraquíssimos, três, para ser mais específico. Após todos os membros enveredarem por carreiras solo, a banda voltou com força total para gravar o discaço que é ‘The Miracle’. Ok, ele não é perfeito e tem algumas faixas bem fracas, além de começar com a maior merda que o Queen já gravou, “Party”. A sequência (“Khashoggi’s Ship”), apesar de boazinha, não ajuda muito. Outra faixa dispensável é “Rain Must Fall”. Mas o que vem a seguir, em sua maioria, é muito acima da média, especialmente se levarmos em conta que o ano era 1989 e o grupo já havia alcançado seu auge mais de uma década antes. Após a fraca dupla de abertura, temos clássico atrás de clássico. “I Want It All” é, possivelmente, o melhor single que o Queen lançou nos anos 1980. “The Invisible Man” mistura bem o puro pop eletrônico dos anos 1990 com o rock à la Queen, incluindo as fabulosas guitarras de May. Em “Breakthru”, temos uma das melhores performances de Freddie Mercury em anos. E como não falar de “Was It All Worth It”, para mim, junto com “It’s a Hard Life”, a melhor música do Queen nos anos 1980. No fim de tudo, o Queen deu a volta por cima e gravou um discaço depois de muitos fracassos nos anos 1980. Vale muito ouvir!

4. A Day At The Races (1976)

‘A Day At The Races’ é um baita disco, mas ficou na sombra do espetacular ‘A Night At The Opera’. Muita gente ainda estava com aquele álbum na cabeça quando o Queen lançou, exatamente um ano depois, em dezembro de 1976, ‘A Day At The Races’. Entendo o porquê de muitas pessoas deixarem este disco em segundo plano. Ele realmente tem a mesma pegada do anterior, incluindo o tipo de composição. ‘A Day At The Races’ também é o último álbum pomposo e superproduzido do quarteto, já que, a partir do lançamento seguinte, eles tomariam um caminho bem diferente nos próximos dez anos. Mas se muitos acreditam que ‘A Day At The Races’ é um registro menor na discografia da banda, eu rebato essas acusações com a pesada “Tie Your Mother Down”, com a “clássico-encontra-o-rock” “The Millionaire Waltz”, com a bela “You and I”, com a maravilhosa “Somebody to Love” e com uma das minhas favoritas, “Good Old-Fashioned Lover Boy”. O que muitos vêem como apenas um disco “mais do mesmo”, eu vejo como muito mais de Queen, o que é sempre bom!

3. News of the World (1977)

‘News Of The World’ continua sendo um dos meus favoritos da banda (como bem podem ver), mesmo que nele tenhamos duas das músicas mais fracas de sua discografia: “Fight from the Inside” e “Get Down, Make Love”. Também há “Sheer Heart Attack”, que, mesmo se o nome não entregasse, seria perceptível que não foi composta na mesma época das outras (se bem que ela continua sendo uma das minhas favoritas). Confesso que a dupla de abertura “We Will Rock You” e “We Are the Champions” já foram mais “queridas” pela minha pessoa, mas pelo simples fato de que foram tocas à exaustão. Isso acabou criando em mim o famoso “fator cansaço”. É inegável, porém, que as duas são hinos do rock. Mesmo que estivessem sozinhas no álbum, ele já mereceria um posto alto em qualquer lista. A verdade é que ‘News Of The World’ é um disco eclético e contém algumas das melhores composições que o Queen gravou. Brian May acerta a mão em todas as faixas que criou, a já citada “We Will Rock You”, a simplesmente fabulosa “All Dead, All Dead” (Freddie leva a composição de May para outro patamar), a divertida “Sleeping on the Sidewalk”, na qual Brian conta uma história no estilo Robert Johnson, e mais uma das minhas favoritas na discografia do quarteto, “It’s Late”. “Spread Your Wings” é top 5 entre minhas favoritas do grupo e, como tantas outras canções de destaque, foi escrita pelo baixista John Deacon. Mercury, além do hino “We Are the Champions”, fecha ‘News Of The World’ com “My Melancholy Blues”, que, como o nome sugere, é um blues triste embalado pelo piano. Em suma, discaço!

2. A Night at the Opera (1975)

Ah, ‘A Night At The Opera’! Acho que a maioria dos fãs do Queen vão concordar que este é o ponto alto da carreira da banda, no qual toda a pretensão e pomposidade do quarteto se uniram em uma perfeita e gigante pintura sonora. Tudo em ‘A Night At The Opera’ é perfeição, até mesmo as faixas mais fracas, “I’m in Love With My Car” e “Sweet Lady”, são destaques. O que fazer quando até as músicas ruins são boas? Aproveitar e deixar o som rolar, é claro! ‘A Night At The Opera’ não tem um destaque, quase todas as faixas são destaques por si só. Não só isso, o álbum é muito eclético, mas em seu ecletismo a banda nunca perde identidade. É verdade que todos compunham e três membros faziam vocais principais, mas mesmo assim existia só um som no grupo, e isso é um fato para se tirar o chapéu. Enquanto “Death on Two Legs” era atual e dedicada aos magnatas da gravadora que vivem às custas dos artistas, “Lazing on a Sunday Afternoon” é uma doce e curta canção que nos leva de volta para o início do século passado. “You’re My Best Friend”, composta por John Deacon, é uma das melhores faixas gravadas pelo grupo, pop e acessível, mas sem deixar de ter um arranjo fabuloso. “39” é um folk sci-fi (sim, você não leu errado) e “The Prophet’s Song” é um experimento sonoro que leva o sistema de som do guitarrista Brian May para os vocais, colada em um dos maiores hits do Queen, “Love of My Life”, simplesmente belíssima. Fecham o disco o trio “Good Company” (outra excursão folk de May), a faixa que transformou o Queen no que ele foi e é, “Bohemian Rhapsody”, com todos os seus esplendorosos seis minutos, e “God Save the Queen”, o hino inglês tocado inteiramente por May na guitarra e que viria a fechar os shows da banda até o fim. ‘A Night At The Opera’ não é somente o ponto alto da carreira do Queen, mas um dos pontos altos de todo o rock gravado nos anos 1970!

1. II (1974)

Talvez ‘II’ não seja uma unanimidade entre os fãs, mas, para mim, ele tem um apelo especial. Eu queria, pelo menos 15 anos atrás, comprar um novo disco do Queen, e eu queria comprar o mais antigo que eu pudesse achar. Passei por cinco lojas e só conseguia encontrar as coletâneas. Mais tarde, percorri mais de 20 lojas na Galeria do Rock, em São Paulo, para conseguir achar um estabelecimento com um leque maior de opções. Ela não tinha o primeiro álbum, mas tinha ‘II’. Desde a primeira audição, o disco me conquistou. NADA dele (com exceção de “Seven Seas of Rhye”) estava nas coletâneas e discos ao vivo que eu conhecia, então para mim era uma porta que se abria. Eu não parava de ouvi-lo. Por pelo menos uns dois anos este disco foi presença constante no meu player. Nenhuma banda conseguiu fundir tão bem hard rock, glam rock e rock progressivo como o Queen em ‘II’, e ponto final. Talvez a produção deixe um pouco a desejar, mas a mão de Roy Thomas Baker pode ser sentida. O grupo soube reconhecer isso e não interferiu na produção, como no primeiro álbum. A saraivada de épicos começa com o “Side White” (lado branco) e “Procession”, mostrando pela primeira vez todo o talento de May, e segue com “Father to Son”, “White Queen”, “Some Day One Day” e “The Loser in the End” (a única que destoa do tema geral, e mais uma vez a mais fraca faixa sendo composta por Taylor). Todas as canções desse lado são épicas, mas mais leves. O segundo lado, “Side Black” (lado negro), como o nome sugere, é mais pesado e mais progressivo. “Ogre Battle”, “The Fairy Feller’s Master-Stroke”, “Nevermore”, “The March of the Black Queen” e “Funny How Love Is”, todas intercalando umas às outras e todas épicas, sem poupar camadas e camadas de instrumentos e até um cravo em “The Fairy Feller’s Master-Stroke”. Já “Seven Seas of Rhye” é a faixa do primeiro disco que foi retrabalhada, dessa vez com letra, e fecha o disco de maneira brilhante! ‘II’ é meu favorito do quarteto. Pode não ser o melhor, admito, mas é meu favorito, e une duas coisas que eu adoro: Queen e rock progressivo. Não poderia ser mais épico!

Agora que vocês acabaram de ler minha lista de álbuns preferidos dos Queen

Matéria: 5 Discos Pra Conhecer dos King Crimson

É inegável que o King Crimson se desenvolve em torno do gênio Robert Fripp, que já se mostrava ousado e alternativo, muito antes do termo alternativo ser construído como gênero roqueiro.

O músico influenciou nomes que vão de Kurt Cobain a Mikael Åkerfeldt (basta ver os mais recentes álbuns do Opeth), além de participar de discos de David Bowie e Peter Gabriel. Seu King Crimson é uma banda reverenciada pelas estrelas neoprogressivas contemporâneas do Tool e The Mars Volta, muito por uma discografia de alta qualidade, principalmente em sua primeira fase.

O que a banda criou, à partir do clássico “In the Court of the Crimson King” (1969) até “Red” (1974), não tem paralelo dentro da música progressiva, em volume e qualidade. Sempre ousado, inventivo, inteligente, exploratório e experimental, o King Crimson nunca se privou de estar na vanguarda da música moderna.

Por isso, elegemos cinco, dentre as quase duas dezenas de álbuns lançados pela banda, para o leitor se iniciar no mundo musical do King Crimson.

1) In the Court Of The Crimson King (1969)

Esse álbum é tão emblemático que costuma ser citado como o mais importante da história do Rock Progressivo. Exagero ou não, a verdade é que ele é um divisor de águas dentro dos primórdios do estilo, situando-se na vanguarda do estilo naqueles dias, criando praticamente uma cartilha para a confecção do Progressivo que seria feito por Yes, Pink Floyd e Genesis. O épico riff de “21st Century Schizoid Man” mostra claramente a inventividade de Robert Fripp que casava perfeitamente com a voz de Greg Lake, nome que brilha na bela e chorosa “Epitaph”, versando melancolicamente sobre o destino. A ousadia deste trabalho advém da variação entre arabescos folk, improvisos jazzísticos, flautas e bateria apocalíptica, combinando Heavy Rock, Progressivo e Psicodelia.

2) Larks’ Tongues In Aspic (1973)

Neste álbum o King Crimson muda o rumo de sua música, em tonalidades mais experimentais e pesadas, saindo do formato fusion/progressivo, para algo mais Avant-Garde, com guitarras dissonantes e andamentos “matemáticos” preciosos, mesclando o tradicional jazz fusion, dos álbuns “Lizard” (1970) e “Islands” (1971), com ambient, Heavy Rock (como nos riffs sabáticos da faixa de abertura), flamejante sabor jam-session, melodias cadenciadas, pontuais momentos épicos e clima de trilha sonora de filme de terror. Só as duas partes da faixa título, abrindo e fechando o trabalho já lhe valeria o posto de melhor trabalho do King Crimson, mas além de faixas brilhantes como “Book of Saturday” e “The Talking Drum”, temos a melhor formação da história da banda em um álbum, com o gênio Robert Fripp nas guitarras, John Wetton no baixo e vocais, David Cross na violino, viola e mellotron, Bill Bruford na bateria e Jamie Muir na percussão. Certamente um dos cinco melhores álbuns da história do Rock Progressivo.

3) Starless And Bible Black (1974)

Quiçá o mais obscuro álbum da discografia do King Crimson, “Starless and Bible Black”continua a escalada de inventividade , dedicação e exploração dentro da música progressiva, mas de modo mais melancólico e sombrio, estudando as imperfeições da música, e a incompletude da geometria musical assimétrica com uma habilidade técnica assombrosa, combinada a uma climatização eletrônica emocionante, enquanto a melodia advém das linhas de violino, viola, guitarra e mellotron. “The Night Watch” é uma das mais belas e negras peças que o Rock Progressivo forjou, seguida de perto dentro deste trabalho por “Lament”, “Fracture”, “The Mincer” e a faixa-título. Da formação que gravou “Larks’ Tongues in Aspic” (1973) “só” tivemos a baixa de Jamie Muir, mostrando, indubitavelmente, que esta era a melhor fase da banda, a ser confirmada no próximo trabalho, o elegante “Red” (1974)

4) Red (1974)

Ao contrário da assimetria do trabalho anterior, “Red” é mais coeso e elegante, num puro exercício de criatividade em cada um de seus detalhes. Um trabalho inteligente, altamente progressivo e variado, que impactou nomes das gerações posteriores que vão de Kurt Cobain (há quem diga que este álbum foi a grande influência do grunge do Nirvana [!?!]) a Mikael Åkerfeldt (do Opeth). “Starless”, a faixa que dá acordes finais a esta peça é uma das grandes preciosidades da história do rock e encerra uma das maiores formações que a música progressiva viu unida, que, mesmo desfalcada de David Cross, manteve a alta classe em conluio à ousadia técnica. Após este álbum, Robert Fripp encerrou as atividades da banda, que se silenciaria por sete anos. Se este fosse seu capítulo final, seria em grande estilo e uma das grandes saídas de cena da música moderna. Todavia, a banda voltaria nos anos 1980 ainda relevante e com sonoridade contextualizada.

5) Discipline (1981)

Os sete anos que o King Crimson ficou fora de cena mudaram o mundo música. Neste ínterim, a música progressiva se tornou datada, o punk surgiu com força e se ramificou na New Wave, que abarcava nomes que iam de Duran Duran ao Talking Heads. E é inegável que aqui, nestas faixas, existe toda a picardia progressiva do King Crimson mergulhada em influências New Wave, principalmente do Talking Heads, que trazia uma proposta musical interessantíssima dentro da comercialidade e acessibilidade do gênero. Nas mãos de Fripp, Brufford e cia, a New Wave se transmutou em Art Rock, muito pela parcela de Tony Levin (baixista) e Adrian Belew (vocais e guitarras) que completam a formação da banda, dando todo o arcabouço técnico para a experimentação rítmica que Fripp tinha em mente, mas encaixada na tradição musical do King Crimson.

Nino Rota – Il Casanova Di Federico Fellini (1976, LP, Italy)

Tracklist:
A1 O Venezia, Venaga, Venusia 3:42
A2 L'Uccello Magico 2:07

A3 A Pranzo Dalla Marchesa Durfe' 1:50
A4 The Great Mouna 2:00
A5 Canto Della Buranella 1:23
A6 L'Uccello Magico A Parigi 1:36
A7 L'Intermezzo Della "Mantide Religiosa" 3:40
B1 Pin Penin 3:05
B2 L'Uccello Magico A Dresda 1:24
B3 Ricordo Di Henriette 2:02
B4 L'Uccello Magico A Roma 1:50
B5 Il Duca Di Wuttenberg 4:26
B6 La Poupee' Automate 1:47

Composer – Nino Rota
Conducted by – Carlo Savina

Nick Prol & The Proletarians – Loon Attic (2017, CD, Usa)

Songs
1. Main Titles 00:59
2. Welcome 00:27
3. Carvings on the Wall 04:08
4. 8th Wonder 02:02
5. Treacle 02:27
6. Shiny and Round 02:12
7. Box of Flies 03:04
8. Marry Annette 01:58
9. Thumbs 03:02
10. Madame Spider 03:14
11. Reprise 00:49
12. Bubble and Squeak 02:28
13. A Myriad 01:37
14. Nameless 01:42
15. Under the Bed 00:18
16. Magazine Reader 03:09
17. Cheesecake 01:32
18. Another Groan 01:39
19. Wastebin 02:07
20. It Bodes Well 02:47
21. Saturnine Showers 01:49
22. Beekeeper's Suit 04:10
23. O Merry Land 02:17

Musicians
Nick Prol / Vocals, Guitar, Misc. Cacophonous Calamity
Ben Spees / Bass, Misc. Aural Alchemy
Connor Reilly / Drums
Dave Newhouse / Woodwinds

Guest
Evyenia Karapolous/ Vocals
Charlie Cawood/ Bass. Guitar
Moe Staiano/ Glockenspiel, Marimba, Percussion
Dave Willey/ Accordion, Bass, "Cruddy Mandolin"
Paul Sears/ Drums, Percussion
Bob Drake/ Vocals
Mo Ha Dev/ Guitar
Thymme Jones/ Drums, Trumpet, Moog
Oliver Grant Campbell/ Bass, Screams
Michael Dawson/ Flute
Carla Diratz/ Vocals
Matt Lebofsky/ Keyboards, Mellotron, Piano
Dominique D'Avanzo/ Backing Vocals, Bass Clarinet
Emanuele Sterbini/ Backing Vocals
Nathan James/ Backing Vocals
Gavin Wallace-Ailsworth/ Drums
Anthony Garone/ Guitar
Rob Crow/ Backing Vocals, Acoustic Guitar
R Stevie Moore/ Acoustic Guitar, Humming, Sad Trumpet, Harpsichord, Scatting

Principal projeto do compositor/cantor/guitarrista Nick Prol, The Proletarians são um grupo de músicos que acreditam e compartilham a visão de Nick de uma mistura de acessível e vanguardista e ajudam a elevar suas melodias adicionando seus próprios toques criativos e texturas a seus músicas. A banda é formada pelo saxofonista Dave Newhouse do clássico grupo de rock avant-jazz The Muffins, que colaborou com nomes como Fred Frith e Sun Ra's Arkestra, bem como o baixista/multi-instrumentista Ben Spees e o baterista Connor Reilly do adroit progressive/ grupo de rock experimental, The Mercury Tree.

O álbum de estreia dos Proletarians, Loon Attic, apresenta participações especiais de uma longa lista de colaboradores respeitados, incluindo o popster progressivo DIY R. Stevie Moore, Bob Drake (solo, Thinking Plague, 5uus, etc), Rob Crow (Pinback, Heavy Vegetable, etc), Thymme Jones (Cheer-Acidente), Moe! Staiano (Sleepytime Gorilla Museum), Matt Lebofsky (Secret Chiefs 3), Dave Willey (Thinking Plague, Hamster Theatre), Gavin Wallace-Ailsworth (Bent Knee), Paul Sears (The Muffins), Carla Diratz (artista vocal experimental francês), os membros do Sterbus (banda prog-pop italiana) e Mo Ha Dev (Stop Motion Orchestra). O álbum é produzido pelos xamãs de áudio Ben Spees e Ian Beabout, apresentadores do programa de rádio online Prog Rock Deep Cuts.

The Guess Who - The Best Of The Guess Who (1971) and The Guess Who 'EP' (1973)

Quando esses trabalhadores nativos de Winnipeg, Manitoba começaram sua carreira musical em meados dos anos 60, eles pareciam maravilhas em potencial, mas em menos de cinco anos eles se tornaram nomes conhecidos em seu país natal. The Guess Who conseguiu acompanhar a cultura pop em rápida evolução, desde a invasão britânica até a nação de Woodstock, e deu um salto crucial no final dos anos 60 da popularidade AM para a aceitação no dial FM. Quando eles finalmente conquistaram a América, eles o fizeram da maneira mais surpreendentemente subversiva, com um número hino que não tão sutilmente apontou para a cultura americana, mas ainda conseguiu alcançar o topo das paradas americanas.

Para os fãs dos EUA, "American Woman", um hit pop número 1 em 1970, é onde a história de Guess Who realmente decola. Para seus fiéis canadenses, no entanto, tudo começou cerca de cinco anos antes, com o lançamento de "Shakin' All Over", um cover de baixo orçamento e montado às pressas de um sucesso britânico que compõe a atitude do rock de garagem. pode faltar em sutileza de estúdio. A essa altura, o vocalista e tecladista Burton Cummings nem havia entrado na banda. Era liderado pelo vocalista Chad Allan, que contratou o gênio da guitarra local Bachman, o baixista Jim Kale, o pianista Bob Ashley e o baterista Garry Peterson para apoiá-lo. A combinação já havia passado por alguns nomes - os Silvertones, os Reflections - antes de se decidir por Chad Allan e os Expressions.

A pradaria canadense pode não parecer o tipo de lugar onde você tropeçaria em uma cena de rock and roll, mas na verdade havia muitos lugares para bandas jovens tocarem, especialmente em centros comunitários locais onde os adolescentes se reuniam. Também não foi difícil acompanhar as tendências atuais; o longo alcance das ondas de rádio AM trouxe sons de toda a América do Norte até Winnipeg e você sempre pode obter os últimos lados da Inglaterra por correspondência.

"Shakin 'All Over" não foi a primeira faixa que Chad Allan e os Expressions gravaram, mas foi a que deixou sua gravadora de Toronto, Quality, animada o suficiente para acreditar que eles tinham um sucesso em suas mãos.

Exceto que os caras da gravadora achavam que não poderiam lançá-lo com aquele nome de banda da velha escola na manga. Eles queriam algo que ligasse a faixa diretamente à crescente invasão britânica, não a um quinteto de caras que já faziam shows nas províncias há alguns anos. Assim, a Quality eliminou o apelido original da banda e quaisquer outros dados biográficos. Eles simplesmente atribuíram a música a The Guess Who, esperando que programadores, ouvintes e compradores de discos pensassem que estrelas britânicas genuínas haviam decidido esconder algo incógnito. A jogada funcionou, sem dúvida devido ao desempenho irresistível da banda, e não a qualquer tipo de golpe de marketing. A vantagem do Expressions: eles tiveram um sucesso. A desvantagem: o novo nome da banda pegou. Eles se tornaram The Guess Who.

O Adivinha Quem 1966

O adolescente Cummings entrou em cena quando o pianista Ashley se cansou de todas as turnês. Um artista extravagante, Cummings já tinha bons seguidores locais com sua banda The Deverons e uma atraente reputação de bad boy. Como Bachman disse ao Maclean's, "Ele tinha uma voz incrivelmente forte e uma vez profanou um piano na Winnipeg Arena enquanto abria para uma banda britânica. Precisávamos de seu tipo de atitude atrevida e atrevida." O piano que Cummings supostamente dançou em suas botas Bearles pertencia a Gerry and the Pacemakers, então você quase poderia dizer que Cummings fez um nome para si mesmo - seu próprio nome - como parte da invasão britânica. Embora tenha sido originalmente contratado como tecladista, Cummings rapidamente assumiu o papel de vocalista principal ao lado de Allan, de som mais suave. Essa foi uma aliança estranha,

Mais sucesso nacional inicialmente iludiu este Guess Who reconstituído, e uma viagem a Londres para uma turnê inglesa que nunca se materializou os deixou sem dinheiro, presos em um único quarto de hotel. De volta ao conhecido circuito de Winnipeg, no entanto, o Guess Who continuou a encontrar apoio e oportunidades.

Eles também se reuniram, de certa forma, com Allan. Ele apresentava um programa de TV semanal de música pop, Let's Go, e os Guess Who foram contratados como banda da casa. Nesse ínterim, Cummings e Bachman estavam evoluindo para uma equipe natural de compositores. Juntos, eles exploraram uma ampla gama de sons e humores, do pop Bearlesco às melodias do jazz e ao blues rock mais pesado. The Guess Who deu um passo mais perto de sua grande chance quando foram contratados para compor e gravar alguns jingles para a Coca-Cola, parte de uma campanha de rádio que destacou talentos canadenses promissores, sonhada pelo produtor Jack Richardson, da agência de publicidade McCann-Erickson.

Richardson tinha um esquema promocional ainda mais legal. Ele sugeriu que a Coca Cola subscrevesse um álbum que apresentasse dois dos artistas de seus jingles (e mantivesse o nome de sua marca à vista dos fãs) e decidiu que o Guess Who deveria ser um dos atos. Um par selvagem, que Richardson produziu, foi um sucesso para todos os envolvidos, e a experiência convenceu Richardson a continuar trabalhando com The Guess Who - mas não como publicitário. Da próxima vez, seria apenas sobre a música. Ele convocou dois colegas de sua agência, além de um contador, e eles criaram uma produtora/gravadora, a Nimbus 9, como um veículo para a banda.

O primeiro lado do Nimbus 9 foi um single com "When Friends Fall Out", uma música que muitos ouvintes se lembram do álbum American Woman. Richardson, que já havia comprado o contrato de qualidade da banda, mostrou um compromisso extraordinário com o Guess Who, chegando a hipotecar sua casa em Toronto para financiar a gravação de um álbum no estúdio de última geração de Phil Ramone em New cidade de York durante o outono de 68. Esse álbum, o sugestivamente intitulado Wheatfield Soul, custou pouco menos de US$ 10.000 para ser feito e se tornou o cartão de visitas de Guess Who nas grandes gravadoras americanas. A RCA assinou um contrato modesto com eles e, em poucos meses, descobriu o quão emocionantes esses meninos do campo de trigo podiam ser, graças ao sucesso quase instantâneo de "These Eyes".

Foi no início de 69 quando "These Eyes" atingiu as ondas de rádio americanas e logo você podia ouvi-lo em todos os lugares. O arranjo instrumental foi contido friamente, com um toque jazzístico de R&B, mas Cummings forneceu bastante drama em uma performance vocal que alternou entre triste e angustiada. (Outra faixa das sessões de Wheatfield, "A Wednesday In Your Garden", se aventura ainda mais no território do jazz-rock.) O single duplo A-sided que se seguiu, "Laughing" b/w "Undun", exibiu uma quantidade igual de sofisticado artesanato pop e versatilidade incrível para inicializar. Mas não foi até eles gravarem "American Woman" que o Guess Who claramente se destacou como uma banda com um ponto de vista provocativo e um som próprio.

"American Woman" era um hino corajoso da era da Guerra do Vietnã. The Guess Who tocou com uma arrogância confiante e um descuido quase punk. Começou como uma

jam instrumental ao vivo que a banda reformulou no estúdio, e suas raízes mostraram que os ganchos de guitarra simplificados eram ainda mais poderosos do que as letras cínicas. Embora tenha sido emblemático de sua época, o som de "American Woman" é muito legal para parecer datado. Seu tema de uma influência corrupta dos EUA no mundo é provavelmente ainda mais relevante hoje. Em 1999, os produtores dos filmes de Austin Powers roubaram um pouco de seu mojo, fazendo com que Lenny Kravitz fizesse um cover de 'The Spy Who Shagged Me'.

No entanto, foi mais do que apenas um single surpreendente que atraiu um público mais amplo e moderno e garantiu a entrada da banda nas estações FM de ponta. American Woman, seu terceiro LP lançado em dois anos, era essencial para ouvir em sua totalidade, um trabalho que definiu a carreira que realmente parecia um álbum perfeito, em vez de uma mera coleção de músicas, que era exatamente o que a banda havia definido. concluir. A produção foi estimulantemente direta, o sequenciamento muito inteligente e ninguém poderia dizer "Unh!" para pontuar uma pausa como Cummings. Duas outras faixas excelentes deste LP estão incluídas neste Best Of: "No Time", uma regravação simplificada de um número de seu segundo álbum, Canned Wheat, e "No Sugar Tonight/New Mother Nature", duas músicas díspares - o primeiro de Bachman, o segundo por Cummings - fundidos para um efeito dramático. Naquela época, muitas agulhas de gravação foram jogadas no meio daquela faixa para que a sequência legal pudesse ser ouvida repetidamente.

O triunfo artístico e comercial do Guess Who demorou muito para chegar, mas foi minado por uma tensão crescente entre o mais conservador Bachman e seus companheiros de banda festeiros. Eles permaneceram juntos durante anos de trabalho extenuante; ser jogado de cabeça no redemoinho da grande gravadora provou ser muito mais difícil de lidar.

E assim, no verão de 1970, Randy Bachman, doente e precisando de hospitalização e descanso da turnê, deixou o grupo. Um mórmon convertido (sem álcool, chá, café, drogas, imoralidade), ele sempre teve dificuldade em engolir o estilo de vida de sua banda em turnê.

Bachman formou o Brave Belt com o antigo membro da banda Chad Allan, do qual surgiu o enorme sucesso Bachman Turner Overdrive (BTO). Embora a separação tenha sido a princípio amigável, tornou-se menos com o passar do tempo - e no início dos anos 70 existia uma animosidade considerável entre BTO e The Guess Who.

Mais dois canadenses, os guitarristas Kurt Winter e Greg Leskiw, vieram para substituir Bachman e, apesar da perda da capacidade de composição de Bachman, The Guess Who continuou a dominar os mercados de álbuns e singles. Share The Land (1970) e esta compilação 'Best Of The Guess Who' (197I) ganharam ouro, enquanto a faixa-título do primeiro chegou às listas de singles dos Estados Unidos, junto com Raindance e Hang On To Your Life.

Outras mudanças de pessoal ocorreram em 1972, quando Leskiw e o baixista original Kale deixaram a formação para serem substituídos, respectivamente, por Don McDougall e Billy Wallace, ambos de Winnipeg.

Winter ficou mais tempo, mas acabou sendo substituído por Domenic Troiano (ex James Gang).

De 1973 em diante, a sorte de The Guess Who declinou gradualmente quando o BTO de Bachman assumiu sua posição anterior como o grupo de rock comercial mais quente do Canadá.

No final de 1975, Billy Wallace deixou a banda e, no final do ano, The Guess Who acabou com as especulações da indústria ao anunciar sua dissolução final. Depois de uma turnê de 75 shows na América do Norte, eles fizeram seu último show em Montreal em 7 de setembro. No auge de sua popularidade, em 1970, as vendas de discos de Guess Who arrecadaram cerca de cinco milhões de dólares.

Burton Cummings teve sucesso imediato com seu primeiro álbum solo homônimo em 1976 - produzido por Richard Perry. A partir disso, "Stand Tall" foi um sucesso considerável na América e também alcançou o top 10 nas paradas australianas [extraídos de 'Liner Notes: The Guess Who Anthology' e 'The Illustrated New Musical Express Encyclopedia of Rock', 1977 p99-100 ]

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil original (LP e EP) e inclui arte completa para vinil e CD. Minha primeira introdução ao The Guess Who foi uma compra por impulso de um lançamento orçamentário de seu LP 'Born In Canada' (1970), que apresentava seu hit inicial 'Shakin' All Over'. Acho que foi a capa estranha que me atraiu para o LP enquanto folheava as prateleiras de discos do K-Mart.

Infelizmente, esse jovem adolescente ingênuo não percebeu o valor dessa joia na época e a vendeu estupidamente vários anos depois por uma ninharia.

De qualquer forma, finalmente recuperei o juízo e comecei a colecionar seus álbuns, sendo 'The Best Of' o meu favorito. Também adquiri o EP autointitulado de 1973, que também estou compartilhando aqui. Este EP é de particular interesse, pois contém a versão completa de "American Woman" (ao contrário da versão curta do Best Of ) e uma versão ao vivo de "Albert Flasher" (que eu acho que foi gravada na Paramount). Por fim, incluí 4 faixas bônus para este lançamento do Best Of, impossibilitadas de serem incluídas em vinil devido a restrições de tempo, mas essenciais para esta coleção de CDs.

Na verdade, você também pode considerar trocar a versão editada de "American Woman" pela versão EP, para realmente torná-la a MELHOR!