Excelente banda do cenário progressive/power metal oriunda da Suécia, o Evergrey entrou novamente em estúdio para gravar e produzir seu oitavo álbum de estúdio que chega às lojas neste mês: Glorious Collision.
O Evergrey sempre se mostrou uma banda em constante inovação, adicionando novos elementos a cada álbum e evitando ser repetitiva. Porém, já nos últimos dois álbuns, Monday Morning Apocalypse e Torn, o seu som já vinha pecando um pouco pela falta de criatividade em alguns momentos, o que só fez se confirmar com este novo trabalho. As músicas não são ruins, nenhuma delas, mas também não há nada de surpreendente, nada que nos faça por no nível de Recreation Day ou outras pérolas dos suecos.
Dois pontos bastante explorados antes e que perderam força foram o uso de coros e a utilização do teclado. Os coros davam uma leve pitada sinfônica nas composições do grupo, tornando-as mais diversificada, o que foi bem aproveitado em álbuns como Solitude, Dominance, Tragedy e In Search Of Truth, mas infelizmente aparece rápido e raramente agora, sendo em Out Of Reach uma das suas poucas aparições. E o teclado já não tem tanto destaque como antes, com performances até soberbas e eruditas; parece só fazer acompanhamento atualmente.
Outro fator que provavelmente possa ter prejudicado a banda é a mudança quase completa do seu line-up. O guitarrista Henrik Danhage, o baixista Kainulainen e o baterista Ekdahl sairam ano passado e desfalcaram bastante o grupo. Mas apesar disso, a vocalização do fantástico Tom Englund está impecável como de costume, com sua voz muito técnica, e esse é o grande destaque do disco.
Entre as faixas que merecem mais atenção estão a abertura Leave It Behind Us; Wrong e Frozen, ambas com suas belas melodias; e especialmente outras duas: Free que relembra e muito o clima de In Search Of Truth, nos fazendo viajar na sua melancolia e ... And The Distance, também muito bonita.
Infelizmente Glorious Collision não é o que os fãs esperavam e desejavam, até pelo já comprovadíssimo talento do Evergrey. Talvez até agrade os mais fissurados, mas até eles não acharão um grande passo na carreira da banda. Agora é esperar pra ver como eles se sairão daqui pra frente.
Originalmente fundada em 1982 como uma banda de "space pop psicodélico" por Gary Masters (Gary Moonboot, guitarra), Kim Russell (Kim Oz, vocal) e o guitarrista Gary Twining. Wayne Buaku (baixo) e Jim Lacey (bateria) completaram a banda. Mais tarde, eles formaram seu próprio selo Fungus Records e começaram a trabalhar juntos também com a Magick Eye Records. Kim Russell tornou-se Kim Masters.
Logo depois que Marc Hunt (também conhecido como Swordfish) substituiu o baterista Jim Lacey em 1989, eles começaram a explorar o território Ambient-Dub (e eventualmente Goa/Trance/House) com seu projeto paralelo Astralasia. Embora os membros ainda se considerassem principalmente a Magic Mushroom Band, o Astralasia foi um grande sucesso desde o início, e eles logo passaram mais tempo no projeto paralelo do que na formação original. Após a saída dos membros fundadores Gary Moonboot e Kim Oz, a banda está "em espera" desde 1995. O projeto paralelo Astralasia ainda está vivo e ativo.
Grand Slam é uma compilação valiosa composta por faixas dos três primeiros álbuns de Babe Ruth, que representam o melhor material da banda. Todas as músicas deste pacote de sucessos mostram o estilo enérgico e hard rock progressivo de Babe Ruth, com um toque dinâmico de fusão de jazz de fluxo livre que evolui do sax tenor e da flauta de Steve Gregory. O conjunto traz sete faixas do álbum Amar Caballero de 1974, cinco de seu álbum de estreia e quatro do álbum autointitulado de 1975, destacando os vocais corpulentos, mas enfáticos, de Janita Hahn. Mesmo que o órgão Mellotron e Hammond de Alan Shacklock dê à música um certo toque progressivo, é na verdade a mistura das guitarras e do trabalho de percussão que dá à maior parte das músicas seu nervosismo e profundidade rock. Cortes como "The Mexican", "Doctor Love, As faixas do álbum Babe Ruth, especialmente "Jack O'Lantern" e "Fistful of Dollars", mostram uma tendência casual em direção a um futuro mais rock, o que foi confirmado em lançamentos posteriores (e mais fracos) como Stealin' Home e Kids Stuff from the meados dos anos 70. Embora o First Base seja uma audição sólida, o Grand Slam é o caminho mais oportuno para experimentar a melhor parte do rock com infusão de jazz de Babe Ruth de uma só vez. As faixas do álbum Babe Ruth, especialmente "Jack O'Lantern" e "Fistful of Dollars", mostram uma tendência casual em direção a um futuro mais rock, o que foi confirmado em lançamentos posteriores (e mais fracos) como Stealin' Home e Kids Stuff from the meados dos anos 70. Embora o First Base seja uma audição sólida, o Grand Slam é o caminho mais oportuno para experimentar a melhor parte do rock com infusão de jazz de Babe Ruth de uma só vez.
A1 Ide A Mim Dada (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) A2 Diamante De Mendigo (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) A3A Ilha Da Fantasia (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) A4 Na Rodoviaria (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) B1 Por Quem Os Sinos Dobram (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) B2 O Segredo Do Universo (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) B3 Dá-Lhe Que Dá (Oscar Rasmussen, Raul Seixas) B4 Movido A Álcool (Oscar Rasmussen, Raul Seixas,Tânia Menna Barreto) B5 Requien Para Uma Flor (Oscar Rasmussen, Raul Seixas)
1993 -Para o Grateful Dead, 1993 foi um ano difícil, depois que Jerry Graci se recuperou de mais um problema de saúde sofrido em meados de 1992. Garcia realmente não estava em condições de voltar à turnê em 1993, mas sentiu o peso de sendo a fonte de renda da equipe fiel da banda e a necessidade de atender às expectativas dos fãs. Os shows do Dead ficaram mais curtos em 1993, e os momentos de improvisação mágica foram poucos e espaçados. Emblemático disso, apenas 2 shows de 1993 foram lançados oficialmente. ainda assim, apesar desses problemas, a banda estreou 5 músicas originais em 1993 - Easy Answers, Liberty, Lazy River Road, Eternity e Days Between - ao mesmo tempo que incluiu 4 músicas de 1992 - So Many Roads, Wave To The Wind, Way To Go Home e Corrina - em seus set lits. A banda também lançou uma série de novas músicas cover em seus shows de 1993, incluindo Lucy In The Sky With Diamonds, I Fought The Law e Broken Arrow. Esta gravação de soundboard de Richfield de 14 de março de 1993, três décadas atrás, é uma representação sólida do ano da banda - um pouco de magia durante Terrapin e Stella Blue, uma série de músicas novas e um cover de I Fought The Law para acabar com o noite.
Uma verdadeira maravilha! Esta versão tem as 2 primeiras faixas diferentes do picture disc da Rhino Recors do mesmo ano, enquanto a reedição em formato CD de 2009 inclui todas elas, mas nem quero ouvir porque vai me soar estranho.
Uma das melhores, mas subestimadas bandas da história da música.
Como muitos de nós, Neil Young entrou em reclusão em 2020, em busca de distanciamento social e segurança viral na natureza enquanto a pandemia de COVID-19 varria o planeta. Ele manteve contato por meio de apresentações transmitidas de seu esconderijo, mas a vida em turnê desse roqueiro clássico e cantor folk essencial estava em espera por tempo indeterminado, mesmo quando o mundo da música voltou aos tropeços à vida. Ninguém sabia dizer quando – ou se – ele voltaria aos palcos. Ontem à noite (30 de junho) em Los Angeles, Young encerrou seu longo hiato, lançando sua primeira turnê desde 2019 com um solo intimista carregado de raridades e alguns de seus maiores sucessos, incluindo “Heart of Gold” e “Ohio”. Para Young e seus fãs, o obscuro e o familiar sempre tiveram o mesmo peso. Aos 77 anos, Young segue em frente com…
…sua música de sentimento profundo, e nem a ferrugem nem os anos acumulados fizeram muito para atrasá-lo.
Para começar seu retorno à ação, Young escolheu o Ford Theatre, com capacidade para 1.200 pessoas, do outro lado do cânion do Hollywood Bowl, muito maior. Ele toca em arenas e grandes anfiteatros há 50 anos e raramente aparece em locais pequenos (como o amado honky-tonk de Los Angeles, o Palomino, em 1984), então o local do teatro de 90 anos de sexta-feira foi uma declaração sobre como começar as coisas de volta. escala humana. Young chegou vestido para o Coastal Tour com tema de trem em tons de azul desbotado e cinza, salpicado de tinta branca nas costas, a aba de um boné de engenheiro caindo sobre a testa.
Ele começou a noite com uma escolha surpreendente, “I'm the Ocean”, um épico de guitarra de seu álbum Mirror Ball de 1995 com o Pearl Jam. A música foi um grande destaque daquele álbum, mas Young não a toca ao vivo desde 1997, de acordo com Setlist.fm. A reinterpretação acústica talvez tenha capturado algo de seu atual estado de espírito, com letras declarando: “Pessoas da minha idade/elas não fazem as coisas que eu faço/elas vão a algum lugar/enquanto eu fujo com você”.
…Young também tocou “Song X” do mesmo álbum, desta vez na guitarra elétrica, enquanto pisava nos pedais de efeitos para um riff pesado e luxuoso, desaparecendo com uma explosão de reverberação.
“A Dream That Can Last” foi tocada em piano vertical, com a execução imprecisa de Young apenas aumentando o charme de sua melodia vibrante. “Estou tão feliz por estar aqui antes da IA chegar”, ele brincou. Seguindo os tons brilhantes e pesados de “Prime of Life”, Young caminhou até o piano de cauda para “When I Hold You in My Arms”, com a guitarra elétrica ainda pendurada no ombro. Uma joia esquecida de Are You Passionate? de 2002 ? , e gravada originalmente com Booker T. & the MG's, a música começou com uma alegre melodia de piano antes de Young girar em seu banquinho para soloar na guitarra uma linha de blues suavemente abrasadora, batendo os calcanhares de ambos os pés no ritmo enquanto tocava.
Se o desempenho de Young no Ford às vezes parecia inventado à medida que avançava, os contornos eram meticulosamente planejados e ritmados. Os membros da equipe entravam e saíam silenciosamente do palco para entregar um violão a Young ou trocar o banco do piano por um banquinho, ou ocasionalmente adicionar um breve acompanhamento no piano ou tocar um pequeno xilofone. Atrás dele, um modelo de trem estava parado em um trilho, que Young não conseguiu mover quando chegou – o único problema da noite.
As luzes foram mantidas baixas e Young foi um anfitrião divertido entre as músicas, enquanto brincava sobre ter encontrado seu velho órgão décadas antes “em uma loja de sucata na Main Street em Redwood City” e pago apenas US$ 800 para trazê-lo para casa. “Sou um bom comprador”, disse ele, rindo.
Quando ele ficou ao lado do órgão e pediu à multidão que escolhesse entre “Mother Earth” ou “Mr. Soul”, muitos na multidão previsivelmente gritaram por este último, um dos primeiros estripadores de seus dias em Buffalo Springfield. Isso pode ter sido apenas uma provocação, já que Young logo estava de volta ao órgão tocando os acordes pesados e majestosos de “Mother Earth”, uma escolha melhor e mais emocionante para a noite.
Depois de uma furiosa “Ohio” na guitarra elétrica, veio uma comovente “Days That Used To Be”, que relembrava sua geração de idealistas e os compromissos que se seguiram à década de 1960. Gravada originalmente com Crazy Horse em 1990, sua mensagem foi mais devastadora como uma balada acústica, como cantou Young, "parece uma coisa tão simples seguir o próprio sonho / mas posses e concessões nem sempre são o que parecem... mas nunca tivemos para fazer esses negócios / nos dias que costumavam ser.”
Outro tema importante da noite, e de toda a sua carreira, foi a defesa do meio ambiente. Ele começou o bis tentando fazer o público cantar junto o hino “Love Earth”, repreendendo com um meio sério “You suck!” quando os fãs ficaram aquém. Young encerrou com uma melancólica e emocional “Four Strong Winds”, uma canção folk originalmente gravada pela dupla canadense Ian e Sylvia antes de aparecer em seu próprio álbum de 1978, Comes a Time .
Young se despediu e foi aplaudido de pé por uma multidão lotada de fãs, amigos e familiares. Ele começou a sair, mas antes que as luzes se acendessem, ele se virou e voltou ao centro do palco a tempo de terminar mais uma coisa: finalmente fazer aquele modelo de trem funcionar.
Enraizada em gêneros acústicos conhecidos por contar histórias conectivas e frases subversivas, Jessye DeSilva é uma cantora e compositora cujo forte trabalho vocal faz bom uso desses ângulos para criar composições importantes e oportunas sobre questões relacionadas à identidade e ao empoderamento. Seu terceiro LP, Renovations , baseia-se em um catálogo impressionante e em uma plataforma crescente. DeSilva, não binária e trans, não perde tempo em esclarecer Renovations com o dístico de abertura (de “Dysphoria”): “Não quero ser seu projeto de justiça social / tenho trabalho suficiente para fazer sozinho”. Dentro dessa única salva, DeSilva se apresenta como um livro aberto com uma cara corajosa – um sinal do que está por vir no resto de Renovations, um álbum corajoso…
…documentando de forma vulnerável sua luta com uma infinidade de assuntos.
“Proud and Lonely” é um número esparso e mais lento que é um belo destaque em Renovations . Com Alex Calabrese no violão e Cecilia Vacanti no violino, o vocal classicamente treinado de DeSilva encoraja o ouvinte a “deixar de lado aqueles ossos pesados que você carrega com você” enquanto se baseia em imagens naturais vívidas para ilustrar a tensão titular.
DeSilva entra em conflito com o sonho americano em “Let It Burn” e documenta o desconforto de sua infância por ter crescido na igreja como filho de pastor aos “domingos”. Mas DeSilva não é um artista raivoso em guerra com sua arte musical. A faixa-título revela como eles ainda estão aceitando alguns aspectos de quem são, usando uma analogia de uma casa sendo reformada para se descreverem como “Ainda não estão prontos para serem vistos… Não estão prontos para ver quem eu deveria ver”. ser."
Essa vulnerabilidade é o que faz com que o último álbum de DeSilva pareça importante tanto para o artista (e para sua própria autocompreensão) quanto para o ouvinte, especialmente aqueles cuja experiência pode espelhar a deles. Há músicas triunfantes aqui, com certeza, como “Firecracker”, mas o grito de “Clouds” é o que perdura por mais tempo. “Querido, não consigo contar quantas vezes fui encarado / Mas posso somar em uma mão as vezes em que realmente fui visto”, canta DeSilva. “Merecemos viver nossas vidas fora das margens.”
