MUSICA&SOM

domingo, 29 de setembro de 2024

Nilüfer Yanya - My Method Actor (2024)

My Method Actor (2024)

My Method Actor , o último álbum da musicista britânica Nilüfer Yanya, é tanto artístico quanto envolvente. Os ritmos sincopados são inquietos e calmantes, finamente equilibrados. Instilando um clima eupético. O baixo é maravilhosamente tátil e ágil também, adicionando uma profundidade rica, reforçando o swing do ritmo. As guitarras produzem muitas texturas efervescentes, malhas profundas ou melodias simples, mas líricas.

Nilüfer Yanya tem uma voz que tem um timbre ricamente quente. Como um bálsamo luxuoso e melado. Mas há um tom taciturno, até mesmo acusatório, em sua voz. As letras se agitam com dúvida, mágoa e pesar, elas são quase desanimadas por toda parte. Emoções cruas são mastigadas, crostas emocionais são arrancadas. Apesar do título do álbum, os sentimentos expressos aqui soam verdadeiros.

Os destaques em My Method Actor incluem o ritmo ondulante "Like I Say (I Runaway)" com sua construção quase amarrada, um andar instável que, no entanto, cria um groove envolvente. A guitarra tece um fio rítmico convidativo, até que floresce em uma vida abundante e combustível durante o lindo refrão. Os vocais são suaves, até suculentos, mas com um gosto de arrependimento.

Outro destaque é "Method Actor". Uma música que também segue um ritmo elástico e bem enrolado. Ela, como a faixa anterior, apresenta uma interjeição de guitarra extática, mas caótica. Liricamente, a música sugere uma traição e vingança promulgadas. Um relacionamento que azedou. "Binding" é outro destaque, um entre os muitos em My Method Actor . Tem um ritmo relaxado encharcado de atmosfera. Uma melodia de guitarra lindamente delicada complementa esse ambiente. O tema parece ser um desejo de esquecimento, ou pelo menos de ficar insensível às emoções. Os vocais de Nilüfer Yanya são quase suplicantes aqui.

"Mutations" revisita a interação entre ritmo e guitarra. O efeito é lacônico e expressivo. É um passeio por paisagens sombrias da noite, onde as longas sombras são dissecadas pela luz do sol poente, queimadas conforme a faixa avança. A seção instrumental muito comovente reforça o tema lírico de um relacionamento ruim relembrado. O arranjo de cordas habilmente varre o ritmo.

Neste ponto, devo admitir que cada faixa parece um destaque. E assim é com "Ready for Sun (Touch)". Uma música com um lindo violoncelo e violino, multiplicando o tom triste e desanimado da música. Após o último verso, vocais e cordas sem palavras atingem um clímax devastador. A coda traz esta música tocante a uma bela conclusão. "Call It Love" apresenta uma guitarra de arco E ardente que brilha na mixagem. O baixo é flexível e musculoso, complementando os vocais ricos e quebradiços. O todo é habilmente construído.

Ginger Root - Shinbangumi (2024)

Shinbangumi (2024)

Ginger Root

Às vezes, tudo o que você precisa é de uma mudança de rumo. Se você ouvir os primeiros discos do projeto indie-soul em andamento de Cameron Lew, Ginger Root, ouvirá músicas como "Brooklyn" e "Belleza" que carregam o mesmo salto vulpeckiano de suas coisas mais novas, comparativamente amadas. Então a música não mudou muito, é o tom do celofane em que está embrulhada. Em City Slicker , de 2021 , Lew percebeu que hoje o som importa muito menos do que a estética que o cerca, e decidiu aproveitar como a trilha sonora opalescente da bolha imobiliária dos anos 80 do Japão havia hipnotizado os Estados Unidos. Então, dioramas DIY, pedras angulares de anime, filtros CRT transparentes e bugigangas carregadas de anemoia vêm à tona. Aumente os tempos, afine o baixo, programe o som de gato nos sintetizadores e coloque aquele filtro UMO nos vocais imediatamente. Tudo funcionou perfeitamente, posicionando Ginger Root como um autor de estúdio e mestre dos plásticos - um Todd Rundgren para a era do YouTube, se preferir.

SHINBANGUMI é quase um nome impróprio - há menos "novidade" sobre este programa em particular, a menos que você o conte dando dicas sobre suas intenções. Como Rundgren esticando as mãos no gatefold de Something/Anything?, Lew quer estar ciente de que isso é tudo dele (pelo menos no disco), e ele quer que você fique surpreso com o quão fácil isso faz soar. E soa fácil. Toda a primeira metade do disco é composta por singles por um motivo; cada um desliza no ar quente de mil momentos pop testados pelo tempo, desde a queima de celeiros "No Problems" até o funk discreto de "Better Than Mondays" e o pastiche disco caprichoso de "All Night". Como a maioria dos LPs, ele desacelera um pouco no meio, mas como muitos LPs bons, sua conclusão atinge forte em virtude de sua estrutura: "Show 10" é um clímax fenomenal de cinco minutos, com um final elástico que poderia durar dez.

Eu me pergunto quando me deparo com esse tipo de ato, e é se a música pode se sustentar fora de seus componentes visuais. Não quero adquirir o hábito de amarrar os dois juntos, como se estivéssemos sendo levados pelo nariz a fazer. SHINBANGUMI , e a produção pós-pandemia de Ginger Root, certamente é intensificada por quão bom Lew é em capturar as partes do passado que queremos lembrar, mas é crédito de Lew que a música seja completamente agradável por si só. Em um campo totalmente saturado por olhares preguiçosos e ansiosos para trás, SHINBANGUMI é como você renderiza o passado no tempo presente.

De La Soul - Buhloone Mindstate (1993)

Buhloone Mindstate (1993)

De La Soul

A discografia do De La Soul é uma maravilha. Cada um de seus discos é ótimo por diferentes razões. 3 Feet High and Rising é uma cápsula do tempo bem-humorada e imaculadamente produzida do hip-hop e da estética dos anos 80. De La Soul Is Dead é uma continuação sólida, embora um pouco cansada, de sua estreia, completa com uso de samples mais denso e versos excelentes de Pos, Trugoy e Maseo. Stakes Is High vê o grupo abordar tópicos sérios em suas letras e adotar um estilo de produção mais temático de boom-bap. The Grind Date vê o De La Soul trazer seu som para o novo milênio com produção moderna misturada com suas sensibilidades clássicas de samples. Até mesmo os álbuns do AOI, apesar de quão datados eles soam, têm músicas que eu não posso deixar de amar. No entanto, apesar de tudo isso, eu ainda acho que Buhloone Mindstate é o melhor deles.

É o ato de equilíbrio perfeito entre as brincadeiras bem-humoradas entre os três MCs e a produção incrível encontrada em seus dois primeiros discos e seus assuntos líricos mais sérios e instrumentação ao vivo encontrados em basicamente tudo depois de Stakes Is High. Cada música neste disco é ótima.

A abertura "Eye Patch" tem uma batida maravilhosamente funky que permanece relativamente simples durante os dois minutos de duração da música, mas ainda consegue permanecer fresca em audições repetidas.

"En Focus" é outro caso da excelente produção de Prince Paul combinada com versos agradáveis dos caras.

"Patti Dooke" é uma faixa fenomenal completa com letras que falam sobre a experiência do grupo como um ato negro em uma indústria predominantemente branca e um instrumental executado por membros da banda de James Brown dos anos 70.

"Ego Trippin' (Part Two)" foi o single principal do disco e tem uma batida excelente com letras zombando de tropos em discos populares naquela época. Além disso, os gritos naquela música são hilários.

A sequência de músicas de "3 Days Later" a "Stone Age" é genuinamente uma das melhores sequências de músicas em qualquer álbum de rap. A batida em "In The Woods" é como algo saído diretamente de uma música do Portishead. É uma reviravolta tão estranha para este disco, mas eu o amo do mesmo jeito.

"Breakadawn" é uma concorrente para minha faixa favorita do De La Soul de todos os tempos. A batida tem uma tonelada de ótimas amostras de artistas como Michael Jackson , Smokey Robinson e The Pointer Sisters , e as performances de Pos e Trugoy são provavelmente seus destaques líricos no disco. Especialmente Trugoy. Ele soa incrível nesta música.

Vou terminar esta análise com uma analogia. Este é meu disco favorito do De La Soul da mesma forma que "Revolver" é meu álbum favorito dos Beatles, ou "Strawberry Jam" é meu álbum favorito do Animal Collective. É o melhor exemplo de quão incrível é o grupo e a quantidade de talento que eles possuem. Se você se interessa por hip-hop old-school de alguma forma, dê uma ouvida. Há muito o que amar.

Faixas favoritas:
Eye Patch, En Focus, Patti Dooke, Ego Trippin' (Parte Dois), 3 Days Later, I Am I Be, In The Woods, Breakadawn, Stone Age

Faixa menos favorita:
Long Island Wildin'

CRONICA - ELEVENTH HOUSE | Level One (1975)

Desde a publicação de 1974 de Introducing Eleventh House with Larry Coryell , mudanças ocorreram dentro da Décima Primeira Casa. O trompetista/trompista Randy Brecker é substituído por Michael Lawrence e o baixista Danny Trifan deixa seu lugar para John Lee. Permanecendo na formação original estão o tecladista Mike Mandel, o baterista Alphonse Mouzon e, claro, o guitarrista/líder Larry Coryell.

Querendo seguir os passos da Orquestra Mahavishnu e Return To Forever, o combo americano produzido para Vangard Level One em 1975, a segunda obra de Eleventh House. Em 9 peças o quinteto oferece-nos um LP de jazz rock mais conciso que o opus anterior, mais coeso, mais cru.

Abrimos em clima estratosférico o título homônimo com esse arpejo sublime e esse teclado gelado. Então a guitarra se torna ameaçadora, transformando-se em um solo metalóide enquanto é carregada de emoção. Mantemos a pressão com o rodopiante funky “The Other Side” onde o trompete assombrado por Miles Davis é liberado para sons cósmicos deixando entrar esta guitarra igualmente mágica.

Acalmamos esta euforia em “Diedra” para um passeio sonhador e perturbador onde a trompa se torna nostálgica com um groove leve muito agradável. Partimos novamente para o funk furioso e direto, “Some Greasy Stuff” com bombardeios de metais e uma extravagante Gibson Les Paul que persegue Jimi Hendrix. À procura deste gibão rítmico imparável. O resto, “Nictafobia” é mais galopante. Não há tempo para respirar, o objetivo é impressionar os olhos e os ouvidos.

O lado B começa com “Suite” em três partes onde um piano melodioso começa acompanhando uma trompa francesa sinfônica. Em seguida, a bateria e o baixo adicionam força a tudo isso para que as seis cordas elétricas voem. A trompa torna-se melancólica para que uma sequência nebulosa termine em um balanço delirante com toques de exotismo. Larry Coryell com seu violão em “Eyes of Love” nos proporciona um momento íntimo. Deixamo-nos surpreender por “Struttin' with Sunshine” com o seu registo de boogie interestelar e urbano. O caso termina com a percussiva e aguda “That's the Joint” onde Larry Coryell se mostra nervoso, incisivo e volúvel com o seu instrumento.

Talvez o que a Décima Primeira Casa tenha feito de melhor.

Títulos:
1. Level One
2. The Other Side
3. Diedra
4. Some Greasy Stuff
5. Nyctaphobia
6. Suite
7. Eyes Of Love
8. Struttin’ With Sunshine
9. That’s The Joint

Músicos:
Larry Coryell: Guitarra
Michael Lawrence: Trompete, Trompa
Mike Mandel: Sintetizador, Piano
John Lee: Baixo
Alphonse Mouzon: Bateria

Produzido por: Skip Drikwater, Vince Cirrincione Tom Tom Paine

CRONICA - STANLEY CLARKE | Journey To Love (1975)

Eternamente insatisfeito com um personagem desagradável, o guitarrista Jeff Beck vem pensando há algum tempo no caminho a seguir. E isto desde o final dos anos sessenta, em plena guerra das guitarras, onde tentou em vão ultrapassar Jimmy Page a quem é dada a paternidade do hard rock. Passando do heavy metal para o hard soul, Jeff Beck está farto desse poderoso blues rock. Em plena dúvida, ele secretamente admira, mas acima de tudo inveja, a forma de tocar de outro guitar hero, um certo John McLaughlin.

Este último com outros músicos (Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Coera, Tony Williams, Dave Holland, Wayne Shorter…) participou no final dos anos 60 nas sessões de In a Silent Way mas especialmente de Bitches Brew onde em pleno boom psique , pesado e progressivo misturam jazz e rock. Está ocorrendo uma revolução que chamaremos de jazz fusion, tão importante quanto o nascimento do hard rock e do rock progressivo. Em 1971, John McLaughlin formou a Orquestra Mahavishnu, um formidável e demonstrativo grupo de jazz rock.

Jeff Beck, cujo talento não pode mais ser comprovado, sofre da complexidade do guitarrista de rock em comparação com o guitarrista de jazz. Mas será o jazz rock o caminho a seguir para o guitarrista inglês?

A oportunidade se apresenta para experimentar o estilo. Na verdade, ele foi convidado pelo baixista Stanley Clarke para participar de seu terceiro esforço ^solo lançado em 1975 em nome do Nemperor, Journey To Love, juntamente com suas atividades com Return To Forever.

Jeff Beck coloca seu fraseado formidável no apropriadamente chamado “Hello Jeff”. 5 minutos furiosos, galopantes e estratosféricos que vão mexer com as emoções. O groove amoroso de Stanley Clark cruza espadas com a execução afiada e incisiva de Jeff Beck. Em suma, os dois protagonistas, auxiliados pelo baterista Lenny White com seu estilo percussivo e pelo tecladista George Duke com seus voos galopantes, alcançam a síntese perfeita de hard rock e funk num cenário de jazz progressivo. Parece que para Jeff Beck esta experiência é conclusiva. No mesmo ano lançou o fabuloso Blow By Blow .

Mas Jeff Beck é apenas um convidado entre muitos para um disco concebido de forma diferente do homônimo distribuído no ano anterior. Na verdade, este parecia um grupo com energia ilimitada. Journey To Love começa com a ajuda de uma infinidade de músicos. Além de Lenny White e George Duke, o baterista Steve Gadd e o guitarrista David Sancious aparecem durante as sessões, mas acima de tudo há a presença de John McLaughlin e Chick Corea. Observe também que é usada uma grande seção de metais (trombone, trompete, tuba, etc.).

Começamos em um ambiente descontraído com o cool “Silly Putty” esparso com latão brilhante. É um charmoso funk jazzístico onde o baixo e o sintetizador interagem, permitindo que a balada “Journey to Love” venha tranquilamente, uma música sensual com um toque de soul para uma noite quente na areia da praia.

“Song to John” chega em duas partes que permitem passar de um lado para o outro. Homenagem a John Coltrane, na primeira parte Stanley Clarke toca com arco mergulhando-nos num cenário outonal. A guitarra acústica de John McLaughlin percorre os caminhos de uma Katmandu celestial com o piano poético de Chic Corea à espreita. A segunda parte, mais galante, é uma conversa majestosa entre o piano com sabores latinos, o volumoso acústico de seis cordas e o nostálgico contrabaixo.

O evento termina com “Concerto para Orquestra Jazz/Rock” em quatro partes. 14 minutos de jazz progressivo orquestral onde se alterna um início estrondoso, momentos cósmicos, climas tropicais, passagens sensuais, rock em pânico, fanfarra groovy, batidas delicadas, final irreal...

Títulos:
1. Silly Putty
2. Journey To Love
3. Hello Jeff
4. Song To John (Parte 1)
5. Song To John (Parte 2)
6.Concerto For Jazz / Rock Orchestra

Músicos:
Stanley Clarke: Baixo, Contrabaixo, Vocais
Chick Corea: Piano
George Duke: Teclados, Vocais
Jeff Beck: Guitarra Elétrica
John McLaughlin: Guitarra Acústica
David Sancious: Guitarra
Steve Gadd, Lenny White: Bateria
Jon Faddis, Alan Rubin, Lew Soloff : Trompete
Tom Malone, David Taylor: Trombone
Earl Chapin, John Clark, Peter Gordon, Wilmer Wise: Tuba

Produção: Stanley Clarke

CRONICA - RETURN TO FOREVER | No Mystery (1975)

O grupo, após o lançamento de Where Have I Know You Before , parece ter finalmente se estabilizado. Na verdade, na presença do tecladista Chick Corea, do baixista Stanley Clarke, do baterista Lenny White e do guitarrista Al Di Meola estamos lidando com o clássico Return To Forever para todos os fãs. Um pouco como Deep Purple MK2.

E é esta formação de assassinos que irá produzir No Mystery em 1975 onde desde os primeiros sons Chick Corea lembra que foi influenciado por ambientes hispânicos. Este disco oferece dois lados muito distintos. A primeira, composta por cinco faixas, é um festival de ritmos funky levados ao extremo em “Sofistifunk”. Que por vezes flerta com o disco em “Dayride”, na abertura apesar de uma passagem pesada, mas principalmente com “Jungle Waterfall” e se aproxima de Hendrix em “Excerpt From The First Movement Of Heavy Metal”. Apenas os 7 minutos de “Flight Of The Newborn” (assinado por Al Di Meola) tentam um avanço mais complexo mantendo-se no mesmo registo e onde o guitarrista se mostra em vantagem em solos de acid heavy rock.

O segundo lado é mais elaborado. O grupo experimenta o prog como sabe fazê-lo, experimenta as possibilidades da acústica, mergulha-nos em atmosferas latinas. Isto permite a Al Di Meola tocar guitarra acústica e a Stanley Clarke encontrar o seu contrabaixo, mas sobretudo revelar uma faceta da qual não suspeitávamos: o uso do arco. Assim surge o magnífico título homônimo com um lirismo de fazer chorar, onde o contrabaixo traz um toque outonal, o piano de belos voos e o violão de magia. Após o interlúdio dramático-latino-outono “Interplay” vem “Celebration Suite” em duas partes totalizando 14 minutos. A primeira é uma fúria progressiva de flamenco com algumas passagens sonhadoras e momentos ameaçadores. Na segunda parte temos a impressão de que ELP entra no jazz rock e mostra um Al Di Meola com comentários metalóides, sugerindo que uma carreira solo se aproxima do guitarrista.

Títulos:
1. Dayride
2. Jungle Waterfall
3. Flight Of The Newborn
4. Sofistifunk
5. Excerpt From The First Movement Of Heavy Metal
6. No Mystery
7. Interplay
8. Celebration Suite (Part 1)
9. Celebration Suite (Part 2)

Músicos:
Chick Corea: Teclados
Al Di Meola: Guitarra
Stanley Clarke: Baixo
Lenny White: Bateria

Produção: Chick Corea

CRONICA - EBERHARD WEBER | Yellow Field (1975)

Depois do brilhante The Colors of Chloë publicado em 1974, o contrabaixista alemão Eberhard Weber livrou-se da seção de violoncelo para a obra seguinte, Yellow Field, impressa no ano seguinte em nome da ECM. Porém, “Touch”, que abre o segundo disco do contrabaixista alemão, soa como uma sinfonia de jazz fusion. Devemos isso ao tecladista Rainer Brüninghaus que com seus sintetizadores cria uma ilusão com essas camadas que nos suspendem, combinando maravilhosamente com o lirismo do contrabaixo com seu som Fretless. Mas acima de tudo combina admiravelmente com o saxofone de Charlie Mariano, o que contribui para esta aparência de orquestração. O saxofonista americano é o grande convidado do Yellow Field . Iniciando sua carreira musical no início dos anos 1950, tornou-se conhecido do público alemão por meio de suas experiências com o combo krautrock Embryo. Aqui, o seu fole ilumina esta encantadora abertura. Como ele fará ao longo deste álbum.

Outro convidado, o norueguês Jon Christensen, baterista oficial da ECM, que se destacou ao lado do guitarrista Terje Rypdal e do saxofonista Jan Garbarek, ambos também noruegueses. Seu chute traz um golpe pouco sugerido.

Os 15 minutos de “Sand-Glass” que se seguem decorrem num loop de exotismo perturbador para uma faixa elástica que nos coloca na ausência de peso. O sax com melodias arabescas é vaporoso enquanto o baixo se revela linfático. À procura deste piano elétrico misterioso e nítido enquanto a bateria nos cativa.

Os nostálgicos 10 minutos que abrangem o título homônimo brincam com as emoções com este sax sonhador, este baixo sedutor. Acima de tudo está este teclado volúvel, igualmente encantador, bem sustentado pelo groove etéreo e deslumbrante da bateria.

O caso termina com os silenciosos 13 minutos de “Left Lane”, onde o quarteto nos leva a um cenário majestoso e atmosférico. Peça atravessada por um delicado piano clássico seguido de desvios que evocam Soft Machine.

Provavelmente a obra-prima de Eberhard Weber, bem representativa do estilo ECM para um disco que soa como um grupo.

Títulos:
1. Touch
2. Sand-Glass
3. Yellow Fields
4. Left Lane

Músicos:
Eberhard Weber: Contrabaixo
Charlie Mariano: Saxofone
Rainer Brüninghaus: Teclados
Jon Christensen: Bateria

Produção: Manfred Eicher

Premiata Forneria Marconi ‎– Un'Isola (2014, CD, Italy)

Recorded in Shibuya, Tokyo, May 31st 2014

Tracklist:
1. L'isola di niente (11:15)
2. Is My Face On Straight (6:20)
3. La luna nuova (7:50)
4. Dolcissima Maria (4:08)
5. Via Lumiere (Have You Cake And Beat It) (7:24)

Musicians:

Bass, Flute – Patrick Djivas

Drums – Roberto Gualdi

Keyboards, Backing Vocals – Alessandro Scaglione

Violin, Keyboards [2nd Keyboardist] – Edoardo De Angelis

Vocals, Drums, Percussion – Franz Di Cioccio

Vocals, Electric Guitar, Acoustic Guitar, Twelve-String Guitar – Franco Mussida

with:

Alto Vocals [1st] – Sakura Kurita

Alto Vocals [2nd] – Ayaka Fujita

Bass Vocals [1st] – Kosuke Shimada

Bass Vocals [2nd] – Yosuke Kawano

Soprano Vocals [1st] – Serena Tanaka

Soprano Vocals [2nd] – Yuko Korita

Tenor Vocals [1st] – Junya Hosaka

Tenor Vocals [2nd] – Hibiki Kina

Premiata Forneria Marconi ‎– Un Amico (2014, CD, Italy)

Recorded in Shibuya, Tokyo, May, 31st 2014

Tracklist:

1. Appena un po' (8:50)
2. Generale (4:51)
3. Per un amico (6:25)
4. Il banchetto (5:21)
5. Geranio (7:17)