quinta-feira, 10 de agosto de 2023

Crítica - Beverly Glenn-Copeland : "The Ones Ahead"

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Crítica

Beverly Glenn-Copeland

 : "The Ones Ahead"

Ano: 2023

Selo: Transgressive

Gênero: Art Pop, Soul

Para quem gosta de: ANOHNI e Lonnie Holley

Ouça: Stand Anthem e Love Takes All

Beverly Glenn-Copeland é o típico caso de um artista que, mesmo em atuação desde o início dos anos 1970, teve seu reconhecimento tardio. Redescoberto ao longo da última década por conta do cultuado Keyboard Fantasies (1986), trabalho em que se aventura de forma exploratória pela produção eletrônica, o músico regressa agora com o primeiro álbum de inéditas em quase duas décadas, The Ones Ahead (2023, Transgressive). São nove faixas em que o compositor norte-americano se permite transitar por diferentes estilos, ritmos e possibilidades em um permanente exercício de renovação da própria identidade criativa.

Música de abertura do disco, Africa Calling é um claro exemplo desse resultado. Ponto de reconexão do artista com os próprios ancestrais, a composição aponta para o continente africano no uso ritualístico da percussão e vocais, porém, partindo de um senso de atualização que faz lembrar dos encontros entre Brian Eno e David Byrne no início da década de 1980. Nada que a música seguinte, Harbour (Song for Elizabeth), com seus pianos e vozes sóbrias não deem conta de perverter, fazendo da declaração à própria esposa um exercício de confissão sentimental que evoca a dramaticidade de nomes como ANOHNI e Nick Cave.

Essa mesma carga dramática, porém, utilizando de uma abordagem transformada, pode ser percebida na posterior Love Takes All. Enquanto os versos se aprofundam nas dores e prazeres de um amor, arranjos cuidadosamente trabalho servem de complementos aos vocais sempre calculados de Glenn-Copeland. Um lento desvendar de informações que ainda serve de preparativo para a crescente People of the Loon, um dos pontos fortes do registro. Pouco menos de cinco minutos em que metais, coros, pianos e batidas parecem trabalhados de forma a potencializar as vozes densas e sentimentos incorporados pelo artista.

Com a chegada de Stand Anthem, quinta faixa do disco, todos esses elementos previamente revelados pelo compositor ganham nova formatação, crescem e transportam o ouvinte para um novo território criativo. Da percussão tribal ao uso complementar das vozes e bases fortes, cada mínimo componente assume uma posição de destaque dentro da canção. Entretanto, como indicado logo nos minutos iniciais, a grande beleza do registro está na capacidade de Glenn-Copeland em perverter qualquer traço de conforto, vide a mudança de direção imposta pela faixa-título, um soul colossal que parece resgatado da década de 1970.

Passado esse momento de maior comoção, Glenn-Copeland desacelera consideravelmente em Prince Caspian’s Dream. Mais do que um respiro momentâneo e talvez livre da sensação de impacto que marca o restante do trabalho, a faixa funciona como um aceno para as ambientações testadas pelo artista no já citado Keyboard Fantasies. É como se uma fina tapeçaria instrumental caísse sobre o disco, estrutura que projeta de forma ainda mais sensível na canção seguinte, Lakeland Angel, música que partilha de um série de elementos previamente apresentados em Love Takes All, mas que convence por meio das emoções.

Partindo desse direcionamento climático, Glenn-Copeland abre passagem para a faixa de encerramento do trabalho, No Other. Assim como as composições que a antecedem, a música parte de uma base pré-estabelecida, porém, ganha novos contornos e cresce na colorida sobreposição dos elementos. São vozes que se conectam aos cantos ritualísticos da canção de abertura e, mais uma vez, se completam pelo uso da percussão, texturas e bases sintéticas, proposta que não apenas traz de volta uma série de componentes testados ao longo do registro, como ainda apontam para diferentes fases na carreira do norte-americano.



ROCK ART

 




Justen O'Brien & Jake - Time Will Tell 1978

 

Ignorada na época de seu lançamento em 1978, a palavra finalmente saiu no álbum Time Will Tell de Justen O'Brien & Jake. Nos últimos anos, ele apareceu nas listas de desejos de colecionadores sérios e até mesmo nas listas de reprodução de algumas estações de rádio underground nos EUA. Talvez eles estejam no caminho certo? Bem, se você gosta de rock no estilo da Costa Oeste dos EUA com um toque de psicodélico, não procure mais.

Comparações foram feitas com Bob Smith, Michael Angelo e Dr. Hooker, mas você pode ir mais fundo do que isso. Certamente há estilos vocais de Arthur Lee lá, e alguns dos ritmos da música lembram o período de Love's Forever Changes. Em outras faixas, há a qualidade assombrosa de HP Lovecraft, mas isso não é uma homenagem ao passado: o som de Time Will Tell é muito próprio.


MUSICA&SOM




Pharoah Sanders - Karma 1969


O terceiro álbum de Pharoah Sanders como líder é aquele que o define como músico até os dias atuais. Após a morte de  Coltrane , embora houvesse muitos procurando fazer música espiritual que englobasse suas ideias e anseios enquanto seguia em frente, ninguém apareceu com o produto até Sanders nesta data de 1969. Existem apenas duas faixas em Karma, a de mais de 32 minutos "The Creator Has a Master Plan" e a de cinco minutos e meio "Colours". A banda é uma das melhores de Sanders e conta com o vocalista  Leon Thomas , o baterista  Billy Hart ,  Julius Watkins ,  James Spaulding , um pré-funk  Lonnie Liston Smith ,  Richard Davis ,  Reggie Workman no baixo e  Nathaniel Bettis  na percussão. "Creator" começa com uma citação de "A Love Supreme", com um aceno para a  contínua influência de Coltrane sobre Sanders. Mas algo mais surge aqui também: o profundo compromisso de Sanders com o lirismo e seu conhecimento agora inerente da respiração oriental e técnicas modais. Sua capacidade de usar o ostinato tornou-se não uma forma de manter uma melodia no lugar enquanto as pessoas solavam, mas uma maneira de impulsioná-la irreprimivelmente para frente. Mantendo seu alcance limitado (pelos primeiros oito minutos de qualquer maneira), Sanders explora todas as cores ao redor das figuras-chave, construindo gradualmente a dinâmica enquanto a banda compõe o tema de dois acordes por trás com vários graus da invenção timbrária. Quando  Thomas entra aos nove minutos, a pista começa a abrir. Seu yodel libera o tema e a seção rítmica para inventar ao seu redor. Aos 18 minutos explode, precipitando-se num silêncio tão profundo quanto ruidoso na sua aproximação. Sanders está tocando microfonia e soprando para o céu e  Thomas  está gritando. Eles estão deixando o mundo material completamente. Quando chegam ao próximo plano, livres de constrangimentos modais e intervalares, surge um novo tipo de lirismo, não dependente do tempo mas do ritmo, e  Thomas  e Sanders são apenas dois improvisadores num universo sonoro de ritmo e dimensão mundiais. Não há nada para descrever a euforia que se sente quando esta música termina, exceto que "Colours", com  Ron Carter  se juntando  a Workman no baixo, era a única faixa que poderia segui-lo. Você não pode acreditar até ouvir.  

MUSICA&SOM


Atila - The Beginning Of The End 1975

 

O grupo catalão de Girona foi formado em 1973. Esta é uma das bandas mais lendárias e procuradas da Espanha, eles lançaram três álbuns. Mudanças muito frequentes na formação levaram à separação em 1978. Em 1999, o grupo se reuniu novamente, já com uma formação atualizada. 



















God Bless - God Bless 1975

 

God Bless é uma banda de rock indonésia fundada em 1970 por Ahmad Albar, Jockie Soerjoprajogo, Fuad Hassan, Donny Fattah e Ludwig Lemans. Mas Lemans deixou a banda pouco tempo depois para retornar à Holanda e foi substituído por Ian Antono.



















The Kinks - Arthur, Or The Decline And Fall Of The British Empire 1969


Arthur (Ou o Declínio e a Queda do Império Britânico) estende os temas de orientação britânica da  Village Green Preservation Society , contando a história da decisão de um homem de Londres de se mudar para a Austrália durante o rescaldo da Segunda Guerra Mundial. É um ciclo de música detalhado e amoroso, capturando as minúcias da vida suburbana, o efeito entorpecente da burocracia e os horrores da guerra. No papel, Arthur soa como uma bagunça pretensiosa, mas  as letras e percepções de Ray Davies raramente foram tão graciosas ou habilmente executadas, e a música é notável. Um caso de rock mais ousado e pesado do que  Village Green, Arthur é tão multifacetado musicalmente quanto liricamente. "Shangri-La" evolui do folk inglês para o hard rock, "Drivin'" tem uma graça preguiçosa, "Young and Innocent Days" é uma balada adorável e melancólica, "Some Mother's Son" é uma das canções antiguerra mais intransigentes já gravadas. , enquanto "Victoria" e "Arthur" balançam com alegria simples. A música torna as palavras mais profundas e as canções nunca se afastam muito do assunto do álbum, tornando Arthur um dos álbuns conceituais mais eficazes da história do rock, bem como um dos melhores e mais influentes discos pop britânicos de sua época. 

MUSICA&SOM 



As 100 melhores músicas de hip hop dos anos 90

Continuando com nossa monografia sobre a história do rap, que convidamos a ler e ouvir depois de ler esta entrada (com links disponíveis no final), desta vez é hora de falar sobre as melhores músicas de hip hop dos 90 e os rappers mais influentes desta década. Para esta ocasião, como nas anteriores, criamos uma playlist do Spotify que inclui 100 músicas organizadas em ordem cronológica e alfabética, nessa ordem.

Dessa forma, como quase sempre tentamos alcançar, podemos ver a evolução do gênero no período de 10 anos que observamos, comprovando também por que alguns artistas de rap dos 90 são considerados totens-chave do sucesso geral em todo o mundo. Entre eles, como você pode imaginar, estão os grandes nomes do hip hop dos anos 90 em inglês, principalmente da Costa Oeste e da Costa Leste, especialistas em gangsta rap, mas também há espaço para o jazz rap, neosoul, conhecido como rap consciente e outros subgêneros pelos quais muitos outros rappers famosos dos anos 90 passaram.

Como sempre, esperamos que você goste da nossa lista de músicas de hip hop dos anos 90, esperando que a limitação de 100 sons não o impeça de cavar mais fundo em busca de outras joias escondidas, como algumas das que estão aqui. Porque acreditámos na variedade, apesar de destacar, como verá, muitos daqueles que espera que estejam entre os melhores. Portanto, confiamos que você desejará experimentar nossa lista de reprodução e também se inscrever.

Seleção das melhores músicas de rap dos anos 90

Entre algumas dessas músicas de rap dos anos 90, encontramos o Digital Underground com The Humpty Dance, de quando o gênero não era tão monopolizado por caras durões e o lema “thug life”, apesar de neste grupo ter surgido colaborar um 2Pac muito jovem. Há também os comerciais U Can’t Touch This (de MC Hammer) ou The Power, de SNAP!, que também nos dão uma visão do poder que o hip hop tinha então sobre o house e outros subgêneros da eletrônica e da música. . E, claro, muitos grupos de hip hop dos 90 que ficaram para a posteridade por saberem unir suas personalidades para dar obras-primas ao seu público, como Wu-Tang Clan.

Dito isso, vale a pena lembrar que não colocamos nenhum limite no rap dos 90 aqui, desde que sejam bons, quão reais eles são depende de você, bem como seu fluxo e nível em contraste com os outros. Não nos sentamos, apenas abrimos as mãos para um dos gêneros que mais gostamos. Como Will Smith (embora não por abrir a mão, mas por incluí-lo na lista sendo o mais comercial), Jump de Kris Kross ou brancos como EminemBeastie Boys, no lado apreciado, ou o que fez Vanilla Ice com Ice Ice Baby, por exemplo.

Can I Kick It?, de A Tribe Called Quest (1990)

É impossível falar do rap americano dos anos 90 sem antes mencionar dois de seus principais redutos. Um é A Tribe Called Quest, o outro grupo vem logo depois.

Originalmente formado por Q-Tip, DJ Ali Shaheed Muhammad, Jarobi e Phife Dawg, esse grupo se formou no final dos anos 80 no Queens, o famoso bairro de Nova York, onde se formou como parte do Native Tongues Posse, dividindo palco também com Queen Latifah e Jungle Brothers, embora seu nome atual tenha sido recebido através de Afrika Bambaataa.

A música Can I Kick It?, além de ser notável pelo uso do sample Walk On The Wild Side de Lou Reed (embora você também possa ouvir Spinning Wheel, Sunshower ou Fun de Sly And The Family Stone), é seu maior sucesso comercial, levando os subgêneros Conscious e Jazzy Hip-Hop a outro nível no início da década.

Fight the Power, de Public Enemy (1990)

Os rappers dos anos 90 com a estética mais lembrada de todos os tempos, possivelmente, e não só pelo enorme relógio no colar que MC Flavor Flav quase sempre usa, que representa o tempo como o elemento mais importante em nossas vidas.

Em Fight the Power, música que apareceu na trilha sonora de Do the Right Thing (filme de Spike Lee), estamos sem dúvida diante de uma das melhores músicas de hip hop dos 90 e da história, com letras conscienciosas que falam sobre os problemas da sociedade com governo e poder, convidando a lutar contra todas as injustiças que exerce através de alguns de seus estamentos. A renovada canção de protesto dos anos 60 aos 90.

Nuthin but a G’Thang, de Dr. Dre & Snoop Dogg (1992)

hip hop dos anos 90 e 2000 não teria sido o que é sem a presença de Dr. Dre nos controles da produção e a forma de rap de Snoop Doggy Dogg (como se chamava no início de sua carreira). Além, é claro, de elevar o conceito de gangsta rap aos altares, renovando preceitos, formas de entender colaborações e produções.

Tanto o álbum The Chronic quanto o single Nuthin but a G’Thang serviram ao rapper para manter o respeito de outros rappers e fãs após o fim do NWA e as más vibrações iniciais que ele teve com Ice Cube (sendo o primeiro a deixar a formação). Claro, transformar essa música em um hit de gangsta rap americano em 1992 fez muitos hoje pensarem nela como algo convencional, apesar de ser um clássico total do rap.

It Was A Good Day, de Ice Cube (1992)

It Was A Good Day é um dos muitos sucessos da carreira de Ice Cube, considerado por muitos, inclusive neste blog, como sua melhor música. Em resumo, estamos sem dúvida diante de mais um clássico do hip hop dos 90, mostrando que, apesar de não continuar com o resto do grupo de Compton, a separação nos permitiu não perder esses materiais.

Atrás do mixer, o produtor DJ Pooh estava desenhando um sample da música de 1978 dos Isley Brothers, Footsteps In The Dark. Liricamente, Ice Cube está no seu melhor como contador de histórias, aqui com uma sátira fria sobre a impossibilidade de ter um bom dia no quarteirão. Solidifica ainda mais Ice Cube como um dos melhores rappers da América, tornando seu álbum The Predator um clássico que confirmou o já mencionado DJ Pooh como mestre em encontrar samples perfeitos para o flow de seus colegas.

Sound of da Police, de KRS-One (1993)

KRS-One, nome artístico do rapper e produtor Lawrence Krisna Parker (que é sigla para “Knowledge Reigns Supreme Over Nearly Everyone”, em português “o conhecimento reina sobre quase todos”), nos deu em 1993 uma música que misturava três estilos em um e quase único: gangsta, consciente, mas também ragga hip hop.

‘Sound Of Da Police’ foi um sucesso enorme e explosivo por um bom motivo. KRS-One mistura e constrói a música com grande sabedoria e compreensão do efeito que têm de gerar. Como um lembrete de seus talentos além do rap.

Hip Hop Hooray, de Naughty By Nature (1993)

Apesar de lançado como single em 92, o álbum 19 Naughty III do trio Naughty By Nature é tão icônico (da capa às músicas), que quisemos incluí-lo aqui nessa ordem. Além disso, estamos diante de uma música que teve um enorme impacto na sociedade americana, o que fez deste Hip Hop Hooray um grande sucesso em discotecas, clubes e festas em todos os estados.

Who Am I (What’s My Name)?, de Snoop Dogg (1993)

O álbum Doggystyle continua sendo um dos álbuns de rap mais importantes, fazendo de Snoop Doggy Dogg em 1993 o rapper que mais discos vendeu com seu primeiro trabalho. Seu estilo muito próprio, misturando gangsta rap com aquele G-Funk em particular, se destaca especialmente em Who Am I (What’s My Name?), um clássico do rap dos anos 90 com um dos nomes que parece ter resistido à prova de todos e continuar no centro das atenções e ser respeitado.

Big Poppa, de The Notorious B.I.G. (1994)

É claro que não podemos destacar todas as músicas de rap dos anos 90, mas não poderíamos deixar de fora pelo menos uma de The Notorious B.I.G., outro dos grandes nomes da década, apesar de sua curta carreira devido à sua trágica morte.

Big Poppa pertence a Ready to Die, seu álbum de estreia, que foi produzido e lançado pela Bad Boy Records, de propriedade de seu amigo Sean “Puffy” Combs (Puff Daddy), Easy Mo Bee, Chucky Thompson, DJ Premier e Lord Finesse, entre outros. O álbum apresentava letras parcialmente autobiográficas contando as experiências de Biggie como um jovem criminoso.

O mais triste é que Ready to Die é seu único álbum de estúdio lançado enquanto ele ainda estava vivo, pois ele foi morto poucos dias antes do lançamento de seu segundo álbum, Life After Death (em 1997).

Gangsta’s Paradise, de Coolio (1995)

Uma das coisas mais legais do hip hop dos 90, de todas as coisas legais nele, é a parte de produção de tirar o que soa melhor de outras músicas. Nesse sentido, Gangsta’s Paradise não é excepção, aqui com uma variação de “Pastime Paradise”, do sempre grande Stevie Wonder, embora alterando ligeiramente a letra do refrão.

Além desse detalhe, a música de Coolio é lembrada por aparecer no filme Mentes Perigosas, estrelado por Michelle Pfeiffer, onde uma professora branca dava uma aula em um instituto do bairro com alunos problemáticos (em geral).

Changes, de 2Pac (1998)

Terminamos nossa seleção do melhor rap dos anos 90 com 2Pac, como é lógico. Embora, aqui, com uma música que foi lançada após sua morte, que ocorreu em setembro de 1996.

Essa música, que seria mais uma amostra de tudo que 2Pac teria gravado antes de ser assassinado, fez parte de seus Greatest Hits publicados em 1998. Uma coletânea que contém a maioria dos singles lançados de 2Pacalypse até o álbum Don Killuminati, mas onde Changes é inédito. Também tinha Hit ’em Up, uma música quase cult, pelos motivos que o levaram a gravá-la e publicá-la como single, mas também porque não estava em nenhum outro trabalho de longa duração.

Por fim, observe que a base de Changes é tomada de The Way It Is de Bruce Hornsby, além de ter a música Set It Off de Strafe como sample de bateria.

 

Os 50 maiores álbuns AOR de todos os tempos, segundo a revista “Classic Rock”.

 

A revista “Classic Rock”, divulgou em seu site a lista dos “50 maiores álbuns AOR de todos os tempos”. Nas palavras da revista: “AOR é o som que saiu dos EUA e se tornou a trilha sonora de milhões de vidas em todo o mundo – um som definido por hinos atemporais. Aqui apresentamos os 50 maiores álbuns AOR de todos os tempos, incluindo alguns dos discos mais vendidos na história do rock.”

50. Alexa – Alexa (1989)
49. Eric Martin – Eric Martin (1986)
48. The Storm – The Storm (1991)
47. Cher – Cher (1987)
46. Drive She Said – Drive She Said (1989)
45. Lou Gramm – Ready Or Not (1987)
44. Pat Benatar – Seven The Hard Way (1985)
43. Joe Lynn Turner – Rescue You (1985)
42. Icon – Nights of the Crime (1985)
41. Asia – Asia (1982)
40. Aviator – Aviator (1986)
39. Night Ranger – Midnight Madness (1983)
38. Tyketto – Don’t Come Easy (1990)
37. Valentine – Valentine (1990)
36. Bad English – Bad English (1989)
35. Heart – Heart (1985)
34. LeRoux – So Fired Up (1983)
33. Balance – In For the Count (1982)
32. Unruly Child – Unruly Child (1992)
31. Jefferson Starship – Freedom at Point Zero (1979)
30. Survivor – When Seconds Count (1986)
29. Loverboy – Get Lucky (1981)
28. White Sister – Fashion by Passion (1986)
27. Giant – Last of the Runaways (1989)
26. John Waite – No Breaks (1984)
25. Styx – Paradise Theatre (1981)
24. Foreigner – Agent Provocateur (1984)
23. Strangeways – Native Sons (1987)
22. Boston – Third Stage (1986)
21. Dare – Out of the SIlence (1988)
20. Richard Marx – Richard Marx (1987)
19. Driving for Peals – Driving for Pearls (1989)
18. Survivor – Eye of the Tiger (1982)
17. Michael Bolton – Michael Bolton (1983)
16. FM – Indiscreet (1986)
15. Steve Perry – Street Talk (1984)
14. New England – New England (1978)
13. Toto – Toto (1978)
12. Foreigner – Foreigner (1977)
11. Mr. Mister – Welcome to the Real World (1985)
10. Reo Speedwagon – High Infidelity (1980)
09. Michael Bolton – Everybody’s Crazy (1985)
08. Journey – Raised on Radio (1986)
07. Night Ranger – Dawn Control (1982)
06. Toto – Toto IV (1982)
05. Journey – Frontiers (1983)
04. Survivor – Vital Signs (1984)
03. Foreigner – 4 (1981)
02. Boston – Boston (1976)

01. Journey – Escape (1981)

Ouça: “Don’t Stop Believin'”




ALBUM DE ART ROCK

 

Fernando Kabusacki - Luck (2011)


 Décimo álbum solo do discípulo argentino de Robert Fripp. Aqui temos Fernando Kabusacki de Rosario junto com Alejandro Franov, Javier Martinez, Fernando Samalea e um exército de músicos e cantores para criar uma obra que obviamente tem a influência de Fripp, Byrne/Eno, Belew, Laurie Anderson, mas também tem espaço para o jazz, a canção e até o folclore argentino, numa digressão de 28 temas onde tudo acontece e para todos os gostos, temas reunidos numa colagem cheia de versatilidade, experimentação e o espírito lúdico que caracteriza este original artista, num disco que é uma requintada caixa de Pandora de onde emergem maravilhas delicadamente regadas com os fios de um universo sonoro inesgotável.

Artista: Fernando Kabusacki
Álbum: Luck
Ano: 2011
Gênero: Art Rock
Duração: 75:37
Referência: Discogs
Nacionalidade: Argentina


Começamos a semana e o ano a todo vapor. Agora com Fernando Kabusacki, aluno de Robert Fripp e membro da The League of Crafty Guitarists , que também formou o Los Gauchos Alemanes .

Typecasting, em pessoas, implica uma classificação feita com critérios simplistas e até inflexíveis. Também podemos adicionar arbitrariamente; e, na maioria das vezes, representa uma limitação, implicando que a caixa é incapaz de realizar outra tarefa ou tarefa que exceda aquele espaço virtual.
Alguns seres humanos não acham ruim ser rotulados; pelo menos implica que eles são úteis para alguma coisa (seja isso bom ou ruim). Embora às vezes nada seria preferível, não sei se me entendo...
Às vezes o typecasting é, digamos, necessário para que mentes menos aguçadas (eu ia colocar "obtuso" mas me pareceu um termo "sério") possam discernir que determinada pessoa se dedica (de forma vaga) a determinado coisa. Mas ainda é simplista dizer que, por exemplo, um pintor é "surreal". Ajuda, claro, quando você está bêbado e tentando explicar a um neófito quem era Salvador Dali. Mas você e eu sabemos (sabemos?) que tal afirmação é insuficiente, injusta e, oh meu Deus, blasfema.
É por isso que quando dizemos de um artista que "ele não pode ser rotulado", o estamos tacitamente elogiando; Nós automaticamente associamos isso com liberdade, rebeldia, autoconfiança, singularidade. Portanto, um músico que não pode ser classificado como pombo é único. E permitam-me então incluir o violonista, compositor, produtor e arranjador Fernando Kabusacki na (e desculpem a contradição) caixinha do "único".
O que pode ser tomado de diferentes maneiras. Pode haver o fato teórico de Fernando Kabusacki se dedicar a apenas uma coisa, diferente do que existe e que o distingue. Mas também existe a possibilidade de ele se dedicar a tantas coisas que justamente impossibilita a estereotipagem.
E não me diga que estou te deixando tonto, que isso me deixa louco.
Fernando Kabusacki é um músico talentoso, curioso, inquieto, perseverante, estudioso, paciente, sensível, criativo e, enfim, necessário. Sua ficha de serviço impressiona, sua versatilidade impressiona e parece ter uma premissa que emergiu de seu inconsciente: desconcertante.
E ele consegue, com todo sucesso.
Uchihashi Kazuhisa e as assinaturas seguem; e que gere a sua carreira sem grandiloquência ou ostentação, com algo que de uma forma (ou de outra) poderíamos definir como "low profile".
Não é difícil deduzir então que, na prévia, cada álbum aparece como uma incógnita interessante. Seu novo CD, Luck, contém nada menos (e nada mais) que 28 (vinte e oito) composições originais do guitarrista; difícil de rotular, difícil de categorizar, difícil de (desculpe-me) classificar. Mas facilmente agradável. Porque nesta espécie de “road-record” que Kabusacki oferece, há subidas e descidas, curvas à direita e à esquerda, acelerações e desacelerações. Há imprevistos, é claro. E surpresas. Mas não solavancos desnecessários ou buracos desestabilizadores.
Kabusacki opta por uma jornada sonora equilibrada, agradável e sutil; mas não complacente e sim com alguns traços de desconforto auditivo para os desavisados. Mas ao invés de considerar Luck como um álbum de 28 faixas, parece mais correto referir-se a ele como uma experiência sonora de aproximadamente 75 minutos. A jornada, comandada por suas guitarras elétricas, sintetizadores e uma chamada virtual (espécie de guitarra transformada em outras guitarras, olha só) é fascinante, oscilante, atraente, intrigante. A sorte conduz-nos pela música minimalista, rock, eletrónica, noise, pop, soul, clássica, contemporânea, jazz, folk, western, aquela espécie de “neo Sketches of Spain” que é Toledo… com referências a extrações infinitas que remetem para um mundo único: o mundo Kabusacki.
A sorte oferece tantas arestas que, graças a um extraordinário trabalho de produção, elas se unem em um quadro onde não importa que as contribuições de seus companheiros de viagem sejam claramente manifestadas. Tudo parece (e está) baseado em um projeto global, abrangente, com instrumentos e vozes nos momentos certos e, geralmente, nas doses certas.
Kabusacki não foi tentado e não cometeu o erro de bombástico. O uso de silêncios, de espaço, é permitido, oxigena uma obra que foi concebida e merece ser ouvida do começo ao fim (e se for com fones de ouvido, muito melhor), com momentos lúdicos (Mysterious Rosario), um breve piano solo (Piano), flashes ingênuos que remetem à infância (La niña del día, Capullito azul, El espíritu de la alegría), ares de single de sucesso (Suerte!, The Saints in Heaven), étnico (The heat), intensa reflexão ( People of the World, El pibe, Tema de amor), um estranho “jazz cidadão parisiense” (La provincia invisível), um pseudo calypso (Em meu coração, para sempre), um falso bolero cubano –cantado em espanhol e italiano- ( Não me diga que você me ama) e, apesar do que o próprio Kabusacki possa pensar sobre isso, várias passagens experimentais.
Fernando Kabusacki demonstra mais uma vez em Luck que é preciso ajudar a sorte; que se cercou de músicos que souberam contribuir com o necessário para a causa; essa inspiração (nem um pouco escassa) sempre parece encontrá-lo trabalhando.
E ele fez um álbum magnificamente feito, não atribuível à fortuna.
Embora você possa se sentir realmente sortudo.
E nós, ouvindo, também.

Marcelo Morales




Em entrevista à ECDL, Fernando Kabusacki disse-nos que “ A sorte é o registo com o qual realmente acabei mais satisfeito na minha carreira ”. Uma vez que o mesmo Vernon Reid (guitarrista do Living Colour) descreveu Kabusacki como "um guitarrista impressionantemente original e poderoso, cujo maior valor é sua humanidade e clareza de visão", ele deve ser tido em alta consideração não apenas por músicos e jornalistas –em cujas esferas goza de um merecido respeito- mas também do público. A ECDL já tinha feito a cobertura de um excelente concerto de Kabusacki no Virasoro Bar , a sua segunda casa “musical”.
Sua riquíssima obra, materializada em “Luck”, apresenta todos os diferenciais que se podem exigir de um músico: excelente interpretação, convidados de alto nível, sonoridade própria e excelente produção e arranjos. O álbum é composto por vinte e oito temas que são um caleidoscópio de sons ao serviço de momentos específicos. Tal como um diário de estrada, “Luck” escreve páginas em que vão coexistir diferentes ritmos, mas nunca no formato previamente estabelecido por cada género, mas sim com uma reviravolta. A possibilidade de um músico trocar de capa, com versatilidade, bom gosto e sem nada ser forçado, é um dos pontos mais marcantes de um excelente disco. Você pode ouvir músicas para dançar como "Suerte" e depois mergulhar em uma viagem sonora como "Toledo",
Passando de uma peça 100% urbana como “It's only light” a loops que vão e vêm sob o nome de “El espíritu de alegría”, enquanto as vozes e o acordeão desenham várias melodias. Uma baguala eletrónica (“Halconcito pigón”) convive com um blues (“Lady's gone”) e um chamamé do século XXI (“El Burrito”) mistura-se com um crooner (“In my heart forever”). "Anjo de luz" é um excelente exemplo de todos os itens acima. A guitarra toca com os teclados e as vozes levam-nos numa viagem a diferentes ambientes.
O álbum é 100% coerente em sua proposta e seu direcionamento. Não é um pastiche de sons, mas uma caixa de música riquíssima que deixaria a própria Pandora com ciúmes. A montagem do quebra-cabeça sonoro em formato de canção é admirável. Para muitos pode soar cinematográfico, para outros, pinceladas melódicas e haverá muito mais visões que serão corretas. Porque Kabusacki é um músico inquieto e ousado, a metamorfose constante é como as mudanças de pele que permitem o crescimento de um artista. Kabusacki sofre mutações, transforma-se e cresce, distribuindo essas joias em formato de CD. Cada nota tem sua razão de ser, assim como cada silêncio, porque a música é feita de sons e silêncios. Kabusacki entendeu perfeitamente e como o capitão desta jornada musical, ele conhece suas pausas e ritmos, sem cair na vertigem da velocidade desenfreada ou no ego de exibir suas habilidades como tocador de seis cordas. A sutileza é outro dos grandes aliados de Kabusacki assim como seu bom gosto para levar o ouvinte pelo rock, música contemporânea, eletrônica ou pop sem perceber.
Entre os convidados que teve para este álbum, que é uma verdadeira seleção de músicos, Fernando Samalea (de quem em breve também teremos notícias), Santiago Vázquez, Alejandro Franov, Paula Schocron, Maria Eva Albistur, Alejandro Oliva, Gabriel Spiller, Mariana Pereiro e Maia Mónaco (estes quatro integrantes do El Diablo en la Boca, cujas apresentações já comentamos ), Bárbara Togander e Rosario Ortega, entre outras.
A beleza na concepção e realização deste disco permite a alegria de quem tiver a sorte de ouvi-lo. Ou, em todo o caso, vá a um concerto de Kabusacki para apreciar que a boa música não precisa de grandes estádios nem de apetrechos hollywoodianos, mas sim de uma interpretação que conjuga sabiamente talento, conhecimento e boas melodias. Ser um bom músico nunca sai de moda e Fernando Kabusacki é um deles.

Daniel Gaguine

Você pode ouvi-lo em seu espaço no Bandcamp:
https://kabusacki.bandcamp.com/album/luck




Lista de faixas:
1 El Capitan
2 The V-Bass
3 Piano
4 Suerte!
5 The monks
6 La niña del día
7 Toledo
8 It's only light
9 Rosario misteriosa
10 Capullito azul
11 The Saints in Heaven
12 The heat
13 People of the world
14 Tumbleweeds I
15 El espíritu de la alegría
16 El pibe
17 El molinero
18 La provincia invisible
19 Tema de amor
20 Angel of light
21 Como el agua clara
22 In my heart, forever
23 El burrito
24 No me digas que me quieres...
25 Tumbleweeds II
26 Lady's gone
27 Halconcito pichon
28 Mi árbol de lilas

Formação:
- Fernando Kabusacki / guitarra elétrica, virtual, sintetizado
Músicos convidados:
Fernando Samalea, Santiago Vázquez, Javier Martínez, Gabriel Spiller, Alejandro Oliva / Bateria e percussão
Miguel Bossi, Marcos Rocco / baixo
Paula Shocron / piano , Rhodes
Matías Mango / teclados Alejandro Franov / teclados,
acordeão
Mussa Phelps / bandejas, samples
, sintetizador Maxi Trusso, Bárbara Togander, Victoria Zotalis, María Eva Albistur, Rosario Ortega, Mariana Pereiro, Maia Mónaco, Uma Kabusacki / vocais

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