sexta-feira, 15 de setembro de 2023

The Mothers of Invention – Freak Out! (1966)

Logo ao primeiro disco, Zappa anuncia ao que vem: derrubar todas as estúpidas hierarquias que separam a boa música dela própria.

Quando Zappa se apresenta ao mundo em 1966 fá-lo com o estrondo de Freak Out!: um disco-duplo, conceptual e vanguardista que mudou a face da pop. Até os Beatles, que são os Beatles, assumem a sua dívida, reconhecendo-o como uma influência para Sgt. Peppers. Cremos não ser necessárias mais credenciais.

Mais tarde, Zappa dar-nos-ia obras superiores mas o projecto estético de toda uma vida já é anunciado neste disco-manifesto: valorizar toda a mixórdia de sensibilidades diferentes, desde que… soem bem. Tudo vale, por mais incongruente que possa parecer: pop e música erudita, alta e baixa cultura, o rigor da composição e a espontaneidade da improvisação, o gosto duvidoso e a beleza depurada, a inocência do doo-wop e a lascívia do blues.

Se estas tensões se sentem em cada canção, elas são mais evidentes na divisão do álbum em dois: o primeiro disco com uma toada mais pop e o segundo com a fritaria atonal mais desbragada. Não digam nada aos vossos amigos hipsters mas confessamos a nossa preferência pelo disco I. Nele encontramos algumas das melodias mais acessíveis e memoráveis de todo o seu cancioneiro, o que nunca foi nenhum pecado, antes pelo contrário.

O disco II, menos interessante porque demasiado cacafónico, redime-se, porém, através da canção mais emblemática do álbum: o blues rock dylanesco de “Trouble Every Day”. Sendo o tema sério – os motins raciais de Watts -, Zappa suspende a sua habitual paródia de tudo e de todos, descrevendo com uma gravidade inesperada os tumultos que então assolavam a América.

Por amar o experimentalismo, Zappa nunca foi compreendido pelas massas, mantendo-se sempre um autor de culto. Por amar a pop e a parvoíce, nunca foi aceite pelas elites como o compositor genial que era. Pela sua contestação freak da cultura dominante, sempre foi desprezado pelos conservadores. Por ridicularizar os dogmas da própria contracultura, nunca foi aceite como um igual pelos outros rebeldes. É sempre esse o preço a pagar por uma arte inteiramente livre: viver à margem, do lado de fora, numa superior solidão.



Sprain - The Lamb as Effigy (2023)

 

Sprain é uma banda que um amigo me apresentou e não fiquei muito interessado. No entanto, fiquei de olho neles, pois senti que seriam capazes de fazer algo incrível no futuro. É seguro dizer que eu estava certo. Com "The Lamb as Effigy", Sprain consegue criar um disco que explode seus tímpanos com misturas puras de post rock, noise rock, ruído áspero e muito mais. A ansiedade que toda essa experiência de 96 minutos exala é totalmente desconfortável e brutal. O principal exemplo dessa ansiedade é a faixa final. A faixa começa com pura e intensa mania e improvisação antes de se tornar quase silenciosa, apenas interrompida por acordes de guitarra e puro ruído áspero, passagem vocal que muda de um sussurro quase choroso para alguns dos cantos mais poderosos que já ouvi neste década.

Como um todo, The Lamb as Effigy é a porra das regras. É um dos discos mais bem feitos, alucinantes, impressionantes e ansiosos que ouvi na memória recente.



Wire - Chairs Missing (1978)

 

Chairs Missing é um dos discos pós-punk mais inusitados. Imediatamente após Pink Flag, Chais Missing é uma mistura de faixas ainda mais atonal. Começando com A prática leva à perfeição, é um bom resumo do que você espera. Um riff de baixo que começa suave, mas depois se torna abrasivamente mais misterioso e desesperado à medida que a faixa avança.

Chairs Missing apresenta os dois extremos do talento de Wire: a astúcia e a simpatia. Eu uso essa palavra porque ela basicamente captura faixas mais peculiares como Another Letter ou I Feel Mysterious Today. Muito do que Wire está fazendo ainda é o primeiro desse tipo. Não creio que nenhuma atmosfera pós-punk ainda estivesse nas águas da produção ambiental (Marooned), e é definitivamente um empate com Devo na curadoria de músicas que soam ridículas e sérias ao mesmo tempo (Men 2nd). Mas só porque Wire foi pioneiro nisso antes da maioria dos outros artistas não significa que este seja um álbum perfeito. Com quinze músicas de duração, Wire oferece músicas que soam de esforço e interesse pessoal variados. Sand In My Joints e Used To não parecem se importar tanto com isso quanto fizeram uma música como Being Sucked In Again. Em um contexto tão amplo, com certeza todas essas músicas funcionam juntas sob o rótulo Chairs Missing by Wire, mas é um trabalho que é mais palatável em alguns momentos do que em outros. Dito isto, ainda recomendarei que qualquer pessoa que esteja iniciando uma jornada no Pós-Punk ouça os três primeiros álbuns do Wire (Pink Flag, Chairs Missing e 154) devido ao nível de mérito artístico e esforço genuíno colocado neles.

Em Chairs Missing você ouvirá lados de Wire que são bizarros, mas extremamente divertidos (Being Sucked In Again), alguns pós-punk bastante medianos (Mercy and Sand In My Joints) e surpreendentemente um novo lado de Wire que os transforma em singles. agir (Outdoor Miner e I Am The Fly). Alcançar um status acessível por meio da típica bobagem que todos nós amamos no Wire.



The Magnetic Fields - 69 Love Songs (1999)

 

Desde o início, 69 canções de amor de Stephen Merritt se assemelha a uma obra-prima em todas as suas faculdades; depois que suas camadas sutis e delicadas são removidas a cada audição, não resta dúvida de que este é realmente um disco monumental. Apesar de levar um ou dois álbuns para realmente se recuperar, o projeto Magnetic Fields de Merritt estabeleceu condições para o nicho que deveria explorar com Charm of the Highway Strip, de 1994, com os dois álbuns seguintes, Holiday e Get Lost, promovendo a posição de Merritt como músico. Voltando à discografia de Magnetic Fields, é uma alegria traçar a construção de 69 Love Songs - a maneira como Merritt proclama seus conceitos em uma paródia pop tão vívida atinge seu ritmo com Holiday, e 69 Love Songs é aparentemente o auge disso. realização temática,

Como o título do disco sugere, todo o álbum é movido pelo amor em todas as suas formas: do desgosto à pura alegria; de novos começos a uma saudade desesperada. Muitas críticas foram feitas ao álbum por seu suposto 'preenchimento' - agora é claro que com tantas faixas haverá naturalmente uma música que qualquer pessoa não gostará muito (até eu, o amante que Merritt nunca teve, ignore alguns em particular), mas a pungência substancial encontrada na maior parte deste disco não pode passar despercebida. Dói-me saber que existem pessoas que simplesmente não conseguem apreciar ou talvez compreender a genialidade do estilo de Merritt, mas infelizmente o fazem, e qualquer afirmação de que este disco é uma coleção excessivamente longa de canções de synth-pop insípidas e brandas é ignorante para o maiores profundezas de frustração.

A força motriz dos Campos Magnéticos é, sem dúvida, a sagacidade lírica de Merritt – a simplicidade das suas palavras é inspiradora face ao quão comoventes podem ser, e os conceitos por detrás das suas canções individuais são muitas vezes infantis ao extremo. É claro que isso faz do disco a obra-prima que é. Em 69 Love Songs, Merritt canta sobre não acreditar no sol ('I Don't Believe in the Sun' - 'como ele poderia brilhar para todos, mas não brilhar para mim?'), transando como coelhos ('Let's Pretend Somos coelhinhos' - 'vamos fazer isso o dia todo'), precisando de um novo coração ('I Think I Need a New Heart' - 'tudo sai errado a menos que eu coloque em uma música') e uma infinidade de outras canções imaginativas. Músicas fofas como 'I Think I Need a New Heart' ou 'Absolutely Cuckoo' são muito cativantes, mas ainda assim se movem através dos encantos de Merritt,

Sem dúvida, algumas músicas são muito mais agradáveis ​​do que outras – o cerne do disco é a atração que todos os seus pequenos fragmentos emocionais podem proporcionar, desde a felicidade mais revigorante que você já sentiu até as profundezas do pessimismo. Merritt dá cada passo entre esses dois extremos, e é sua composição imaculada que consegue cumprir o sentimento infinito que ele aspira capturar. Embora a maior parte do álbum seja muito agradável, e algumas faixas talvez possam ser esquecíveis, a força das músicas verdadeiramente perfeitas do disco é simplesmente surpreendente. 'Epitaph For My Heart' é uma dessas músicas, um pedaço de gente hipnotizante que invoca todo sentimento existencial em um frenesi desolado e sem amor - 'Deixe este ser o epitáfio do meu coração / Cupido colocou muito veneno no dardo / Este é o epitáfio do meu coração / Porque ele se foi, se foi '. Mesmo nos momentos mais frágeis, Merritt nunca parece perder seu humor seco - a frase de 'Quem vai lamentar a passagem do meu coração / Seus pequenos excrementos subirão nas paradas pop' da faixa mencionada, resumindo muito a ironia e a autoconfiança de Merritt. abordagem parodiante de sua própria música.

O conteúdo lírico de muitas das canções de Merritt é na verdade bastante cômico, mas ainda assim consegue ser sincero e comovente, uma justaposição que resume o talento de longo alcance de Merritt. Uma escuta atenta de algumas letras da música é toda a prova desse fato. 'Bitter Tears' é uma das faixas mais deprimentes de 69 Love Songs, e é impulsionada pela frase 'Bitter lágrimas me mantêm indo / Através dos anos fluindo livremente / O que você fez / Apenas uma arma poderia parar essas lágrimas amargas'. É um mero elogio à composição de Merritt que ele consiga deixar sua inteligência aparente, seja de maneira sutil ou tão contundente quanto um tijolo na cara. Na verdade, a franqueza e a natureza direta de muitas das músicas são o que realmente chamam a atenção do ouvinte – músicas como 'I Shatter', 'Kiss Me Like You Mean It' ou 'I'm Sorry I Love You' não se escondem atrás de letras enigmáticas e apenas filtram a complexidade em letras simples. 'I Shatter' é uma das melhores faixas do disco; ouvir a frase 'Alguns se apaixonam / eu quebro' cantada pelo que parece ser um robô não é apenas comovente, mas também divertido.

69 Love Songs, aos olhos deste ouvinte, é uma obra-prima. É um disco sobre o amor e capta os sentimentos que todos sentimos, todos aqueles momentos em que os acontecimentos das nossas vidas nos fazem sentir uma série de emoções induzidas pelo amor. A natureza literal da música de Merritt é absolutamente perfeita, e estou completamente convencido de que todos encontrarão não apenas um, mas muitos sentimentos perdidos flutuando em torno deste disco, melodias e letras que eles podem agarrar e usar para sair de qualquer lamaçal. 69 Love Songs também é a obra-prima pessoal de Merritt, o ápice de seu estilo – naturalmente músicas selecionadas de qualquer um de seus outros álbuns são tão boas quanto as encontradas aqui, mas como expressão de um único conceito, 69 Love Songs é incomparável não apenas pelo trabalho do próprio Merritt, mas simplesmente no domínio geral da própria música. Os dois álbuns que sucederam 69 Love Songs mostram Merritt simplificando sua maneira conceitual de escrever álbuns, e o próximo Realism é novamente mais uma amostra da genialidade de Merritt. Se você acredita no amor, se você já amou, se você planeja amar, então ouça estas 69 canções de amor.



ROCK ART

 


BIOGRAFIA DE Andra Day

Andra Day

Cassandra Monique "Andra" Batie (San Diego30 de dezembro de 1984),[1] mais conhecida profissionalmente pelo nome artístico Andra Day, é uma cantoraatriz e compositora estadunidense. A cantora foi descoberta pelo aclamado cantor de jazz e uma das suas maiores influência Stevie Wonder, na época Day trabalhava em um shopping quando foi percebida pelo cantor. Day também apareceu notavelmente ao lado de Wonder em um comercial para Apple TV.[2][3] Lançou seu primeiro álbum Cheers to the Fall em 2015,[4] o álbum ficou na posição 48° na maior tabela musical do mundo à Billboard 200.[5] O álbum e o primeiro single Rise Up foram nomeados ao Grammy Awards nas categorias Best R&B Album e Best R&B Performance.[6]. Por sua performance em seu primeiro papel nos cinemas, no filme The United States vs. Billie Holiday, de 2020, recebeu aclamação da crítica e venceu o Globo de Ouro de melhor atriz em filme dramático, conquistou sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Atriz e pela trilha sonora, venceu o Grammy Award de Melhor Compilação de Trilha Sonora para Mídia Visual.

Biografia e carreira

Infância e adolescência

San Diego na Califórnia onde Day mudou-se com três anos de idade e foi criada.

Day nasceu em SpokaneWashington em 30 de dezembro de 1984, mas mudou-se para o sul da Califórnia aos 3 anos de idade. Ela cresceu em San DiegoCalifórnia e com sua família começou a cantar jovem na Primeira Igreja Metodista Unida em Chula VistaCalifórnia. Day também começou a fazer aulas de dança aos 5 anos (uma disciplina que ela continuou em seus 20 anos). Ela frequentou a Valencia Park Elementary School, que ela credita com a promoção de seu interesse em artes cênicas. Aos 12 anos, Day foi apresentada aos sons de vocalistas de jazz proeminentes como: Billie HolidayElla Fitzgerald e Dinah Washington, todos os quais ela conta como influências precoce em sua arte.

Day frequentou a Escola de Artes Criativas e Performáticas de San Diego, onde se formou em 2003.[2]

Carreira

2010—15: Descoberta e Cheers to the Fall

Andra Day performando no Radio City Music Hall em New York City, em março de 2016.

Após o ensino médio, Day trabalhou em cerca de 20 empregos diferentes, incluindo um como animador de crianças.[4] Em 2010, a então esposa de Stevie Wonder, Kai Millard, notou que Day estava se apresentando em um shopping de strip e chamou a atenção de seu marido.[7] Day recebeu uma chamada de Wonder logo depois. Nenhuma parceria imediata foi formada, mas os dois se reconectaram um ano depois. Wonder introduziu Day ao produtor Adrian Gurvitz naquele tempo. Gurvitz eventualmente colaboraria no álbum de estréia de Day alguns anos mais tarde.[4] Day foi contatada pela gravadora Warner Bros. Records, em parte por causa da popularidade de seus inúmeros covers e mashups em seu canal do YouTube, a maioria filmada no quarto da irmã em San Diego.[2][4] Ela fazia covers de músicas de artistas como, Jessie J,[8] Eminem[9] e a banda Muse.[10] Day também é conhecida pelo seus mashups, um que combinou Big Poppa de The Notorious B.I.G. com Let's Get It On de Marvin Gaye e outro que combinou He Can Only Hold Her de Amy Winehouse com Doo Wop (That Thing) famosa música da rapper Lauryn Hill.[7]

Discografia


Discografia de Andra Day
Álbuns de estúdio1
Extended plays (EPs)1
Singles4
Vídeos musicais4
Turnês1

A lista de discografia de Andra Day consiste em um álbum, um Extended Play, quatro singles e quatro vídeo clipes, além de uma turnê.

Álbuns de estúdio

AnoDetalhes do álbumSingles
2015Cheers to the Fall
  1. "Rise Up"

Extended plays

AnoDetalhes do EP
2016Merry Christmas from Andra Day

Filmografia

Filmes


AnoTítuloPapelNotas
2017Carros 3Sweet Tea
  • Voz [12]
  • Faturou US$ 325.6 milhões de dólares mundialmente.[13]

 



John Surman : Private City

 

cidade_privada_300O saxofonista inglês John Surman ganhou destaque pela primeira vez ao lado do artista de vanguarda Mike Westbrook em meados dos anos 60. Surman vem gravando discos em seu próprio nome desde 1969. Desde o final da década de 70 gravou de perto especificamente para a empresa ECM, que também publica Private City .

Do lado do rock (e uso o termo vagamente agora) há muitos músicos como Mike Oldfield e Vangelis , que constroem ricas paisagens sonoras para seus discos apenas no estúdio com a ajuda de gravações sobrepostas. No jazz isto é raro, o que não é surpreendente, uma vez que o jazz se baseia em grande parte na interação espontânea de músicos. Claro, músicos de jazz fizeram muitas gravações para instrumentos solo, de guitarra a piano e contrabaixo, mas uma gravação baseada em gravações sobrepostas como Private City de Surman é uma raridade.

Private City é, portanto, uma gravação inteiramente construída por Surman sozinho em estúdio. O resultado final do trabalho árduo de Surman foi uma bela música instrumental enevoada e sensível que se move em algum lugar entre o jazz e o ambiente. Os instrumentos de sopro de Surman estão firmemente no papel principal e ele acompanha o pequeno gesto elegantemente com tapetes sintetizadores, piano ocasional e até sequências de luz que felizmente são misturadas claramente no fundo.

Os saxofones de Surman tecem padrões melódicos maravilhosos e muitas vezes bastante estranhos, que muitas vezes ocorrem em muitos níveis diferentes. O saxofone barítono e o clarinete baixo geralmente criam uma plataforma luxuosa sobre a qual o saxofone soprano pode pairar. O som dos saxofones de Surman é deliciosamente suave, mas ainda assim irregular e animado. O som tem influências étnicas de todo o planeta, sem que Surman tente fazer um pastiche da música de uma determinada região. Bem, vamos admitir que "On Hubbard's Hill" se move talvez com muita clareza e raiva.

Devido à sua natureza de luz suave, Private City é adequado como música de fundo, mas também possui aderência suficiente para uma audição ativa.

Melhores músicas: "Portrait of a Romantic", "The Wizard's Song"



Destaque

Genocide Association

Genocide Association  ! Banda? Não! Projeto? Não! Piada? Sim! Resumindo, tudo aconteceu em 1983 em Nottingham. Digby "Dig" Pearson...