My Happiness (1958) – Connie Francis

 

Este artigo sobre a versão encantadora de My Happiness de Connie Francis contém trechos das duas referências da Wikipedia no final deste post:

Connie Francis – cuja música favorita aos oito anos de idade era a versão de My Happiness de Jon e Sondra Steele – refez a música em uma sessão de 6 de novembro de 1958 no estúdio Radio Recorders em Hollywood, Califórnia. A música quase se tornou o primeiro hit número um de Francis nos primeiros meses de 1959, mas foi mantida em segundo lugar por outro remake de um padrão:  a versão de Smoke Gets in Your Eyes dos Platters .

My Happiness tornou-se inicialmente famosa em meados do século XX. Uma versão não publicada da melodia com letras diferentes foi escrita por  Borney Bergantine  em 1933. Bergantine era o líder da orquestra de “ The Happiness Boys ”, uma banda de Kansas City da década de 1930.   My Happiness era tocada por “ The Happiness Boys ” onde quer que eles se apresentassem. Demorou vários anos até que a música em si, que Bergantine escreveu por volta de 1931, fosse gravada por uma gravadora independente.

Connie Francis (nascida Concetta Rosa Maria Franconero; 12 de dezembro de 1937) é uma cantora pop americana, atriz e vocalista feminina de sucesso no final dos anos 1950 e início dos anos 1960. Estima-se que ela tenha vendido mais de 100 milhões de discos em todo o mundo. Ela foi a primeira mulher na história a chegar ao primeiro lugar na  Billboard  Hot 100, apenas um de seus outros 53 sucessos na carreira.
Francis nasceu em uma família ítalo-americana em Newark, Nova Jersey. Em sua autobiografia  Who's Sorry Now?  publicada em 1984, Francis lembra que foi encorajada por seu pai a aparecer regularmente em concursos de talentos, concursos e outras festividades do bairro desde os quatro anos de idade como cantora e acordeonista. Durante os ensaios para sua aparição no  Arthur Godfrey's Talent Scouts  em dezembro de 1950, Francis foi aconselhada por Godfrey a mudar seu nome artístico para Connie Francis para facilitar a pronúncia. Godfrey também lhe disse para largar o acordeão — conselho que ela seguiu de bom grado, pois havia começado a odiar o instrumento grande e pesado.

Após alguns fracassos comerciais iniciais e ser informada pela MGM Records de que seu contrato não seria renovado, Francis considerou uma carreira na medicina. No que deveria ter sido sua última sessão de gravação para a MGM em 2 de outubro de 1957, com Joe Lipman e sua orquestra, ela gravou uma versão cover da música Who's Sorry Now? de 1923. Francis disse que ela gravou por insistência de seu pai, que estava convencido de que tinha uma chance de se tornar um sucesso porque era uma música que os adultos já conheciam e que os adolescentes dançariam se tivesse um arranjo contemporâneo. Francis não gostou da música e discutiu sobre ela com seu pai acaloradamente. O single pareceu passar despercebido como todos os lançamentos anteriores, assim como Francis havia previsto, mas em 1º de janeiro de 1958, estreou no Dick Clark's  American Bandstand .

Francis assistiu ao show e escreveu em seu diário:

Ouvi Dick Clark mencionar algo sobre uma nova cantora. Então, o que mais há de novo? Outra cantora. Há noventa e cinco milhões de mulheres no país, e aposto que noventa e cinco por cento delas cantam. "Não há dúvidas sobre isso", previu o Sr. Clark. "Ela está indo direto para o primeiro lugar". Comecei a sentir pena de mim mesmo e um pouco de inveja também. Boa sorte para ela, pensei. E então o Sr. Clark tocou uma música chamada "Who's sorry now" - MEU "Who's Sorry Now"! Bem, o sentimento era cósmico - simplesmente cósmico! Bem ali na minha sala de estar, virou Mardi Gras e véspera de Ano Novo na virada do século!

E em 15 de fevereiro do mesmo ano, Francis a apresentou no primeiro episódio do  The Saturday Night Beechnut Show , também apresentado por Clark. Em meados do ano, mais de um milhão de cópias foram vendidas, e Francis foi subitamente lançado ao estrelato mundial.

Evening shadows make me blue
When each weary day is through
How I long to be with you
My happiness

Every day I reminisce
Dreaming of your tender kiss
Always thinking how I miss
My happiness

A million years it seems
Have gone by since we shared our dreams
But I’ll hold you again
There’ll be no blue memories then

Whether skies are gray or blue
Any place on earth will do
Just as long as I’m with you
My happiness

Whether skies are gray or blue
Any place on earth will do
Just as long as I’m with you
My happiness

Nº1 Some Girls — The Rolling Stones, Julho 15, 1978

 Track listing: Miss You / When the Whip Comes Down / Just My Imagination (Running Away with Me) / Some Girls / Lies / Far Away Eyes / Respectable / Before They Make Me Run / Beast of Burden / Shattered

15 de julho de 1978
2 semanas

Embora os Rolling Stones tenham conseguido seu sexto álbum número um em 1976 com Black And Blue , a banda estava começando a ter problemas para viver de acordo com seu legado como "a maior banda de rock 'n' roll do mundo". Para começar, o punk rock explodiu na Inglaterra com bandas como Sex Pistols e Clash mirando os Stones como dinossauros acabados. Pior ainda, o guitarrista Keith Richards foi preso em 27 de fevereiro de 1977, no hotel Harbour Castle em Toronto por posse de 22 gramas de heroína e cinco gramas de cocaína. Uma acusação de tráfico de heroína pairaria sobre a cabeça de Richards pelo próximo ano e meio.

Apesar do infortúnio, ou talvez por causa dele, quando os Stones se reagruparam nos estúdios Pathe-Marconi em Paris em setembro de 1977, o grupo estava reenergizado. Talvez o potencial de uma pena de prisão para Richards tenha dado ao grupo a urgência de saber que este poderia ser seu último álbum por um longo tempo; talvez eles só quisessem mostrar aos punks que eles ainda podiam fazer rock. De qualquer forma, o resultado foi Some Girls , o melhor álbum da banda desde Exile on Main St.

“Foi um ótimo momento”, diz o engenheiro e mixer Chris Kimsey, que primeiro trabalhou com os Stones como engenheiro de som de Sticky Fingers com Glyn Johns. O ambiente do estúdio contribuiu para o clima. Os Stones começaram a trabalhar no álbum no estúdio de demonstração e optaram por ficar naquela sala porque Kimsey e Richards preferiram o som, embora ele tivesse apenas uma mesa de som de 16 trilhas e Mick Jagger preferisse o estúdio principal.

“A atmosfera era mais como um show ao vivo”, diz Kimsey, “porque muitas pessoas vinham até o estúdio e ficavam por ali. O estúdio era, na verdade, como um grande estúdio de som com uma área de bar inteira montada, então era uma atmosfera informal bem relaxada.”

Durante as sessões, que duraram aproximadamente seis meses, mais de 42 músicas foram gravadas. Várias das músicas que não entraram em Some Girls apareceriam mais tarde em álbuns subsequentes como Emotional Rescue e Tattoo You. Por exemplo, no mesmo dia em que os Stones cortaram “Miss You”, eles também gravaram “Start Me Up”, que apareceu em Tattoo You .

“'Start Me Up' foi enlatada porque todos nós gostávamos mais de 'Miss You'', diz Kimsey. “Era uma ótima música com Sugar Blue tocando o riff de harpa de Mick.”

Como Some Girls foi o primeiro esforço completo da banda com Ronnie Wood, sua guitarra se tornou mais integrada ao som geral da banda. “Ronnie era bem diverso em sua forma de tocar”, diz Kimsey. “Ele tocou pedal steel em 'Faraway Eyes' e tocou muito slide guitar também.”

Como os Stones estavam mais interessados ​​em compor do que em produzir, eles deram a Kimsey uma mão relativamente livre para editar e mixar o material. “A faixa-título tinha, na verdade, 24 minutos de duração, originalmente”, diz Kimsey, “mas depois que terminamos de cortá-la, Mick me pediu para cortá-la para três e meio, quatro minutos.”

A capa original do álbum, com os rostos de Lucille Ball, Raquel Welch e Farrah Fawcett-Majors na capa, teve que ser retirada após ameaça de ação legal. Algumas letras da faixa-título também levantaram alguma ira, especialmente a linha que encontrou Jagger opinando que "garotas negras só querem ser fodidas a noite toda".

As controvérsias, no entanto, não prejudicaram os Stones. Em sua quarta semana na parada, Some Girls atingiu o topo, tornando-se o sétimo lugar dos Stones. Três semanas depois, "Miss You", a resposta do grupo à febre da discoteca, chegou ao topo da Hot 100. Os Stones provaram mais uma vez que podiam sobreviver e até prosperar em meio às modas passageiras da época.

THE TOP FIVE
Week of July 15, 1978
1. Some Girls, Rolling Stones
2. City to City, Gerry Rafferty
3. Natural High, Commodores
4. Saturday Night Fever, Soundtrack
5. Stranger in Town, Bob Seger & the Silver Bullet Band

PEROLAS DO ROCK N´ROLL - HEAVY PSYCH - THE FREMONT'S GROUP - The Best of Jimi Hendrix - 1971

Artista / Banda: The Fremont's Group
Álbum: The Best of Jimi Hendrix
Ano: 1971
Gênero: Heavy Psych
 País: França

Comentário: Fremont's Group foi na verdade um pseudônimo utilizado pela banda de Lyon Chico Magnetic Band, uma das mais piradas já vindas da França. Neste álbum ouvimos 12 competentes covers de Jimi Hendrix, tocados com muita personalidade e sem momentos fracos. Destaque ao trabalho incendiário da guitarra wah-wah, acompanhada por bateria e vocal furioso.

The Fremont's Group - Best of Jimi Hendrix - 1971
MUSICA&SOM

Músicos:
Mahmoud Ayari (vocal)
Bernard Lloret (guitarra)
Patrick Garel (bateria)

Alain Fabrègue (baixo)

Faixas:
01 Hey Joe 3:20
02 Fire 2:25
03 The Wind Cries Mary 3:40
04 Can You See Me 2:40
05 Purple Haze 2:58
06 Red House 3:46
07 Crosstown Traffic 2:18
08 Up From The Skies 2:43
09 Highway Child 3:00
10 Foxy Lady 3:07
11 Voodoo Child 3:40
12 Stone Free 3:28

PEROLAS DO ROCK N´ROLL - PROG FOLK - IMAGES - Le Jeu De Robinson - 1977

Artista / Banda: Images
Álbum: Le Jeu De Robinson
Ano: 1977
Gênero: Progressive Folk
 País: França

Comentário: Obscura banda vinda de Tarbes, na França e que lançou um único e raro álbum em 1977. O disco é dividido em 9 faixas, trazendo uma mescla agradável e consistente de rock progressivo e folk, majoritariamente acústica, com violões, flauta e percussão, apesar da maior presença de guitarra e teclados na suíte de 15 minutos que fecha o disco. As letras são todas em francês e em alguns momentos lembram outros nomes locais do gênero prog.

Músicos:
Jean-Pierre Haure (baixo, guitarra)
Marc Girard (bateria)
Georges Valat (violão, flauta, harmônica, vocal)
Andre Dion (violão, bandolim, vocal)
Marc Peynet (teclados)
Titus (percussão)

Faixas:
01 Chanson De Myriam 2:03
02 Tempête De Robinson 6:10
03 Flore 1:10
04 Chanson De Robinson 1:30
05 La Femme En Rouge 2:58
06 Myriam 2:01
07 Tempête De Vendredi 2:59 
08 Final 0:58
09 Klauss Et Mina 15:00

Camper Van Beethoven - Our Beloved Revolutionary Sweetheart 1988

 

Depois de fazer a maioria de seus primeiros discos com seu próprio dinheiro,  Camper Van Beethoven  subiu para as grandes ligas com  Our Beloved Revolutionary Sweetheart de 1988 , seu primeiro álbum pela Virgin Records. Enquanto alguns fãs se perguntavam se um orçamento maior e supervisão corporativa iriam mudar os espertinhos do folk-punk que mudam de forma, os resultados ofereceram uma resposta decisiva: sim e não. O produtor  Dennis Herring  deu  ao CVB  um som muito maior e mais brilhante do que eles já tiveram antes, e entre os gráficos de metais, a bateria com portões, os tons saborosos da guitarra elétrica e os teclados que não soavam mais como se tivessem sido resgatados de um ferro-velho,  Our Beloved Revolutionary Sweetheart  fez a banda soar como profissionais em vez de amadores esclarecidos (e um pouco desleixados), o que sempre foi uma certa parte de seu charme. Também havia um sarcasmo maior em  Our Beloved Revolutionary Sweetheart , já que a arrogância de seu humor desenvolveu uma ponta mais afiada e defensiva em músicas como "Never Go Back", "Life Is Grand" e, particularmente, o hino sombrio e espirituoso a  Patty Hearst , "Tania". Mas, apesar de todo o polimento,  Our Beloved Revolutionary Sweetheart  ainda é muito mais um   álbum  do Camper Van Beethoven , especialmente quando o baixo galopante de  Victor Krummenacher entra em ação, os violinos e teclados de Jonathan Segal colorem as melodias e David Lowery  conta suas histórias confirmando que, apesar de sua atitude relaxada e senso de humor bobo, ele não era um hippie - ou um hipster, para esse assunto.  Our Beloved Revolutionary Sweetheart  revelou que você poderia limpar  o Camper Van Beethoven,  mas não poderia necessariamente fazê-los se comportar, o que certamente era uma coisa boa

Alan Gowen, Phil Miller, Richard Sinclair, Trevor Tomki - Before A Word is Said 1981

 

Gravado em abril e maio de 1981, este álbum contém algumas das  últimas sessões de Alan Gowen (ele morreu em 1982). Diferente em muitos aspectos do corpus central do movimento de rock progressivo de Canterbury ( Soft Machine ,  Caravan ,  National Health ), este álbum de quarteto se aprofunda no jazz — jazz de músicos de rock, mas não descaradamente jazz-rock. O jazz sempre fez parte da essência de Canterbury, nas  linhas de baixo melódicas de  Richard Sinclair e no background de guitarra de blues de  Phil Miller . Gowen  continua a explorar o clima sonhador exposto em  Two Rainbows Daily , sua colaboração com  Hugh Hopper  dominada por melodias tristes e sutis de Moog. O baterista  Trevor Tomkin  adiciona um leve toque de free jazz, sua execução se movendo para fora da batida nas passagens mais silenciosas para fornecer texturas em vez de pulsos. Os créditos de composição são divididos entre  Miller ,  Gowen e  Sinclair . As músicas do guitarrista são jazzísticas e mais animadas. "Nowadays a Silhouette" se destaca; começou sua vida como parte do  repertório do  National Health . A única contribuição de  Sinclair , "Umbrellas", apresenta seus vocais evanescentes e sem palavras. Um número suave, prefigura seu material solo dos anos 80. Gowen  trouxe as peças mais sombrias e melancólicas. A faixa-título é uma lição de eufemismo, seu tema lento flutuando sobre arranjos esparsos, mas oferece a música mais memorável do conjunto. Este álbum leva os fãs da cena de Canterbury para outro lugar, em um passeio entre parênteses, e será de interesse principalmente para aficionados e colecionadores, mas é uma ótima sessão. Só não é bem o que você espera. 

Dom Um Romão - Spirit of the Times 1973

 

Dom Um Romão se profissionalizou no final dos anos 40, tocando bateria em orquestras de baile, sendo contratado posteriormente pela orquestra da Rádio Tupi. Foi o responsável por levar  Elis Regina  da TV para o Beco das Garrafas (Rua 52, Rio), onde, em 1955, formou seu Copa Trio (que também tinha o pianista Toninho e o contrabaixista Manuel Gusmão). No mesmo período, foi contratado pela boate Vogue. Em 1958, participou do marco inicial da bossa nova, o  álbum Canção do Amor Demais, de Elizeth Cardoso . Em 1961, Romão tocou com Sérgio Mendes em seu Brazilian Jazz Sextet, que se apresentou no South American Jazz Festival (Uruguai). Em 1962, com o Bossa Rio Sextet, de Sérgio, participou do Festival de Bossa Nova no Carnegie Hall. Com Cannonball Aderley, gravou a Bossa-nova (Riverside), de Cannonball. Com o Copa Trio, ele se apresentou no histórico espetáculo de bossa nova O Fino da Bossa, no Teatro Paramount (1964). Foi a primeira vez que a bossa nova foi lançada na cidade de São Paulo. Seu primeiro álbum, Dom Um, é do mesmo ano. Com o pianista  Dom Salvador  e o pianista Miguel Gusmão como a nova formação do Copa Trio, ele acompanhou vários cantores na boate Bottle's, no Beco das Garrafas, incluindo o Quarteto em Cy. Junto com  Jorge Ben , eles se tornaram o Copa 4. Philips lançou seu Dom Um no mesmo ano. Em 1965, ele participou do  álbum de abertura de Flora Purim (então sua esposa), Flora É MPB (RCA). No mesmo ano, ele foi convidado por Norman Granz para se mudar para os EUA novamente, onde se apresentou com  Stan Getz  e  Astrud Gilberto , seguindo-os para a Europa. Um homem de sessão muito requisitado, ele gravou muitos álbuns, incluindo um com Tom Jobim. Romão se juntou ao Brasil 66 de Sérgio Mendes, gravando o LP  Fool on the Hill  (A&M), e excursionando pelo Brasil (1966). No ano seguinte, participou do LP Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim. Saindo do grupo de Sérgio Mendes, gravou com  Tony Bennett  (The Movie Song Album), entre outros. Em 1971, Romão substituiu Airto Moreira no  Weather Report . Dom Um Romão veio em 1972. 

Em 1973, ele lançou  Spirit of the Times  e excursionou com  Blood, Sweat and Tears .  Hotmosphere  foi lançado em 1976. Dono dos estúdios Black Beans em Nova Jersey, ele se mudou para a Suíça no início dos anos 80. Seu Quinteto Dom Um Romão se apresentou no exterior e apoiou muitos artistas importantes como  Blood, Sweat and Tears  e  Tony Bennett .  Saudades  foi lançado em 1993, e em 1998, ele gravou o CD  Rhythm Traveller  no Brasil.

Donald Byrd - Fancy Free 1970

 

Fancy Free de 1969 marcou o início do afastamento de Donald Byrd do hard bop, demarcando um território com sabor de fusão que -- nessa conjuntura -- devia mais a  Miles Davis  do que o jazz-funk dominado pelo R&B que Byrd abraçaria vários anos depois. Gravado apenas alguns meses depois de  In a Silent Way de Davis , Fancy Free encontra Byrd liderando um grande conjunto com destaque para  Frank Foster  no tenor,  Lew Tabackin  ou Jerry Dodgion na flauta e vários percussionistas. Mas a peça mais importante do quebra-cabeça é  o piano elétrico de  Duke Pearson , a primeira vez que Byrd utilizou o instrumento. Pearson  domina a textura do som do grupo, o que faz com que toda a sessão pareça mais fora do reino do hard bop funky do que realmente é. No entanto, isso não quer dizer que Fancy Free não seja uma ruptura clara com o passado de Byrd -- especialmente os dois originais de Byrd que abrem o álbum. A faixa-título -- que mais tarde se tornou uma das composições mais regravadas de Byrd -- contrasta  as reflexões espaciais de Pearson com um groove de percussão agitado e funky, e há uma sensação solta e aberta nas improvisações que rompem com as convenções do hard bop. A balada calorosa "I Love the Girl" tem uma sensação similarmente arejada e, com oito minutos e meio, é o corte mais curto; claramente, Byrd queria uma estrutura aberta para exploração. Os outros dois números são composições de hard bop mais tradicionais de ex-alunos de Byrd, que -- embora funky e cheias de improvisações -- não podem deixar de parecer mais amarradas do que suas predecessoras. Ainda assim, mesmo que não seja sua saída de fusão mais aventureira, Fancy Free é o raro álbum de Donald Byrd que tem apelo tanto para fanáticos por groove raro quanto para tradicionalistas.

Leon Thomas - Blues and the Soulful Truth 1972

 

O falecido Leon Thomas foi um vocalista que provou ser influente entre saxofonistas, guitarristas e pianistas de jazz e blues, que admitiram sua dívida com sua inovação. No entanto, embora haja muitos vocalistas que também se beneficiaram de seu estilo, ele raramente é reconhecido por sua contribuição altamente original — e idiossincrática — para eles. Só podemos especular o porquê, embora o estilo de garganta cheia de Thomas, que empregava de tudo, de yodels a  rosnados e gritos de Joe Turner, possa ter sido amplo demais para qualquer um entender em sua totalidade sem soar abertamente como se o estivessem imitando. Blues and the Soulful Truth está entre as performances mais duradouras do artista, seja como líder ou acompanhante. Há sua marca registrada, improvisação modal sobrenatural no  clássico exótico de   Gabor Szabo "Gypsy Queen", o blues profundo, gorduroso e funky de "Let's Go Down to Lucy" e "LOVE", e a melodia tradicional "CC Rider" — embora o arranjo de Thomas seja tudo menos isso — entre um longo conjunto de oito músicas. Talvez o exemplo mais revelador de sua singularidade seja sua habilidade de interpretar uma música como  "Boom, Boom" de John Lee Hooker como R&B angular, jazzístico e funky — possibilitado poderosamente pelos estilos de saxofone de  Pee Wee Ellis  e o pianismo criminalmente subestimado de  Neal Creque  e o violino selvagem de  John Blair  — depois de sair de uma melodia soul de orientação pop como "Love Each Other", escrita com um groove prevalente entre as gravações comerciais de jazz e R&B da época, ambas soando sinceras, autênticas e completamente cheias da presença do cantor. De fato, na supracitada "Gypsy Queen" ou em sua própria "Shape Your Mind to Die", Thomas habita seu material completamente como se ninguém jamais tivesse cantado ou ouvido essas músicas e as cantaria novamente. Além disso, a inovação da produção e os toques percussivos em muitas dessas músicas ainda não foram repetidos ( Pharoah Sanders , antigo empregador de Thomas que apresentou o cantor ao mundo, adotou algumas das técnicas percussivas do artista permanentemente), como os fogos de artifício chovendo contra  a bateria de  Airto Moreira e os riffs etéreos de guitarra de Larry Coryell , ou o uso de um vibrafone "preparado" e cabides em "China Doll", conforme eles deslizam contra o lamento e o gemido do cantor, e a elegante baqueta e pincelada de  Bernard "Pretty" Purdie . Em suma, Blues and the Soulful Truth (que ecoa  Oliver Nelson's Blues and the Abstract Truth em visão, bem como o título), é um passeio pela profundidade e dimensão das habilidades alucinantes de Thomas como cantor em uma ampla gama de tradições musicais afro-americanas, provando na época, e agora novamente, que ele era muito mais do que um cantor de free jazz. De fato, o artista não era apenas um estilista de originalidade, mas um compositor, arranjador, etnomusicólogo e cantor de beleza e poder surpreendentes -- não importa a música. Este álbum é uma conquista singular, mesmo entre as excelentes gravações do próprio catálogo de Thomas, e deve ser considerado primeiro por aqueles curiosos o suficiente para olhar seu trabalho -- você não ficará desapontado, não importa o que encontre, mas este o levará a lugares que você nunca imaginou ir.