sábado, 21 de setembro de 2024
A Smash Heart Of Glass
1979 viu o movimento disco no seu auge, e inversamente também prestes a ser empurrado para além desse pico e esmagado sob o peso dos movimentos opostos 'new wave' e 'post punk'. O grupo nova-iorquino Blondie foi um dos porta-estandartes do movimento 'new wave', e então pareceu um pouco contraintuitivo para o grupo de seis integrantes oferecer o que era, para todos os efeitos, uma música disco. Mas aí estava o gênio de Debbie Harry, Chris Stein, Jimmy Destri, Nigel Harrison, Frank Infante e Clem Burke.Escrito por Harry e Stein, e retirado do álbum multiplatina de 1978 da banda 'Parallel Lines' (US#1, OZ#2, UK#1), o single 'Heart Of Glass' (OZ#1/US#1/UK#1) não só desafiaria a (indiscutivelmente) vazia cena disco, mas sequestraria o gênero sozinho. O álbum foi produzido pelo prolífico operador de sala de controle Mike Chapman (veja os posts anteriores The Knack, Racey), e a produção brilhante brilhou em outros sucessos, como o rocker sem sentido 'Hanging On The Telephone' (OZ#39, UK#5) e o mais sensual 'Picture This' (OZ#88/UK#12). Mas seria 'Heart Of Glass' que marcaria indelevelmente sua batida e linha rítmica de assinatura nas mentes de todos os ouvintes de música comercial da época, na verdade, além. O sucesso de 'Heart Of Glass' também se deve em parte ao videoclipe, filmado no famoso Studio 54 e que traz a imagem icônica de Debbie Harry no centro do palco.

Mais sobre a evolução do Blondie e a carreira solo de Debbie Harry, mas por enquanto aproveite a atração irresistível de 'Heart Of Glass' (a versão do 'Studio 54' e Top of the Pops, com Chris Stein como um 'Beatle disco')
No último momento
De tempos em tempos, enquanto vasculho uma montanha de clássicos do pop, redescobrirei uma joia que estava escondida há mais tempo do que deveria. Uma dessas pepitas de pop delicioso é o hit de 1978 "Hot Child In The City", gravado por um Nick Gilder. Depois de experimentar a música suave e cheia de alma, decidi me aprofundar um pouco mais na carreira do artista por trás do hit. O que se segue é o resultado dessa investigação casual.Nick Gilder nasceu em Londres em 1951 e, aos dez anos, emigrou para Vancouver, Canadá. Sua adolescência foi passada frequentando uma faculdade técnica, mas o amor pela música fez com que Gilder se movesse em direção a uma carreira em uma banda. Em 1971, ele formou uma banda com o amigo e guitarrista Jimmy McCulloch (não da fama de Thunderclap Newman ou Wings) sob o título atrevido de Sweeney Todd. Os roqueiros glam tiveram sucesso limitado em seu Canadá natal, mas em 1975 lançaram seu álbum de estreia homônimo (CA#14) pela gravadora London Records. O lançamento do single de Sweeney Todd, 'Roxy Roller' (escrito sobre groupies), inicialmente teve pouco sucesso. Na mesma época, Gilder e McCulloch deixaram Sweeney Todd, devido ao caminho bem trilhado de brigas internas, e a dupla decidiu tentar a sorte do outro lado da fronteira nos EUA, estabelecendo base em Los Angeles.
Gilder e McCulloch assinaram com a Chrysalis, que viu o potencial em algumas das músicas de power pop que a dupla havia escrito juntos. O período coincidiu com sua antiga gravadora London Records lançando o single 'Roxy Roller' novamente, com um novo vocalista, mas usando a faixa de apoio original. Basta dizer que quando Chrysalis soube disso, eles aplicaram uma liminar, efetivamente proibindo mais veiculações do single, mas não antes que a versão de Sweeney Todd tivesse entrado nas paradas do Canadá em 1975. Chrysalis então fez Gilder gravar uma nova versão da música para lançamento nos EUA, enquanto uma versão completamente nova foi lançada no Canadá por uma nova formação de Sweeney Todd. Uma boa receita para advogados, mas o episódio inteiro fez poucas vendas para qualquer uma das versões de 'Roxy Roller', embora a versão de Nick Gilder tenha entrado nas paradas da Austrália no início de 77 (#29), seguida por uma faixa original de Gilder, 'She's A Star (In Her Own Right)' (#71) que flertou com o sucesso nas paradas alguns meses antes no Canadá - ambas as faixas retiradas do álbum solo de estreia de Gilder, 'You Know Who You Are' (incluindo material regravado de Sweeney Todd e produzido por Stuart Alan Love). Mas não demoraria muito para que Nick Gilder se tornasse uma estrela por direito próprio, e as pessoas soubessem quem ele era.
Em 1977, Gilder e sua gravadora tentaram contratar o aclamado produtor dos Beatles, George Martin, para supervisionar a produção do segundo álbum de Gilder. Quando as agendas não puderam ser alinhadas, o produtor Mike Chapman (Sweet, Suzi Quatro, Smokie) entrou em cena para preencher uma lacuna. Chapman já havia desfrutado de enorme sucesso produzindo atos na Grã-Bretanha e estava prestes a ter seu selo de produção dominando as paradas dos EUA. Todas as faixas do álbum 'City Nights' (CA#13) foram escritas por Gilder e seu parceiro de composição Jimmy McCulloch. Inicialmente, a dupla sentiu que a faixa do álbum 'All Because Of Love' deveria ser o single principal, mas os executivos da Chrysalis sentiram que outra música deveria ser escolhida e, pela primeira vez, fizeram o melhor julgamento.A música que escolheram foi uma faixa pop-rock sensual e lenta, cujo assunto era muito mais sombrio do que o clima da faixa poderia sugerir. O cantor Nick Gilder explicou o tema da faixa 'Hot Child In The City' para a revista Rolling Stone. Basicamente, contava a história de adolescentes fugitivas, vendidas para prostituição e uso de drogas, contada no submundo decadente da vida noturna de Los Angeles, tudo contado por meio de "uma canção pop inocente".
'Hot Child In The City' foi lançado em meados de 78, e no final de junho a execução regular nas rádios havia empurrado a música para a Billboard Hot 100. Mas o single, pela natureza de seu som, provaria ser um sucesso lento nas paradas dos EUA. Levaria 20 semanas para 'Hot Child In The City' encontrar um lar no topo da Billboard Hot 100, durante a semana que terminou em 28 de outubro de 1978 (a mais longa ascensão ao primeiro lugar na história das paradas da Billboard até então). Curiosamente, a música que substituiu no topo das paradas foi 'Kiss You All Over' do Exile (veja o post anterior), outra na produção estável de Mike Chapman, que estava prestes a dominar as paradas dos EUA de forma semelhante à do Reino Unido. A estadia de Nick Gilder no topo foi breve, já que na semana seguinte 'You Needed Me' de Anne Murray ofereceu um assunto mais inócuo no lugar de 'Hot Child In The City'.O sucesso de 'Hot Child In The City' foi além de um hit #1, pois na época se tornou o single mais vendido nos EUA para o selo Chrysalis, e permaneceu assim até ser ultrapassado por 'Call Me' do Blondie em 1980. Também foi para o #1 no país natal de Gilder, Canadá (OZ#18), mas o sucesso nas paradas escapou de Gilder em sua Grã-Bretanha natal.
O single seguinte (eu gostaria de ver você seguir isso), 'Here Comes The Night' (CA#21/US#44) previsivelmente fez apenas uma fração da ondulação nas paradas que seu antecessor fez. Gilder voltou ao estúdio no início de 79 para gravar seu próximo álbum, mas quando 'Frequency' (CA#79) foi lançado, os ouvintes já estavam sintonizados em outra frequência. Embora, o single '(You Really) Rock Me' (CA#35, US#57, OZ#95) tenha balançado as posições mais altas das paradas, embora fugazmente. Previsivelmente, Gilder e sua gravadora Chrysalis se separaram após as vendas fracas de seu último álbum. A Casablanca Records ofereceu uma tábua de salvação para gravações em 1980, e o álbum 'Rock America' (coproduzido por Gilder) surgiu mais tarde naquele ano, junto com os singles 'Wild Ones (Feeling Electric)' (CA#22) e 'Catch 22' (CA#26). Gilder gravou mais dois álbuns durante os anos 80, 'Body Talk Muzik' de 1981, e um conjunto homônimo de 1985, que realizou os últimos singles de sucesso de Nick Gilder, 'Let Me In' (CA#50) e 'Footsteps' (CA#95), em seu Canadá natal. Gilder continuou a escrever e gravar músicas, e várias de suas faixas foram gravadas por artistas como Bette Midler e Pat Benatar. O hit de 1984 'The Warrior', gravado pelo Scandal com Patty Smyth (veja o post anterior), foi coescrito por Gilder.
Now Dance vol.03 (Compilation) 1993 EVA (NL)
VA - Dance N-R-G (6 Compilations 12 CD) - (1994-1996)
Now Dance vol.04 (Compilation) 1993, EVA (NL)
Now Dance vol.04 (Compilation) 1993, EVA (NL) 8270082
INFORMAÇÕESLabel:EVA – 8270082Series:Now Dance (2) – 4Format:CD Compilation Country:NetherlandsReleased:1993Genre:ElectronicStyle:Progressive House House Euro House
Tracklist:01. Snap! - Do You See The Light (Extended Mix) 02. Haddaway - What Is Love (Extended Mix) 03. Dr. Alban - Sing Hallelujah 04. Jade [3] - Don't Walk Away 05. 2 Unlimited - Tribal Dance (Extended Mix) 06. Dance 2 Trance - Power Of American Natives 07. Felix - Stars (CJ Bolland Mix) 08. Ultimate Seduction - Badada Nanana 09. CB Milton - Send Me An Angel 10. Robin S. - Show Me Love 11. Cut 'n' Move - Give It Up 12. Arrested Development - Mama's Always On Stage 13. Toy Boy - Careless Whisper (I'm Never Gonna Dance Again) 14. W & Dee - Now Sing It 15. Inside Out [3] - Out Of Reality 16. Exoterix - Void 17. International Foot Language - Life On Loop
SENHA/Password:DanceMixx
Me & My - Let The Love Go On CD (1999)
CRONICA - ISAIAH [1] | Isaiah (1975)

O ISAIAH mencionado nesta coluna foi um grupo austríaco formado por 6 músicos vindos de Innsbruck e formado em 1971.
Esse grupo teve que ser paciente antes de fechar contrato com uma gravadora, neste caso a CBS, e gravar seu primeiro álbum. Este, sem título, foi lançado em 1975.
A faixa de abertura “Jericho” começa com uma introdução tribal, como se tribos de índios estivessem em pé de guerra, depois muda para um Jazz-Rock/Soft-Rock melodioso e abafado de ritmo médio, revestido, além disso, com vocais quentes e o som geral. o resultado é muito agradável. “Summer Farewell”, outro mid-tempo, é calmante, ensolarado com suas melodias refinadas que cheiram a verão e, com seu ritmo groovy para sustentar tudo, é ideal para relaxar. A balada “Leave It All Behind”, refinada, exala uma sensibilidade fina com um piano, um violão habilmente destilado, além de um solo de flauta cheio de doçura e acaba sendo amigável, muito agradável de ouvir. Com quase 8 minutos de duração, “Afterwards” é uma peça de Jazz-Rock que se inclina para o Progressivo com a sua estrutura de geometria variável, as suas mudanças de direcção melódica, a sua passagem blues carregada de emoção e se o conjunto é particularmente bem executado pelos músicos, o finale deixa a desejar e o grupo dá a impressão de que poderia ter feito melhor. Quanto a “Prophet”, é uma peça musical de quase 9 minutos que evolui durante 3 minutos com um longo quadro instrumental antes da chegada dos vocais, com um andamento lento. Isto realça as qualidades dos músicos, as suas capacidades naturais para tecer belas melodias. Imbuído de sensibilidade, este título mantém você em suspense, cativando pelo seu final épico, sua ascensão ao poder e se destaca como um grande achado.
No geral, este álbum é muito bem feito. ISAIAH conseguiu oferecer uma boa mistura de Jazz-Rock/Rock Progressivo e as composições são fruto de um trabalho sério e cuidadosamente polido. Casualmente, embora o grupo austríaco posteriormente tenha encerrado suas atividades, este álbum resistiu muito bem ao desgaste do tempo.
PS: o [1] designa o grupo austríaco ISAIAH e distingue-o de outros grupos com o mesmo nome que poderão surgir posteriormente no CR80.
Tracklist:
1. Jericho
2. Summer Farewell
3. Leave It All Behind
4. Afterwards
5. Prophet
Formação:
Gerd Raabe (vocal, violão, flauta, percussão)
Edu Weber (guitarra)
Hans Gasser (baixo)
Walter Reschauer (bateria)
Hubertus K. Nolte (piano, teclados)
Jean Pierre Wuttke (saxofone tenor)
Michael Bornhorst ( saxofone tenor, clarinete)
Rótulo : CBS
Produtor : Jean Pierre Wuttke
CRONICA - FRIENDS | Friends (1973)

1971/1972, o jazz fusion está crescendo. Mahavishnu Orche-stra, Weather Report e Return To Forever ocupam o primeiro lugar, deixando pouco espaço para quem quer começar no gênero.
Entre eles estão Friends, grupo nova-iorquino formado no final dos anos 60 reunindo o baixista Clint Houston, o baterista Jeff Williams, o saxofonista Marc Cohen e o guitarrista John Abercrombie. Tendo tido a oportunidade de tocar em vários grupos de rock e jazz, o quarteto assinou com a Oblivion e lançou um disco homônimo em 1973.
Um LP obscuro composto por 4 instrumentais que oscilam entre 9 e 13 minutos para um jazz rock formidável e demonstrativo que beira o livre com aromas de psique. Rapidamente percebemos isso com “5/8 Tune” que dá início a este festival. Abertura longa e em pânico, onde os instrumentos funcionam um após o outro. Vai em todas as direções em frenesi, até quem vai jogar mais rápido. A bateria torna-se incendiária, galopa entre as seis cordas elétricas e o contrabaixo enquanto o sax entra em delírio cósmico. De fato, há alguma passagem nebulosa, mas é melhor começar de novo.
Igualmente complexa e tensa com essa guitarra volúvel e de som corrosivo, “Black Vibrations ” tenta acalmar essa agitação com um estilo mais groove, com esse baixo fretless com seus ares abafados, com esse sax que busca melodias e essa bateria contida. Às vezes, os instrumentos falam entre si, respondendo uns aos outros para entrar na loucura interestelar.
De aparência tranquila, “Nursery Rhyme” não fica menos nervosa com esta guitarra hemorrágica para uma faixa com clima espacial. Por sua vez, o saxofone produz um refrão muito agradável enquanto o baixo nos encanta com uma bateria sutil à espreita.
Terminamos com um free jazz intergaláctico e emocionante em “Loose Tune” feito de sinfonias dissonantes, tribais, hipnóticas e nebulosas.
Um disco de difícil acesso, mas que pode agradar aos fãs da Mahavishnu Orchestra e da Soft Machine. Um LP que ainda não teve reedição em CD, mas que serviria de trampolim para os diversos integrantes. Clint Houston e Jeff Williams aumentarão as colaborações. Mais conhecido como Marc Copland, Marc Cohen troca o saxofone pelo piano e segue carreira solo. John Abercrombie refugia-se na ECM entre colaboração e carreira a solo.
Faixas:
1. 5/8 Tune
2. Black Vibrations
3. Nursery Rhyme
4. Loose Tune
Músicos:
Clint Houston: Contrabaixo, Baixo
John Abercrombie: Guitarra
Marc Cohen: Saxofone
Jeff Williams: Bateria
Produção: Marc Cohen
CRONICA - MAHAVISHNU ORCHESTRA | Birds Of Fire (1973)

Após o explosivo The Inner Mounting Flame em 1971, a Orquestra Mahavishnu deve confirmar. Foi isso que ele fez ao publicar Birds Of Fire em março de 1973 pela Columbia. A escalação permanece inalterada. Encontramos o baterista Billy Cobham, o baixista Rick Laird, o tecladista Jan Hammer, o violinista Jerry Goodman e, claro, o guitarrista/vocalista John McLaughlin.
Formado por músicos experientes e com formidáveis capacidades técnicas, este disco, tal como o anterior, deslumbra-nos nas sequências a solo. Numa demonstração de força, o Lp é mais uma vez composto por faixas cheias de visão e ouvidos, como podemos ver no título de abertura homônimo com seu tema sombrio e metalóide. Sem falar nos espetaculares “Celestial Terrestrial Commuters” compostos por animadas trocas entre a seis cordas elétrica, o violino e o sintetizador. Em suma, Birds Of Fire pretende ser uma continuação de The Inner Mounting Flame para um jazz rock demonstrativo num cenário de busca espiritual.
Porém, diferencia-se por se livrar das partes agressivas que beiram o hard rock, para um som mais aguado, mas sobretudo por brincar com os climas ou mesmo com as emoções para deleite dos fãs de rock progressivo. Podemos facilmente ver isso na nostálgica “Open Country Joy” com este violino suave que se inclina para o country antes que todos se afastem.
Mas antes disso, John McLaughlin presta homenagem a Miles Davis, com quem contribuiu para o surgimento do jazz elétrico no groovy mid-tempo “Miles Beyond”. Após o barulhento interlúdio “Sapphire Bullets of Pure Love”, um piano melodioso e um delicado violão, às vezes muito falante, dialogam em belas harmonias em “Thousand Island Park” enquanto “Hope” mostra um poder transcendental.
No meio estão os 9 minutos de “One Word” com mudança de andamento. Após um início de emergência, o dubleto rítmico leva-nos a uma estratosfera funky que nos mergulha num transe onde a guitarra e o piano eléctrico não têm outra escolha senão seguir. Até que o sintetizador e o violino se enfrentam em solos deslumbrantes deixando entrar um refrão hipnótico da bateria para um final vertiginoso. Para respirar, surge o dramático e vaporoso “Sanctuary” com melodias dolorosas e misteriosas. O caso termina com a rastejante “Resolução” que soa como uma libertação.
Birds Of Fire será o grande sucesso da Orquestra Mahavishnu e referência no jazz fusion.
Títulos:
1. Birds Of Fire
2. Miles Beyond
3. Celestial Terrestrial Commuters
4. Sapphire Bullets Of Pure Love
5. Thousand Island Park
6. Hope
7. One Word
8. Sanctuary
9. Open Country Joy
10. Resolution
Músicos:
John McLaughlin: Guitarra
Rick Laird: Baixo
Billy Cobham: Bateria
Jerry Goodman: Violino
Jan Hammer: Teclados
Produzido por: John McLaughlin
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