Iron Butterfly - Metamorphosis (1970)

Após dois anos sólidos de fama e fortuna, o Iron Butterfly estava rapidamente perdendo terreno na disputa do rock and roll. A banda não conseguiu sustentar o enorme sucesso de seu segundo álbum de 1968, o lendário In-A-Gadda-Da-Vida, apesar de lançar o sólido Ball em 1969.

Em 1970, o Iron Butterfly lançou um álbum ao vivo provisório que, é claro, continha outra longa versão de "In-A-Gadda-Da-Vida", um movimento que sugeria uma falta de direção. Inúmeras bandas seguiram o Cream e Jimi Hendrix pelo caminho duro e pesado, com o Iron Butterfly entre os primeiros a se aventurar lá. Por alguma razão, no entanto, eles não conseguiram capitalizar o peso preferido da era.

Poucos meses após o lançamento de Live, no entanto, o Iron Butterfly estourou com um novo LP intitulado 'Metamorphosis' em 13 de agosto de 1970. Mantendo o título, este projeto encontrou o Iron Butterfly tentando se reinventar. Talvez mais precisamente, a banda estava se concentrando em ajustar seus próprios pontos fortes.

Borboleta de Ferro 1970

Metamorphosis começa com uma curta peça atmosférica, "Free Flight", que é realmente apenas uma introdução à condução "New Day" – não apenas uma abertura perfeita do álbum, mas uma declaração de missão de tipos para a banda neste momento. "Shady Lady" é um número bastante fraco, um tanto funky, que é melhor deixar esquecido neste momento. Uma rápida recuperação vem na forma de "Best Years Of Our Lives", com seus exercícios de guitarra e teclado arrasadores.

"Slower Than Guns", uma linda balada acústica com foco em perigos ecológicos, é muito de seu tempo e lugar – mas, ouvindo-a décadas depois, o tema do Iron Butterfly ainda soa verdadeiro, tanto liricamente quanto musicalmente. O mesmo para "Soldier on the Town". Enquanto isso, "Stone Believer" é um groove pesado que, como grande parte do catálogo do Iron Butterfly, merecia um destino melhor do que ser uma faixa esquecida do álbum.

Borboleta de Ferro 1970

Iron Butterfly encerra as coisas com outro longo treino na forma de "Butterfly Bleu", uma música que entra em todos os tipos de dinâmicas ao longo de seu caminho de quase 15 minutos antes de se transformar em truques e bobagens. Eventualmente, a faixa se recupera desses meandros, mas aí já é tarde demais.

Metamorphosis se tornou o quarto álbum Top 20 consecutivo da banda, mas continua sendo o último a fazê-lo. Não foi, infelizmente, nenhum In-A-Gadda-Da-Vida – uma reclamação que sempre ficou pendurada no pescoço coletivo do Iron Butterfly.

[Trecho:  'Como o Iron Butterfly se reinventou com 'Metamorphosis' | DAVE SWANSON Publicado: 13 de agosto de 2015]

Cartaz de concerto de 1970

Crítica do Álbum 1

(Avaliação por Prog Sothoth)

 1970 foi como uma nuvem escura e amorfa que vagava pela paisagem musical em busca de bandas de rock cantando sobre flores e contas para absorver, consumir e cuspir os ossos. O Iron Butterfly viu a nuvem se aproximando e não iria cair sem lutar. A nuvem acabou vencendo, mas a tentativa do Butterfly de passar por uma metamorfose não era nada para se envergonhar e, em retrospecto, eles lançaram um trabalho bastante sólido que merecia mais atenção, considerando que a banda foi um dos maiores sucessos de vendas no jogo apenas dois anos antes.

Com esse esforço, o Iron Butterfly abandonou os tons de guitarra difusos e adotou uma abordagem mais funky e blues para o rock, basicamente seguindo a maré, por assim dizer. Há um pouco de Grand Funk, uma pitada de Three Dog Night, um pouco de acid rock alucinado e persistente e o poderoso barítono de Doug nos dizendo que mulheres obscuras são legais. Sua voz melhorou tecnicamente e combina bem com a música. O homem está absolutamente encharcado de alma, soando como um Michael McDonald mais sério e menos desagradável, sem medo de rock.

Musicalmente, a banda é bem coesa, e os valores de produção para a época soam nítidos e surpreendentemente estelares. Esses caras podem não ter sido mais os figurões, mas ainda tinham um orçamento doce para gravar essas faixas. Não há uma melodia realmente "viciante" para se agarrar como um possível grande lançamento de single, mas o que é ruim para o fã casual de rock pode ser bom para o fã de prog, pois há algumas coisas interessantes acontecendo neste disco musicalmente. Uma música como "Shady Ladies" não deveria ser tão complexa quanto é, mas... aí está. Na verdade, eu realmente curto essa música com suas cantigas fofas de teclado e mudanças surpreendentes de groove alegre para rock espacial assustador e vice-versa. 

A faixa principal de abertura "New Day" (depois de uma introdução boba) soa como uma espécie de número do Steppenwolf, o que não é uma coisa ruim, mas continue ouvindo, e eventualmente você chegará a alguma música "lá fora", especialmente o rolo compressor final "Butterfly Bleu". Como uma faixa longa, ela não se afasta muito do resto do arco geral do álbum, mas cara, em um ponto as coisas ficam bem estranhas com os cantos vocais bobos, resmungos e interações com uma caixa de voz de guitarra choramingando "me ajude!" É bobo e datado, mas divertido como uma audição única.

Metamorphosis requer algumas audições para entrar no clima (pelo menos para mim), mas se você não está procurando algo muito progressivo, mas com talento e alguns vocais masculinos excelentes, esse cara pode dar conta do recado.

Crítica do Álbum 2

(Avaliação por aglasshouse)

Toda vez que vi a história do Iron Butterfly, seu perfil tem um todo, e a música que eles criaram, sempre pensei neles como firmes. In-A-Gadda-Da-Vida, para todos os efeitos, não deveria ter sido tão bem-sucedido quanto foi. Uma jam de acid trip de 18 minutos? Muitos outros na época tentaram alcançar a mesma coisa e falharam, mas esses californianos de alguma forma conseguiram transformar um produto da época em um produto que resiste ao teste do tempo (e fez um barco cheio disso). Algo tão milagroso como isso é difícil para qualquer um acompanhar, muito menos uma banda de rock de merda meio chapada como o Iron Butterfly. Eles conseguiram, no entanto, o álbum seguinte Ball (1969) alcançando uma posição ainda mais alta do que seu antecessor nos EUA

Iron Butterfly conseguiu fazer mágica acontecer duas vezes. Acho que a pergunta óbvia que deveria e foi feita foi: "eles podem fazer isso de novo?" Sim e não.

Há uma diferença desta vez. Metamorphosis, lançado no ano seguinte após Ball, alcançou a posição 16 nos EUA. Agora, em qualquer outra circunstância isso seria louvável, porque obviamente não é fácil fazer um disco que chegue às paradas em primeiro lugar. Mas para o Iron Butterfly, isso foi praticamente desanimador. É verdade que 'Easy Rider' alcançou a posição 66 na Billboard, sendo o maior sucesso do IB desde 'In-A-Gadda-Da-Vida', embora eu pessoalmente deva isso mais ao sucesso deste último e ao reconhecimento do nome do que à qualidade da música (quem sabe, os anos 70 foram facilmente satisfeitos). Então, financeiramente, o Iron Butterfly conseguiu atingir o ouro mais uma vez. No entanto, musicalmente, o Metamorphosis é diferente de todos os seus predecessores, incluindo até mesmo o Heavy. 

O que eu estava dizendo sobre a aparente fragilidade do Iron Butterfly entra em jogo aqui, porque a banda começou a decair lentamente após seu hit monstruoso, e Metamorphosis foi o último álbum considerado pelo menos decentemente pelos críticos. Neste álbum em particular, a formação original está quebrada, com o guitarrista Erik Brann se separando devido a conflitos de banda. Substituindo-o, lisonjeiramente o suficiente, estavam quatro guitarristas de sessão diferentes. Mike Pinera do Blues Image e Alice Cooper (assim como Ramadam, um supergrupo formado com Mitch Mitchell do Jimi Hendrix Experience), Larry Reinhardt (futuro Captain Beyond junto com Dorman), Bill Cooper e até mesmo o produtor Richard Podolor nas doze cordas.

Cartaz do concerto

Metamorphosis é realmente o ápice da consistência musical lentamente construída pelo Iron Butterfly desde In-A-Gadda-Da-Vida. Isso se aplica à musicalidade (porque honestamente eles não eram os melhores músicos), produção e composição. A produção é muito maior e permite um som mais dinâmico tanto no departamento experimental quanto no tradicional. Falando em experimental, os críticos tendem a se referir ao Iron Butterfly pós-Vida como sendo cada vez mais musicalmente aventureiro, e eu tenderia a concordar. Metamorphosis coloca uma ênfase muito maior no lado progressivo/rock espacial da banda, algo que sempre achei notavelmente cativante quando se trata deles em particular. Principalmente isso está no épico de sucesso 'Butterfly Bleu', uma obra-prima de proto-metal e música progressiva que rivaliza até mesmo com o IAGDV (exceto que é muito mais estruturado e, ouso dizer, inteligente?). Ainda mantendo uma atitude espaçada e pseudocomplexa, 'Butterfly Bleu' consegue ser pesado, emocional e eclético em um pacote. Curiosamente, também apresenta um dos primeiros usos de um talk-box (sim, aquela coisa que Bon Jovi usou em 'Livin' On a Prayer' para fazer sua guitarra fazer "rwoworwowrwow") durante uma seção corajosa na segunda metade do épico. 

Capa alternativa

Do tradicional, temos 'New Day', uma música estilo Steppenwolf encabeçada por um riff cativante desarmantemente bom. 'Shady Lady' é, às vezes, sua marca padrão de blues-rock funky, mas se aprofunda em mudanças tonais extremamente sombrias em certas áreas. O resto do álbum é bastante esperado do Iron Butterfly, sendo basicamente músicas de rock n' roll cafonas moldadas por um zeitgeist quase hippie ('Soldier In Our Town'), mas suponho que o grande single 'Easy Rider' também tenha seus momentos.

A banda em si se sai muito bem neste álbum em particular. Como mencionado anteriormente, quatro guitarristas multitalentosos diferentes se tornam conhecidos em Metamorphosis. A parte (presumivelmente) de Mike Pinera em 'Butterfly Bleu' com o talk-box sempre me faz sorrir toda vez que a ouço. Isso realmente faz a música ter uma personalidade maior (claro que seus vocais no resto da música também são bons, fazendo uma performance zelosa e emocional). Os próprios Iron Butterfly não são nada para zombar, é claro, mas está claro que os talentos de Ingle, Dorman e Bushy não são sem mérito. A banda deixou suas habilidades claras desde 'Vida' em 68, e aqui eles se fundem quase perfeitamente com seus músicos de sessão.

Alguns podem ficar desanimados com o material do Iron Butterfly, mas para mim Metamorphosis é nada menos que uma surpresa maravilhosa. As pessoas queriam o Butterfly, e eles conseguiram o Butterfly.

Gostaria que esses fossem meus ingressos!

Este post consiste em FLACs extraídos da minha cópia em vinil. Embora eu tenha este álbum em CD, decidi extrair meu vinil porque ainda acho que o som progressivo/space rock dos anos 60/70 é melhor ouvido na mídia em que foi originalmente lançado, com todos os defeitos, típico desta mídia (estalos e estalos). Neste caso, minha cópia está em excelentes condições, então você não ficará desapontado.

A arte completa do álbum e as digitalizações do rótulo estão incluídas junto com todas as fotos em destaque. Uma anomalia que descobri enquanto pesquisava este álbum é que parece haver alguma confusão sobre quais imagens pertencem às capas frontal e traseira deste LP. Minha capa certamente tem a imagem do caixão na frente (veja acima), enquanto a imagem da mulher nua sentada em um toco de árvore (veja à direita) está na contracapa, enquanto outras fontes (incluindo discogs.com) a exibem ao contrário, incluindo lançamentos de CD. Muito confuso, de fato.

Adoro esse álbum porque ele tem essências do som clássico 'In-A-Gadda-Da-Vida' misturado com alguns sons progressivos mais maduros, mas também porque sou um grande fã do Captain Beyond e a conexão entre essas duas bandas é extensa.

Lista de faixas:

1. Free Flight (0:50)

2. New Day (3:20)

3. Shady Lady (3:57)

4. Best Years Of Our Life (4:00)

5. Slower Than Guns (3:50)

6. Stone Believer (4:25)

7. Soldier In Our Town (3:22)

8. Easy Rider (Let The Wind Pay The Way) (3:07)

9. Butterfly Bleu (13:58)

Alinhamento / Músicos

- Larry 'El Rhino' Rheinhart / guitarras

- Mike Pinera / guitarra, vocal principal (3,4,6,9)

- Doug Ingle / órgão, vocal principal (1-3,5-8)

- Lee Dorman / baixo, backing vocals

- Ron Bushy / bateria

Também com:

- Richard Podolor / violão de 12 cordas, cítara, arranjos, produtor

- Bill Cooper / violão de 12 cordas, engenheiro

MUSICA&SOM

Bruce Springsteen - Not Authorised - Live Vol II (1993) Bootleg

A Darkness Tour de Bruce Springsteen e a E Street Band foi uma turnê de shows pela América do Norte que ocorreu de maio de 1978 até o resto do ano, em conjunto com o lançamento do álbum Darkness on the Edge of Town de Springsteen. (Como a maioria das turnês de Springsteen, ela não tinha nome oficial, mas este é o mais comumente usado; às vezes também é chamada de Darkness on the Edge of Town Tour ou mais simplesmente de 1978 Tour.)

Uma das razões pelas quais a turnê de 1978 é tão bem lembrada, e frequentemente vista como o auge de Springsteen e da E Street Band em concerto, é que vários shows completos foram transmitidos ao vivo em estações de rádio de rock voltadas para álbuns. Isso incluiu o show de 7 de julho no The Roxy de West Hollywood, transmitido pela KMET; o show de 9 de agosto no Agora Ballroom de Cleveland, transmitido pela WMMS e outras sete estações do Centro-Oeste; o show de 19 de setembro no Capitol Theatre em Passaic, Nova Jersey, transmitido pela WNEW-FM; o show de 30 de setembro no Fox Theatre em Atlanta, transmitido por cerca de 20 estações do Sudeste; e o show de 15 de dezembro no Winterland Ballroom em São Francisco, transmitido pela KSAN-FM. 

O Teatro Fox, Atlanta

Essas transmissões foram mixadas por Jimmy Iovine e de alta qualidade de áudio, e foram ouvidas na época por um público maior do que o que compareceu aos shows. Ao longo dos anos, as estações tocariam as transmissões novamente, e muitos bootlegs de alta qualidade foram feitos e circularam desses shows.

Originalmente agendada para 23 de julho (mas adiada devido à infecção de garganta de Springsteen), a apresentação de 30 de setembro de 1978 em Atlanta oferece um instantâneo valioso do chefe em seus anos energizados e formativos. Talvez seja o frescor e a vitalidade tão efetivamente exibidos aqui que derivam de um desejo de impressionar uma grande audiência de rádio amplamente desconhecida de seu trabalho. Talvez tenha algo a ver com a energia inspiradora e o entusiasmo que se tornariam uma marca registrada de Springsteen ou a antecipação de uma pausa bem-vinda após a apresentação da noite seguinte. Seja qual for o motivo, os shows 'darkness...' de Springsteen em 1978 são algo para realmente contemplar e sobreviver como um testamento alegre de seu legado.

Crítica do concerto

A apresentação de 30 de setembro de 1978 em Atlanta foi originalmente agendada para 23 de julho, mas foi um dos dois shows adiados devido à infecção recorrente na garganta de Springsteen (outros dois foram cancelados completamente). A alta demanda por ingressos levou a um segundo show sendo adicionado na noite seguinte antes que Springsteen e a banda fizessem uma pausa de um mês. O show foi transmitido em vinte estações de rádio FM nos estados do sudeste, uma das cinco transmissões desse tipo durante a 'Darkness On The Edge Of Town Tour'.

Springsteen abriu muitos dos shows da Darkness Tour com um rock clássico, uma postura desafiadora de alguém marcando seu próprio lugar na música rock, como o próprio The Boss afirma: "você tem muito a viver quando sobe naquele palco, uma certa tradição dos primeiros roqueiros em que acredito muito". Como em várias outras ocasiões, o rock escolhido é "Good Rocking Tonight", mais famoso em sua encarnação como o segundo single de Elvis Presley para a Sun Records de 1954. Infelizmente, esta faixa e a maioria do primeiro set de Sprinsteen não estão neste CD, com exceção da faixa de encerramento "Fire", que atua como a abertura deste bootleg.

Apesar de ainda ser setembro, o segundo set começa com a adequadamente barulhenta "Santa Claus Is Coming To Town". Springsteen justifica sua inclusão dizendo ao público; "pode ​​ser um pouco cedo para a próxima música, mas podemos não vê-los na época do Natal". A neve falsa acumulada que decorava o palco durante a música causa uma interrupção temporária nos procedimentos, inspirando um número instrumental improvisado para acompanhar a limpeza. É provavelmente por isso que a faixa também não foi incluída aqui.

Candy's Room, Because the Night, Point Blank e Backstreets consolidam o espírito do show e dominam uma segunda apresentação comovente, ao mesmo tempo em que aumentam a expectativa de uma multidão ansiosa de Atlanta.

O set final promete uma erupção de rhythm and blues e revolução com a brincadeira latina de "Rosalita" convidando a uma tomada explosiva de "Born To Run", ambas seguidas por uma efervescente "Tenth Avenue Freeze-Out". Um "Devil With The Blu Dress Medley" aplaudido em êxtase (incluindo Good Golly Miss Molly, CC Rider e Jenny take A Ride) traz Springsteen de volta ao palco para a música final, uma interpretação totalmente energizada do número de Eddie Floyd "Raise Your Hand" (infelizmente, não incluído aqui)

Talvez o frescor e a vitalidade tão eficazmente demonstrados aqui derivem do desejo de impressionar uma grande audiência de rádio de uma região dos EUA fora da base de fãs de Springsteen. 

Talvez tenha algo a ver com a energia inspiradora e o entusiasmo que se tornariam uma marca registrada de Springsteen ou com a expectativa de uma pausa bem-vinda após a apresentação da noite seguinte, mas seja qual for o motivo, os shows de Springsteen em 1978 são algo verdadeiramente digno de ser contemplado.

Este bootleg realmente confirma a autenticidade honesta de seu trabalho e inspira mais aplausos da crítica para o homem que eles chamam de "O Chefe". 

Este post consiste em MP3s (320kps) extraídos do meu CD Bootleg "Not Authorised", lançado na Austrália em 1993, junto com todos os outros que adquiri naquela época. Este lançamento representa apenas metade do concerto original devido à limitação de um único lançamento em CD. A qualidade da gravação é VG, no entanto, a arte é a arte genérica usual produzida pela AMCOS. 

Este bootleg também foi lançado sob o título "Fox Theatre Presents The Boss", "Everybody's Rockin' Tonight" e o show completo lançado recentemente pela Echo Records em 2014 como um conjunto de CD duplo. 

Lista de faixas

01 - Fire 3:01
02 - Candy's Room 2:44
03 - Because The Night 8:02
04 - Point Blank 7:53
05 - Not Fade Away 5:09
06 - She's The One 7:22
07 - Backstreets 12:09
08 - Rosalita (Come Out Tonight) 13:26
09 - Born To Run 4:55
10 - Tenth Avenue Freeze-Out 4:57
11 - Devil With The Blue Dress 1:49
Medley:
12 - Good Golly, Miss Molly 1:47
13 - C. C. Rider 1:52
14 - Jenny Take A Ride 5:51

Banda E-Street:

Bruce Springsteen - Vocal principal / Guitarra

Steve Van Zant - Guitarras

Gary Tallent - Baixo

Roy Bittan - Teclados

Max Wienburg - Bateria

Clarence Clemmons - Saxofone

MUSICA&SOM

FADOS do FADO...letras de fados...

 

                            

A saudade não existe

Tiago Torres da Silva / Joaquim Campos *fado amora adaptado para 5as*

Repertório de Cristina Nóbrega

A saudade enlouqueceu

No dia em que tu partiste

Não sei o que é que me deu

Se afirmei como um ateu

Que a saudade não existe

Então, o fado fez pouco 

Da minha infelicidade

E nunca mais me deu troco

Não sabe quem anda louco 

Se sou eu, ou a saudade

Coitado de quem a esquece 

Nunca mais volta a ter paz

Quando a saudade enlouquece

A loucura é uma prece 

Com o fado por detrás

A saudade ficou rouca 

De tanto te ter chamado

E anda de boca em boca

Comentam que ela está louca 

Mas quem está louco é o fado

A saudade não se parte

Ary dos Santos / Nuno Nazareth Fernandes

Repertório de Maria Armanda 

Não se partiu a saudade 

Que a saudade não se parte

Fica apenas a verdade

Fica apenas a verdade

A partir de toda a parte

Não se partiu a saudade 

Das minhas mãos amarradas

Mas partiu a mocidade 

Mas partiu a mocidade

Destas almas apartadas

Saudade de quem sou ou de quem era

Saudade em que me dou à primavera

Saudade que o meu corpo já chorou

E é verde no futuro em que hoje estou

Não se partiu a saudade 

Que a saudade não se acaba

É apenas liberdade 

É apenas liberdade

Duma pedra que desaba

Se não se partiu a saudade 

Pois que a saudade me morda

A saudade é ansiedade 

A saudade é ansiedade

Quando o coração acorda

Meu amor, ou meu amigo 

Qual a saudade que tenho

Que vive sempre comigo 

Que vive sempre comigo

E é maior que o meu tamanho

És a asa da gaivota 

O rosto da minha filha

Tu não podes ser derrota 

Tu não podes ser derrota

És apenas uma ilha

A saudade que me déste

Fernando Peres / Acácio Gomes dos Santos 
Repertório de Maria Amélia Proença 

São vidas desencontradas
As nossas almas cansadas
Do que o destino nos deu
De tantas horas perdidas
Faria a vida, mil vidas
De tudo quanto morreu

Na saudade do que fomos
A tristeza do que somos 

Sonho de um sonho desfeito
O engano em que vivemos
O remorso em que trazemos 

A mágoa dentro do peito

Estamos juntos e distantes
Longe em todos os instantes 

Cansados de já não querer
Talvez um resto de vida
Feito de esperança perdida 

Que já não queremos viver

Waldjinah / Orkes Krontjong Bintang - Ngelam-lami (1968)

Ngelam-lami (1968)

Waldjinah / Orkes Krontjong Bintang

Como um conhecido que não sabe nada sobre o porquê da música soar do jeito que soa, muito menos como expressá-la adequadamente, me encontro perdido para descrever a... maneira descontrolada como quase toda a música indonésia soa para mim. Não sei se há alguma outra música que soe tão em paz consigo mesma e ao mesmo tempo soe como se seu navio estivesse prestes a virar. Tipo, dê uma olhada em "Dadi Ati" aqui. Começa com lindos floreios de flauta e a voz de Waldjinah soando como uma maldita cachoeira de tão forte. Sem perder o ritmo, ela faz a transição para uma canção marítima de dedilhados aleatórios de ukulele, violoncelo forte e ritmos que, embora constantes, mudam e se contorcem tão facilmente de uma placidez meditativa para uma bombástica explosão que quase pode soar como se ambos tivessem vindo de uma música completamente diferente... mas tudo se encaixa muito bem em uma peça distinta? Ao longo de tudo, a voz de Waldjinah nunca perde sua força; ela está quase conduzindo a coisa toda com aquele feitiço de sereia de onda senoidal dela. Tem tudo o que você normalmente esperaria de uma sinfonia romântica em 5 minutos!

O pouco contexto que tenho para isso, no entanto, é que isso é considerado quadrado pelos indonésios hoje! Em que mundo lindo, lindo vivemos, onde a música amada pelos avós indonésios é secretamente o tipo de música mais animada que existe. Este disco tem apenas 20 minutos de duração, então vamos lá, ouça com admiração a música mais quadrada deste lado de Peter, Paul e Mary.

otay:onii - 信仰看見了我看見了它 (True Faith Ain't Blind) (2024)

信仰看見了我看見了它 (True Faith Ain't Blind) (2024)

otay:onii

Muitos de nós crescemos com um equívoco. Há algo, especialmente nas sociedades ocidentais, que tende a dividir as coisas em oposições. A escuridão e a luz, a terra e o céu, o bem e o mal. Separações. Mas, esperançosamente, embora as fronteiras tendam a se fortalecer nos últimos anos, a cultura sempre fluiu de um país para o outro, oferecendo novas maneiras de considerar nossos mundos, de nos considerarmos. E assim aprendemos. Aprendemos que essas oposições são meras ilusões.
Quando falamos sobre o corpo e a mente, o orgânico e o espiritual, aqui novamente separamos duas coisas como se não tivessem nada a ver uma com a outra. Mas se prestarmos mais atenção, é fácil entender que uma experiência espiritual só atinge seu pico quando o corpo está envolvido.
Otay:onii sempre foi um desses artistas cruzando fronteiras. Quer estejamos falando de sua vida entre a China e os Estados Unidos ou de sua música entre gêneros, ela sempre foi atraída por uma coisa: como destruir as ilusões que nos fazem acreditar que algumas coisas precisam permanecer separadas.

Em 2019, ela lançou uma surpreendente peça musical de 25 minutos onde sua voz se tornou uma ferramenta para expressar a dor que ela tinha em seu corpo por causa de uma pinta crescente em seu peito. Aqui novamente, ela quebrou as barreiras entre o interior e o exterior, transformando sua dor interior em um expressionismo exterior.
Este trabalho levou oito anos para ser feito. Cinco anos depois, Otay:onii retorna atrás de seu piano para que sua voz encontre o centro das atenções mais uma vez. E levou quatro anos para ser feito, já que músicas de seu catálogo anterior (Intention and Emotion, Good Fool, You Do) são aqui retrabalhadas em versões acústicas.
« Eu curvo minhas costas para esconder a última das minhas lágrimas ». Estas são as palavras que abrem Rickshaw Boy. Estas são apenas palavras. Mas a maneira como ela os canta, a maneira como ela os grita, sua voz se contraindo e se contorcendo como distorções tensas e tortas os transforma em feitiçaria sônica. Na palavra « back », seu grito rasga o espaço. Não porque é alto. Mas porque vem da parte mais profunda de seu corpo. E aqui estamos nós, o orgânico e o espiritual unidos pelo significado de uma palavra e a maneira como ela é cantada.

Movendo-se por uma ópera feita de folk chinês e darkwave neoclássico moderno, Otay:onii entrega o que parece ser seu álbum mais brilhante. Mas brilhante não significa alegre. Significa lutar pela paz e alcançá-la. “Eu mantive minha cabeça erguida para poder ir para casa / Não importa o quanto ela ronque / Eu mantenho minha cabeça erguida para poder ir para casa / Não importa o quanto doa”.
Com Unfuck, ela tenta reconstruir um mundo em uma base sã, reconhecendo as cicatrizes do passado e os traumas que persistem, mas não são tão altos quanto costumavam ser. Tradições passadas brilhantes, fantasias sensuais, neons brilhantes, cachoeiras, todos esses elementos estão presentes no videoclipe Wong Kar-Wai-esque desta música. Passado e presente são reunidos em imagens que unificam a história e a evolução da China sob a mesma jornada espiritual.
E percorrer este álbum funciona da mesma maneira. Melodias e sons vocais parecem vir de tempos ancestrais. É um transe. Por quarenta minutos, você mergulha em uma experiência orgânica perturbadora e inquietante, onde você enfrenta o estado de ser mais vulnerável de Otay:onii. Em seus discos anteriores, ela estava cercada por falhas e sons eletrônicos contando sua história, suas feridas, seus caminhos para a cura e sua raiva. Neste lugar, ela só tem sua voz para fazer tudo isso.

"E se a manhã brilhar e você estiver com mais frio? E se o sorriso que eles dão for mais afiado? E se o senhor que eles assassinaram gritar de volta para você?” As perguntas ansiosas de You Do encontram seu caminho de volta para este disco, vermes cerebrais eternos que não se calam. Então sua voz fica mais alta. Uma cantora de garganta tradicional, uma gritadora de metal, uma recitadora de encantamentos, a hipnose encontra seu caminho para o seu âmago mais profundo enquanto rasteja sob sua pele.
E ainda assim, o medo persiste. “Olhe para a lua por um bom tempo agora / A fortuna logo se foi”. Então ela constrói aquele Admirável Mundo Novo. Mas desta vez, deixaremos a escuridão se entrelaçar com a luz, a terra se misturar com o céu, o corpo se fundir com a mente. A verdadeira fé não é cega quando você para de queimar seus olhos dentro da luz, porque a escuridão ajuda você a descansar sua visão. Neste novo mundo, precisaremos remodelar nosso conhecimento. E começa aqui, no reino de uma performance nua e fascinante.

SOPHIE - SOPHIE (2024)

SOPHIE (2024)

SOPHIE

As pessoas estão, compreensivelmente, apreensivas sobre álbuns póstumos. Muitos deles podem ser considerados projetos desalmados para ganhar dinheiro por gravadoras - exemplos recentes incluem Juice WRLD e XXXTENTACION , onde até mesmo os mais aleatórios dos descartáveis ​​são lançados para espremer todo o dinheiro possível de suas bases de fãs. Um exemplo verdadeiramente flagrante é Speaker Knockerz ' The Goat , uma coleção de instrumentais muito brutos emparelhados com uma capa de IA feia e insípida. No entanto, nem todos os lançamentos póstumos podem ser descartados dessa forma. Recentemente, tenho ficado obcecado com os dois últimos álbuns de Mac Miller , um deles sendo Circles , lançado mais de um ano após sua morte após muito trabalho de sua família e colaboradores para terminar o disco e aproximá-lo de sua visão. J Dilla , Selena e muitos outros podem ser mencionados nessa mesma faixa. Independentemente disso, o próprio conceito de lançamentos póstumos liderados por gravadoras/famílias/amigos é um tópico moralmente controverso para muitos ouvintes. E isso nos leva a SOPHIE .

Junto com a visão pública desse tipo de disco, o que eu acho que aumentou o nervosismo em torno do álbum autointitulado de SOPHIE (seu segundo projeto completo, ou terceiro se você incluir PRODUCT , ou quarto se você incluir os remixes de Oil ) é seu legado e identidade. SOPHIE foi, ao longo de sua vida e carreira, assumidamente única, seja em sua vida pessoal como uma mulher abertamente trans na música eletrônica, sonoramente com seu design de som mecânico e de pensamento avançado, e também em sua imagem, lançando um "produto de silício" de formato interessante para acompanhar o lançamento do PRODUCT mencionado anteriormente , fazendo shows ao vivo que apresentavam visuais alucinantes e desorientadores e muitas outras coisas. Seu trabalho, sua personalidade, tudo o que ela fez inspirou fãs e pessoas que trabalharam com ela. Você não pode recriar SOPHIE . Você não pode prever o que virá a seguir de alguém cuja carreira foi definida por desafiar expectativas. Mas esse não é o quadro completo. Pelo que foi dito em entrevistas e press releases, o álbum autointitulado de SOPHIE já estava em andamento antes de sua morte prematura em janeiro de 2021, e seus irmãos passaram três anos e meio ajustando os detalhes e levando o projeto à conclusão. Benny Long , especificamente, já estava envolvido na mixagem de seu álbum anterior, OIL OF EVERY PEARL'S UN-INSIDES , bem como em seu projeto de remix

, enquanto também faz parte do processo criativo de muitas das músicas apresentadas em SOPHIE , e conhece a direção que sua irmã queria levar o álbum. Descrever isso como uma exploração de sua música é uma visão muito cética que, embora justificada com base no que tem sido uma tendência na música por anos antes do lançamento deste projeto, não leva em consideração a criação deste disco específico.

O conteúdo musical é eclético, mas ainda evoca o mesmo sentimento ao longo de sua duração de uma hora. As composições minimalistas criam uma atmosfera celestial em toda a lista de faixas, que flui do techno experimental ao ambiente, aos hinos pop de baixo bubblegum, ao pós-industrial e tudo mais. Os arranjos repetitivos e pacientes lembram seu trabalho posterior em sets de DJ ou na transmissão ao vivo HEAV3N SUSPENDED , em vez de seu álbum de estreia, que foi um ponto de discórdia para muitas pessoas. Eu não entendo isso - OIL é único em todos os aspectos, por que você iria querer que fosse feito de novo? Ou o original perde seu apelo ou o novo disco não parece tão inovador.

Além de todo o contexto externo e expectativas, SOPHIE abriga um álbum de EDM muito bom que, para mim, se destaca por sua variação e também pela maneira como sustenta sua qualidade ao mesmo tempo em que tem esse aspecto. Como o nome indica, este álbum é SOPHIE em todos os sentidos - saltando de gênero para gênero, ao mesmo tempo em que forma algo que só ela poderia ter feito. Colaboradores comuns como Cecile Believe , Hannah Diamond , BC Kingdom e Bibi Bourelly estão presentes, ao lado de amigos de SOPHIE que não haviam trabalhado em material oficialmente lançado com ela antes do lançamento deste álbum. Os destaques incluem o single principal " Reason Why ", o tão esperado " My Forever ", o sucesso Trap assistido por Jozzy " Rawwwwww ", " Always and Forever " com Diamond , a muito fluida " Elegance ", uma música muito catártica em " Live In My Truth " e o lindo corte de palavra falada/ambiente " The Dome's Protection ".

Parte do que alimentou a recepção negativa deste álbum antes de seu lançamento completo foi seu lançamento tumultuado. O single principal Reason Why e o single final My Forever foram escolhas corretas considerando quantas pessoas estavam esperando que ambos fossem lançados, mas Berlin Nightmare e One More Time são duas músicas que funcionam muito melhor no contexto completo do álbum. Demorei até a noite de lançamento para me acostumar com as duas músicas, especialmente a primeira. Além disso, infelizmente, eu simplesmente não gosto de Exhilarate .

É estranho dizer isso sobre um álbum com duração de 1 hora, mas honestamente acho que poderia ter sido mais longo, não apenas porque há tantas músicas incríveis inéditas do SOPHIE que eu adoraria ouvir oficialmente, mas também porque acho que o som do álbum se encaixaria em uma sequência ininterrupta com transições entre as músicas e apenas mais desfoque da lista de faixas. O álbum é aparentemente separado em quatro seções sonoramente, o que eu acho muito interessante. SOPHIE é uma ótima audição e um momento muito importante que lembra o legado de um artista incrível.

Electric Wizard - Dopethrone (2000)

Dopethrone (2000)

Electric Wizard

Você não verá através da fumaça espessa e da neblina, então não tente. Deixe que isso tire você do chão e abrace isso. Algumas pessoas podem não saber que quando o Electric Wizard entrou em estúdio, eles pretendiam gravar um EP como continuação do Supercoven. Eles escreveram três músicas: "Funeralopolis", "We Hate You" e a homônima "Dopethrone". Eles notoriamente passaram por momentos terríveis no estúdio gravando suas faixas escritas, e eu acho que eles passaram por momentos tão ruins que precisaram contar a todos sobre isso. Assim, a composição do disco miserável do Dopethrone foi finalizada no estúdio. A banda sabia que o que eles tinham feito era algo muito especial, mas eu não acho que eles poderiam ter adivinhado que tinham criado um álbum marcante.

O mundo não estava preparado para o que eles fizeram aqui, e levou alguns anos para que sua apreciação total se infiltrasse nas massas da multidão do heavy metal. O único crime que esse disco cometeu foi ofuscar o resto da brilhante discografia do Electric Wizard, e qualquer novo álbum que eles fizerem será injustamente comparado a este. Além desse estigma, o álbum é absolutamente brilhante. Os momentos psicodélicos o elevam a um novo patamar, e ele ganhou seu direito como um clássico. "Altar of Melektaus" e a segunda metade de "I, the Witchfinder" são dois dos maiores momentos do gênero, especialmente até este ponto.

Dopethrone é denso de uma forma que seus outros álbuns não são. Eu não diria que é o mais denso deles, mas direi que não é comparável e é impenetrável. Eles fizeram o que era aparentemente impossível quando fizeram esse som monumental usando o pedal de fuzz Boss FZ-2. Quando você aumenta o volume dos seus amplificadores o suficiente, faz mais sentido. Como já foi dito o suficiente sobre esse disco, vou concluir apenas com o lembrete de que ele é absolutamente impecável. Claro, "The Hills Have Eyes" poderia ter sido um pouco mais longo, mas o mistério do que vem a seguir certamente contribui para a atmosfera que se constrói através das faixas finais. Deixe a penugem tomar conta de você até ficar encharcado, então continue.