Após uma onda de popularidade através da mídia social na comunidade do metal, o Sleep Token retorna para seu terceiro álbum de estúdio. Leve-me de volta ao Éden. Liderado pelo enigmático vocalista mascarado anônimo conhecido apenas como “Vessel”, junto com seus outros companheiros de banda de divindades mascaradas, o Sleep Token impõe uma tradição misteriosa através de sua música, centrada em torno do misterioso deus conhecido como “Sleep”. Independentemente de você acreditar ou não na tradição em torno da banda, é difícil negar o sucesso comercial do Sleep Token recentemente e a trajetória ascendente imparável em que o grupo está.
Muito parecido com seus dois álbuns anteriores, Sleep Token continua a combinar uma mistura de R&B groovy e ganchos de trip hop com colapsos de metalcore e riffs djenty, juntamente com letras profundas sobre perda, derrota e renovação, Take me Back to Eden é uma verdadeira emoção de partir o estômago. experiência. A gama completa de vocais de Vessel está claramente em exibição aqui, com muitas notas altas lindas em suas limpezas e alguns rosnados mortais seriamente brutais, é difícil competir com seu alcance vocal quando é executado de maneira tão perfeita. O baterista deles (conhecido apenas como “II”) também prova consistentemente por que ele é um dos melhores do ramo, com algumas das piores batidas do metal moderno, ele realmente é a espinha dorsal do álbum.
Take me Back to Eden é completamente imprevisível, com algumas faixas longas como “The Summoning” e “Ascensionism” levando os ouvintes em jornadas que abrangem batidas de armadilha, colapsos imundos, passagens de piano atmosféricas suaves e até seções tradicionais de rock progressivo. Você só precisa olhar para “Vore” e “DYWTYLM” para ouvir o claro contraste em seu som. Uma é uma jornada incrivelmente pesada para a mente distorcida e sombria de Vessel, juntamente com riffs e gritos de derreter o rosto, a outra uma curta faixa pop de sintetizador liderada por ganchos com tema de amor e arrependimento. Nem parece que é a mesma banda, e é isso que faz do Sleep Token uma banda tão mágica de se experimentar.
Take me Back to Eden é um final fantástico para sua primeira trilogia de álbuns de estúdio, começando com “Sundowning” de 2019, e logo seguido por “This Place Will Become Your Tomb” em 2021, agora em 2023, Sleep Token encerra a trilogia com seu melhor registro até o momento que realmente mostra quem são os tokens do sono. O Sleep Token prova que eles não se enquadram em nenhum gênero e que não podem ser definidos, eles são simplesmente apenas Sleep Token, e esse é o som que os tornou uma das bandas de entrada mais importantes e essenciais para o metal moderno. . Eu realmente acredito que eles se tornaram uma das bandas mais inovadoras e progressivas do metal atualmente.
Sleep Token estão no topo do mundo, e ame-os ou odeie-os, o céu é o limite para as divindades mascaradas britânicas. Quem sabe o que o futuro reserva para o Sleep Token a seguir e o que Vessel planejou para o mundo consumir.
Gag Order, co-produtor executivo do lendário Rick Rubin , apresenta as canções mais honestas, pessoais e experimentais de Kesha até hoje. De certa forma, baseia-se na instrumentação de inspiração country com a qual ela trabalhou em Rainbow e High Road , mas desta vez é acompanhada por camadas de sintetizadores e ricas harmonias vocais, e apresenta alguns de seus melhores cantos e composições até hoje. O resultado é um álbum principalmente acústico, cru e discreto, mas ao mesmo tempo muito detalhado, deliberado, eclético e poderoso.
Em geral, a composição é um dos aspectos mais fortes deste álbum. Da enigmática e sinistra “ Eat the Acid ”, à direta e abatida “ Fine Line”, e para a raivosa e maníaca “ Piece and Quiet ”, a composição e a entrega de Kesha realmente se destacam e selam o acordo em praticamente todas as músicas. Kesha sempre teve uma voz única e reconhecível na música pop, mas ela soa especialmente bem nesses instrumentais. Seu canto cru, abatido e um tanto delirante em “ Living in My Head ” captura especialmente aquele sentimento de desesperança, ansiedade e pavor tão bem, e apenas prova o quanto Kesha pode ser uma cantora emotiva.
A produção é ótima, e realmente funciona para realçar os temas e emoções das diferentes músicas do álbum. Na maior parte, a instrumentação de apoio é bastante despojada nas faixas mais meditativas como “ Happy ” e “ Too Far Gone”.”, mas pega o ritmo quando a música pede. Por exemplo, a música “ The Drama ” começa com uma introdução lenta e pesada de sintetizador que progride para uma batida dançante que soa como se James Murphy tentasse produzir uma música do NIN. Ele lentamente aumenta de intensidade conforme o canto de Kesha fica cada vez mais maníaco, e desmorona completamente no final quando Kesha 'enlouquece' completamente e começa a cantar sobre querer ser um gato doméstico em sua próxima vida. “ Only Can Save Us Now ” provavelmente tem um dos instrumentais mais selvagens de todo o álbum, com baixo distorcido e hi-hats nos versos que combinam perfeitamente com os raps de Kesha, que de repente transitam para uma música country assim como a inspiração gospel os vocais do grupo entram no refrão. De alguma forma, funciona.
Desde seu crescimento artístico e experimentação de sons em Rainbow e High Road, até sua lista insana de influências musicais , não é nenhuma surpresa que tenhamos conseguido um disco tão incrível de Kesha. Se você ouvir o álbum com o contexto de suas lutas legais altamente divulgadas, o título “Gag Order”, a arte da capa e os temas gerais do álbum só fazem mais sentido. Esta é ela finalmente deixando ir todos aqueles pensamentos e emoções negativas que ela tem suprimido todos esses anos. Kesha está com raiva e se recusa a ser silenciada por mais tempo. Este é facilmente um dos melhores álbuns do ano, e estou muito animado com o que está reservado para esta próxima fase da carreira de Kesha.
Esta é a primeira vez que ouço o pseudônimo de Leia Young, Lucy Liyou, e pelo que posso dizer, este é de longe o mais conciso e focado. “Dog Dreams” é um álbum interessante no espaço maior da música de vanguarda por causa da rapidez das influências. Você tem influência da arte pop (como Kelsey Lu, Solange e Blood Orange) e avant-pop (como Bjork e Arca). No entanto, você também obtém influências muito abstratas em reducionismo, eletroacústica e colagem sonora pelas quais ela é conhecida em seus lançamentos anteriores. Mas a maneira como tudo se junta em uma experiência de audição de mais de 30 minutos de três faixas é o que leva isso ao topo. Tudo, desde a produção até as performances, é de primeira qualidade e tudo parece tão etéreo. Verdadeiramente uma obra de arte e qualquer fã de música experimental precisa experimentar.
Com seu décimo álbum de estúdio, os pioneiros do jamgrass Leftover Salmon estão prestando homenagem a algumas de suas primeiras e mais formidáveis influências musicais. Grass Roots , o trabalho de estúdio do grupo para seu aclamado lançamento de 2021, Brand New Good Old Days , representa uma entrada única na discografia de Leftover Salmon, pois se destaca como o primeiro LP nos mais de trinta anos de história da banda a consistir inteiramente de capas. O resultado final é uma lista de faixas coesa e com curadoria brilhante que consegue homenagear seus inúmeros compositores, uma variedade impressionante, incluindo nomes como Bob Dylan, David Bromberg e The Grateful Dead, com o som progressivo polirrítmico único de bluegrass de Salmon, um feito que respira vida nova em cada uma das dez entradas do Grass Roots .
O álbum também conta como uma espécie de festa de debutante para o multi-instrumentista e mais recente adição à banda, Jay Starling, cujo mandato com o grupo começou em 2022. Starling, filho do membro fundador do Seldom Scene, John Starling, acrescenta uma contribuição inteiramente nova dimensão para o grupo graças às suas habilidades de mago em teclados, dobro e guitarra ressonadora, além de um alcance vocal de barítono incrivelmente rico.
A grande maioria das faixas do Grass Roots faz parte do repertório ao vivo de Salmon há décadas e essa familiaridade musical é palpável por toda parte, inclusive na abertura do LP, “Country Blues” de Doc Boggs. Liderado pelo brilhante toque de banjo de Andy Thorn, bem como alguns licks de violino escolhidos pelo músico convidado Darol Anger, “Country Blues” apresenta um arranjo consideravelmente mais otimista do que a gravação original de Boggs de 1927 e é mais semelhante ao progressivo de Tim O'Brien. versão colorida que ele tocou com seu lendário grupo Hot Rize quase sessenta anos depois.
Uma participação marcante de Billy Strings contribui para uma versão alegre de “Blue Railroad Train” dos Delmore Brothers, graças a uma série de suas passagens de guitarra de marca registrada, bem como algumas harmonias vocais impressionantemente apertadas com o bandolinista Drew Emmitt.
Um dos elementos musicais que ajudam a definir o som único de Salmon são as fortes habilidades percussivas de Alwyn Robinson, e Grass Roots não é exceção, já que o estilo pesado do baterista costuma fazer a maior diferença entre o tenor tradicional mais descontraído e muitas das canções do álbum. foram originalmente gravadas e as ofertas de inclinação progressiva deste LP. Talvez o melhor exemplo dessa mudança de ritmo seja "Riding on the L&N", uma melodia de blues gravada pelos Bluegrass Cardinals em 1977, que também apresenta algumas batidas de banjo e dobro de Thorn e Starling, respectivamente.
Uma versão animada de “Simple Twist of Fate” está entre os destaques do LP graças a Vince Herman, cuja voz terrena ajuda a carregar as letras magistrais de Dylan com o tipo de convicção necessária para realizar uma música desse calibre.
Os vocais impressionantes continuam com uma performance impressionante de Starling em “California Cottonfields” de Dallas Frazier, uma música que seu pai costumava cantar com Seldom Scene, com um timbre rico que evoca ecos de George Jones e Hank Williams.
A única faixa não orientada para o bluegrass do álbum, uma versão pantanosa de “Fire and Brimstone” de Link Wray, apresenta alguns momentos memoráveis graças à participação especial de Oliver Wood, cujos vocais corajosos e guitarra slide dão uma vibração autêntica de Nova Orleans ao gravação.
A reta final do Grass Roots começa com um trio de pesos pesados, incluindo uma versão única e animada de “Black Peter” do Grateful Dead, o diário de viagem seminal de David Bromberg “The New Lee Highway Blues” e o instrumental ragtime de Dylan, “Nashville Skyline Rag”, antes de concluindo com uma versão ardente de “Fireline” de Larry Keel.
Early James lançou seu primeiro álbum, Singing for My Supper , assim como o mundo mergulhou na turbulência da pandemia do COVID-19, então se algum cantor/compositor tiver motivos para afirmar que é um momento estranho para estar vivo - o título apontado de seu segundo álbum - é ele. Para seu crédito, ele acaba cumprindo a promessa de seu título, conjurando fantasmas do sul dos Estados Unidos com sua alma estilizada e poesia - uma combinação que pode sugerir Tom Waits em seu poeta beatnik prime cruzado com um trovador de blues. Essa cultura americana intensificada é bastante atraente, especialmente nas mãos do produtor Dan Auerbach, que deixa as baladas serem pictóricas e dá aos números trêmulos uma qualidade colorida, deixando Early James rosnar contra a força da guitarra e a batida espessa nos ritmos.
Com quase uma hora, Strange Time to Be Alive realmente tem uma tendência a vagar e demorar, uma característica que pode ser levemente enlouquecedora, mas também é insinuantemente excêntrica. Talvez Early James possa se lembrar de inspirações como Waits, mas a maneira como ele monta os mitos e a música americanos tem uma assinatura idiossincrática que só soa mais forte e autoritária com audições repetidas.
Se existe alguma banda na atual cena indie rock pela qual ficar obcecado, tem que ser black midi. O quarteto inglês estourou de cara com alguns dos noise rock mais mecânicos, piegas e maníacos com sua estréia Schlagenheim , e assistir a seus shows ao vivo apenas ampliou esses descritores dez vezes. A incompreensível voz de sapo de Geordie Greep dissipou histórias da crise da água em Flint, Michigan, um projeto de construção de uma cidade sombria e uma mulher que enigmaticamente "se move com um propósito". Com a positividade esmagadora em relação à sua energia desequilibrada e ferocidade incontrolável, a ideia do que poderia ser o próximo midi preto era uma incógnita.
Cavalgada, então, parece o oposto espiritual polar de seu antecessor. Enquanto a banda está claramente mais ansiosa para abrir novos territórios sonoros a cada chance que eles têm em Schlagenheim , a fome que eles saciaram deu a eles a oportunidade de expandir suas canções para o céu. Onde o desejo irreprimível do midi preto de seguir em frente, fazer algo novo, derrubar tudo e construir mais uma vez deu a Schlagenheim seu charme inegável, Cavalcadeopta pelo longo curso. Há apenas duas faixas com menos de três minutos aqui, as outras seis passando da marca de cinco minutos. Eles deixaram essas músicas se expandirem para um tamanho que nunca poderiam ter imaginado apenas dois anos atrás, tirando fotos do jazz fusion e do brutal-prog e qualquer coisa intermediária com todo o espaço extra. A experiência resultante parece um álbum muito mais vasto e expansivo que nunca se repete duas vezes.
Para combinar com seu novo som, tudo, desde as letras até o som do próprio Geordie, foi completamente substituído. "Com quase todas as bandas de guitarra como nós, o cantor está gritando como macho. Mas quando começamos a tocar ao vivo, pensei, não adianta fazer algo ruim que já foi feito um milhão de vezes", foi a declaração de Geordie .sobre aqueles ganidos roucos e gritos guturais de sua estreia. Agora Geordie desempenha todos os tipos de papéis diferentes a cada nova faixa. Em um momento, ele pode ser um líder de culto sedutor e místico no ansioso abridor John L , sua voz rouca e entregue com todo o glamour e banalidades que esse tipo de figura idiossincrática precisa. No momento seguinte, ele cantarola pianos de blues e melodias de guitarra desordenadas enquanto fala sobre as partes mais sombrias do mundo natural em Chondromalacia Patella . O baixista Cameron Picton também pode tentar cantar, em Slow and Diamond Stuff, seus sussurros tensos nos dois tão perto do microfone que você pode ouvir o momento em que seus lábios começam a formar cada sílaba. O canto camaleônico de Geordie e as lamentações silenciosas de Cameron são maravilhosos por si só, mas juntos tornam Cavalcade mais envolvente do que qualquer um poderia sozinho.
Embora as músicas densas e pesadas de avant-prog sejam as que mais atrai as pessoas, são os momentos mais jazzísticos em que seus músculos composicionais se flexionam mais. A semicolcheia homófona corre entre a guitarra e os saxofones durante a já mencionada Slowirrompem em suas próprias melodias distintas durante o refrão da música, transitando entre os dois perfeitamente enquanto o sintetizador sonhador floresce e a bateria robusta fornecida por Morgan Simpson fornece uma plataforma para tudo o mais pousar. Até mesmo o gosto metálico no robusto Hogwash and Balderdash é atingido por contramelodias angulares que ao mesmo tempo parecem uma maldita canção medieval de tocha e um peculiar experimento de jazz ao mesmo tempo.
black midi pode não estar reinventando a roda para pessoas que já são grandes fãs do antigo rock progressivo, mas a qualidade que eles oferecem ao trazer o som para uma nova geração é impressionante. Na era moderna, não há nada como Cavalcade. Ele não depende da nostalgia do passado para manter seu interesse, raramente reconhece o trabalho que veio antes dele em busca de seu objetivo. Ainda assim, tudo é montado com um nível de habilidade e técnica crua que prova que a banda pode ser mais do que apenas criadores de barulho barulhentos. Como da última vez, é impossível dizer para onde eles irão a seguir, mas é provável que seja tão implacável. Nunca teremos outro Cavalcade , e por um bom motivo. Por que você precisaria de midi preto para fazer a mesma coisa de novo?
Crazy Horse é a mais importante banda colaboradora de Neil Young. O seu som é normalmente comparado aquele de uma (boa) banda de garagem, ou seja, cheio de garra e paixão.
A banda iniciou a carreira com o nome de Danny & The Memories, que incluía Danny Whitten, Billy Talbot e Ralph Molina. Apos lançarem alguns singles decidiram mudar-se para São Francisco, mudando o nome para Rockets, aos quais se juntaram aos guitarristas Leon Whitsell and George Whitsell e o violinista Bobby Notkoff e inseriram-se na nascente cena Folk-Rock. Somente um ignorado álbum se conhece dos Rockets, que se mudaram para L.A.. Foi nessa cidade que conheceram Neil Young, após a saída do Buffalo Springfield, e se tornaram bons amigos.
Quando Young quis gravar o seu segundo trabalho a solo, optou em fazer um pouco diferente do primeiro com um som mais genuíno. Danny Whitten lembrou-se então dos Rockets, banda com quem informalmente havia tocado. Recrutou três dos seus membros (Danny, Ralph e Billy), batizando-os de Crazy Horse, que resultou no fim dos próprios Rockets. Os resultados foram excelentes e lançaram “Everybody Knows This is Nowhere”.
No entanto a parceria ficou em “águas de bacalhau” quando Young foi convidado pelos Crosby Stills & Nash para se juntarem à sua banda. Apos isso ele ia em pequenos intervalos, tocar concertos com os Crazy Horse.
Sem Young a de suporte decidiu lançar um álbum em próprio nome, baseado nos talentos de escrita de Whitten. Ao grupo se juntou ao pianista Jack Nitzsche e o guitarrista Nils Lofgren. E gravaram o LP “Crazy Horse”, que inclui a belíssima balada e futuro êxito de Rod Stewart e Everything But the Girl, “I Don't Want to Talk About It” e demonstrou que a banda não era somente de suporte.
Porém as coisas começaram a correr mal quando Whitten se tornou dependente de heroína, que resultou em um álbum com abortado Young, que acabou por gravar “After the Goldrush”, no qual a participação dos Crazy Horse foi pequena. Os próprios companheiros de Whittem, Talbot e Molina contrataram uma série de novos músicos, pois Danny começou a ser muito pouco confiável. Também Lofgren e Nitzsche já haviam seguido o seu caminho. Desta nova formação, resultaram dois fracos LP’s “Loose” e “At Crooked Lake”.
No final de 1972, e após o estrondoso sucesso de “Harvest”, Young recrutou uma nova banda para a digressão que se lhe seguiria. Para tal contratou Whitten para o auxiliar nas tarefas guitarreiras, como tentativa de recuperar o seu amigo e a magia musical que existia entre os dois. Porém, Danny continuava muito mal da sua dependência e foi mandado para casa, vindo a falecer pouco tempo depois. Este evento veio a marcar o fim dos Crazy Horse durante quatro anos. No entanto, Talbot, Molina e lofgren viriam participar em “Tonight’s the Night”.
O renascimento veio quando Young pediu a colaboração dos seus antigos camaradas para gravar o álbum “Zuma”. Os Horse vieram agora com um novo membro Frank "Poncho" Sampredo como novo guitarrista, sendo esta a composição da banda até aos dias de hoje.
Outros trabalhos com Young foram “Rust Never Sleeps”, “Reactor”, “Life”, “Ragged Glory”, “Sleeps With Angels”, “Broken Arrow” e “Greendale”, bem como em algumas faixas isoladas em outros álbuns.
Ao longo do tempo a relação entre o líder, Young, e a sua banda, os Crazy Horse, não tem sido fácil, marcadas por vários conflitos e até ocasionais despedimentos.
Integrantes.
Atuais.
Billy Talbot(Baixo, Vocais, desde 1968) Ralph Molina (Baterista e Vocal, desde 1968) Nils Lofgren (Guitarra, Teclados, Vocais, 1970-1971, 1973, desde 2018)
Neil Young e Crazy Horse.
Danny Whitten(Guitarra, Vocais, 1968-1971, R.I.P 1972) Jack Nitzsche (Teclados, Vocais, 1970-1971, R.I.P) Frank "Poncho" Sampedro (Guitarra, Órgão, Mandolin e Vocais, 1975-1988, 1990-2001, 2003-2014)
Ex - Integrantes.
George Whitsell (Guitarra, Vocais, 1971-1972) Greg Leroy (Violão, Vocais, 1971-1972, 1978) John Blanton (Teclados, Harmônica, Cello, Vocais, 1971-1972) Rick Curtis (Guitarra, Bajo, Vocais) Michael Curtis (Teclados, Guitarra, Mandolin e Vocais, 1972, 1978) Sonny Mone (Guitarra, Vocais, 1989) Matt Piucci (Guitarra, Vocais, 1989)
02. Love Is Gone 03. We Ride 04. Outside Lookin' In 05. Don't Keep Me Burning 06. Vehicle 07. Your Song 08. Lady Soul 09. Don't Look Back 10. 85 El Paso's
Shy'm costuma ser chamada de Rihanna francesa, e essa rainha do pop faz jus à comparação com seu amplo apelo cruzado e seus momentos cada vez mais frequentes de “quebrar a internet”.
No espaço de alguns anos, ela passou de convidada em faixas de Hip Hop para dominar as paradas pop e ser a artista a ser observada. Com uma série de sucessos e álbuns mais vendidos em seu currículo, ela se tornou uma das maiores estrelas da música na França.
Cada novo álbum dela é um evento, e o mais recente não é exceção. Acompanhe sua jornada de garota R&B a artista de nível superior.
Shy'm é um nome artístico - o "tímido" é para sua timidez, e o "M" para a ilha de Martinica, terra natal de seu pai. Nascida e criada em Trappes (subúrbio de Paris), Tamara Marthe sempre teve paixão por cantar e dançar. Sua mãe, da Normandia, e seu pai, que é músico amador, a expuseram ao Soul, Blues, Zouk / música antilhana e pop francês quando criança.
Ela começou a seguir uma carreira de dança a sério após o colegial, e foram seus instrutores de dança que a encorajaram a gravar uma demo de canto para comprar gravadoras.
Uma audição com o rapper franco-canadense K.Maro levou à sua aparição em seu álbum Million Dollar Baby no top 10 de sucesso "Histoires de Luv" e na faixa "Nice and Slow". Os dois estão juntos desde então, com K.Maro (também conhecido como Cyril Kamar) produzindo todos os seus álbuns - cada um alcançando o top 10 na França.
Nos primeiros dias, Shy'm era uma princesa do R&B. Ela disparou para o estrelato em 2006 com o lançamento de seu primeiro álbum, Mes Fantaisies . Alcançou o número 6 nas paradas de álbuns e ganhou disco de platina na França. Inclui os sucessos “Victoire”, “T'es Parti” e “Femme de Couleur”, e é uma compra essencial para os fãs de R&B franceses.
( Observação: os álbuns de Shym estão disponíveis apenas como CDs físicos nos EUA. Nenhum formato digital está disponível.)
Seu primeiro single, “Femme de Couleur”, é uma homenagem à Martinica e sua identidade cultural. As letras universais são identificáveis para qualquer pessoa de cor que queira celebrar sua herança.
A música mid-tempo “T'es Parti” exemplifica porque este álbum foi um sucesso tão grande.
O top 5 hit “Victoire” é um hino sobre perseverança e seguir seus sonhos, e a escada do vídeo serve como uma metáfora visual.
Se você gosta do chamado Urban Pop, então você encontrará Reflets de 2008 um esforço sólido que se mantém bem ao longo do tempo. A produção é mais pesada e eletrônica — mas sem exageros — e o formato funciona tanto para rádios R&B quanto Pop. Os singles incluíram "La premiere fois", "Step Back" e o single número 2 "Si Tu Savais". Reflets alcançou o número 4 nas paradas francesas.
Destaques que deveriam ter sido singles: “Nulle part ailleurs”, “On n'a pas tout notre temps”
Shy'm estava mirando direto nas massas com Prendre l'Air de 2010 . Seu álbum de platina otimista e triplo incorpora a própria definição da frase, "indo para o pop". A corrente pop que sempre esteve em sua música foi empurrada para o primeiro plano, e ela também fez suas primeiras incursões no Electro / Dance Pop. Ela queria sair da caixa do R&B, ser mais criativa e se destacar do grupo, e cara ela fez com este álbum.
Os singles incluíram "Je Sais", "Je Suis Moi", "Prendre l'Air" e "Tourne".
De longe, minha faixa favorita foi o single inicial, “Je Sais”.
Seu álbum de 2012, Caméléon , é basicamente uma ode ao EDM (eletronic dance music). Alcançou o número 1 na França e foi platina tripla com a ajuda do single inicial, "Et Alors", que alcançou o número 2.
Outros singles incluem "Et Si", "On se fout de nous", "Caméléon" e "En Apesanteur", que apresenta alguns belos vocais.
Eu realmente não estou sentindo essa coisa toda de Glow Stick Pop que ela está fazendo aqui, e eu gostaria que ela tivesse feito alguma música um pouco mais atemporal. Estou totalmente bem com ela saindo do R&B, mas também gosto da ideia de álbuns clássicos aos quais você sempre pode voltar e, não importa o que aconteça, Caméléon sempre vai soar como o verão de 2012, o que é uma pena.
As opiniões estão fortemente divididas sobre o último álbum da cantora, Solitaire . Seu esforço de 2014 é uma espécie de retorno ao território Prendre l'Air , mas é mais pessoal. A vibração está em todo lugar, e soa como um álbum que um artista faz apenas para si mesmo, para tirar algo de seu sistema.
Ambos os lados têm razão. Solitaire não é tão bom ou tão ruim quanto as pessoas pensam que é. É mediano, mas tem seus momentos.
Embora ela acenda o brilho algumas vezes - "L'Effet De Serre", "J'te déteste" - ela parece estar fora da onda da música Club, e eu não poderia estar mais feliz com isso. A música em inglês “Save My Way” é mais Ambient do que EDM e, surpreendentemente, eu realmente gostei dela.
Ela recorre a alguns truques líricos em “Garçon manqué” e em outros lugares que certamente irritarão puristas e críticos em seu país natal. Nós, americanos, somos menos exigentes com esse tipo de coisa, desde que soe bem. E ele faz.
Algumas coisas funcionam, enquanto outras excursões não saem tão bem. “Silhouettes” é uma versão agradável do Electro-Pop dos anos 80, e “Inverser les rôles” é esparsa, misteriosa e lembra um pouco a produção de Timbaland em “Cry Me A River”. Por outro lado, “Cape Town de toi”, “On s'en va”, “Les chaussures en plastique” “Comment tu vas?” são indutores de soneca, para dizer bem.
O single inicial “La Malice” já é um hit do Top 25 (confira abaixo), e o enérgico acompanhamento “L'effet de serre” também alcançou sucesso na França. Recentemente, ela fez uma performance sexy e desafiadora do último no programa "Dancing with the Stars" da França.
Bottom Line: Shy'm está sempre evoluindo. Ela é a abelha rainha na França, então tudo o que ela lançar será popular. Se você deseja se manter atualizado com as últimas novidades do pop francês, precisa deste álbum.
Confira o vídeo de Malice , que está disponível para download nos EUA
Você definitivamente deve ficar de olho nessa artista em constante evolução para ver o que ela fará a seguir.
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