quarta-feira, 28 de agosto de 2024

Epidaurus - Earthly Paradis

 



Epidaurus foi uma banda alemã e este é seu álbum de estreia, lançado em 1977. Rock progressivo sinfônico, com uso de órgão hammond, piano, mellotron, moog, clavinete e sintetizador. Vocal feminino poético, melodioso e gentil de Christiane Wand, mas é um álbum quase instrumental, com uma abordagem atmosférica.

Outro caso de forte esforço prejudicado por vocais femininos atrozes. Horrível, chorosa e presumivelmente surda, ela felizmente não canta em todas as faixas. Para esse ouvinte leigo, parece que ela está cantando uma oitava muito alta para seu alcance natural.

Dignos representantes da antiga escola sinfônica progressista teutônica. Epidaurus é proclamado como mais uma daquelas bandas que optaram pela velha escola e conseguiram rumar para um terreno ligado à sinfonia; um trabalho interessante apesar de muitos o classificarem como um trabalho superestimado e/ou exposto a pretensões composicionais medianas, há alguma verdade aqui Porque a banda foca em uma performance digna do estilo antigo e também consegue alcançar um bom resultado ? clímax Na minha opinião este trabalho é profundo e assenta na “ornamentação progressiva” baseada no Mellotron, Órgão, Moog e Piano e na opulência do “sinfonismo alemão” que nada mais é do que um prog sinfónico com características acentuadas do Krautrock e/ou aparelhos electrónicos. Portanto, o resultado disso é fazer um som que mistura elementos retirados de suas bandas sertanejas ou melhor, trata-se de fazer uma fusão de suas influências próximas, levando a onda composicional de Novalis, o canto pastoral de Hölderlin, os elementos eletrônicos de Tangerine Atmosferas Krautrock de Dream e Eloy; mas fora isso, a influência “britânica-barroco-sinfônica” de Yes, Wakeman e Genesis foi mais que inevitável, o que faz com que o selo da banda adquira uma visão diferente que o torna marcante; No final das contas, a banda consegue ser mágica, mesmo tendo sido forjada em momentos muito críticos.

“O álbum tem uma peculiaridade especial em seu conteúdo: a primeira metade foi gravada pela formação original do grupo, enquanto a outra metade foi gravada quando ocorreram algumas mudanças na formação. Aparentemente, o grupo teve que assumir o trabalho de produção do álbum por conta própria, o que levou um certo tempo para ser concluído, e descobriu-se que nesse período eles tiveram que passar por uma crise de treinamento antes de terminar o disco. o álbum”
 Fonte: Progressiva70s.

Epidaurus consegue captar bem seus conceitos mesmo sabendo que eram tempos de declínio para o rock pródigo e ambicioso, porém o resultado de tudo isso é de tamanho mediano. CUIDADO com isso não quero dizer que o álbum seja um excelente trabalho, mas. sim, um bom trabalho. Aqui minhas impressões.

Imagine um álbum que tem a delicadeza de Novalis e a voz pastoral de Hölderlin, mas também que assume as incursões eletrônicas de Tangerine Dream e a opulência significativa de Yes. Agora imagine que um “jamming” de teclados se soma a essa fusão e se volta para um conceito que repensa a fórmula sinfônica do progressivo da velha escola alemã. Agora imagine que o produto final dessa alquimia resulte em um álbum mágico, técnico e até “limpo” em termos de arranjos. Agora imagine que esse álbum adquira uma posição digna de CULT  -e claro de imortalidade- e é justamente nesse ponto que alguns tomam Earthly Paradise como um dos maiores representantes daquela escola e por isso muitos supervalorizam o álbum. A obra de Epidauro não é má, mas também não é uma obra "excelente", é um pouco limitada e carece de uma certa graça orquestral, a voz não possui graça completa mas ainda assim é apreciada e produz-se um bom clímax. A sua actuação é limpa, dedicada e com virtuosismo, os teclados dominam todas as áreas, a guitarra desprende-se do seu papel principal e instrumentos de sopro mágicos entram sorrateiramente É uma banda dentro da abordagem Eletro-sinfônica que tem uma certa graça folk, poderia dizer que é um sample “Symphonic Folk” e que consegue lhe dar um certo renome. Tem graça, charme, sofisticação, mas infelizmente não ultrapassa os limites para ser considerada uma obra-prima, MAS é uma obra CULT e uma joia underground. Você tem que reconhecer suas falhas. O álbum como está é sublime, dinâmico e com uma postura elegante, porém para mim não cobre toda a “cota”. Estou exagerando?... ouça o álbum e dê sua opinião. Até nos vermos novamente. 

Minidados:
*A banda foi fundada em Bochum, Alemanha, em 1975. Eles se dissolveram em 1980 e se reuniram brevemente em 1994.
 
*Depois deste álbum, seus membros se transformaram em grupos como Rabbit, Meme 3 e Lander, até se reunirem em 1978 e gravarem outro álbum chamado Endangered" que foi lançado em 1994... não foi bem recebido e em 1995 o Epidaurus se separou definitivamente.

01.Actions And Reacctions
02.Silas Marner
03.Wings Of The Dove
04.Andas
05.Mitternachtstraum





terça-feira, 27 de agosto de 2024

Procession - Fiaba

 

 


Se a estreia de “Frontiera” foi caracterizada por duas almas diferentes, com a alternância de músicas hard-prog e pastorais, a enorme mudança de formação parece ser a razão direta da significativa mudança sonora de “Fiaba”, em favor da música pastoral e acústica. apenas. Mas o problema não é a direção suave, alguns instrumentais leves de jazz e poucos elementos “sinfônicos” são muito bons, mas a falta de continuidade na qualidade e memorização das melodias faz de “Fiaba” uma audição inconsistente.

O sedutor desequilíbrio entre hard e soft do Procession provavelmente não foi feito para durar, e no segundo prato da banda, três dos cinco membros originais haviam saído. Claramente, foi a facção do hard rock que foi expurgada. Fiaba é um caso suave, charmoso e às vezes bonito por si só, mas sem o imediatismo da estreia. É melhor para os dias em que você só quer deitar na cama e segurar seu amante, não para quando você quer sair e pegar um pouco.

Depois de uma ausência criativa em 1974, Procession voltou com uma proposta mais refinada e elaborada. Agora com nova formação e novo contrato discográfico, a banda aventura-se pelos limites do mais emblemático progressismo. Sua performance é mais graciosa e o refinamento de certas posturas coloca a banda em um lugar mais elevado. Esta nova “versão” da banda tem um som muito mais maduro e original; a sinfonia se reflete ainda mais  do que na obra antecessora. As influências mais óbvias vêm do jazz e da música folclórica mediterrânica, por isso   apreciamos todos os elementos que distinguem o prog italiano, arranjos complexos, sinfonia, força, mudanças bruscas, vozes sentimentais, passagens de fantasia e dinamismo instrumental. Todos estes elementos reformam a posição clara do RPI e embora seja em menor grau   em comparação com outros "musters" do seu tempo, este álbum merece um lugar de destaque porque a banda aplica bem a sua posição e o conceito que tem está à altura. . Visão digna do progressismo mais gracioso, embora carente de um certo grau de opulência, no entanto o brilho que possui é de ser reconhecido e elogiado. É uma pequena jóia.

Minhas impressões deste álbum são boas, é um set progressivo bastante agradável e mais do que atinge o objetivo desejado; Cada sessão com este álbum torna-se uma experiência muito agradável. Um álbum com um aroma outonal carregado daquele sentimentalismo sombrio tão representativo da escola italiana ,  por isso a sua vitalidade, assim como a sua proposta elegante, mais o conceito profundo da banda a fazem brilhar incandescentemente. Quem procura uma proposta progressiva refinada, mas não tão pretensiosa, encontrará na Fiaba uma alternativa sublime. Uma performance cuidadosa, arranjos oníricos, dispositivos progressivos e posturas sinfônicas matizadas com elementos folk/jazz fazem da obra uma jornada intensa que irá agradar do começo ao fim. Na minha opinião, um trabalho que pode ter mais reconhecimento por representar uma excelente performance e ampla visão do conceito progressivo, infelizmente foi ofuscado por bandas de maior escalão dentro da escala RPI. Hoje o Fiaba parece intacto e para o meu gosto não quebra. antes da hora. Em suma, um grande álbum sinfónico pastoral deste grupo de Turim com dois discos a seu crédito, longe das influências da tríade Banco, PFM e Le Orme e mais próximo das sonoridades anglo-saxónicas. Até nos vermos novamente.  

Minidados:
*A banda foi fundada em Torino, Itália, em 1971, dissolvida em 1974 e reformada em 2006.
 
*Após dois anos de silêncio, a banda reaparece com nova formação (Capra, Girardi e Capello foram substituídos pelo baixista Paolo D'Angelo e pelo trompetista Maurizio Gianotti), e um novo contrato discográfico, desta vez é Fonit quem lança seu segundo álbum "Fiaba", seu melhor trabalho.
 
*Para este álbum participaram alguns artistas convidados, como Francesco Froggio Francica (do RACCOMANDATA RICEVUTA RITORNO), na bateria e percussão, a cantora Silvana Aliotta (do CIRCUS 2000) e Ettore Vigo (tecladista do DELIRIUM).

01. Uomini Di Bento
02. Un Mondo Sprecato
03. C'era Una Volta
04. Nottorno
05. Il Volo Della Paura
06. Fiaba




Anjo Gabriel - Resiliência/ClarAlice [2017]

 



A banda Anjo Gabriel, de Recife, está de volta com músicas inéditas e que prometem desconcertar os amantes de krautrock progressivo psicodélico. “Resiliência” e “Claralice” compõem o compacto de 7 polegadas lançado em maio de 2017.

Em atividade desde 2005 e com dois discos lançados, "O Culto Secreto do Anjo Gabriel" (2011) e "Lucifer Rising" (2013), Anjo Gabriel ressurge após um ano e meio de recesso com nova formação: Marco da Lata (baixo), Júnior do Jarro (bateria), Diego Drão (órgão, sintetizador e theremin), Phillippi Oliveira (Guitarra) e Amarelo (Percussão).

A produção das duas novas músicas começou em 2016, em Recife, durante a IPA Sessions, gravadas numa cervejaria da cidade. Como explica o baixista Marco da Lata, neste processo a banda escreveu novas composições e recuperou algumas que nunca foram finalizadas. “Estamos testando um formato em que iremos lançar vários compactos com as músicas do que será o novo disco que pretendemos gravar em 2018





Marcos Roberto [1966]

 




A1 - Agora é Tarde
A2 - Vá Embora Daqui
A3 - Olhos Tristes
A4 - Bronca
A5 - Indiferença
A6 - Canção do Amor Perdido
B1 - Entre Sem Bater
B2 - Onda de Cangurú
B3 - Anjo Meu
B4 - Súplica
B5 - Fim de Sonho
B6 - Menina Sonho




Atila - Encarnació (2024/ 5 Lunas)

 

 Na década de 70 foi criada a trilogia sagrada que resultou na lenda do grupo geronense, Átila. Três discos feitos em tempos difíceis, mas que reuniram o melhor do rock psicodélico e progressivo a cada passo. "The Beginning of the End" (1975/New Promotion), "Intention" (1976/BASF) e "Reviure" (1978/EMI) foram obras-primas do prog espanhol, procuradas e cotadas em todo o mundo.


Houve um encontro em 1999 com Joan Punyet (bateria) - sempre presente em todas as gravações - e Benet Nogué (teclados em "Intention" e "Reviure"), como figuras históricas da saga. Daí viria "Intenção + Reviure-live" (2002 / Pan y Música). Artefato estranho com o primeiro remasterizado do master original. E o segundo gravado ao vivo em 1999. Tive a sorte de assistir à apresentação deles em Tiana, fabuloso.  Mas faltava aquele “quarto fantástico”, que quebraria a maldição daquela trilogia intocável. Finalmente material novo, após 46 anos de silêncio.

Foi a gravadora progressiva especializada 5 Lunas e seu mentor, Juan Antonio Vergara, (Storm, Mezquita, Randy López, Onza, Sherish...), quem conseguiu o feito. Pessoas que são pela e para a boa música. O de qualidade. Acima de modas e tendências absurdas. Marco extraordinário nestes tempos decadentes.  Para isso, Joan Punyet, (agora além de bateria, baixo, guitarra e teclados), tem se reunido com músicos de comprovada solvência, dentro do selo. E material composto entre ele e Miguel Blasco (outro historiador de Átila), durante a década de 80.  Algo que mais cedo ou mais tarde deveria ver a luz. 

Tony Castarnelas (guitarras), Víctor Mateos "Willy" (teclados), César Ortiz (voz de Lethargus) e Txell Rebel (voz feminina de Haunted Gods) estão encarregados de moldar "Encarnació" em suas duas partes. Quase 20 minutos de entrada, divididos em dois pedaços.

A Parte A (8'07) começa um "in crescendo" com uma criança nascendo, ou renascendo, como as reencarnações de Átila. Com um poderoso nervo carmesim que deixa vestígios daquela tensão instrumental que sempre caracterizou o grupo. A parte B (11'59) consiste em vocais e uma certa fase de hard rock que pode ser de grande valia ao vivo. Vozes de menino e menina e atualização de tendências progressivas, próximas de alguns Ayreon. Com uma máquina rítmica onipresente, precisa e espetacular, liderada por Punyet, (baterista que esteve nas melhores obras de Guillermo Cazenave). Suíte devastadora.

"Dansa del átil Daurat" (8'57) conta com a participação de Juanma Rodríguez, tecladista de Sherish. José Ramón Torres "JR", baixo de Storm. E Andrés Olaegui, guitarrista do Guadalquivir. Nomes históricos do progresso deste país.   Juntamente com Punyet e Castarnelas dão forma a um instrumental colossal com um certo ar árabe-andaluz, de execução imaculadamente bombástica. Como referência ou guia, eu diria que Liquid Tension Experiment ou Bozzio-Levin-Stevens não sairiam muito dos trilhos. 

Uma introdução incrível nos espera em "Retorn" (8'28), onde mais uma vez a dupla Punyet/Castarnelas monta um meccano instrumental com uma estrutura complicada e sólida de hard prog, com uma certa sensação de jazz rock fusion. Penso em Scott Henderson, Steve Vai ou mesmo no Weather Report. O groove emocionante preside tudo.

Noite de verão com grilos incluídos e acústica anuncia "Estranya Mágia" (9'27). Agora auxiliando a dupla Punyet/Castarnelas, Víctor Mateos "Willy" (teclados), Mike Starry (baixo e guitarras, da Omni) e César Ortiz (vocal). A única cantada (sempre em espanhol) junto com a segunda parte de "Encarnació- Suite". E de certa forma se conecta com ele em um hard rock sinfônico forte e de elegância indiscutível. Com uma guitarra Hendrix final que consegue um toque vintage muito especial e bem-vindo.

O álbum termina com o histórico Benet Nogué, compondo e tocando piano em "Volada" (4'30). Ele está acompanhado pelos sintetizadores de "Willy". Peça que lembra o antigo Átila, num momento reflexivo emocionante e muito inspirado. Benet Nogué deveria ter participado mais, na minha opinião.


“Encarnació” não olha para trás. Eles colocam os pés firmemente no presente e não deixam que seu passado incrível os devore. É o progresso de agora, porque eles são o Átila de agora. Coragem, determinação, risco e sempre olhando para frente.

Com esse nome não poderia ser de outra forma.

    

Atoll - Musiciens et Magiciens (1974)

 



Disco debut desse excelente quinteto francês. A banda começou como uma influencias de West Coast, fazendo uma especie de folk-rock/country-rock. Musiciens et Magiciens foi lançado no ano de 1974, apresentado textos filosóficos muito bem cantados pelo vocalista André Balzer, nesse disco pode se notar influencias de Genesis, Yes e King Crimson, Confiram!

01. L’hymne Medieval - 3:15
02. Le Baladin Du Temps - 11:11
03. Musiciens-Magiciens - 3:49
04. Au-Dela Des Ecrans De Cristal - 5:32
05. Le Secret Du Mage - 2:59
06. Le Berger - 3:50
07. Je Suis D’ailleurs - 8:04
08. Au-Dela Des Ecrans De Cristal (live) - 4:31
09. Fille De Neige (live) - 6:48
10. Je Fais Un Reve (live) - 3:35
11. Musiciens-Magiciens (live) - 4:40

- André Balzer / lead vocals
- Luc Serra / guitars, synthesizer, percussion
- Jan-Luc Thillot / bass
- Michel Taillet / keyboards, percussion
- Alain Gozzo / drums, percussion





Mama Lion - Preserve Wildlife (1972)

 



Mama Lion foi formado na cidade de Los Angeles após a cantora Lynn Carey junto com o baixista Neil Merryweather deixarem o “Ivar Avenue Reunion” para forma um novo grupo chamado “Lynn Carey & Neil Merryweather” o grupo não durou muito e em seguida essa dupla recrutaria os músicos, Rick Gaxiola (guitarra), James Newton Howard (teclados/vocal) e Coffi Hall (bateria/percussão), e assim em 1971 formariam o Mama Lion.
O grupo apresenta um blues rock, a bela Lynn Carey com seus vocais "Jopliniano" são os destaques. Sim, os vocais são semelhantes aos de Janis Joplin, mas com um tom mais baixo e uma voz que às vezes se assemelha a dos antigos cantores de blues.
Seus registros são muito lembrado por suas capas, principalmente o primeiro que mostra Lynn Carey amamentando um filhote de leão.

01. Ain't No Sunshine - 3:09
02. Be Bad With Me - 2:42
03. Ain't Too Proud To Beg - 3:32
04. Wildcat - 3:04
05. Candy Man - 3:30
06. Mr.Invitation - 4:44
07. Sister, Sister (She Better Than A Man) - 2:31
08. Can't Find My Way Home - 3:55
09. It's Only A Dream - 2:48
10. Cry - 3:38

- Lynn Carey - vocals
- Neil Merryweather - bass, vocals
- Coffi Hall - drums, percussion
- Rick Gaxiola - guitar
- James Newton Howard - keyboard, vocals




BIOGRAFIA DOS Dixie Dregs

 



Dixie Dregs é uma banda americana de jazz rock formada nos anos 70. Eles são conhecidos por misturarem em seu estilo os gêneros jazz, bluegrass, southern rock de uma forma única e recheada de virtuosismo. Steve Morse, o guitarrista, é o membro mais conhecido da banda, que atualmente toca com a banda inglesa Deep Purple. Em 1976 os Dixie Dregs fecharam um contrato de gravação com o selo Capricorn, onde gravaram 3 discos até a falência da gravadora em 1979. 

É certo que o som do Dixie Dregs sempre teve um predomínio principal do jazz-rock, mas também com nítidas influências progressivas e fortes pitadas da música country de sua terra natal. As músicas, tremendamente bem executadas e com harmonias altamente complexas, sempre tiveram inerentes doses saudáveis de um senso de humor típico do caipira norte-americano. O fabuloso guitarrista Steve Morse, de personalidade musical carismática e técnica refinadíssima, é também o mentor da banda e responsável pelo estilo extremamente pragmático, preciso e intrincado de todas as composições e arranjos. 

Como ‘The Great Spectacular’ (75) é considerada apenas uma demo, ‘What If’ vem a ser o segundo álbum oficial da banda, posterior ao mais alegre ‘Freefall’ (77). A partir de ‘What If’, o som da ‘Escória do Sul’ (significado do nome da banda em português) amadureceria, se tornaria mais entrosado e um pouco mais pesado. A se julgar pelo estilo de som instrumental e virtuoso, a presença de violino e as influências no estilo de Morse (grande fã do venerado guitarrista inglês John McLaughlin), a banda absorve um conceito musical semelhante ao da cultuada Mahavishnu Orchestra, só que com sonoridade menos dissonante, mais divertida e inclinada para o southern rock. Todos os trabalhos do grupo até ‘Unsung Heroes’ (81) são de grande expressão e importantes aquisições para os fãs dos áureos tempos do fusion.

Mesmo com informações de que a banda ainda esta ativa, eles não gravam nada em estúdio desde 1994 e ao vivo desde 2003. 

Integrantes.

Atuais.

Steve Morse (Guitarra, 1970-1983, desde 1988)
Rod Morgenstein (Bateria, 1973-1983, desde 1988)
Andy West (Baixo, 1970-1983, 1988, desde 2017)
Allen Sloan (Violino, 1973-1981, 1988-1992, desde 2017)
Steve Davidowski (Teclados, 1975-1977, desde 2017) 

Ex - Integrantes.

Frank Brittingham (Guitarra, Vocais, 1970-1971)
Dave Morse (Bateria, 1970-1971)
Johnny Carr (Teclados, 1970)
Mark Parrish (Teclados, 1970-1971, 1973, 1977-1978)
Bart Yarnall (Bateria, 1973)
Gilbert Frayer (Bateria, 1973)
Frank Josephs (Teclados (1974-1975)
T Lavitz (Teclados, 1978-2010)
Mark O'Connor (Violino, 1981-1982)
Dave Larue (Baixo, desde 1988-2017)
Jerry Goodman (Violino, desde 1992-2017)
Jordan Rudess (Teclados, 1994, 2024)



Sons-N-Britches - Country Rock (USA)

 



Com um nome como Sons-N-Britches, você pode imaginar que esses garotos não se levam muito a sério. No entanto, eles levam sua música muito a sério. Daron Meek, Rocky Barnes e Mike Mullis são amigos de longa data com uma rica história de fazer música juntos. Crescendo na Comunidade Due West nos arredores de Kennesaw, GA; esses garotos tiveram uma série de mentores musicais. Jams locais em lojas de música do bairro e churrascos de quintal forneceram um terreno fértil para eles crescerem como músicos, compositores e artistas. Mais tarde; os "Sons" aprimoraram suas habilidades aparecendo com atos como Kenny Chesney, Martina McBride, Kennesaw, Mark Chestnutt, Travis Tritt e muitos mais.
A banda adicionou uma sensação acústica ao seu trabalho mais recente que realmente mostra suas composições. Além do material original; SNB mistura country tradicional, rock e blues estilo sulista com um toque de Grass. Eles chamam isso de "música do VERDADEIRO sul sujo". É como um copo de chá gelado com uma dose de moonshine (refrescante com um chute).







Stase - Psych Instrumental Rock (Brazil)

 




A reaproximação do quarteto paulistano se mostra justamente na maturidade da construção de composições instrumentais que abrem caminho para as melodias, texturas, ambiências, distorções e harmonias meticulosamente preparadas pelos irmãos Alexandre Evans (guitarra) e Leonardo Evans (guitarra). Formado em 2011, o Stase lançou seu álbum de estreia, Stasis Interrupted, em 2013, e no ano seguinte participou da coletânea Fuzz Feelings, do selo Howlin' Records — à qual a banda se juntaria no mesmo ano —, com uma versão da música “You can have it all”, de Yo La Tengo.

Alexandre Evans - Guitar
Leonardo Evans - Guitar
Fabricio Cuppari - Bass
Flávio Martins - Drums






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