Em Setembro de 1979, o single "I Don't Like Mondays" dos Boomtown Rats estreou nas paradas australianas em #50 (17 de setembro)

Em Setembro de 1979, o single "I Don't Like Mondays" dos Boomtown Rats estreou nas paradas australianas em #50 (17 de setembro)

A canção foi escrita pelo cantor dos Rats Bob Geldof e pelo tecladista Johnnie Fingers, sobre o tiroteio da Grover Cleveland Elementary School de 1979 de Brenda Ann Spencer em San Diego, Califórnia.

Um repórter do The Evening Tribune contactou Spencer por telefone após o tiroteio, enquanto ela ainda estava na casa onde morava do outro lado da rua da escola, e perguntou-lhe porque é que ela cometeu o crime.

Ela teria respondido: "Eu não gosto de segundas-feiras. Isto anima o dia,"

A música com a introdução de piano distinta tornou-se o segundo single da banda a alcançar o #1 na parada do Reino Unido após o gráfico "Rat Trap".

Também foi para #1 na Austrália, África do Sul e Irlanda, #2 na Suécia e nos Países Baixos, #3 na Nova Zelândia, Bélgica e Noruega, #4 no Canadá, #6 na Suíça e Alemanha, e #7 na Espanha.

Geldof tinha originalmente a intenção da música como um lado B, mas mudou de ideia depois que a música foi bem sucedida com o público na turnê dos Rats nos EUA.

A família de Spencer tentou impedir que o single fosse lançado nos Estados Unidos, mas não tiveram sucesso, com "I Don't Like Mondays" passando a se tornar a única música da banda nos EUA, onde alcançou a posição #73.

A partir de 2024, Spencer continua na prisão...

Em Setembro de1985, The Cure lançou o single "Close To Me" (17 de setembro)

Em Setembro de1985, The Cure lançou o single "Close To Me" (17 de setembro)

O vídeo musical memorável foi escrito e dirigido pelo frequente diretor de videoclipes da banda, Tim Pope, e apresenta a banda presa em um guarda-roupa caindo de um penhasco no Canal da Mancha.

Robert Smith disse sobre fazer o vídeo: "Foram as 12 horas mais desconfortáveis que já passei. Ele [Tim Pope] acabou por deixar cair o guarda-roupa - connosco ainda dentro dele - num tanque enorme cheio de 1000 litros de água.

Assistindo você acha que foi divertido, mas tudo o que eu conseguia pensar era em morrer de uma morte lenta e dolorosa".

O single do LP "The Head on the Door" alcançou a melhor posição na Austrália, onde alcançou a posição #7...

RENAISSANCE ● Renaissance ● 1969 ● Reino Unido [Symphonic Prog/Eclectic Prog]

A história do RENAISSANCE começa no final da década de 60 com dois ex-componentes da banda YARDBIRDS, Keith Relf e Jim McCarty. Estes dois musicos teriam vital importância para o início do RENAISSANCE pois nessa época estavam interessados em estudar religião e fenômenos psíquicos o que os encaminhariam para um novo rumo musical. Depois de uma tentativa frustrada em 1968 com uma banda Folk acústica chamada TOGETHER, eles resolveram formar o RENAISSANCE em 1969, em Surrey, tendo como proposta a união de suas experiências Folk com elementos eruditos e o Rock de vanguarda que começava a fazer sucesso na Inglaterra. Possivelmente o mais importante nome catalisador desta idéia tenha sido o pianista John Hawken, de larga experiência erudita. Foi com ele que se iniciou a tradição de inserir nas músicas da banda, trechos de músicas eruditas de grandes compositores do passado, sem que fossem dados os devidos créditos. No primeiro disco, eles dão as pistas iniciais, creditando os riffs clássicos ao tecladista. Posteriormente Hawken usaria algumas melodias clássicas como base da composição.

Os componentes iniciais convidaram o baixista Louis Cennamo e para completar a formação, cientes de que a música pretendida se enriqueceria com a utilização simultânea de vocal masculino e feminino, convidam a irmã de Keith, a cantora Jane Relf, que com seu belo timbre viria a ser a primeira mulher a ter seu nome intimamente ligado à banda. Ainda em 1969 assinam um contrato com a gravadora Island e neste mesmo ano lançam o primeiro disco que teve como título o mesmo nome do grupo. "Renaissance", um trabalho cujo destaque é o do piano de John Hawken e os vocais doces de Jane.

As cinco músicas são um resumo da proposta de que o grupo desenvolveria nos anos seguintes, trafegando de sons étnicos/Folk ao romantismo tradicional, passando pelo Jazz e pelo barroco. Trata-se de um trabalho de grande impacto se considerarmos o ano em que foi realizado. Grandes músicos com uma grande proposta que passou quase despercebida na Inglaterra, em parte devida à imensa e fervilhante produção que acontecia na época.

A faixa de abertura "Kings and Queens" prova ser o marco para futuros lançamentos da banda. A composição estrutural desta música é relevante para composições de lançamentos posteriores. Esta faixa é fortemente influenciada pela música clássica através de seu som de piano na parte de introdução. É uma introdução de piano maravilhosa e dinâmica. A seção de bateria entra muito bem com preenchimentos de violão. Quando o estilo da bateria muda para uma batida meio jazzística, é definitivamente Prog!. Você pode observar e comparar no segmento musical logo antes do vocal masculino entrar em cena. O estilo da bateria e do piano quando acompanham os vocais é super dinâmico. É uma faixa muito melodiosa e lindamente trabalhada. "Innocence" tem composição mais simples que a primeira faixa. O piano ainda domina a música. Tem alguma componente de Jazz e Blues na sua composição. O solo de piano é ótimo no meio desta faixa. Excelente! "Island" é novamente uma música baseada em violão e piano com vocal feminino de Jane Relf como líder e vocal masculino como apoio. A execução do baixo é dinâmica ao longo da faixa. Esplêndido. A inclusão do solo de piano no estilo clássico tornou esta faixa mais atraente. "Wanderer" é uma faixa mais edificante com ótimos sons de piano e cravo. Mais uma composição com ótima melodia!

O álbum é concluído de forma fabulosa com uma faixa épica "Bullet" com 11:24 minutos de duração. Mais uma vez, a banda apresenta uma composição maravilhosamente trabalhada. Desta vez, o som de abertura do piano está definido para dar as boas-vindas às vozes latinas. Keith Relf assume a função vocal principal com piano jazzístico e estilo de bateria. A composição geral dessa música é mais uma música de vanguarda. Tem pontos altos e baixos com alguma exploração musical de sons no final da faixa. 

Aqui temos um álbum maravilhosamente inventivo que nunca ganhou o reconhecimento que merece como pedra angular do gênero ao qual este blog é dedicado. Se não por outro motivo, todo fã de Prog deveria ouvir este álbum para aprofundar sua compreensão de como o Prog surgiu, e daqui em diante conhecer o trabalho fabuloso que o RENAISSANCE executou daqui em diante e o tornaria uma lenda Progressiva nas décadas posteriores.

Tracks:

01. Kings And Queens (10:55) ◇

02. Innocence (7:05)

03. Island (5:57)  ◇

04. Wanderer (4:00)  ◇

05. Bullet (11:24)

Bonus tracks on 1998 Mooncrest release:

06. The Sea (3:05) *

07. Island (3:38) *

08. Prayer for Light (5:27) %

09. Walking Away (4:19) %

10. Shining Where the Sun Has Been (Jim McCarty & Keith Relf 1968 Demo) (2:52)

11. All the Fallen Angels (Keith Relf 1976 Demo) (5:28)

Time: 64:31

* Different versions from the album's, previously released as Single A/B (1970)

% Soundtrack by Jim McCarty & Keith Relf for 1971 unreleased movie "Schizom"

Musicians:

- Jane Relf / vocals, percussion

- Keith Relf / vocals, guitar, harmonica

- John Hawken / piano, harspichord

- Louis Cennamo / bass guitar

- Jim McCarty / percussions, vocals

STRAWBS ● Strawbs ● 1969 ● Reino Unido [Prog Folk]

A banda STRAWBS foi criada em 1964 como STRAWBERRY HILL BOYS, enquanto os membros fundadores estavam no St Mary's Teacher Training College, Strawberry Hill, Londres. O nome foi encurtado para THE STRAWBS quando participaram de um show em junho de 1967 no qual eles queriam exibir o nome da banda no palco. Seu líder de longa data e compositor mais ativo é o guitarrista e cantor Dave Cousins ​​​​(guitarra, dulcimer, banjo, vocal) (nascido David Joseph Hindson, 7 de janeiro de 1945, Hounslow, Middlesex). Nos primeiros dias, STRAWBS tocou com Sandy Denny (mais tarde vocalista do FAIRPORT CONVENTION e FOTHERINGAY)

Embora tenham começado na décda de 1960 como uma banda de Bluegrass, o repertório da banda mudou para favorecer seu próprio material (principalmente de primos). Enquanto na Dinamarca em 1967, os STRAWBS (Cousins, Tony Hooper e Ron Chesterman) com Sandy Denny gravaram 13 canções para um primeiro álbum proposto, "All Our Own Work". Aparentemente, não foi lançado na Dinamarca e a banda incipiente não conseguiu um contrato com uma gravadora no Reino Unido. (Enquanto isso, Denny saiu para ingressar na FAIRPORT CONVENTION e o álbum foi esquecido até ser lançado pela Pickwick Hallmark no Reino Unido em meados da década de 1970.)

Foram o primeiro grupo do Reino Unido a assinar com a Herb Alpert's A&M Records e gravaram seu primeiro single, "Oh How She Changed" em 1968, que foi produzido e arranjado por Gus Dudgeon e Tony Visconti, que também trabalharam em seu primeiro álbum aclamado pela crítica. "Strawbs" (1969).

Esse primeiro disco da banda apresenta um belo Folk Progressivo. Parece realmente datado hoje em dia, mas ainda recruta muitos fãs; as melodias folclóricas são ocasionalmente temperadas com elementos progressivos. Por exemplo, "All The Little Ladies" é uma música folclórica pura, muito inglesa. Lindo trabalho de guitarra. Letras interessantes. "Tell Me What You See In Me" é uma melodia de tirar o fôlego que combinou perfeitamente música da Índia com Pop e Rock contemporâneos. O elemento da psicodelia não deve ser esquecido, os exemplos são "The Man Who Called Him Jesus" (soa como Simon and Garfunkel com distorção) e a bela "Where Is The Dream Of Your Youth" com muita reverberação. "Oh How She Changed" e "Poor Jimmy Wilson" são faixas mais fracas, sendo a primeira Pop e a segunda Folk puro, no entanto são bastante agradáveis. O destaque do álbum é "Pictures Of 79 And 15". Belo trabalho de órgão Hammond (lembra-me do JETHRO TULL da era inicial) e harmonias vocais imbatíveis e sonhadoras. É disso que se trata este álbum, realmente. Um sonho adorável.

Uma boa estreia, definitivamente não é um marco, mas um belo exemplo da música do final dos anos 60. Trabalho muito agradável.

Tracks:

01. The Man Who Called Himself Jesus (3:41)

02. That Which Once Was Mine (2:48)

03. All The Little Ladies (2:15)

04. Pieces Of 79 And 15 (2:56)

05. Tell Me What You See In Me (4:58)

06. Oh How She Changed (2:50)

07. Or Am I Dreaming (2:25)

08. Where Is This Dream Of Your Youth (3:04)

09. Poor Jimmy Wilson (2:33)

10. Where Am I / I'll Show You Where To Sleep (3:25)

11. The Battle (6:30)

Time: 37:25

Bonus tracks on 2008 A&M remaster:

12. Interview / That Which Once Was Mine (3:41) *

13. Poor Jimmy Wilson (2:28) *

14. The Battle (6:09) *

* Recorded for John Peel's "Top Gear" BBC Radio One Show, 12th January, 1969.

 

Musicians:

- Dave Cousins / vocals, guitars

- Tony Hooper / vocals, guitars

- Ron Chesterman / double bass

With:

- Tony Visconti / "Musical vibrations"

THE MOODY BLUES ● On The Threshold of a Dream ● 1969 ● Reino Unido [Symphonic Prog/Eclectic Prog]

Se você ainda não ouviu esse álbum, você terá uma surpresa. Aludindo ao provável estado de espírito do ouvinte, "On The Threshold of a Dream" apresenta uma brilhante sucessão de canções, sequências instrumentais e poemas falados. Há uma abordagem incomum do MOODIES em relação à composição – permitindo que cada um dos cinco membros siga sua própria linha dentro do contexto de um esforço de grupo neste álbum. A poesia de Graeme Edge raramente brilhou tanto, "Have You Heard" de Mike Pinder adiciona um tom brilhante de rosa à máquina Blue, e Justin Hayward (geralmente bom para um hit) marca um hat-trick com "Lovely To See You", "Never Comes The Day" e "VAre You Sitting Comfortably?". Os discos que se seguiram sem dúvida lutaram pela mesma união feliz, mas raramente cumpriram a promessa de suas aberturas portentosas. "In The Beginning" de Edge promete muito, defendendo a liberdade das máquinas, ou mais especificamente a liberdade do mundo mecanizado que nos rodeia. "Lovely To See You" nos aceita no grupo, e a partir daí o conceito dá lugar a uma série de vinhetas: "Dear Diary", "Send Me No Wine" e um par de faixas de Rock psicodélico para adicionar um pouco de força. O que une "Threshold..." é seu ritmo rápido, usando sequências perfeitas para conectar as contribuições individuais da banda em um todo coeso. Essa técnica evita a formação de um pântano musical. O segundo lado também começa rápido com o single "Never Comes The Day", o tipo de devaneio acústico que ajudou a definir o MOODY BLUES, um campo revisitado em "Are You Sitting Comfortably". No entanto, é a combinação final de "Have You Heard" e a instrumental "The Voyage" que traz "Threshold..." à beira do brilho. Mike Pinder sempre foi o mais propenso a escrever fora do idioma estabelecido da banda, e aqui ele se depara com uma epifania musical de proporções heróicas, imprensada nas melhores orquestrações dos álbuns. Então, se você está do lado de fora olhando para dentro, sem noção da atração do MOODY BLUES, atravesse "The Threshold" e junte-se à festa.

Tracks:

01. In The Beginning (2:07)

02. Lovely To See You (2:34)

03. Dear Diary (3:56)

04. Send Me No Wine (2:21)

05. To Share Our Love (2:53)

06. So Deep Within You (3:07)

07. Never Comes The Day (4:43)

08. Lazy Day (2:43)

09. Are You Sitting Comfortably? (3:30)

10. The Dream (0:57)

11. Have You Heard? Pt. 1 (1:28)

12. The Voyage (4:10)

13. Have You Heard? Pt. 2 (2:26)

Time: 36:55

Bonus tracks on 2008 Deram remaster:

14. In The Beginning (Full Version) (3:26)

15. So Deep Within You (Extended Version) (3:32)

16. Dear Diary ((Alternate Vocal Mix) (4:01)

17. Have You Heard (Original Take) (3:51)

18. The Voyage (Original Take) (4:37)

19. Lovely To See You (BBC Radio-John Peel's "Top Gear", 18th February 1969) (2:26)

20. Send Me No Wine (BBC Radio-John Peel's "Top Gear", 18th February 1969) (2:39)

21. So Deep Within You (BBC Radio- "The Tony Brandon Show", 2nd April 1969) (3:06)

22. Are You Sitting Comfortably (BBC Radio- "The Tony Brandon Show", 2nd April 1969) (3:33)

Musicians:

- Justin Hayward / acoustic (6- & 12-string) & electric guitars, cello, lead vocals (2,4,7,9), spoken voice (1)

- Michael Pinder / Hammond, piano, Mellotron, cello, lead vocals (4-6,11,13), spoken voice (1,10)

- Ray Thomas / harmonica, flute, piccolo, oboe, tambourine, lead vocals (3,4,8

- John Lodge / bass, double bass, cello, lead vocals (4)

- Graeme Edge / drums, percussion, VCS3 synth, spoken voice (1)

THE NICE ● Nice ● 1969 ● Reino Unido [Symphonic Prog/Proto Prog]

Este foi na verdade o terceiro álbum do THE NICE, e sua última gravação de estúdio. Na realidade, apenas o primeiro lado foi realmente gravado em estúdio, pois, o segundo contem um par de longas faixas gravadas ao vivo no Fillmore East de Nova Iorque. Nesse álbum a banda decidiu desta vez autoproduzir-se, uma decisão corajosa que, talvez surpreendentemente, se revelou correta.

Do ponto de vista da composição, parece que o THE NICE estava passando por um bloqueio significativo de composição, sendo as faixas uma seleção de regravações e covers. Como o título da abertura "Azrael revisitado" indica, é uma regravação de "Azrael", anteriormente um lado B não pertencente ao álbum de seu primeiro single. "Hang on to a dream" é sem dúvida a música mais linda que a banda já gravou. Originalmente composta por Tim Hardin, a entrega vocal é notavelmente muito mais delicada do que o normal, sendo a música como um todo uma delícia.

Mesmo o que parece ser uma das duas novas composições; "Diary of an empty day" acaba usando uma peça de Lalo em sua música para acompanhar as letras de Lee Jackson. "For example" começa o mais próximo que o THE NICE chegou no estúdio ao que Emerson Lake e Palmer fariam futuramente, em grande parte devido à forma distinta de tocar órgão de Keith Emerson. A faixa é certamente de estrutura Progressiva, vagando em várias direções, incluindo uma passagem jazzística de piano e uma explosão de "Norwegian Wood" dos BEATLES.

O segundo lado do álbum tem uma longa reformulação de "Rondo", que apareceu originalmente no primeiro álbum, e um cover de "She pertence to me" de Bob Dylan (de seu álbum "Self Portrait"), ambas gravações ao vivo em Nova Iorque. A versão de "Rondo" realmente não acrescenta nada à versão de estúdio, enquanto a longa interpretação de "She pertence to me" de Dylan pode não agradar muito aos fãs de Dylan, mas os Proggers devem gostar. De certa forma, é como a versão do YES de "America" ​​de Simon e Garfunkel, a música original sendo usada como base para alguma improvisação prolongada em torno de seu tema. A faixa dá a melhor indicação de como a banda seguiria em seu lançamento seguinte, totalmente ao vivo, "Five Bridges".

Ao todo, este é o mais bem conseguido dos três primeiros álbuns do THE NICE. Apesar da natureza bastante fragmentada do álbum em termos de parte ao vivo/parte de estúdio e da falta de material genuinamente novo, é uma audição agradável, e no final das contas, isso é tudo o que realmente importa.

Tracks:

01. Azrael Revisited (5:56)

02. Hang On To A Dream (4:46)

03. Diary Of An Empty Day (4:00)

04. For Example (8:54)

05. Rondo '69' (Live *) (7:55)

06. She Belongs To Me (Live *) (11:58)

* Recorded at New York Fillmore East

Time: 43:29

Bonus tracks on 1998 Castle reissue:

07. Hang on to a Dream (Single A Side) (4:46)

08. Diary of an Empty Day (Single B-Side) (4:00)

Bonus tracks on 2003 Castle reissue:

07. Hang Onto A Dream (Mono Single Mix) (4:46)

08. Diary Of An Empty Day (Mono Single Mix) (4:01)

09. St. Thomas (BBC Session Track) (2:35)

10. Pathetique Symphony 4th (Live #) (10:34)

11. Lt. Kije (The Troika)/Rondo (Live #) (8:00)

# Recorded at Fairfields Hall, 1969

Musicians:

- Lee Jackson: vocals, guitar, bass

- Keith Emerson: keyboards, Hammond organ, piano

- Brian Davidson: drums, percussion

VAN DER GRAAF GENERATOR ● The Aerosol Grey Machine ● 1969 ● Reino Unido [Electric Prog]

Formada em 1967 em Manchester, a VAN DER GRAAF GENERATOR é uma banda inglesa, que provou ser uma das bandas mais importantes do gênero Progressivo. A história do VDGG começa em 1967, quando Chris Judge Smith forma o VAN DER GRAAF GENERATOR, e após sua saída coube a Peter Hammil (vocal, teclado, guitarra), Hugh Banton (órgão, baixo no órgão), David Jackson (sax, flauta) e Guy Evans (bateria) seguirem com a trajetória de uma das bandas mais prolíficas e singulares do Rock Progressivo, bem como a primeira banda a assinar com o selo Famous Charisma. A banda recebeu o nome do instrumento científico "gerador Van de Graaf", que é usado para acumular parafusos de alta tensão.

O VAN DER GRAAF GENERATOR (abreviadamente VDGG) é conhecido por sua dinâmica extrovertida (variando de lenta, calma e pacífica a feroz e pesada). Os vocais intensos e emocionais, "ame ou odeie", de Peter Hammil, contribuem para as composições Progressivas com sua combinação de influências psicodélicas, Jazz, clássicas e vanguardistas ou mesmo ácidas. Além disso, o VDGG pode ser visto como a primeira banda que combinou o Rock Progressivo com o muito pessoal, enquanto outras bandas trabalhavam com abstrações e fantasia. Peter Hammil tem um talento para cantar sentimentos intensos de raiva, pânico e confusão, ao mesmo tempo em que é capaz de cantar de maneira calorosa e carinhosa em outras passagens. A banda nunca se encaixou no subgênero do Rock Progressivo sinfônico por causa de suas influências generalizadas e estilo único, embora a banda tivesse tendências sinfônicas ao longo de sua carreira. Incomum para a época era o foco no órgão, bateria e sax, enquanto nos anos 60 a guitarra e o baixo tinham um papel importante.

Este primeiro trabalho do VDGG é mais um tipo de proto-Prog/Psych. Era para ser um álbum solo de Peter Hammil, e não recebeu inicialmente um lançamento britânico, a impressão americana na Mercury é a prensagem original. Mais tarde, apareceu na Grã-Bretanha pelo selo Fontana na década de 1970 (assim como Vertigo na Itália). O álbum ainda traz bom material, como "Aquarians", "Octopus", "Necromancer" e "Running Back". A faixa-título é uma das raras vezes em que a banda mostrou senso de humor. "Aquarians" parece ter conotações hippie mais fortes do que o normal para a banda. "Octopus" é de longe a música mais Progressiva do álbum, com extensos solos de órgão. Certamente "The Aerosol..." mostra que muitos dos elementos psicodélicos do final dos anos 60 não desapareceram, mas ainda é um bom álbum do VDGG que vale a pena ter. Confira!

Tracks:

01. Afterwards (4:58)

02. Orthenthian St. (Part I) (2:23)

03. Orthenthian St. (Part II) (3:53)

04. Running Back (6:32)

05. Into a Game (5:56)

06. Aerosol Grey Machine (0:56)

07. Black Smoke Yen (1:18)

08. Aquarian (8:27)

09. Necromancer (3:30)

10. Octopus (7:41)

Time: 45:34

Bonus Tracks on 1997 Repertoire:

10. People You Were Going To (Single A-side) (2:44)

11. Firebrand (Single B-side) (4:08)

Time: 52:26

1997 Fie! Records remaster:

01. Afterwards (4:58)

02. Orthenthian St. (6:19)

03. Running Back (6:36)

04. Into A Game (6:57)

05. Ferret & Featherbird (4:34) *

06. Aerosol Grey Machine (0:46)

07. Black Smoke Yen (1:27)

08. Aquarian (8:21)

09. Giant Squid (3:19) *

10. Octopus (7:57)

11. Necromancer (3:30)

Time: 54:44

* Bonus tracks

Musicians:

- Peter Hammill: lead vocals, acoustic guitar

- Hugh Banton: piano, organ, percussion, backing vocals

- Keith Ellis: wah-wah bass, backing vocals

- Guy Evans: drums, percussion

With:

- Jeff Peach: flute (4)

- Judge-Smith: slide-saxophone (10), lead (11) & backing vocals (10) - Repertoire bonus tracks

YES ● Yes ● 1969 ● Reino Unido [Symphonic Prog]

 

O álbum de estréia do YES, lançado em 25 de julho de 1969, é considerado como um dos primeiros álbuns de Rock Progressivo, apesar de ainda não conter os elementos essenciais do gênero como faixas complexas. O vocalista Jon Anderson e o baixista Chris Squire formaram o YES em 1968, com o guitarrista Peter Banks (que sugeriu o nome da banda), o tecladista Tony Kaye e o baterista Bill Bruford recrutados em um anúncio através do Melody Maker.

O disco apresenta o desenvolvimento inicial do som que caracteriza os discos posteriores da banda; harmonias altas impecáveis; jogo claramente definido e enfático; e uma abordagem à música que derivava muito mais do Folk e da Música Clássica do que do R&B, do qual a maior parte do Rock de seus contemporâneos se inspirou - mas era muito mais em um contexto de música Pop, apresentando covers de músicas dos BEATLES e dos BYRDS, dos quais eram admiradores e fãs. Também esteve presente uma pitada de Space Rock (em "Beyond and Before", música herdada da Toy Shop de Mabel Greer) na qual mais tarde viriam a se especializar.

Os vocais agudos de Anderson conferem à música uma etérea, enquanto a guitarra angular de Banks, aparentemente toda tocada e nenhuma dedilhada, inspirou-se em elementos Folk e Sskiffle. O baixo de Chris Squire tinha um som enorme, devido ao fato de ele tocar com uma palheta, dando-lhe um dos sons mais distintos do instrumento, enquanto a bateria de Bruford era muito complexa no contexto da música Pop, e a forma de tocar de Kaye era rica e melódica.

Lester Bangs disse sobre o álbum de estreia do YES na Rolling Stone de 1970: "Este é o tipo de álbum que às vezes se insinua em sua rotina com um impulso totalmente inesperado de poder musical. Porque tudo isso é feito de maneira excelente: solos de fuzz vivos, baixo vibrante, um pouco dos BEATLES nos vocais, um toque de Wes Montgomery nos solos de guitarra – um álbum definitivo, na verdade, no estilo predominante de grupos "descolados" ao longo do século. últimos dois anos."

O álbum começa alarmante com Chris Squire quando suas notas de baixo saltam dos alto-falantes para o ouvinte, exigindo toda a atenção. Sua composição, "Beyond and Before", mostra claramente o amor pelas harmonias vocais que uniram ele e o cantor Jon Anderson em primeiro lugar. A peça tem um arranjo sofisticado que é bastante avançado considerando o nível de experiência e a música, é um ponto de partida impressionante. A versão de "I See You", de Jim McGuinn e David Crosby, é incrivelmente boa. Ao ouvir esta adaptação, tem-se a sensação de que o grupo começou por ser uma mistura de Cool Jazz com mentalidade Rock e aqui eles fazem sucesso. Os suaves licks de guitarra de Peter Banks combinados com a hábil bateria de Bill Bruford são excelentes. "Yesterday and Today" nada mais é do que uma balada Pop cantada com um belo piano. Soa como outras músicas floridas daquela época. "Looking Around" talvez seja a melhor música original do álbum, com o órgão Hammond de Tony Kaye estabelecendo um ritmo poderoso. As harmonias de três partes são aventureiras e o final é abrupto, mas ainda é uma oferta memorável. Em contraste, "Harold Land" pode ser a música mais fraca. Começa bem, mas logo fica atolada em uma melodia sem imaginação e perde o ímpeto inicial.

A seguir vem "Every Little Thing", uma música de Lennon/McCartney. Com o mesmo espírito que VANILLA FUDGE colocou sua marca individual em "You Keep Me Hangin' On" das SUPREMES, o YES renova completamente essa música cativante, mantendo sua integridade intacta. Depois de uma abertura barulhenta, mas interessante, eles mergulham direto na música e entregam a faixa mais compacta do álbum, completa com harmonias imaculadas. Aqui eles fazem uma música muito boa virar ótima. "Sweetness" vem a seguir e é outra canção de amor moderna (provavelmente incluída para apaziguar alguns executivos de gravadoras em busca de sucesso na Atlantic). "Survival" é um ótimo encerramento, pois apresenta um arranjo aventureiro baseado em vários temas musicais entrelaçados. Exibe elementos rudimentares dos traços Progressivos que a banda estava apenas começando a explorar.

A fotografia na capa fala por si. Este não era um grupo de garotos da capa sorridentes ou um bando de Punks zombeteiros empenhados em queimar seus tímpanos, este era um grupo confiante e convencido de músicos talentosos que sabiam exatamente o que queriam alcançar com sua música. A justaposição destes cinco jovens rodeados pelo que parece ser um cemitério de antiguidades ao ar livre é bastante apropriada e simbólica. Aqui está o embrião do YES que iria conquistar seu próprio e único nicho no Rock and Roll moderno. Confira!

Tracks:

01. Beyond and Before (4:50)

02. I See You (6:33)

03. Yesterday and Today (2:37)

04. Looking Around (3:49)

05. Harold Land (5:26)

06. Every Little Thing (5:24)

07. Sweetness (4:19)

08. Survival (6:01) 

Time: 38:59

Bonus tracks on 2003 Elektra remaster:

9. Everydays (single version) (6:23)

10. Dear Father (early version #2) (5:51) *

11. Something's Coming (7:08)

12. Everydays (early version) (5:18) *

13. Dear Father (early version #1) (5:31) *

14. Something's Coming (early version) (8:02) *

* Previously unreleased

Musicians:

- Jon Anderson / lead vocals, percussion

- Peter Banks / guitars, vocals

- Tony Kaye / Hammond organ, piano

- Chris Squire / bass, vocals

- Bill Bruford / drums, vibes

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PINK FLOYD ● Ummagumma ● 1969 ● Reino Unido [Psychedelic Prog]

Lançado em 25 de outubro de 1969 pela editora Harvest Records, no Reino Unido, e pela Capitol Records internacionalmente, "Ummagumma" é o quarto álbum de estúdio da banda inglesa PINK FLOYD. É um álbum duplo, no qual o primeiro disco é uma gravação ao vivo que contém parte das músicas que o grupo tocava na época, enquanto que o segundo disco contém músicas compostas por cada membro. O trabalho gráfico foi elaborado pela colaboradora habitual do PINK FLOYD, a Hipgnosis, e inclui várias imagens da banda combinadas para dar um efeito Droste.

O título do álbum teve origem no calão de Cambridge para o termo "sexo", utilizado pelo amigo e, por vezes, roadie, da banda, Iain "Emo" Moore, que dizia "Vou até a casa para algum ummagumma". Segundo Moore, ele teria sido o inventor da palavra.

Com releção a receptividade, "Ummagumma" recebeu críticas positivas. Os International Times foram particularmente positivos acerca do álbum ao vivo, com o crítico a descrevê-lo como "provavelmente a melhor gravação ao vivo que já ouvi". A Vox incluiu o disco ao vivo na sua lista de "The Greatest Live Albums Ever". A Stylus Magazine teve uma reação muito favorável ao álbum, afirmando que a gravação ao vivo é "como um documento visceral da fase inicial atmosférica e enérgica do PF; não há nada assim" e que o disco de estúdio "transcende, de alguma forma, a sua construção fraturada, fazendo dele um álbum completo".

No entanto, o grupo tem sido muito crítico sobre o seu próprio álbum. Falando mais tarde deste trabalho, Waters disse: "Ummagumma – que desastre!", enquanto que, em 1995, Gilmour o descreve como "horrível". Numa entrevista em 1984, Mason disse: "Pensei que era um pequeno e muito interessante exercício, em que todos fazem uma parte. Mas continuo a pensar que é um bom exemplo em que a soma é melhor do que as partes …" Mais tarde, descreve o álbum como "uma experiência falhada", acrescentando que "o mais significativo é que nunca mais o repetimos".

A Paste, ao analisar a reedição de 2011, descreve o álbum como "o pior exemplo dos excessos do Rock", apesar de o crítico ter sido positivo na versão ao vivo de "Careful with that Axe, Eugene". Robert Christgau sugeriu que as "melodias hipnóticas" do álbum fazem dele "um admirável trabalho para adormecer".

Tracks:

CD1: live album:

01. Astronomy Domine (8:26)  ◇

02. Careful With That Axe, Eugene (8:46)  ◇

03. Set The Controls For The Heart Of The Sun (9:22)  ◇

04. A Saucerful Of Secrets (12:48)  ◇

Time: 39:26

CD2: studio album:

01. Richard Wright - Sysyphus Part 1 (1:08)

02. Richard Wright - Sysyphus Part 2 (3:24)

03. Richard Wright - Sysyphus Part 3 (1:47)

04. Richard Wright - Sysyphus Part 4 (6:55)

05. Roger Waters - Grantchester Meadows (7:28)

06. Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict (4:56)

07. David Gilmour - The Narrow Way Part 1 (3:29)

08. David Gilmour - The Narrow Way Part 2 (2:54)

09. David Gilmour - The Narrow Way Part 3 (5:51)

10. Nick Mason - The Grand Vizier's Garden Party Part 1: Entrance (0:59)

11. Nick Mason - The Grand Vizier's Garden Party Part 2: Entertainment (7:06)

12. Nick Mason - The Grand Vizier's Garden Party Part 3: Exit (0:38)

Time: 46:43

Musicians:

- David Gilmour: lead guitar, vocals, all instruments and vocals on "The Narrow Way"

- Nick Mason: percussion, all instruments (except flutes) on "The Grand Vizier's Garden Party"

- Roger Waters: bass guitar, vocals, all instruments and vocals on "Grantchester Meadows" and all instruments on "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict"

- Richard Wright: organ, keyboards, vocals, all instruments and vocals on "Sysyphus"

+

- Lindy Mason: flutes on "The Grand Vizier's Garden Party" parts 1 and 3

- Ron Geesin: additional vocals on "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict

Snake Oil - Uppercut Attitude (2008)

Snake Oil é uma banda francesa que inclui Daniel Jeand'heur do famoso One Shot na bateria. Os outros três caras são bem conhecidos na cena jazz francesa e incluem Boris Blanchet (sax), Romain Nassini (Fender Rhodes, órgão) e Greg Theueniau (baixo). Este é um caso de dois discos, sendo o primeiro um novo álbum de estúdio, enquanto o segundo é uma sessão ao vivo e inclui James MacGaw (guitarra) do One Shot e Magma. Embora One Shot venha à mente de vez em quando, eu descreveria isso como mais vanguardista e, claro, o sax certamente traz um sabor diferente para a mesa.

"SWB Part 1" apresenta sax, piano esparso e alguns e escurece pouco antes de terminar. “Troy” tem essas explosões de som que vão e vêm e então se instalam. Aqui vamos nós! Belo baixo pesado aqui enquanto o sax toca por cima. A seção rítmica às vezes soa como uma debandada. Som incrível 3 minutos e meio antes do final. Coisas desagradáveis. "White Dawn" é a faixa mais longa do disco um, com mais de 14 minutos. Obtemos esses sons profundos, mas descontraídos, enquanto o baixo pulsa e o piano e o sax tocam por cima. Bateria também, pois constrói alguns. Amei o baixo neste. O sax termina tudo isso depois de 8 minutos. Ele se acalma após 11 minutos. Trilha matadora!

"1612" é dominado pela bateria e pelo sax logo no início, então o sax desaparece e o baixo sacode a paisagem sonora. O sax volta antes de 3 minutos. “Mutation Majeur” junto com “White Dawn” são minhas favoritas do primeiro disco. Isso é descontraído com o sax até começar a tocar um minuto depois. Fica desagradável em 3 minutos e meio. Bateria apenas de 6 a 8 minutos. Legal. Termina como começou. "Love DC" tem uma batida acelerada que eu realmente gosto quando o sax se junta a ela.

O disco dois começa com "Doustrain Waltz", onde obtemos enormes linhas de baixo enquanto o sax e as tonalidades vêm à tona e se alternam. Conseguimos um bom ritmo pesado após 3 minutos. O baixo é tão forte e profundo enquanto o Fender Rhodes toca por cima. Insanidade 6 1/2 minutos depois. Sax à frente após 8 minutos. Rasgar guitarra vai e vem. Tão bom. "Kelgout?" tem sax tocando na bateria e no baixo então ficamos calmos. O sax preguiçoso toca sobre os sons esparsos aqui. Alguma intensidade antes de 8 minutos à medida que aumenta.

“Bravo” é uma ótima faixa com baixo robusto se destacando junto com piano, sax e bateria. "Pas De Probleme" abre com o que parece ser eletrônica. A seção rítmica entra em ação pesada. As teclas tocam por cima enquanto o sax grita. A guitarra começa a rasgar mais tarde. Termina como começou.

Apenas um álbum matador que irá agradar aqueles que gostam de jazz/fusion aventureiro.