MUSICA&SOM

quarta-feira, 5 de julho de 2023

Discografia Comentada Pink Floyd – Parte I

Um dos principais nomes do rock progressivo em todos os tempos, o Pink Floyd consolidou-se na década de 70 graças a discos seminais e únicos na história do rock. Apesar do enorme sucesso, a discografia dos ingleses não é tão vasta quanto o número de discos que vendeu. No total, são treze álbuns de estúdio e apenas dois álbuns ao vivo, além de participações em trilhas sonoras e diversas coletâneas.

Nessa primeira parte, vamos tratar dos discos que o grupo lançou entre 1967 e 1972, antes de estourar no mundo com o clássico The Dark Side of the Moon (1973).

The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

A estreia do Pink Floyd é uma das principais obras do psicodelismo londrino na década de 60. Desconhecidos mundialmente, mas famosos no clube UFO, Roger Waters (baixo, voz), Rick Wright (teclados, voz) e Nick Mason (bateria) são comandados por um ser de outro planeta, chamado Syd Barrett (guitarra, vocais), em um álbum difícil e ao mesmo tempo encantador.

As viagens lisérgicas da cabeça de Barrett são colocadas para o ouvinte através de ‘Interstellar Overdrive’, um longo improviso na guitarra do líder Syd, com os demais instrumentos acompanhando a insana viagem do guitarrista de forma soberba, ‘Scarecrow’ e seus barulhos percussivos, e ‘Pow R. Toc H.’, uma estranha mistura de gritos, barulhos e um ritmo levemente jazzístico. Os teclados e a participação de Waters ficam escondidos através do gênio dominante de Barrett, que se destaca nas canções mais simples. ‘Lucifer Sam’ e seu ritmo inspirado nas trilhas dos filmes de James Bond, ‘Flaming’ e sua leveza, as engraçadas ‘The Gnome’ e ‘Bike’, ‘Chapter 24’ e as viajantes notas de órgão que acompanham a melodia vocal de Barrett, mostram um líder também insano nos vocais, contrastando com a leveza de ‘Matilda Mother’, na qual Wright aparece de forma mais destacada, assim como os bonitos arranjos vocais.

O grande destaque fica por conta de ‘Astronomy Domine’, uma maravilhosa peça musical, sobrepondo palavras enquanto uma guitarra nervosa acompanha sua letra, e ‘Take Up Thy Stethoscope And Walk’, uma versão curta dos lisérgicos solos de Barrett, que mostra que apesar de sua loucura, era um grande guitarrista.

Nos Estados Unidos, The Piper At The Gates Of Dawn (1967) teve ‘See Emily Play’ no lugar de ‘Astronomy Domine’, além da ausência de ‘Flaming’. Um disco sensacional, formado por canções curtas em sua maioria, ao mesmo tempo que é um raro registro de um Syd Barrett ainda lúcido com o que estava fazendo nos estúdios.

A Saucerful Of Secrets (1968)

Doente e sem condições psíquicas de entrar em um estúdio, Barrett foi despedido do grupo que criou, sendo substituído por David Gilmour.

É a partir desse disco que o Pink Floyd começa a guiar seu som para o progressivo, apesar de alguns flertes com a psicodelia, como são os casos de ‘Let There Be More Light’, destacando o baixo de Waters, ‘Corporal Clegg’ que conta com a participação de um pequeno naipe de metais formado por Waters e Wright, sendo a única canção do Floyd a trazer a voz de Mason, e ‘Jugband Blues’, o último registro do Pink Floyd com Barrrett nos vocais, e que mantém a linha de insanidades do guitarrista. Wright aparece com mais destaque nas belas ‘Remember A Day’ e ‘See-Saw’, mas o poder de Barrett acaba passando para as mão de Waters, um gênio que apresenta suas potencialidades em duas obras primas do cancioneiro floydiando: a poderosa maluquice da faixa-título, apresentando um lindo coral em seu encerramento, e a enigmática ‘Set The Controls For The Heart Of The Sun’, talvez a canção mais estranha que alguém já compôs na década de 60.

Um bom disco, não tão essencial quanto seu antecessor, mas fundamental para o Pink Floyd pisar com mais segurança no terreno do progressivo.

More (1969)

Pouco depois de participar da trilha sonora do filme Tonite Let’s All Make Love in London (1969), onde apresentam uma versão estendida para ‘Interstellar Overdrive’, o Pink Floyd foi convidado pelo cineasta Barbet Schroeder para criar a trilha do filme More. Nasce então a primeira trilha sonora totalmente composta pelo grupo para um longa metragem, e no geral, as canções (regravadas de forma diferente do que aparecem no filme) são um pouco confusas.

Os bons momentos ficam por conta das pauladas ‘The Nile Song’ e ‘Ibiza Bar’, nas quais o grupo está soando mais pesado do que nunca. Porém, com More (1969), o Pink Floyd passou a investir em sons de estúdio, como os pássaros em ‘Cirrus Minor”‘ as conversas de ‘A Spanish Piece’ além de baladas folk (‘Crying Song’, ‘Green Is The Colour’ e ‘Cymbaline’) que em nada acrescentam ao mundo progressivo que estava por vir, apesar de serem interessantes.

Para completar, canções instrumentais bem experimentais, como o free jazz de ‘Up The Kyber’, as percussões de ‘Party Sequence’, a bizarra ‘Main Theme’, filha próxima de ‘A Saucerful Of Secrets’, assim como ‘Quicksilver’ e os blues embriagados de ‘More Blues’ e ‘Dramatic Theme’, mostrando os dotes do grupo também nesse estilo. Um álbum mediano no geral, mas que vale pelo peso de ‘The Nile Song’ e ‘Ibiza Bar’, bem como conhecer um pouco mais o lado experimental pós-psicodelia. No ano seguinte, o grupo participou de mais uma trilha, dessa vez do filme Zabriskie Point, com as canções ‘Heart Beat, Pig Meat’, ‘Crumbling Land’ e ‘Come In Number 51, Your Time Is Up’, sendo que dessa trilha participou também os grupos Kaleidoscope, Grateful Dead, The Youngbloods, entre outros.

Ummagumma (1969)

Longe da psicodelia, os britânicos inovam, lançando um disco duplo com dois álbuns distintos. O primeiro álbum é um disco ao vivo, gravado em Birmingham e Manchester durante o ano de 1969, trazendo apenas quatro canções recriadas a partir de suas versões originais. ‘Astronomy Domine’, ‘Set The Controls For The Heart Of The Sun’, ‘A Saucerful Of Secrets’ e ‘Careful With That Axe, Eugene’ ganharam mais força e improvisos do que as versões de estúdio, e são perfeitas para mostrar como o Pink Floyd era capaz de fazer longas viagens instrumentais sem soar pomposo ou chato.

Destaque maior para a linda versão de ‘A Saucerful Of Secrets’, na qual Gilmour faz as vozes do coral espetacularmente. O disco de estúdio apresenta trabalhos individuais de cada membro do grupo. Para muitos, um disco a ser desprezado, mas com o passar das audições, é impossível não ficar maravilhado com ‘Grantchester Meadows’ (Waters) e as três partes de ‘The Narrow Way’ (Gilmour).

Até mesmo passagens de ‘Sysyphus’ (Wright) e ‘The Grand Vizier’s Garden Party’ (Mason) são aceitáveis para um ouvido mais apurado na musicalidade Floydiana, mas o que é inexplicável é a presença de algo tão conturbado e vergonhoso chamado ‘Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict’, uma viagem sem pé-nem-cabeça saída da mente de Waters, misturando barulhos de animais e diversas vocalizações. Como fator adicional, é o único registro ao vivo oficial lançado pelo Pink Floyd com Waters no baixo.

Atom Heart Mother (1970)

Se a carreira do Pink Floyd precisava decolar, o Disco da Vaca foi o responsável por isso. Para mim, este é o melhor álbum já lançado pelo grupo, e não é somente pela suíte faixa-título, um épico que deve figurar entre as melhores canções de todos os tempos. Todo o trabalho é recheado de partes que vão construindo um álbum espetacular, viajante, alternando momentos de profunda viagem e outros de extrema empolgação.

Os não-fãs admiram a faixa ‘Summer ’68’, que inclusive chegou a ser tema de abertura do Jornal Nacional, bem como reconhecem a obra ‘If’ um dos mais belos momentos já criados por Waters para o Pink Floyd, assim como ‘Fat Old Sun’ é um dos mais belos momentos da carreira de Gilmour. Mas é inegável que ouvir ‘Alan’s Psychedelic Breakfast’ é um teste para a sua sanidade mental, com todos os fósforos acesos, conversas, passos, escarros e outros barulhos que permeiam uma incrível faixa instrumental, onde o trabalho de Gilmour e Wright é praticamente perfeito, através de mini solos individuais que intercalam as conversas de Alan durante seu café da manhã.

Voltando para a faixa-título, ela ocupa os mais de vinte e três minutos do Lado A, e é simplesmente fora de série. Contando com a participação especial da Abbey Road Session Pops Orchestra e da John Alddis Choir, é um épico instrumental que alterna entre o blues, a música clássica, temas e barulhos diversos mas muito, muito feeling. Alguns criticam a pomposidade da faixa, mas não negam que sua qualidade é inigualável dentro do rock progressivo. Essencial em qualquer coleção do estilo que se preze, e o primeiro disco de ouro do grupo nos Estados Unidos.

Relics(1971)

Normalmente, o Discografias Comentadas não trata sobre coletâneas. Porém, esse é um caso especial. Relics (1971) foi lançado em maio de 1971 (com capas diferentes nos Estados Unidos e naAustrália) e apresenta raridades da época de Syd Barrett, que não saíram nas versões originais dos álbuns de estúdio, mas foram lançadas em singles de relativo sucesso. É o caso de ‘Arnold Layne’, ‘Paintbox’, ‘See Emily Play’ e ‘Julia Dream’, todas canções carregadas de psicodelia, predominando o hammond de Wright e a lisérgica guitarra de Barrett, além de interessantes arranjos vocais.

Essas canções foram gravadas entre 1966 e 1968, e poderiam facilmente ter entrado em The Piper At The Gates Of Dawn (1967) ou A Saucerful Of Secrets (1968). Somadas a essas, versões originais para ‘Interstellar Overdrive’, ‘Remember A Day’, ‘Bike’, ‘Cirrus Minor’ e ‘The Nile Song’, essas duas últimas as únicas a contarem com a participação de Gilmour, juntamente com ‘Careful With That Axe, Eugene’ em sua versão de estúdio, outra que também é novidade para a maioria dos fãs. Além destas, a inédita ‘Biding My Time’, um belíssimo jazz composto por Waters, e que surpreende ao ouvinte por fugir bastante da psicodelia que impera no álbum. Essencial aquisição, principalmente por trazer as clássicas (e raras) ‘Arnold Layne’ e ‘See Emily Play’.

Meddle (1971)

Outro discaço, tão essencial quanto o Disco da Vaca. Meddle (1971) (conhecido também como o Disco da Orelha) mantém as viagens proggers de seu antecessor, mas aterrisa em um terreno mais firme, sem soar tão pomposo e principalmente, colocando um pé no freio em termos das experimentações.

O lado A é dedicado para canções curtas, destacando ‘One These Days’, uma bela sequência para ‘Careful With That Axe, Eugene’, ‘Fearless’, trazendo a bela homenagem ao Liverpool, com a interpretação de ‘You’ll Never Walk Alone’ pelos torcedores do clube inglês, e o ótimo jazz de ‘San Tropez’. O maluco blues de ‘Seamus’ (trazendo os vocais feitos por um cachorro batizado pelo mesmo nome) e a leveza de ‘A Pillow Of Winds’, ajudam o álbum a manter-se no nível de Atom Heart Mother (1970), e é colocar a agulha no lado B para ouvir a suíte ‘Echoes’ que a casa cai. Talvez a melhor canção da carreira do Pink Floyd, ‘Echoes’ é, além de linda do início ao fim, uma canção tão simples de ser tocada que o quarteto fez questão de incluí-la em todos os set lists da banda até meados de 1977, quando Waters finalmente tomou as rédeas do grupo. E é essa simplicidade que faz dela uma obra perfeita.

As viagens do slide imitando os gritos agonizantes da baleia, as bonitas passagens de órgão e baixo, e Mason na sua melhor performance atrás dos bumbos, alavancam o status de Meddle (1971), colocando-o na segunda posição entre os melhores discos lançados pelo Pink Floyd, que alcançou platina dupla nos Estados Unidos. Nesse mesmo ano, o grupo fez um show para os fantasmas na cidade de Pompeia (Itália), soterrada pelas cinzas do vulcão Vesúvio em 79 d. C., gerando o filme Live At Pompeii (1972), também fundamental para se entender e admirar ainda mais essa que é a melhor fase do grupo, pré-sucesso.

Obscured By Clouds (1972)

Esta foi a última trilha sonora totalmente composta pelo Pink Floyd, dessa vez para o filme La Vallée, também de Barbet Schroeder. Em comparação com More (1969), é um disco bem mais simples, principalmente pela grande quantidade de canções instrumentais. Poucos são os momentos nos quais o ouvinte consegue se empolgar, e nesses casos cita-se o ótimo instrumental da faixa-título, a beleza de ‘Mudmen’, o peso de ‘When You’re In’ e os embalos sessentistas de ‘The Gold It’s In The…’. As baladas também estão presentes, através de ‘Wot’s… Uh The Deal?’, ‘Burning Bridges’ e a linda ‘Stay’.

Já ‘Childhood’s End’, ‘Free Four’ e ‘Absolutely Curtains’ exploram novos sons nos teclados de Wright e nos demais instrumentos, antecipando um pouco o que estava por vir nos discos futuros do grupo. É perceptível o crescimento e a importância de Wright nesse álbum, sendo que em Meddle (1971) o tecladista já havia conquistado um espaço importante como compositor. Um álbum que não soa como uma trilha sonora, mas como uma brincadeira de estúdio feita pelo grupo, e mesmo sendo discutido entre os fãs sobre sua qualidade, vale a pena como registro de um Pink Floyd solto, testando novos equipamentos e preparando-se para aquele que seria o divisor de águas em sua carreira. Esse foi mais um disco de ouro nos Estados Unidos.

Richard Wright, Syd Barret, Roger Waters e Nick Mason em 1967

Ainda nesse período, constam na discografia do Pink Floyd as coletânea A Nice Pair (1972), lançada em 1972 e que apresenta os dois primeiros álbuns na íntegra, sendo este um item para colecionadores, inclusive por sua raridade no mercado atual, e The Best Of Pink Floyd (1970), que traz como destaque as inéditas ‘Candy And Currant Bun’ e ‘It Would Be So Nice’.

Em 1973, The Dark Side Of The Moon (1973) chegou às lojas, e o Pink Floyd finalmente entrou no Hall dos principais nomes do progressivo e da música

Discografia Comentada Pink Floyd - Parte II

Quando concordei em fazer uma das partes dessa Discografia Comentada do Pink Floyd sabia que estava assumindo uma responsabilidade enorme. Muitos desses álbuns já foram dissecados tantas vezes que é impossível, em poucas linhas, surpreender o leitor ou trazer fatos novos. Outro ponto é que os quatro primeiros álbuns que estão nessa segunda parte são os maiores clássicos do Pink Floyd. Podem não serem os melhores álbuns artisticamente falando, mas certamente, são os mais lembrados da carreira de enorme sucesso da banda. Assim resolvi que a análise seria menos técnica e informativa para ser mais pessoal. Espero que gostem e sugiro colocar um desses discos para acompanhar a leitura que vem a seguir.

The Dark Side Of The Moon (1973)

O que dizer desse álbum? Certamente é o disco mais respeitado do Pink Floyd e é o auge de sua criatividade musical, mas podemos começar com alguns números. Estima-se que um quinto das casas do Reino unido possuem uma cópia. Nos Estados Unidos são vendidos anualmente, em média, oito mil unidades. E pelo número de cópias já vendidas desde o seu lançamento calcula-se que a cada segundo o álbum está sendo tocado em algum lugar do mundo. No momento que escrevo essas linhas, já estou fazendo a minha parte e entrando na estatística. Esse trabalho ficou setecentas e trinta semanas, ou cerca de quinze anos, na lista dos mais vendidos da Billboard. Todo esse sucesso foi alcançado por uma obra que foi minuciosamente planejada em todos os seus detalhes, desde a experimentação com novas tecnologias de estúdio até as frases soltas que aparecem durante todo o álbum. Suas músicas foram compostas já na época de Meddle (1971) e sairia com o nome de Eclipse. Os músicos chegaram a testar diversas vezes essas canções no palco antes mesmo de entrarem em estúdio para gravá-las. Assim o material foi tomando forma e amadurecendo. Gilmour e Wright tiveram a liberdade de se aventurarem pelas melodias, enquanto que o conceito ficou a cargo de Waters. Muito se diz sobre este ser um trabalho conceitual, mas qual seria esse conceito? Afinal, não temos aqui uma história sendo contada ao longo das suas canções, mas a ideia é falar das agruras do homem do ponto de vista de suas preocupações modernas como tempo e dinheiro, por exemplo. Mas não é só isso! Como diz a contra capa do livro ‘The Dark Side Of The Moon: Os bastidores da obra prima do Pink Floyd’ (John Harris), o álbum fala da “coragem de encarar temas como loucura, morte e a uniformização promovida pela sociedade capitalista”. Waters diz que seu conceito é simples: “é o primeiro que tem um coração“. Com tanta coisa para se dizer desse clássico, ainda faltou falar da música em si. E como não se alongar? ‘Breathe’, ‘Time’, ‘Money’, ‘Us And Them’, ‘Brain Damage’, ‘Eclipse’, ou seja, todas as faixas são clássicos atemporais que certamente serão cultuadas por todo o sempre da mesma forma que escutamos coisas de Bach, Mozart e Beethoven e até hoje nos emocionamos.

Enquanto ouço tenho a vontade de descrever todas as passagens maravilhosas, mas só não vou fazê-lo por medo de que ao falar de algumas certamente deixarei outras de fora. Mesmo assim citarei uma passagem que talvez ninguém se lembre, mas é algo notável por ser feito por um instrumento que normalmente não relacionamos à melodia, a bateria. A introdução de ‘Time’ com as viradas e marcações de Nick Mason. Toda vez que ouço o álbum fico impressionado com a crescente emoção que é passada do início da calma e singela ‘Us And Them’ e culmina com os últimos versos de ‘Eclipse’. Esse é um daqueles discos que logo após seu fim temos que parar um pouco para pensar na experiência que tivemos nos últimos quarenta e três minutos (que por sinal passam voando). Além de tudo isso temos que lembrar da lenda famosíssima de sua sincronia com o filme o Mágico de Oz. Claro que acho apenas uma coincidência, mas é incrível quando assistimos o filme com o álbum rolando e na cena da Dorothy acordando após visitar Oz, temos exatamente a parte onde Gilmour e Wright estão cantando “Home…Home again”. É de arrepiar! (O Progshine já publicou uma matéria incluindo a sincronia na íntegra AQUI). Também tem a capa que é, provavelmente, a mais icônica do rock. Com tudo isso, chego a conclusão que uma cópia de Dark Side of The Moon (1973) deveria ser obrigatória em todas as residências e não somente em um quinto delas.

Wish You Where Here (1975)

Como fazer a sequência de algo tão grandioso e bem sucedido? A banda tinha em mente um novo projeto musical, que seria chamado de Household Objects, mas após alguns meses, perdido em seu direcionamento, decidiram trabalhar em cima da única canção que realmente tinham: ‘Shine On You Crazy Diamond’, um tributo ao amigo que havia sido deixado para trás há alguns anos, o genial Syd Barrett. Waters queria um álbum falando de alienação, mecanização e ausência. E encontraram tudo isso na figura de Syd. O fato de Barrett visitar os amigos em estúdio exatamente quando eles estavam gravando esse disco é algo que só engrandece a história, já que ele poderia muito bem ter ido às sessões de qualquer outro álbum, mas resolveu ir logo nessa ocasião. Sempre penso que ‘Shine On You Crazy Diamond’ é de certa forma irmã de ‘Echoes’, com suas longas viagens sonoras baseadas na guitarra de Gilmour. ‘Have A Cigar’ fala da ganância da indústria musical e critica os chefões das gravadoras. Com a recusa de Gilmour e Wright em cantar essa letra crítica, a solução ficou no convite à Roy Harper, um cantor e compositor de folk rock inglês. Em ‘Welcome To The Machine’ temos alguns resquícios das experimentações com sintetizadores tão usados no álbum anterior. É claro que não podemos esquecer de comentar a faixa título, superconhecida mesmo em quem não tem ideia do que realmente é o Pink Floyd. Conheço pessoas que pegaram uma certa birra da música por causa da sua mega exposição. Mas a culpa, se pudemos usar essa palavra para isso, é da própria canção, ou no caso, dos compositores, já que a faixa é maravilhosa!

Animals (1977)

Muitos dizem que a partir de Animals (1977) Roger Waters assumiu o controle do direcionamento musical da banda. Discordo disso, já que ele exercia esse controle desde Atom Heart Mother (1970). A diferença é que além de compôr as músicas, ele resolveu que seria o cantor principal. Daí vem a minha teoria de que se Gilmour tivesse assumido os vocais totalmente em Animals (1977) e, quem sabe, uma ou outra música de The Wall (1979), a formação clássica teria durado mais. Em Animals (1977) as letras não são pessoais, o que não o obrigaria a interpretá-las. Dessa vez o conceito lírico foi inspirado pelo livro Animal Farm, (George Orwell), ou como ficou conhecido aqui na língua portuguesa; Revolução dos Bichos. É importante falar que a Inglaterra na época estava mergulhada em recessão e o conceito do livro foi bem aproveitado para se adaptar as aflições do homem comum da época. Se o conceito dessa vez não foi criado por Waters, podemos dizer que continuou a característica crítica e contrária ao status quo. O álbum é formado basicamente por três longas canções, sendo que uma delas está dividida em três partes. ‘Pigs On The Wing (Part 1)’ é um rápido início só com Waters na voz acompanhado de uma linha simples de violão. Em ‘Dogs’, Gilmour divide a composição, além de cantar parte da música, única faixa do disco em que isso acontece. O solo de guitarras dobradas dessa música é uma das coisas mais belas feitas pela banda. O que chama a atenção de quem ouve os álbuns em sequência é a simplicidade musical do álbum, com a utilização de poucos efeitos de estúdio como acontecem principalmente nos dois álbuns anteriores. Não há solos de saxofone, não há vozes femininas, loops de fitas, nada. Só a guitarra, baixo, bateria e teclados. Quando escutamos a próxima canção, ‘Pigs (Three Different Ones)’, percebemos que a genialidade dos músicos é fantástica. A simplicidade citada é transformada em uma faixa que faz sua melodia, principalmente a do início, ficar na sua cabeça por muito tempo. Em ‘Sheep’ temos novamente a simplicidade tomando conta, principalmente no baixo de Waters até chegar a um solo de sintetizador, só para contrariar o que venho dizendo até agora. Para fechar, ‘Pigs On The Wings (Part 2)’ repete a primeira parte somente modificando a letra. Animals (1977) é outro clássico inquestionável!

The Wall (1979)

The Wall (1979) já foi dissecado no blog Consultoria do Rock. O detalhamento dos irmãos Machado foi tão grande que praticamente não sobrou nada de novo para se falar. Bem, isso não é novidade, já que esse é um dos discos mais famosos de todos os tempos, e todo mundo conhece alguma coisa dele. É impossível analisá-lo apenas como um álbum. Tanto o filme quanto os shows acabam criando algo que transcende apenas o caráter musical. É um espetáculo para ouvir, ver, se surpreender, se emocionar e, após tudo isso, louvar a genialidade das pessoas que o criaram. Suas músicas apresentaram o rock progressivo para ouvintes que não tinham nada a ver com o estilo. Os menos apaixonados dizem que esse álbum poderia ser simples. Mas mesmo aquelas faixas que muitos acham desnecessárias são importantes para o conceito do álbum. Não entendo como que uma faixa como ‘What Shall We Do Now?’ não entrou no disco. Sua duração já era tão longa que pouco mais de dois minutos não faria diferença. Aliás, faria diferença sim, já que é uma das mais marcantes passagens do filme com sua crítica ao consumismo e superficialidade das pessoas que já tem de tudo, e mesmo assim, têm um vazio que precisam preencher. A título de curiosidade, em The Wall (1979) a banda volta a estampar na capa do disco o nome Pink Floyd, algo que desde Ummagumma (1969) não acontecia. Não posso deixar de citar a maravilha que foi o show que vi da recente turnê de Roger Waters aqui pelo Brasil. É algo que vai além do caráter musical!! Em 2000, a turnê original de The Wall (1979) foi lançada no ao vivo Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980 – 81 (2000), um belo resgate ao vivo desse importante momento na carreira do grupo.

The Final Cut (1983)

Essa é a perfeita continuação para The Wall (1979). Waters detalha mais as suas aflições pela perda do pai quando era apenas um bebê. É estranho falar isso, já que melodia é algo que sempre foi uma característica forte do Pink Floyd, mas acho esse álbum mais carregado de melodia do que o disco anterior. O mesmo acontece com a emoção passada em The Final Cut (1983), e Waters se mostra um excelente intérprete de músicas carregadas de apelo emocional. Fico sempre com um gostinho de quero mais quando ouço o que seria o refrão de ‘The Post War Dream’. É um desperdício algo tão bom ser repetido apenas uma vez. Felizmente o mesmo não acontece com ‘Your Possible Pasts’. Esse foi o primeiro trabalho com uma formação diferente desde A Saucerful Of Secrets (1968). Wright deixou a banda após a turnê de The Wall (1979) e, ironicamente, foi o único que realmente teve lucro dela. The Final Cut (1983) tem a maior cara de álbum solo de Waters, e, se o considerarmos assim, é o melhor de todos. A própria apresentação do mesmo deixa isso nas entrelinhas. O álbum é dedicado à seu pai, Eric Fletcher Waters, e é apresentado como A Requiem For The Post War Dream By Roger Waters. Na edição presente no box Oh, By The Way (2007) está uma música que até então só tinha entrado no filme The Wall, ‘When The Tigers Broke Free’, em que ele descreve como seu pai foi convocado para a guerra, o local da batalha em que foi mandado e posteriormente morreu, com trinta e um anos de idade, e como foi receber a carta que informava do fato. Emoção à flor da pele! Arrepiante! Tenho uma ligação muito forte com esse disco. Antes de conhecer Pink Floyd mais profundamente, tinha contato apenas com as músicas clássicas e não as conectava com álbuns específicos, e esse foi o segundo, após o The Wall (1979), que absorvi completamente. Conheço todas as passagens e é difícil de decidir qual delas descrever. Se tiver uma só passagem que marca The Final Cut (1983) é a passagem de ‘The Gunners Dream’ em que a voz se transforma perfeitamente em um solo de sax. Crítica à guerras em geral é a tônica, e a que mais exemplifica isso é ‘Get Your Filthy Hands Off My Desert’. ‘The Fletcher Memorial Home’ é outra carregada de emoção com outro ótimo trabalho vocal de Waters. Nessa faixa ele cita a América do Sul, devido à guerra da Inglaterra contra a Argentina pelas ilhas Malvinas, ou Falklands para os ingleses. A participação de Nick Mason e Gilmour é mais discreta, como já era de se esperar, mas isso não impede que os excelentes solos de Dave apareçam e sejam destaques. A faixa título relembra algumas coisas dos álbuns Wish You Where Here (1975) e Animals (1977). Sua estrutura é a que mais apresenta unidade, já que as outras talvez não façam tanto sentido quando ouvidas sozinhas. ‘Not Now John’ antecipa musicalmente um pouco o que viria nos próximos discos, com a adição de vozes femininas em coro. Aliás, nesse álbum, músicos de estúdio foram adicionados para a sua gravação, o que também se tornaria recorrente nos dois próximos registros. A bela e harmoniosa ‘Two Suns In The Sunset”’fecha o álbum e a participação de Roger Waters no Pink Floyd. Fica claro que, apesar de ter uma personalidade tão forte, ela não foi grande o suficiente para sobrepor a de David Gilmour. A história depois disso todos conhecem. Brigas nas justiça, muita roupa suja lavada em público, egos arranhados e feridas abertas de difícil cicatrização. Aqui, de certa forma, acaba aquela banda com sonoridade dos anos 70.

A Momentary Lapse Of Reason (1987)

Foi publicado no blog Consultoria Do Rock, há um tempo atrás, uma matéria comentando a eterna dúvida que paira na cabeça de todos os fãs de Pink Floyd: ‘Existe Pink Floyd sem Roger Waters?’ (leia AQUI). No texto comento que os dois discos feitos sem ele mais pareciam discos solos de David Gilmour do que da banda inglesa, e que seria mais adequado serem lançados sob seu nome. Wright estava de volta à banda, mesmo sendo tratado mais como um músico contratado do que um integrante oficial, após ser demitido e ficar um pouco sumido durante esse tempo (provavelmente estava na sua ilha particular na costa da Grécia). Desde The Dark Side Of The Moon (1973) que a banda vinha fazendo álbuns conceituais, e isso de cara se mostra diferente. A maior crítica que o álbum recebeu à época foi que a qualidade das letras havia caído drasticamente. A modernização do som da banda é evidente e o grupo passa a solicitar vários músicos de estúdio para a gravação dos discos e para as turnês. Nada menos do que cinco tecladistas, incluindo Wright, trabalharam no álbum. Também é necessário citar as participações de Carmine Appice, Tony Levin e Bob Ezrin, só para citar os mais conhecidos. As músicas são bem orientadas para teclados e os costumeiros solos perfeitos de Gilmour como em ‘On The Turning Away’. ‘One Slip’, uma das melhores do álbum, tem uma dinâmica muito interessante, chegando a lembrar alguma coisa que o The Alan Parson’s Project fez no início da década de 80. A produção caprichosa deu uma sonoridade quase pop, como a suave ‘Learning To Fly’, na qual vozes femininas dobram a voz de Gilmour em uma canção que fala sobre sua outra paixão, os aviões. O músico também é piloto e tem, ou teve, uma empresa de aviação. ‘Sorrow’ fecha o álbum que é irregular, mas mesmo assim nos presenteia com belas canções. A turnê desse disco foi registrada no VHS/DVD e LP/CD ao vivo Delicate Sound Of Thunder (1989).

The Division Bell (1994)

Claramente muito melhor que o anterior, e contando com ótimas músicas, é um pouco esquecido entre os fãs da banda e do progressivo em geral, apesar que vejo essa fase do grupo mais como art rock do que progressivo. A impressão de estarmos ouvindo um disco solo de Gilmour fica ainda mais evidente do que em A Momentary Lapse Of Reason (1987). Gostaria de deixar claro que ao repetir esse tipo de opinião não estou desmerecendo o que o Pink Floyd fez depois da saída de Waters, até porque gosto muito mais da carreira solo de Gilmour do que a de Waters. O maior destaque é ‘High Hopes’, uma música com a clara assinatura do Pink Floyd em uma abordagem um pouco mais moderna. ‘Keep Talking’ (com a voz de Stephen Hawking), ‘Wearing The Inside Out’ e ‘Marroned’ estão um pouco atrás. Tive uma grande dificuldade de escolher e citar apenas essas músicas, já que deixei outras que gosto de fora. Isso mostra que o álbum é muito bom independentemente do que muita gente tenta transparecer. Muitos relacionam as letras de The Division Bell (1994) com a fase final de Waters no grupo. ‘A Great Day For Freedom’ seria uma alusão à queda do muro, no sentido de libertação que a banda teve com a saída de Waters. Em ‘High Hopes’ há uma gravação de um telefonema de uns quinze segundos que muitos juram que seria uma ligação de Gilmour para Waters. Vocês sabiam que a capa é uma fotografia real? Isso mesmo. O que isso quer dizer? Que eles realmente construíram aquelas duas estátuas de metal só para isso. Nessa época também surgiu o Enigma Publius, que seria um quebra cabeças criado pela banda e até mesmo um prêmio para quem o solucionasse. Esses são alguns dos pequenos gestos que mostram a grandeza dessa banda. Com The Division Bell (1994) eles fecham a carreira por cima.

Última aparição da banda junta no Live8 em 2005

Como complemento, a discografia do Pink Floyd pós-1973, além de diversas coletâneas simplesmente caça-níqueis, apresenta três importantes coletâneas e mais um álbum ao vivo. As coletâneas são A Collection Of Great Dance Songs (1981), The Works (1983) – com destaque para a inédita versão de estúdio para ‘The Embryo’ – e Echoes: The Best Of Pink Floyd (2001). PULSE (1995), traz material gravado na turnê de The Division Bell (1994), destacando seu formato original, o qual traz uma lâmpada de LED que pulsa imitando a batida de um coração. Genial como toda a carreira do Pink Floyd.

Gov't Mule - 1996-03-29 - Boston, MA

Gov't Mule

1996-03-29

Mama Kin Music Hall

Boston, MA

Soundboard Recording

320 kbps

Artwork Included

CD 1:

01. crowd

02. Pygmy Twylyte >

03. Blind Man In The Dark

04. Trane >

05. Eternity's Breath jam >

06. Thelonius Beck

07. Mr. Big* >

08. Temporary Saint >

09. Game Face >

10. Painted Silver Light >

11. Presence Of The Lord >

12. Birth Of The Mule

13. Don't Step On The Grass, Sam

CD 2:

01. John The Revelator >

02. Mule >

03. Thank You >

04. Mule**

05. encore call & Mule merchandise plug

06. Goin' Out West

07. The Same Thing

08. Gonna Send You Back To Georgia >

09. Young Man Blues >

10. Good Morning Little School Girl >

11. Young Man Blues

* Never In My Life riff

** "Where's Jack Bruce? Where the hell's Ginger Baker?" substition in "Mule".

1996 - Em 1994, Warren Haynes e o baixista Allen Woody do The Allman Brothers lançaram um projeto paralelo chamado Gov't Mule. Haynes e Woody, que eram fãs de power trios como Cream e Jimi Hendrix Experience, recrutaram Matt Abts para tocar bateria. A nova banda, carinhosamente conhecida por seus fãs como The Mule, lançou seu álbum de estreia autointitulado em outubro de 1995. Esta gravação da placa de som captura The Mule cerca de 6 meses após o lançamento desse disco, em 29 de março de 1996, 27 anos atrás hoje, Em Boston.

MUSICA&SOM

Don Henley - 1990-03-30 - Hollywood CA

Don Henley

MTV Unplugged

1990-03-30

Hollywood Center Studios

Hollywood, CA

FM Broadcast

320 kbps

Artwork Included

xx. End of the Innocence (not broadcast)

01. Introduction by Jules Shear > MTV jingle

02. The Heart Of The Matter

03. The Best Of My Love

04. Come Rain Or Come Shine

05. Desperado

1990 -Embora o MTv Unplugged estivesse no ar desde 1989, tornou-se “o show a se fazer” em 1991, graças à aparição de Paul McCartney, que mais tarde foi lançado como um álbum. O produtor do show, Alex Coletti, disse que se McCartney não tivesse lançado o disco, o conceito nunca teria ganhado o status de culto que passou a desfrutar. O show recebeu outro impulso em 1992, quando Eric Clapton gravou sua apresentação em 16 de janeiro para o álbum Unplugged, apresentando uma reformulação acústica de Layla. O disco vendeu 10 milhões de cópias e ganhou 6 prêmios Grammy, incluindo Gravação do Ano, Álbum do Ano, Canção do Ano, Melhor Performance Vocal Pop Masculina, Melhor Performance Vocal Masculina de Rock e Melhor Canção de Rock. Don Henley entrou no movimento Unplugged antes de Macca e Slowhand torná-lo moda, jogando blog, aparecendo em 30 de março de 1900, 33 anos atrás hoje,

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