Classificação de todos os álbuns do Kid Rock Studio

 

Kid Rock começou sua carreira como rapper no grupo de hip hop The Beast Crew no final dos anos 1980. Aos 17 anos, ele assinou um contrato solo com a Jive Records, lançando seu álbum de estreia, Grit Sandwiches for Breakfast, em 1990. Embora seu estilo fosse inicialmente caracterizado por um som pesado de hip-hop, os álbuns posteriores o veriam misturar elementos de hip hop, country, rock e heavy metal. Embora alguns críticos tenham passado os últimos 30 anos criticando-o em todas as oportunidades que tiveram, ele vendeu discos suficientes, ganhou prêmios suficientes e acumulou fãs suficientes para não se importar. Veja como classificamos todos os álbuns de estúdio do Kid Rock , do pior ao melhor.

11. Grits Sandwiches For Breakfast

Em novembro de 1990, Kid Rock lançou seu primeiro álbum de estúdio, Grits Sandwiches For Breakfast. Em contraste com a direção orientada para o rock de seus álbuns posteriores, é uma peça pura de hip hop. Não é, no entanto, um álbum particularmente atraente. Criticamente, foi um desastre, com a Rolling Stone até o nomeando em sua lista de “20 álbuns terríveis de grandes artistas”. Os puristas podem discordar, mas para a maioria dos ouvintes casuais, é melhor evitar isso.

10.  Early Mornin’ Stoned Pimp

 

Para seu terceiro álbum de estúdio, Kid Rock começou a se afastar ainda mais do som hip hop que caracterizou seus dois primeiros lançamentos em direção a um som mais voltado para o rock. A faixa-título é um clássico, dando destaque à personalidade descontraída do cafetão desesperado que Rock aperfeiçoaria em seu próximo álbum. O resto do álbum é menos afinado. Embora não seja uma farsa, está muito longe de ser uma escuta essencial.

9. Rock'n'Roll Jesus

 

A melhor coisa do Rock n Roll Jesus é All Summer Long. Lançado como o terceiro single do álbum, tornou-se um grande sucesso internacional, alcançando o primeiro lugar em oito países, alcançando o 23º lugar na Billboard Hot 100 e recebendo duas indicações ao Grammy. O resto do álbum é uma mistura. Há muita atitude e guitarras grandes, mas elas se afogam na bobagem espalhafatosa e na produção exagerada. Comercialmente, foi um grande sucesso, alcançando o primeiro lugar na Billboard 200 (o primeiro e único álbum de Kid Rock a chegar ao topo) e vendendo mais de 5 milhões de cópias em todo o mundo.

8.Sweet Southern Sugar 

Em novembro de 2017, Kid Rock lançou seu sétimo álbum de estúdio, Sweet Southern Sugar. Os liberais não vão gostar muito das letras, mas o som country retrógrado que caracteriza grande parte do disco é um alívio bem-vindo de sua marca habitual de hard rock antiquado. O álbum foi um sucesso comercial, alcançando a 8ª posição na Billboard 200 dos EUA e a 4ª posição na parada de álbuns country da Billboard.

7. The Polyfuze Method

Em seu segundo álbum de estúdio, The Polyfuze Method, Kid Rock começou a dar os primeiros passos do hip hop em direção ao rap-rock. Como All Music observou em sua crítica , o álbum representou um salto significativo não apenas no desenvolvimento da mistura de rock clássico, hip-hop e influências country de Kid Rock , mas em sua própria personalidade de cafetão-papai de trailer. Infelizmente, ele ainda tinha um longo caminho a percorrer antes de aperfeiçoá-lo e, embora faixas como Prodigal Son e The Cramper sejam promissoras, elas não são suficientes para salvar o álbum da mediocridade.

6. First Kiss

 

O décimo álbum de estúdio de Kid Rock, First Kiss, foi lançado em fevereiro de 2015. Ele encontra Kid Rock confortável em seu estilo country alegre e descontraído. Algumas das faixas são descontraídas demais para serem memoráveis, mas embora seja improvável que ganhe qualquer prêmio por inovação, seu estilo descontraído, produção nítida, refrões grandes e vocais graves provavelmente não decepcionarão os fãs.

5. Rebel Soul

 

Depois que sua tentativa de se tornar respeitável em Born Free, de 2010, não conseguiu gerar o tipo de vendas de álbuns que ele esperava, Kid Rock voltou à sua abordagem testada e comprovada para seu sucessor. Rebel Soul pode parecer estúpido para algumas pessoas, mas emoções baratas, humor espalhafatoso e mau gosto é o que as pessoas querem de Kid Rock, e aqui, ele oferece todos os três de sobra. Lançado em novembro de 2012, alcançou a 5ª posição na Billboard 200 e a 10ª posição no Canadá.

4.Cocky 

Descrito pela Entertainment Weekly (https://ew.com/article/2001/11/19/cocky/) como “arrogante e defensivo, conflituoso e de pele fina, barulhento, rude e orgulhoso disso”, Cocky é quase exatamente como seria de esperar do título, exceto algumas baladas improváveis ​​como Lonely Road of Faith e Picture. Às vezes, ele cobre o queijo com muita força, mas no geral é extremamente divertido. Lançado em novembro de 2001, subiu para o terceiro lugar na Billboard 200 dos EUA.

3. Born Free

 

Born Free foi a tentativa de Kid Rock de limpar sua imagem e conseguir jornalistas musicais respeitáveis ​​ao seu lado. Também não foi uma tentativa tímida – o álbum nem sequer tinha um aviso aos pais na capa. Embora alguns fãs não tenham gostado muito da mudança de imagem, o álbum em si é excelente, com uma nova abordagem do rock do coração e músicas memoráveis ​​o suficiente para ser facilmente classificado entre seus melhores discos.

2. Kid Rock

 

O quinto álbum de estúdio autointitulado de Kid Rock foi lançado com críticas favoráveis. É impetuoso e bobo e geme sob o peso dos clichês, mas há humor irônico suficiente, ganchos enormes e charme brega para tornar impossível não gostar. Lançado em novembro de 2003, alcançou a quinta posição na Billboard 200.

1. Devil Without a Cause

O quarto álbum de estúdio de Kid Rock foi onde ele aperfeiçoou sua personalidade de 'cafetão caipira' e seu som inovador. O hip hop de seus álbuns anteriores foi deixado de lado para dar lugar ao rap metal, hard rock, nu-metal, rap-rock e até um pouco de country rap. A fusão de gêneros poderia ter terminado em uma bagunça confusa e turva, mas de alguma forma funciona, resultando em um mashup frito do sul descolado e de quebrar ossos que foi aclamado em muitos lugares como uma obra-prima do rap-rock. Lançado em agosto de 1998, foi um grande sucesso comercial, alcançando a quarta posição na Billboard 200 e eventualmente certificando-se como Diamante. Desde então, vendeu mais de 15 milhões de cópias em todo o mundo.

CLASSIC DO ROCK - CURIOSIDADES (Blue Cheer )

 

Blue Cheer foi uma banda de rock americana que inicialmente tocou e gravou no final dos anos 1960 e início dos anos 1970 e esteve esporadicamente ativa até 2009. Blue Cheer

foi formada em 1966 por Dickie Peterson. Peterson já havia estado com a banda Oxford Circle, de Davis, junto com os futuros membros do Blue Cheer, Paul Whaley e Gary Lee Yoder.

A equipe original do Blue Cheer era o vocalista/baixista Peterson, o guitarrista Leigh Stephens e Eric Albronda como baterista.

Albronda foi mais tarde substituído por Whaley, a quem se juntou o irmão de Peterson, Jerre (guitarra), Vale Hamanaka (teclados) e Jere Whiting (vocal, gaita). Albronda continuou sua associação com o Blue Cheer como membro da gestão do Blue Cheer, além de ser produtor ou co-produtor de cinco álbuns do Blue Cheer. Seu primeiro sucesso foi uma versão cover de

" Summertime Blues " de Eddie Cochran, de seu álbum de estreia Vincebus Eruptum (1968).

O single alcançou a 14ª posição na parada Billboard Hot 100, seu único sucesso, e o álbum alcançou a 11ª posição na parada Billboard 200.

No Canadá, a música alcançou a posição número 3 na parada da RPM Magazine.

Peterson morreu em 12 de outubro de 2009,

na Alemanha, de câncer de próstata. Peterson tinha na verdade 63 anos no momento de sua morte, apesar de alguma confusão inicial, como exemplificado aqui, imediatamente após o anúncio de sua morte.

Após a morte de Peterson, o guitarrista de longa data do Blue Cheer, Andrew MacDonald, escreveu no site do grupo que "Blue Cheer acabou. Por respeito a Dickie, o Blue Cheer nunca se tornará uma banda de turnê viável novamente." O baterista Paul Whaley morreu de insuficiência cardíaca em janeiro de 2019.

Baseado em São Francisco, Blue Cheer tocou no estilo blues rock psicodélico ou acid rock, e também são creditados como sendo alguns dos primeiros pioneiros do heavy metal com seu cover de " Summertime Blues " às vezes citado como o primeiro do gênero.

Eles também foram considerados influentes

no desenvolvimento de gêneros tão díspares como punk rock, stoner rock, doom metal,

rock experimental, e grunge.

Origem : São Francisco, Califórnia, EUA

Gêneros: Hard rock, rock psychedelico,

blues rock, acid rock, heavy metal, proto-punk.

Anos ativos: 1966–2009

Pessoal Membros

Dickie Peterson – baixo, voz (1967–1972, 1974–1975, 1978–1979, 1984–1994, 1999–2009; falecido em 2009)

Leigh Stephens – guitarra (1967–1968, 2005)

Paulo Whaley – bateria (1967–1969, 1969, 1984–1985, 1990–1993, 1999–2004, 2005–2009; falecido em 2019)

Eric Albronda – bateria (1967)

Jerre Peterson – guitarra (1967, 1974–1975; falecido em 2002)

Vale Hamanaka – teclados (1967)

Jere Whiting – vocais, gaita (1967)

Randy Holden – guitarra (1968–1969)

Mitch Mitchell – bateria (1969)

(falecido em 2008)

Tom Weisser – guitarra (1969)

Bruce Stephens – guitarra, voz

(1969, falecido em 2012)

Ralph Burns Kellogg – teclados, baixo (1969–1972; falecido em 2003)

Norman Mayell – bateria, guitarra (1969–1972)

Gary Lee Yoder – guitarra, voz (1969–1972) (falecido em 2021)

– guitarra (1972–1974)

James L. Curry – bateria (1972–1974)

Ruben De Fuentes – guitarra (1974–1975, 1987–1988)

Terry Rae – bateria (1974–1975)

Nick St. Nicholas – baixo, voz (1975)

Tony Rainier – guitarra (1978–1979, 1984–1987)

Mike Fleck – bateria (1978–1979)

Brent Harknett – bateria (1985–1987)

Billy Carmassi – bateria (1987)

Eric Davis – bateria (1987–1988)

Andrew "Duck" MacDonald – guitarra (1988–1990, 1999–2005, 2005–2009)

David Salce – bateria (1988–1990)

Dieter Saller – guitarra (1990–1994)

Gary Holland – bateria (1993–1994)

Prairie Prince – bateria (2005)

Joe Hasselvander – bateria (2004–2005, 2009).

Discografia:

Álbuns de estúdio:

1968 Vincebus Eruptum

1968 Outsideinside

1969 New! Improved!

1969 Blue Cheer -

1970 The Original Human Being

1971 Oh! Pleasant Hope -

1984 The Beast is Back -

1990 Highlights and Lowlives -

1991 Dining with the Sharks -

2007 What Doesn't Kill You...

Singles:

"Summertime Blues" (1968)

"Just a Little Bit" (1968)

"Feathers From Your Tree" (1968)

"The Hunter" (1969)

"West Coast Child of Sunshine" (1969)

Álbuns ao vivo

Blitzkrieg Over Nüremberg (1989)

Live & Unreleased, Vol. 1: '68/'74 (1996)

Live & Unreleased, Vol. 2: Live At San Jose Civic Centre, 1968 & More (1998)

Hello Tokyo, Bye Bye Osaka - Live In Japan 1999 (1999)

Live Bootleg: London - Hamburg (2005)

Rocks Europe (2009)

CRONICA - THE BLUES CREATION | Blues Creation (1969)

 

Uma das principais bandas do hard rock progressivo japonês. The Blues Creation foi criado no final dos anos 60 em Tóquio em torno do guitarrista Kazuo Takeda, do cantor/gaitista Fumio Nunoya, do baixista Yoshiyuki Noji e do baterista Shinichi Tashiro. Construindo uma reputação sólida, o quarteto rapidamente entrou em estúdio e lançou um disco homônimo em 1969 pela Polydor.

No geral, The Blues Creation oferece um bom álbum de blues rock pesado próximo a Cream, Canned Heat e Ten Years After. Composto por oito músicas, são covers de Sonny Boy Williamson II, Memphis Slim, Howlin' Wolf, John Mayall, Ten Years After, Hownlin' Wolf e Muddy Waters. Nada muito original então, mas um desejo feroz dos músicos de tocarem a música que amam e, às vezes, adicionarem um toque pessoal.

Começa de uma forma estranha com esta voz sombria e vagamente perturbadora (uma voz que reaparece de vez em quando) depois o grupo canta "Checkin' Up On My Baby" num registo boogie onde a gaita traz profundidade e dá uma impressão de siga a rota 66. Depois da instrumental “Steppin' Out” vem “Smoke Stack Lightnin'” onde nossos amigos de Tóquio trabalham em tempos alternados. A guitarra tenta uma abordagem psicodélica enquanto a gaita é vaporosa. Para “Double Crossing Time”, ultrapassando os 7 minutos estamos em um clima pesado e chapado. Vem “I Can't Keep From Crying” inflada com hélio seguida pela segunda faixa elástica com os sombrios 8 minutos de “Spoonful”. Mais uma vez, The Blues Creation alterna tempos em “Rollin' And Tumblin'” com passeios tribais.

Resumindo, um disco de blues estilo sushi, nada mais do que uma boa audição. No entanto, The Blues Creation terá a oportunidade de fazer muito melhor na próxima vez.

Titres :
1. Checkin’ Up On My Baby
2. Steppin’ Out          
3. Stack Lightnin’      
4. Double Crossing Time      
5. I Can’t Keep From Crying
6. Spoonful    
7. Rollin’ And Tumblin’        
8.  Your Love

Musiciens :
Kazuo Takeda : Guitare
Fumio Nunoya : Harmonica, Chant
Yoshiyuki Noji : Basse
Shinichi Tashiro : Batterie
+
Hugh Cutler : Harmonica

Production : Blues Creation

CRONICA - SLIK | Slik (1976)

 

Midge Ure é mais conhecida por ter trabalhado em grupos como VISAGE, ULTRAVOX, liderando uma carreira solo mais que honrosa desde meados dos anos 80. Em menor grau, ele também fez parte do THIN LIZZY por um breve período quando a banda de Phil Lynott fez uma turnê em 1979/80. Anteriormente, ele começou a trabalhar no SLIK em meados dos anos 70.

Uma banda escocesa de Glasgow, o SLIK foi formado em 1974. Após várias mudanças de formação, o SLIK se estabilizou em torno de Midge Ure (vocal, guitarra), Jim McGinlay (baixo), Kenny Hyslop (bateria) e Billy McIsaac (teclados), assinado com Polydor e lançou 2 singles: “The Boogiest Band In Town” (co-escrito por Phil Coulter e Bill Martin, sobre o qual ainda não terminei de falar nesta coluna), depois “The Getaway” (apenas na Alemanha, neste específico caso). O acordo com a Polydor terminou, após o insucesso desses singles, e o SLIK encontrou refúgio na Bell Records. Depois de mudar de estábulo, SLIK entrou em estúdio com os produtores e compositores Phil Coulter e Bill Martin, conhecido por ter composto 8 das 12 faixas do primeiro álbum do BAY CITY ROLLERS (Rollin ') em 1974. Os dois amigos em questão, desta vez, escreveram 4 dos 10 títulos que aparecem no primeiro álbum do SLIK, lançado em 1976. Além desses títulos, este álbum sem título do SLIK contém 2 capas e 4 títulos compostos por os próprios membros do grupo.

Eu estava falando sobre BAY CITY ROLLERS no parágrafo superior. Pois bem, a ligação entre SLIK e BAY CITY ROLLERS é bastante óbvia porque, além das suas origens escocesas, SLIK trabalha numa veia Pop-Rock/Glam-Rock, dando lugar de destaque às melodias bubblegum. Os 2 singles do álbum foram co-compostos pela dupla Phil Coulter/Bill Martin (isso te surpreende?). “Forever And Ever”, a mais famosa das duas, é uma balada que se abre com uma introdução solene, depois é reforçada por coros que lhe conferem uma certa intensidade, é aliás finamente arranjada apesar do seu lado azul aparentemente florido. Além do mais, o refrão é assumido em coro com convicção, fica bem gravado nos coros, é cativante, cativante, a ponto de ter se tornado um hino que fez sucesso na época. Veja em vez disso: Nº 1 na Grã-Bretanha (tendo destronado “Mamma Mia” do ABBA na época), 2º na Irlanda e no Zimbábue, 3º na Holanda, 6º na Alemanha, 7º na África do Sul, 54º na Austrália. O outro single, “Requiem”, também é uma balada. Colocado em órbita por coros com conotações religiosas, revela-se cativante, carregado de emoção, bem arranjado com melodias Pop que os BEATLES não teriam negado, até BADFINGER, o seu refrão inebriante, foi mesmo cortado para uma OST de um esparguete ocidental no estilo “Trinita”. Este título não teve o mesmo sucesso de “Forever And Ever”, mas chegou às paradas: 13º na Holanda, 22º na Alemanha, 24º na Grã-Bretanha. 54º na Austrália. O outro single, “Requiem”, também é uma balada. Colocado em órbita por coros com conotações religiosas, revela-se cativante, carregado de emoção, bem arranjado com melodias Pop que os BEATLES não teriam negado, até BADFINGER, o seu refrão inebriante, foi mesmo cortado para uma OST de um esparguete ocidental no estilo “Trinita”. Este título não teve o mesmo sucesso de “Forever And Ever”, mas chegou às paradas: 13º na Holanda, 22º na Alemanha, 24º na Grã-Bretanha. 54º na Austrália. O outro single, “Requiem”, também é uma balada. Colocado em órbita por coros com conotações religiosas, revela-se cativante, carregado de emoção, bem arranjado com melodias Pop que os BEATLES não teriam negado, até BADFINGER, o seu refrão inebriante, foi mesmo cortado para uma OST de um esparguete ocidental no estilo “Trinita”. Este título não teve o mesmo sucesso de “Forever And Ever”, mas chegou às paradas: 13º na Holanda, 22º na Alemanha, 24º na Grã-Bretanha. foi até cortado para uma trilha sonora de western spaghetti no estilo “Trinita”. Este título não teve o mesmo sucesso de “Forever And Ever”, mas chegou às paradas: 13º na Holanda, 22º na Alemanha, 24º na Grã-Bretanha. foi até cortado para uma trilha sonora de western spaghetti no estilo “Trinita”. Este título não teve o mesmo sucesso de “Forever And Ever”, mas chegou às paradas: 13º na Holanda, 22º na Alemanha, 24º na Grã-Bretanha.

Quanto aos outros títulos, a primeira parte do álbum não é susceptível de tranquilizar: “Dancerama”, introduzida por algumas notas de cravo que duram cerca de vinte segundos, é uma peça pop-rock chiclete com toques funky e bastante leve, mantendo com o tempo, mas que não decola muito, até porque o refrão é meio telefonado, fácil demais, o que estraga tudo. Acompanha “Bom-Bom” um cover de EXUMA, artista bahamense, e a versão, embora pretenda se aproximar do original com seu toque exótico, sua típica atmosfera caribenha, é facilmente esquecível. Quanto às 2 baladas presentes, “Darlin” e Better Than I Do”, elas não se destacam das demais: a primeira citada é repleta de sentimentos bons, flor muito azul com seu lado romântico nada escondido e só pode ser saudado com educada indiferença no melhor dos casos, enquanto o segundo, pontilhado de piano e violão, é imbuído de leveza e se não é desonroso, permanece muito comum, concordou. Felizmente, a segunda metade do álbum é melhor porque, além de “Forever And Ever” e “requiem” já citados, o SLIK fez um bom cover dos EVERLY BROTHERS com “When Will I Be Loved”, que foi adaptado para uma versão Power-Pop/Glam-Rock bastante cativante, principalmente porque as melodias e o refrão são fáceis de lembrar. “Do It Again”, que vem de Midge Ure, é uma composição Pop-Rock com melodias refinadas e sutis e é potencializada pela intervenção de algumas camadas de teclados. Além do mais, Pensando bem, este título bastante cativante tinha potencial para um sucesso. O mid-tempo “Day By Day” parece prestar uma homenagem retrospectiva ao Glam-Rock da primeira metade dos anos 70 e seus lados despreocupados e casuais tornam esta faixa um prazer de ouvir. Outra balada encerra as hostilidades, é “No We Wn't Forget You”. Leve, essa balada é sem dor de cabeça, arranjada com delicadeza e elegância para um resultado muito agradável, principalmente porque o refrão fica bem gravado na mente e os coros aéreos chegam para encerrar os debates. Outra balada encerra as hostilidades, é “No We Wn't Forget You”. Leve, essa balada é sem dor de cabeça, arranjada com delicadeza e elegância para um resultado muito agradável, principalmente porque o refrão fica bem gravado na mente e os coros aéreos chegam para encerrar os debates. Outra balada encerra as hostilidades, é “No We Wn't Forget You”. Leve, essa balada é sem dor de cabeça, arranjada com delicadeza e elegância para um resultado muito agradável, principalmente porque o refrão fica bem gravado na mente e os coros aéreos chegam para encerrar os debates.

Em relação a este álbum homônimo do SLIK, podemos dizer que está ancorado em sua época, que tem algo a interessar aos fãs de BAY CITY ROLLERS, THE RUBETTES. Dito isto, no geral, este álbum é quente e frio com sua primeira metade um tanto insípida e chata que sugere o pior, e a outra parte do disco que é impecável com títulos mais cativantes e bem embalados. Se você me perguntar, ainda acho que 5 baladas em um disco que contém 10 faixas é um pouco demais e 3 seriam mais que suficientes. O álbum não impressionou nas paradas, tendo que se contentar com um modesto 54º lugar na Austrália e 58º lugar na Grã-Bretanha. Posteriormente, o SLIK mudou seu nome para PVC2, embora quisesse pegar a onda Punk do momento, e finalmente jogou a toalha em 1977.

Tracklist:
1. Dancerama
2. Darlin
3. Bom-Bom
4. Better Than I Do
5. Forever And Ever
6. Requiem
7. Do It Again
8. When Will I Be Loved
9. Day By Day
10. No We Won’t Forget You

Formação:
Midge Ure (vocal, guitarra)
Jim McGinlay (baixo)
Billy McIsaac (teclados)
Kenny Hyslop (bateria)

Gravadora : Bell Records

Produtores : Phil Coulter e Bill Martin

Crítica: “Anno 1696” de Insomnium, “Os horrores e a crueldade da caça às bruxas em seu ano de pico.” (2023)

Uma das bandas pelas quais fui quase completamente banido de vários subreddits de metal é aquela pela qual lutei inúmeras vezes para deixar claro que é metal progressivo, mas eles insistem que não, que é death metal melódico e doom metal, bem, todas aquelas pessoas que me baniram do metal agora podem se ajoelhar e beijar minha mão enquanto pedem perdão, ora... Com o álbum que lançaram este ano, Insomnium está no topo como um dos mais populares bandas espetaculares de metal progressivo neste 2023.

Insomnium é uma banda finlandesa que se originou com seu primeiro álbum intitulado “In The Halls Of Awaiting”, um álbum que nada mais era do que doom metal com death metal melódico, sim, nada muito impressionante ou alucinante, isso foi então, então eles lançaram “Since The Day It All Came Down” e lá começaram a dar mais ênfase a instrumentos irregulares como violões, momentos calmos dedicados ao meio ambiente e melodias mais tecnicamente complexas… Porém, não seria até seu terceiro álbum intitulado “ Above The Weeping World” que a barreira que separava esta banda do progressivo ia, agora, dissolver-se quase na sua totalidade, misturando tudo o que apresentava no álbum anterior, só que agora com mais delicadeza, elegância e classe, um death doom metal para pessoas que queriam algo mais desenvolvido à la Opeth.

A partir daí a banda só cresceu, lançando obra após obra, atingindo seu ápice em 2016 com Winter's Gate, o álbum conceitual de 40 minutos com uma única música que iria levá-los, na minha opinião, a um status de cult e qualidade que achei muito difícil de replicar... Estiveram MUITO perto de superar, eu diria. Neste 2023, o Insomnium lança seu nono álbum de estúdio, intitulado “Anno 1696”, álbum baseado em um conto idealizado pelo baixista e vocalista da banda Niilo Sevänen, história que se baseia na caça às bruxas na época da inquisição. .

Abrindo a história temos a música “1696”, que abrindo com violões e percussão quase pagã, começa a nos colocar no contexto de como será a atmosfera deste álbum, apresentando-nos rapidamente a um refrão calmo que nos fala com calma. , contando-nos como a cidade do protagonista é uma cidade de possível origem pagã que não acredita na figura de "Deus" que a sociedade latina romana tenta estabelecer em todas as pessoas, por isso vivem escondidas na floresta, enquanto estão próximas No final da música eles nos dizem o que só posso presumir ser a execução de alguém acusado de bruxaria ou algo semelhante: “Hora de derramamento de sangue, hora de mentiras, hora de assassinatos e crimes vis”. Quero enfatizar que se esta é a primeira vez que o ouvinte ouve esta banda,

Seguindo a história que nos é apresentada, segue-se a canção “Cristo Branco”, que nos mostra como um grupo de pessoas presumivelmente chega à aldeia do protagonista, falando agressivamente sobre como estão representando Deus e a monarquia que os envia para evangelizar e assassinar pessoas. que se opõem aos caminhos de Deus que tanto querem professar, sem remorsos, sem duvidar do que fazem, sem sequer um pingo de dúvida, porque têm a certeza de que estão fazendo a coisa certa nesta busca de “ampliar o Evangelho”. , em relação à ficha técnica dessa música devo mencionar como essa música parece doom metal agora, ao contrário da anterior, porque essa música é mais focada em nos contar sua história junto com melodias lindas e atmosféricas que vão devagar para ajudar a construir essa atmosfera ainda mais.Dito isso, esta música traz um convidado, o Sr. Sakis Tolis, vocalista da banda grega de black metal progressivo Rotting Christ.

Continuando, diminuímos a agressividade e o poder por um segundo... Para sair com tudo com algumas poderosas batidas acompanhadas por um coro angelical fornecido pela vocalista de música folk Johanna Kurkela. O início de “Godforsaken” abre as portas para o clímax da história de forma espetacular, com músicas melódicas, sinfônicas, extremas, depressivas, agressivas, lindas, etc., enfim, muitos adjetivos podem ser colocados a esta bela canção, tendo muitos momentos espetaculares, passando pela segunda passagem acústica do álbum na segunda metade da música, com uma atmosfera tão curiosa e única do Oriente Médio acompanhada por um solo de guitarra com o qual é impossível não sentir vontade de chorar. E sobre o que é o clímax da história? Nossa protagonista, ao presenciar o massacre de seu povo que tentava resistir ao povo que queria convertê-los a todos, foi posteriormente presa, supostamente a única sobrevivente de tão vil ato contra seu povo, estando agora sob as garras de seus captores. sendo acusada de bruxaria e de todas as mortes ocorridas anteriormente, sendo agora que outro personagem é introduzido na história, o que acredito ser um padre, tentando convertê-la e tentando "resgatá-la" antes de sua execução... Porém... Os sentimentos acabam nascendo dentro dele.

Dando-nos o nome da nossa protagonista, “Lilian” encerra a primeira metade do álbum nos dando uma visão do que aconteceu depois que o padre teve o encontro com a nossa protagonista, descrevendo como ela é, descrevendo sua beleza, seu jeito de ser, o cheiro dela... Tudo em geral o deixava louco, ele se apaixonou perdidamente por ela e mesmo quando está em casa dormindo completamente longe dela... Ele não consegue deixar de pensar nela e no olhar perdido dela sobre ele. Musicalmente falando, é uma música normal de death metal, tendo apenas a letra como aspecto importante.

“Caminhos Sem Estrelas” nos mostra o ponto sem volta que o padre tomou, pois decidiu não apenas libertar Lilian... Mas ele a levou consigo, para uma cabana longe de onde ela poderia estar em perigo, uma cabana ao lado de um pouco rápido (isso será importante mais tarde), ele não se importa mais com o que vai acontecer com ele, seu amor pela mulher pura que Lilian é não lhe permite pensar com clareza, não há como voltar atrás, a perseguição por eles tem já começou 2. A primeira metade dessa música parece os dois fugindo sem parar de correr pela floresta, tudo proporcionado pela velocidade e senso de urgência que aquelas batidas explosivas dão, porém assim que chegamos à segunda metade, temos um momento de tranquilidade, acústica, clima e paz, acho que para refletir que prontos, eles conseguiram chegar com segurança... Mas... Isso não vai ficar impune.

Como o nome indica, “O Caçador de Bruxas” nos apresenta uma pessoa (ou um grupo de pessoas, não está claro), que inicia a busca por Lilian, começando por sua cidade, recitando como tudo o que aconteceu lá foi pagão, sombrio e sem a aprovação de Deus, porém, quando não foram encontrados ali, a busca continuaria por toda a floresta até encontrá-la, não importa que tivessem que queimar a floresta inteira, a busca não iria acabar por nada no mundo.

“The Unrest” é uma passagem acústica que me faz sentir como a letra indica, na frente da cabana, vendo o crepúsculo cair ao entardecer, enquanto o padre tem Lilian ao seu lado, a salvo de todos aqueles que querem machucá-la, e também que nos é revelado um ponto importante da trama, é que Lilian está grávida, não está claro se é filho do padre ou de outra pessoa, mas nos deixam bem claro que esse filho é o motivo de sua mudança avançar… Algo que será importante para a resolução que nos espera em “The Rapids”, um momento em que desde o início somos presenteados com uma aura de desespero e pressa e com razão, porque os caçadores finalmente encontraram Lilian e o padre , momento em que os dois começam a correr próximo às corredeiras, tentando escapar dos caçadores,Sendo que em algum momento eles são pegos, mas Lilian se defende, com cortes e mordidas... Ela impede que ele ou seu feto seja pego... Porém, chega um ponto em que eles entendem que não vão conseguir escapar. a pé... E decidem pular na corredeira, chegando depois de um tempo em uma cachoeira... Deixando para a interpretação do ouvinte se sobreviveram ou não, pois aqui a história termina... Com um final aberto que não nos permitirá saber o que aconteceu com nossos protagonistas.Pois bem, aqui termina a história... Com um final em aberto que não nos permitirá saber o que aconteceu aos nossos protagonistas.Pois bem, aqui termina a história... Com um final em aberto que não nos permitirá saber o que aconteceu aos nossos protagonistas.

Bom, a história desse álbum é simplesmente espetacular, é uma coisa linda e perfeita que é ambiciosa e feita com tanto amor e alma que é impossível não sentir um enorme apreço e carinho pelos personagens e pelo vocalista que fez tudo com com todo o seu ser, esta é uma história que não deve ser desvalorizada por nada no mundo... Agora... A música? Falei da história como se fosse o único aspecto a levar em conta, mas a música também é espetacular, quase consideraria a melhor coisa que a banda já fez se não fosse a existência de “Winter's Gate” , que é a sua obra-prima, antes eu acreditava que nunca seriam superados… Mas “Anno 1696” me mostra que com bastante amor e com a mente voltada para o que você quer… Às vezes obras-primas podem ser superadas.