Jeff Rosenstock - HELLMODE (2023)

 

HELLMODE (2023)

Jeff Rosenstock

Jeff Rosenstock tem uma das carreiras mais prolíficas da música, desde seu frenético ska punk durante The Arrogant Sons of Bitches, até seus álbuns com Bomb The Music Industry, e seus atuais álbuns solo, ele tem mostrado incrível consistência com a qualidade de seus trabalhos. . Embora ele normalmente toque música punk nos domínios do Indie Rock e Pop Punk (bem como Ska Punk), ele sempre esculpiu seu som de maneiras novas e interessantes.

Este álbum é o primeiro álbum que tive a honra de ver ser lançado (talvez alguns de seus eps tenham sido lançados depois que eu gostei de sua música, mas isso é mais semântico), e estou muito feliz com o que ele lançou desta vez.

HELLMODE é um esforço de qualidade de Rosenstock, desde o primeiro single 'Liked U Better', que é uma bela faixa semi-acústica, fica claro que suas qualidades artísticas mostram variedade. 'Doubt' exemplifica isso um pouco, com seu gancho de guitarra muito solto que parece mais influenciado pelo Indie Rock e ótimas seções vocais. Não vou dizer que sou absolutamente louco pela pista; na verdade, muitas vezes repito um ciclo de 'Não vou gostar dessa faixa - depois de ouvir - caramba, é uma boa música', mais vezes do que gostaria de admitir, mas ainda é uma ótima música.

Muitas músicas também permitem ótimos momentos líricos. Sempre gosto das letras de Rosenstock, políticas, ansiosas, hinos às vezes e sentimentais em outras, mas sempre humanas e genuínas. A prosa honesta de Rosenstock felizmente ainda atinge muito bem a alma, com títulos como 'Future Is Dumb' e 'I Wanna Be Wrong' mostrando uma certa poesia contundente que muitas vezes está presente em suas palavras.

Também merecem elogios suas melodias vocais neste álbum. Seus refrões são cativantes e humildes, ele tem um talento incrível para boas melodias e este álbum mostra isso extremamente bem. 'Life Admin' é um bom exemplo de seu talento melódico.

No geral, embora eu prefira a natureza coesa de WORRY, e este álbum não pareça tão tematicamente consistente quanto seus outros lançamentos, não há dúvida de que HELLMODE é um projeto fantástico e um projeto bem-vindo para a discografia de Rosenstock.

The Chemical Brothers - For That Beautiful Feeling (2023)

 

For That Beautiful Feeling (2023)

The Chemical Brothers

O último álbum dos Chemical Brothers pode não ser tão imediato quanto o amplamente elogiado No Geography de 2018 , ele penetra lentamente e serve como um lembrete de por que os Brothers resolveram isso. É uma celebração de sua impressionante carreira de 30 anos e, mesmo assim, ainda mantém uma qualidade refrescante, consolidando a dupla como indiscutivelmente a maior banda eletrônica da história. Agora coma sua calculadora de bolso, Kraftwerk.

For That Beautiful Feeling começa forte com os sintetizadores bending, marca registrada de Tom & Ed, em Live Again . Uma reminiscência dos sintetizadores do single hino Swoon , é psicodélicamente alucinante e um verdadeiro verme de ouvido. Contém uma seção rítmica brilhante e vocais agradáveis ​​de Halo Maud.
Sem razãoera um cultivador para mim, a princípio parecia um corte seco de Born in the Echoes , do qual podemos passar sem. Mas as grandes batidas são excelentes, o baixo é descolado e o refrão viciante.
Adeus parece ser frequentemente citado como favorito entre os fãs e talvez eu entenda por quê. Os samples vocais conferem uma vibração Moby de porcelana demais. Os sintetizadores distorcidos soam bem, mas a progressão de acordes carece de originalidade e é um pouco tropada. Mesmo seu arpejo não consegue esconder isso o suficiente. Eu só acho que isso já foi feito melhor antes em músicas como Saturate . Garantido para soar massivo nos ilustres sets ao vivo do Chems; no contexto do álbum, não é o meu favorito.

A seção intermediária é onde a diversão começa. Não se surpreenda ao ouvir os Chemical Brothers tentando um pequeno Massive Attack. Magic Wand é um trip hop clássico. Você poderia jurar que eles tomaram pelo menos um chá preto com 3D, cuja simpatia agora certamente está inacabada! Se ao menos a Varinha Mágica fosse mais longa, na verdade.
Fountains contém um riff de guitarra funky e um solo perverso. Uma faixa divertida que se encaixa bem no meio do álbum e muda o ritmo.
E The Weight remonta ao apogeu de Dig Your Own Hole . Poderia até ter aparecido na tracklist do álbum clássico de 1997.

Mais adiante, temos dois golpes bem fluidos de alguns dos modernos The Chemical Brothers.
Temos pela primeira vez uma revisita do bom e velho amigo Beck no single Skipping Like A Stone . Tem um toque surpreendente de casa tropical no meio do caminho. Pode ser uma escolha óbvia para tocar no rádio, mas é eufórico e emocionante e não ficaria deslocado na peça do Burning Man. Em Dust We Trust (turvo), isso mesmo.

Então somos tratados com um alt. mix de A escuridão que você teme. Essa música sempre ficará gravada em minha mente como o single que eles lançaram perto do fim dos tempos de bloqueio cobiçosos. Acompanhado por um videoclipe maravilhoso por volta da primavera de 2021 que me levou às lágrimas naquela época. Você sentiu o retorno dos festivais, da nostalgia da cerveja noturna e da vibração comunitária. Foi um convite caloroso para viver e dançar novamente, para deixar a escuridão para trás. Nossa escuridão. Pensando nisso acredito ser o mais forte do The Chemical Brothers desde a faixa No Geography . A mixagem original continha uma pequena linha de guitarra no final da música, ausente aqui. É aquele pequeno toque, aparentemente insignificante, que muitas vezes me empolgou com eles desde que ouvi pela primeira vez o final do super hit de 1999 dos The Chemical Brothers, Out of Control .(o início de muitas obsessões por eles). Nenhuma colaboração de Bernard Sumner ou Primal Scream aqui, e no “Harvest mix” a faixa se tornou um pouco mais contundente, eletrônica e pulsante. Alguém poderia argumentar que aqui ele se encaixa melhor no contexto.

A última música também flui suavemente para o banger absoluto de For That Beautiful Feeling: Feels like I'm dreaming . Uma reminiscência de algo de Surrender misturado com um glorioso Burst Generator (confira o último, pois não é muito conhecido) e uma nova versão de Escape Velocity de Further , Feels Like I'm Dreaming acaba sendo uma faixa delirante com um final apropriadamente sonhador. Álbum mais próximo For That Beautiful Feeling

vê Halo Maud retornando. A instrumentação é linda, assim como o cenário ambiente e os vocais arejados de Maud tornam-no um mantra calmante para fechar as cortinas. Não é Dream on Sleep e muito menos The Test , ainda assim soa bonito e saudável depois de uma viagem de álbum.

Uma viagem pela estrada da memória dos Irmãos. Um tour de force no final da carreira, novamente.
Agora faça um favor a si mesmo, Não pense , e vá vê-los ao vivo. Para mais desse lindo sentimento.

Não parem o rock, Ed e Tom, nunca.

Favoritos: Viva de novo, parece que estou sonhando, varinha mágica, a escuridão que você teme e pulando como uma pedra

Yes - Close to the Edge (1972)

Close to the Edge (1972)

Yes

Por muito tempo, não consegui entender por que as pessoas elogiaram o quinto álbum do Yes . Não havia dúvida de que Close to the Edge desfrutava de sofisticação e profundidade que faziam a maior parte do rock parecer neandertal em comparação, mas não pude deixar de sentir que o álbum parecia muito aquém de sua reputação de obra-prima que superava todos os outros. Hoje, posso olhar para trás e entender por que a densidade orquestral e o fluxo em blocos do álbum podem ter feito com que ele crescesse lentamente para mim inicialmente, mas o tempo e a experiência com Close to the Edge me fizeram alinhar com as legiões de progressistas que cantam seus elogios. Eu ainda mantenho sua obra polarizadora Tales from Topographic Oceans e caotic Relayer as Yes'pico artístico, mas Close to the Edge marca a primeira vez em que a banda finalmente atingiu todo o seu potencial. É um pedaço de quase perfeição e ainda soa monumental mais de quarenta anos desde sua gravação.

Parte da razão pela qual talvez eu não tenha conseguido ver todo o brilho de Close to the Edge inicialmente pode ter sido minhas próprias experiências como ouvinte. Eu comecei minha educação progressiva com épicos mais autoconscientes, como "A Change of Seasons" do Dream Theater e Genesis .'obra perene "Supper's Ready"; por outro lado, "Close to the Edge" parecia caótico e espontâneo. Muitas das seções instrumentais da peça título parecem ter surgido de uma improvisação milagrosamente planejada; cada instrumento preenche seu lado do som com um groove e ritmo próprios. Desde o início, "Close to the Edge" renuncia às convenções que eram comuns nos épicos do rock progressivo até mesmo em 1972. Em vez de escolher dar as boas-vindas ao ouvinte com um tema ou abertura retumbante, o Yes irrompe em um redemoinho caótico de improvisações baseadas em guitarra e loucura alimentada por sintetizador. Quando a banda traz o caos à terra alguns minutos depois e adota um tipo de foco mais típico, as melodias e o calor sinfônico são refrescantes,

Onde a maioria dos épicos progressivos são mais impressionantes pela sua composição, “Close to the Edge” sempre se destacou pelo foco na performance da banda em si. Assim como uma refeição bem balanceada, há muito para manter o ouvinte ocupado e ocupado; de alguma forma cansado da guitarra brilhante e dos solos principais? Tudo bem, basta olhar logo abaixo da superfície e há uma profundidade igual nos sofisticados grooves de baixo e bateria. Ouvindo "Close to the Edge", é um prazer compreender tudo como um todo, mas escutas repetidas muitas vezes me fazem focar em uma parte da performance sem ficar menos engajado como resultado. Mesmo no rock progressivo, onde este grau de complexidade é muitas vezes uma obrigação, Tenho dificuldade em pensar em alguns outros álbuns que tenham tanta profundidade e envolvimento na performance. Para citar muitos, eu teria que começar a falar sobre jazz.

Com a notável exceção da seção lindamente suave "I Get Up, I Get Down", os dezoito minutos "Close to the Edge" permanecem focados neste elemento de performance da música. Em particular, o magistral solo chave de Rick Wakeman de quatorze minutos se destaca, não apenas no contexto da composição, mas no cânone do rock progressivo em geral. A fusão épica de diversão jazz-rock e estética clássica ocidental parece resumida aqui por Wakeman. Do ponto de vista da composição, o clímax e o final do épico são uma das coisas mais brilhantes e geniais que o Yes já fez, fundindo ideias do resto da peça em uma erupção triunfante, do tipo que você teria dificuldade em encontrar fora das tradições sinfônicas Simforam inspirados. Ainda me sinto mais atraído emocionalmente por alguns outros épicos do rock progressivo, mas do ponto de vista composicional e técnico, nenhuma outra suíte poderia competir com "Close to the Edge".
De grande destaque também são os vocais de Jon Anderson, que há muito tempo é um dos meus favoritos. Apesar disso, parece que seu desempenho no épico é o elemento mais fraco por padrão; a instrumentação costuma ser tão densa que os vocais podem ficar lotados e menos interessantes. Esse problema é totalmente sanado por “I Get Up, I Get Down”, o famoso trecho intermediário do épico, onde a banda se distancia da complexidade e deixa transparecer seu lado mais suave. Instrumentalmente, a peça se torna amplamente ambiente, filtrando quase inteiramente o elemento rock e entregando as rédeas ao calor sinfônico e à atmosfera cósmica da banda. Embora tenha a tendência de ser a palavra-chave preferida dos críticos com muita frequência, os vocais de Anderson aqui realmente merecem ser chamados de 'elevados'.

Embora o segundo lado do álbum não chegue nem perto do épico titular, "And You And I" e "Siberian Khatru" são dois de Yes'faixas mais memoráveis. Embora as músicas tenham abordagens completamente diferentes, elas estão ligadas por uma atmosfera abrangente de otimismo de verão. "And You And I" é construída em torno de uma estrutura acústica calorosamente psicodélica de Howe, e ganha fôlego com uma performance contagiante de Anderson. Embora a peça possa ser um pouco lenta para justificar sua duração de mais de dez minutos, as ideias são extraídas da mesma genialidade de "I Get Up, I Get Down". Embora eu possa ter tido reservas iniciais sobre o animado "Siberian Khatru" quando ouvi o álbum pela primeira vez, é uma ótima maneira de trazer o álbum de volta à densidade característica do épico, antes de terminar o álbum. Embora a interação entre guitarras, grooves de baixo, ritmos de bateria e texturas chave rivalizam com a complexidade testemunhada em "Close to the Edge", "Siberian Khatru" é muito menos exigente com o ouvinte, com uma atmosfera que grita dias despreocupados e camaradagem psicodélica. A guitarra de Steve Howe aqui é sofisticada e bem entrelaçada, e o tema de órgão característico de Wakeman sobre o tema principal é particularmente memorável. Mesmo que metadeClose to the Edge é significativamente mais forte que o outro, não há um momento aqui em que Yes não soe inspirado, ou 'em seu elemento'. Alguém poderia argumentar que 'And You And I' poderia ter parecido mais eficaz se alguns minutos tivessem sido raspados por trás, mas mesmo isso seria complicado.

A recente remixagem do álbum de Steven Wilson em 2013 para a Panegyric Records traz uma nova perspectiva refrescante para o álbum. O maestro do Porcupine Tree já provou seu ouvido para produção e masterização inúmeras vezes antes, e Close to the Edge não é diferente. A instrumentação parece mais viva e equilibrada do que antes, o baixo de Chris Squire em particular finalmente recebeu um merecido destaque na mixagem. Eu mencionei issoClose to the Edge é um álbum mais impressionante por sua performance centrada na banda, e este remix reconheceu esses pontos fortes e os capitalizou. Claro, uma remixagem não é tanto uma melhoria, mas sim uma nova interpretação, e há algumas partes da reimaginação de Wilson - mais notavelmente a mixagem dos vocais de fundo de Howe em "I Get Up, I Get Down" - que deveria ter sido abordado de forma diferente. O remix não é de forma alguma perfeito o suficiente para ser a nova edição “definitiva” do álbum, mas tem mudanças suficientes para garantir uma visita tanto de veteranos quanto de novatos.

Embora o rock progressivo esteja avançando há quase meio século, o gênero já havia alcançado uma maturidade e familiaridade excepcionais em 1972. Embora ainda estivesse no meio de seu pico dourado, o rock progressivo já estava começando a se sentir confortável com seu próprio conjunto de convenções. Tanto como épico quanto como álbum, Close to the Edge não evitou essas convenções, mas deu um novo toque a elas e as levou a novos patamares de sofisticação. O Yes pode ter feito coisas emocionantes em 1971 com The Yes Album e Fragile , mas no ano seguinte e Close to the Edgefinalmente os vi explorar o tipo de quase-perfeição ambiciosa normalmente reservada aos compositores eruditos e à tradicional “música artística”. Mesmo assim, não posso chamá-la de minha escolha favorita da obra quase intocável do Yes , mas Close to the Edge só continuou a crescer em mim como ouvinte. Como o próprio Yes sem dúvida sabia, a julgar pela arte da capa do álbum (que é exuberantemente contrastada por sua linda capa interna), Close to the Edge requer tempo e um certo grau de paciência para revelar sua beleza e charme, mas uma vez que essa beleza é finalmente revelada , é totalmente impossível negá-lo ou ignorá-lo.

ROCK ART

 

Mark McGuire - A Young Person's Guide to Mark McGuire (2011)

 

A Young Person's Guide to Mark McGuire (2011)

Mark McGuire

A compilação de dois discos de Mark McGuire, A YOUNG PERSON'S GUIDE TO MARK MCGUIRE, é como voltar para casa. Para alguns, isso pode significar voltar para casa de verdade, para aquele lugar caloroso e acolhedor que está sempre disponível para eles. Para outros, pode significar algo totalmente diferente, como descobrir o amor de suas vidas que levou metade de uma vida para ser encontrado. Seja qual for o caso, esta é música para onde está o coração.

“The Marfa Lights” é uma aventura excepcional, uma viagem alucinante aos limites da consciência, onde a realidade alternativa encontra a imaginação. Sintonize e exploda. “Icy Windows” é tudo menos gelado. Seu toque irreprimível de guitarra parece dizer: “Ceda” – à música, à vida, ao conhecimento de que tudo vai ficar bem. Os riffs de “Time Is Flying” são tão quase perfeitos que somente o Reino de Deus poderia soar melhor. E “Céus”? O corte certamente faz jus ao seu nome: variável, com bastante luz do sol fluindo através das chuvas torrenciais. A repetição e o desenvolvimento dos acordes da guitarra nesta música são simples, claros e bonitos. Se existe alguma música mais verdadeira por aí do que essa, eu digo: “Traga”. A faixa final do segundo disco, “Inside Where It's Warm”, vomita um acorde de guitarra ainda mais distante do que em “Skies”. É um acorde no qual eu gostaria de pular e seguir para onde quer que as ondas sonoras vão – e até em casa.

Young Marble Giants - Colossal Youth (1980)

 

Colossal Youth (1980)

Young Marble Giants

Colossal Youth é um álbum verdadeiramente único. É um pós-punk dificilmente reconhecível como pós-punk, principalmente devido ao seu minimalismo extremamente distinto.

Os instrumentais da maioria dessas músicas consistem em apenas uma única guitarra, um baixo e uma bateria eletrônica tocando uma batida simples e quase imperceptível. Às vezes não há percussão e ocasionalmente há um teclado, mas é isso mesmo. Isso permite que cada elemento da música esteja sempre em primeiro plano, chamando a atenção para cada coisa interessante que acontece. Além disso, você tem letras muito simples, mas ótimas, cantadas por Alison Statton, cuja voz encantadoramente desinteressada, mas estranhamente emocional, é definitivamente um destaque do álbum.

Este álbum tem tantos momentos individuais que conseguem ficar na minha mente em grande parte devido ao seu som único e irreplicável. Wurlitzer Jukebox tem esses momentos bizarros em que essa linha de baixo rápida e extremamente funky é tocada sobre uma batida quase inexistente junto com um solo de guitarra lento e melancólico, o que cria uma forma realmente linda de dissonância que posso realmente dizer que nunca ouvi em nenhum outro lugar. Há também Music for Evenings, uma faixa mais suave com essas explosões ocasionais de energia em que tudo fica audivelmente mais alto e parece que está se transformando em algo enorme que simplesmente... nunca chega, a parte maluca é que ela realmente funciona extremamente bem.

Cada música tem algo a oferecer e são todas super memoráveis, uma grande razão para isso são as melodias vocais muito distintas. Muitas vezes, o vocal de Alison parece desconectado da música, como se ela estivesse se dissociando ou algo assim, o que dá a tudo esse sentimento peculiar de melancolia, exemplos disso incluem Salad Days, uma música que parece muito triste por motivos que nem consigo explicar , assim como NITA, que parece ser sobre o sentimento de tristeza de uma mãe pela recém-descoberta independência de seu filho.

Colossal Youth é uma música obrigatória para qualquer fã de pós-punk, pop e lofi. O seu estilo extremamente minimalista faz com que se destaque de outros álbuns desta época e género, um estilo que, mesmo que você ache desanimador, não pode negar os sempre presentes momentos de brilho nesta obra-prima.

A banda alternativa paulista ‘WRY’, “Aurora” seu oitavo álbum de estúdio

 

(Foto: Banda WRY por João Antunes)

Como o fim de uma longa noite e o reencontro com a luz, WRY lança “Aurora”, seu oitavo álbum de estúdio e o primeiro totalmente em português. A banda, que que ajuda a contar a história do underground e do indie rock brasileiro há mais de duas décadas, renova sua sonoridade com este trabalho. O lançamento é do selo Before Sunrise Records.

As composições na língua natal do grupo de Sorocaba (SP) não são mera coincidência: suas temáticas dialogam, em maior ou menor escala, com os dilemas e cotidianos urbanos de um Brasil em desalento. Daí o título do disco assumir esse caráter quase ousado de ir na contracorrente da própria história do WRY e da realidade do mundo lá fora. Além disso, Aurora é o primeiro disco de uma trilogia que tem um alvo bastante claro. Manter o Wry na crista da onda na música indie brasileira, conectando-os com as novas gerações.

“Quando estávamos pensando no título, a gente analisou as letras, uma a uma, e vimos que tinha um fio de esperança reacendendo no que estávamos propondo com cada faixa. Juntando isso com a época em que o disco seria lançado, em plena eleição presidencial brasileira, não poderíamos pensar em outro senão ‘Aurora’, o que pra gente soou perfeito. O primeiro clarão da aurora indica um novo dia, traz o sentimento de esperança, talvez até o otimismo, mas não nos diz exatamente como o dia será. Isso a gente vai descobrir conforme o tempo vai passando. Acho que o álbum é isso, uma meia esperança, um otimismo com cautela”, conta o vocalista e guitarrista Mario Bross.

.

Nossa Opinião: A banda WRY é um dos grandes nomes do rock alternativo independente brasileiro, inclusive, o álbum Flames in the Head de 2005 está em nossa lista de melhores álbuns nacionais dos anos 2000 e anos 2010. ‘Aurora’ é aquela mistura cativante do pós-punk, do rock brasileiro dos anos 80/90 e do Indie rock moderno onde a banda mostra muita sinergia e um instrumental coeso. São 11 faixas com belas melodias e ótimas letras que ‘dialogam’ com temas do Brasil atual. ‘Aurora’ é marcante, é uma aula de rock alternativo onde o WRY mostra mais uma vez que tem muito a contribuir com rock nacional.

.
Ouça o álbum no Spotify:

Banda: WRY
Álbum: Aurora
Lançamento: 11/11/2022

Produzido por Mario Bross e João Antunes.
Gravado no estúdio Deaf Haus, em Sorocaba, Brasil, por João Antunes e Luciano Marcello.
Assistente de estúdio e gravação: William Leonotti
Mixado e masterizado: João Antunes.
Foto da capa: Ana Érica
Modelo da capa: Larissa Leonotti
Design da capa: Mario Bross
Todas as músicas foram compostas por WRY exceto a faixa Coração Sem Educação, composta por Rái Mein.
Participação especial de Estevam Neto (Geztalt) nos sintetizadores e samples nas faixas 3, 4, 6, 7, 9, 10 e 11

Faixas

01 – Sem Medo de Mudar
02 – Contramão
03 – Carta às Moscas
04 – Quero Dizer Adeus
05 – Não Posso Respirar
06 – Labirinto Mental
07 – Temos um Inimigo
08 – Pra Onde Eu Vou
09 – Universo Jogador
10 – Coração Sem Educação
11 – Vivendo no Espelho

O WRY é:

Mario Bross (vocal, guitarra e sintetizadores)
Luciano Marcello (guitarra e backing vocal)
William Leonotti (baixo e backing vocal)
Ítalo Ribeiro (bateria e backing vocal)

Slowdive - Everything Is Alive (2023)

Everything Is Alive (2023)

Slowdive

À medida que chego aos meus 40 anos, manter velhos amigos pode ser um desafio. Slowdive está, confortavelmente, se sentindo como um velho amigo neste momento. Com isso vêm algumas características principais.

1. Sempre que você os vê, você se sente totalmente à vontade. Não importa quanto tempo tenha passado. Algo fundamental sobre o ser deles e sua história compartilhada torna as coisas mais fáceis. A conversa flui de maneira orgânica e sem esforço (a natureza maravilhosamente natural e casual de Souvlaki chama de 'Skin in the Game' ).

2. As formas como eles mudaram são sutis, mas claramente perceptíveis (o sintetizador modular e os elementos eletrônicos da abertura 'Shanty' e da cintilante penúltima faixa 'Chained to a Cloud'). Isso é uma coisa linda. Você deseja ver seus amigos crescerem e se desenvolverem, mas nunca a ponto de comprometer os fundamentos que originalmente o atraíam. Esses amigos parecem estranhos para você – perdidos. Eles se tornaram alguém que você não reconhece mais. Os amigos que ficam com você muitas vezes o surpreendem de maneira gentil.

3. Eles lembram você de como você mudou. Velhos amigos abraçam e respeitam isso. Eles gostam de ver o seu crescimento e refletir sobre os diferentes (e semelhantes) caminhos que vocês dois podem ter seguido (o escopo nostálgico e cinematográfico de 'Prayer Remembered' ).

4. À medida que o tempo passa, o tempo que você passa com eles fica mais rico e profundo. Embora possa ser menos frequente, suas interações são mais significativas. Você não tem medo de ser você mesmo, de ser vulnerável e emocionalmente disponível (as 'Andalucia Plays' , emocionalmente nuas e de coração aberto ).

5. Você aceita a maturidade. Envelhecer é legal. Suas prioridades mudam, seus interesses mudam, suas perspectivas mudam (paz e aceitação como temas fundamentais do álbum).

6. Você não sente mais necessidade de provar seu valor ou impressionar. Vocês dois sentam-se confortavelmente no espaço um do outro. Não há necessidade de encantar. Sutileza e autenticidade são mais valorizadas do que espetáculo e drama (o brilho natural das joias do livro Dream Pop 'Alife' e 'Kisses').

7. O tempo gasto com eles é satisfatório e rejuvenescedor. Eles lembram você do seu passado. Eles ajudam a recontextualizar o presente. Eles lhe dão perspectiva. Eles energizam você (O pulso revigorante de 'The Slab' mais próximo ).

8. Você sempre pode confiar neles.

'Everything Is Alive' oferece todas essas características. Seu generoso espectro de maravilhas de foco suave contém o peso emocional de anos de conexão. Há um sentimento íntimo e insular no disco. Como velhos amigos – só vocês dois conhecem todas as histórias, momentos e desafios que compartilharam.

ROCK ART