Trio II é o segundo álbum de estúdio colaborativo de Dolly Parton , Emmylou Harris e Linda Ronstadt . Foi lançado em 9 de fevereiro de 1999, pela Asylum Records.
Uma dúzia de anos após o lançamento de seu álbum Trio, vencedor do Grammy e Platinum, o supergrupo de música country retornou com outro no mesmo estilo. As músicas foram gravadas em 1994 por Parton, Harris e Ronstadt, mas disputas de gravadoras e cronogramas conflitantes impediram seu lançamento na época. Eventualmente, Ronstadt remixou cinco das dez faixas do álbum (sem os vocais de Parton) para incluir em seu álbum de 1995, Feels Like Home; “Lover's Return”, “High Sierra”, “After the Gold Rush”, “The Blue Train” e “Feels Like Home”..
Tracks
1 Lover’s Return (AP Carter; Maybelle Carter; Sara Carter) 03:59 2 High Sierra (Harley Allen) 04:22 3 Do I Ever Cross Your Mind (Dolly Parton) 03:17 4 After The Gold Rush (Neil Young) 03:31 5 The Blue Train (Jennifer Kimball; Tom Kimmel) 04:58 6 I Feel The Blues Movin In (Del McCoury) 04:31 7 You’ll Never Be The Sun (Donagh Long) 04:44 8 He Rode All The Way To Texas (John Starling) 03:07 9 Feels Like Home (Randy Newman) 04:50 10 When We’re Gone, Long Gone (Jamie O’Hara; Kieran Kane) 03:59
Musicians
Vocals
Emmylou Harris
Vocals
Linda Ronstadt
Vocals
Dolly Parton
Other Musicians
1 Lover’s Return
Bass
Roy Huskey Jr
Road Case
Jim Keltner
Acoustic Guitar
Carl Jackson
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Autoharp
David Lindley
Mandolin
David Grisman
2 High Sierra
Acoustic Bass
Roy Huskey Jr
Acoustic Guitar
Carl Jackson
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Fiddle
Alison Krauss
Mandolin
David Grisman
3 Do I Ever Cross Your Mind
Acoustic Bass
Roy Huskey Jr
Drums
Larry Atamanuik
Acoustic Guitar
Carl Jackson
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Fiddle
Alison Krauss
Mandolin
David Grisman
4 After The Gold Rush
Piano
Robbie Buchanan
Synthesizer
Robbie Buchanan
Glass Harmonica
Dennis James
Strings
David Campbell
Strings
Linda Ronstadt
5 The Blue Train
Bass
Leland Sklar
Drums
Jim Keltner
Guitar
Dean Parks
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Steel Guitar
Ben Keith
Synthesizer
Robbie Buchanan
6 I Feel The Blues Movin In
Bass
Roy Huskey Jr
Drums
Jim Keltner
Acoustic Guitar
Carl Jackson
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Mandolin
David Grisman
Fiddle
Alison Krauss
7 You’ll Never Be The Sun
Acoustic Bass
Edgar Meyer
Acoustic Guitar
Dean Parks
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Strings
David Campbell
8 He Rode All The Way To Texas
Bass
Leland Sklar
Drums
Jim Keltner
Guitar
Dean Parks
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Acoustic Guitar
Dean Parks
Mandolin
David Grisman
Piano
Robbie Buchanan
9 Feels Like Home
Bass
Leland Sklar
Drums
Jim Keltner
Guitar
Dean Parks
Acoustic Guitar
Mark Casstevens
Mandolin
Dean Parks
Mandolin
David Grisman
Piano
Robbie Buchanan
Synthesizer
Robbie Buchanan
Strings
David Campbell
10 When We’re Gone, Long Gone
Acoustic Bass
Roy Huskey Jr
Drums
Jim Keltner
Acoustic Guitar
Carl Jackson
Acoustic Guitar
John Starling
Mandolin
David Grisman
Fiddle
Alison Krauss
Liner Notes
Producer – George Massenburg Co-producer – John Starling Arranged By (Strings) – Linda Ronstadt (Track 4) Coordinator – Gail Rosman, Janet Stark Mastered By – Doug Sax Mixed By – George Massenburg, Linda Ronstadt Music Director – John Boylan Recorded By – George Massenburg, Nathaniel Kunkel Recorded By (Assistant) – Kevin Scott
Art Direction, Design – Kosh Bradley, Lyn Bradley
Mastered At The Mastering Lab Mixed At The Site Mixed At Petewood Recording Recorded At The Site Phonographic Copyright Elektra Entertainment Group Copyright Elektra Entertainment Group
O terceiro disco do My Chemical Romance, The Black Parade , não é apenas sinônimo de emo dos anos 2000 — e sem dúvida, "emo" como um termo em si — é o esforço mais ambicioso daquela época. Quinze anos depois, a dependência do My Chemical Romance na teatralidade e sua ânsia de quebrar o molde tradicional do emo-pop/pop punk não parece extraordinária, o que em grande parte é um resultado direto do trabalho do MCR.
Seu esforço anterior, Three Cheers for Sweet Revenge , marcou o afastamento inicial da banda de suas raízes pós-hardcore e a transição para um som pop-punk ousado, com o The Black Parade se aventurando ainda mais neste território recém-descoberto.
Centrado na morte e no conceito de um homem moribundo, o The Black Parade toma forma na forma de uma ópera rock e entrega suas próprias excentricidades de desfile dentro de si. À medida que a morte se apresenta na forma de um desfile para nosso protagonista, "The Patient", ela fornece vislumbres de sua vida e a transição subsequente para o que vem além.
Embora fictício, abranger uma vida em meros 51 minutos é extremamente complicado, mas a capacidade da banda de mudar sons e humores faz isso bem. As baladas de piano são frequentemente justapostas com pedaços mais energéticos, agitados e tensos, enquanto o MCR ilustra o relato de memórias do narrador — os arrependimentos, os momentos mais alegres e tudo o mais — bem como seu próprio confronto com a morte e o caminho para a aceitação.
The Black Parade é encharcado de melodrama, e há momentos ocasionais em que isso se torna insuportável, mas nada na vida é mais insuportável do que a morte; o My Chemical Romance se inclina para seu próprio drama, e é essa combinação de tomada de risco e autoconsciência que mantém o legado deste disco vivo e bem até hoje.
Se Hard Promises não igualou o sucesso artístico e comercial de Damn The Torpedoes , ainda mais do que confirmou a estatura de Tom Petty e seus destruidores de corações no cenário musical americano. O resto da aventura, porém, será sem o baixista Ron Blair, que deseja se distanciar das turnês. Felizmente, o grupo encontrará em Howie Epstein o substituto ideal. Ainda sob a liderança de Jimmy Iovine, o grupo voltou ao estúdio sem muita demora para gravar Long After Dark .
Desde a enérgica e cativante “A One Story Town”, encontramos tudo o que gostamos na música do grupo. Um Rock simples e quente, com um tom bem americano, Heartland mas não muito, com leves nuances dos anos sessenta. Sem ser um potencial sucesso, o título nos seduz desde o início e nos leva pela mão no resto. Mais melancólica, “You Got Lucky” surpreende com a presença de um sintetizador substituindo o tradicional órgão de Benmont Tench. Porém, não pensem que o grupo despediu o Spandau Ballet, o estilo do grupo continua presente apesar desta experimentação (que Petty não assumirá mais por um tempo). Carregado por um clipe muito bacana no modo cowboy do futuro, e com um solo muito bacana de Mike Campbell como cereja do bolo, o título será o sucesso do álbum mesmo que não ultrapasse o vigésimo lugar. Sem ser incrível, o resultado a torna uma das músicas mais cativantes dos Heartbreakers dos anos 80.
Carregado por um riff estilo Stones, mas com um soul bastante Heartland, “Deliver Me” é um título de Rock mediano, assim como “Change Of Heart”, o segundo single do álbum com um riff dessa vez mais Power Pop. Quanto a “Finding Out”, é difícil não bater o pé ao ouvi-lo e na minha opinião é mais este título que deveria ter sido escolhido como single número 2. O Rock torturado de “We Stand A Chance” também é muito sucesso tanto na linha melódica quanto no gancho instrumental com esse riff que acerta o alvo e esse piano saltitante como contraponto à atmosfera geral. Mais calmo, “Straight Into Darkness” é sem dúvida também mais clássico ainda que não pudéssemos duvidar da sua qualidade. Ele irá agradar aqueles que preferem o modo mais descontraído Heartbreakers Rock Heartland. O Blues Rock "The Same Old You" poderia ser uma música inédita dos Stones com Mike Campbell que soa muito como Keith Richards, enquanto o piano de Benmont Tench dá um lado mais pop a "Between Two Worlds", apesar de uma guitarra áspera ao fundo. As coisas terminam bem com “A Wasted Life” quase subindo no modo de música suave da madrugada.
Embora tenha alcançado o Top 10 americano, Long After Dark vendeu muito menos que seus dois antecessores, pelo que Tom Petty culpou Jimmy Iovine por se recusar a incluir certas músicas preferidas pela cantora no álbum em favor de outras. No entanto, ao ouvi-los, pode-se duvidar que as coisas teriam sido tão diferentes com a sua inclusão, sendo o seu nível bastante semelhante. Além disso, podemos sem hesitar considerar Long After Dark como um álbum muito sólido e até superior a Hard Promises . Mas sem dúvida faltou muita surpresa e não foi páreo para American Fool de John Mellencamp ou mesmo para Nebraska de Springsteen aos ouvidos dos fãs de Heartland Rock. Independentemente disso, demonstrou a necessidade de o grupo e o seu líder darem um passo atrás antes de voltarem com força.
Títulos:
1. A One Story Town 2. You Got Lucky 3. Deliver Me 4. Change of Heart 5. Finding Out 6. We Stand a Chance 7. Straight into Darkness 8. The Same Old You 9. Between Two Worlds 10. A Wasted Life
Músicos: Tom Petty: Vocais, guitarra Mike Campbell: Guitarra, órgão Benmont Tench: Teclados Howie Epstein: Baixo Stan Lynch: Bateria + Ron Blair: Baixo (9) Phil Jones: Percussão
Depois de um LP homônimo em março de 1967, Grateful Dead tornou-se uma das atrações dos shows realizados no âmbito do Summer Of Love, cujo ponto culminante foi o festival pop de Monterey. Evento onde Grateful Dead está em cartaz com The Mamas & The Papas, Jefferson Airplane, the Who, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Otis Redding…
O grupo de São Francisco continua em turnê pelos Estados Unidos. Nesse ínterim, o baixista Phil Lesh, o baterista Bill Kreutzmann, o organista Ron “Pigpen” McKernan e os guitarristas Jerry Garcia e Bob Weir recrutaram Mickey Hart como segundo baterista. Assim, no palco, a seção rítmica ocupa cada vez mais espaço.
Resumindo, Grateful Dead está muito mais na estrada do que no estúdio onde no caminho os músicos são presos pela polícia que revista a casa do combo em busca de posse ilegal de entorpecentes. Isso irrita o produtor David Hassinger, que acredita que o segundo álbum do Dead está muito atrasado. Impaciente, ele bate a porta.
Profissional da improvisação sem fim com drogas psicotrópicas, é preciso dizer que o sexteto enfrenta um sério problema. Como fazer a magia do live onde ele se sente confortável no estúdio?
A solução seria combinar os dois. Utilizando um sistema de colagem, os integrantes mesclam momentos do show com algumas gravações feitas em estúdio. Com a ajuda do pianista Tom Constanten, Grateful Death imprimiu Anthem of the Sun em julho de 1968 em nome da Warner Bros.
Um segundo Lp com letras delirantes, completamente malucas, experimentais feitas em mais que segundo estado, feitas sob LSD para uma busca cósmica, mística e para cruzar as portas da percepção. Contudo, não podemos negar que os agenciamentos entre o vivo e o estúdio têm um aspecto artesanal, até mesmo instável, onde por vezes passamos de uma dimensão para outra de forma grosseira. Obviamente este sistema ainda não está pronto. Não importa, quem procura emoções não ficará desapontado.
Composta por 5 peças que muitas vezes se sucedem sem tempo, iniciamos esta viagem alucinatória com “É isso para o outro” distribuída por 7 minutos e em 4 partes. Encontramos esta qualidade melódica já vista na obra anterior com este órgão perturbador, esta guitarra sensível e também este canto frágil e emocional. Melodias que muitas vezes serão intercaladas com sequências que chegam sem aviso prévio. O que se segue é uma passagem apressada, estratosférica e rodopiante, vestida com guitarra, órgão e bateria frenéticos. Como um relógio dilapidado, mais adiante é caótico e tempestuoso onde tocam alguns efeitos eletrônicos e música concreta. Não é à toa que Tom Constanten e Phil Lesh admiram Edgar Varèse.
A sequência, “New Potato Caboose” é mais tranquila, descolada, com um cenário irreal, com suas incursões jazzísticas e quase religiosas. Num cenário caleidoscópico, The Dead acelera o ritmo onde Jerry Garcia esculpe refrões longos e vertiginosos. Vertigo que nos leva direto ao breve “New Potato Caboose”, para um rock nervoso e extravagante onde aparece um trompete mariachi lembrando-nos que Phil Lesh era trompetista de formação.
Entre coros kazoo e angelic acid surgem os 15 minutos de “Alligator” que rapidamente descolam numa atmosfera tropical, estimulante e tribal. Aqui novamente Jerry Garcia fará um excelente trabalho com suas seis cordas elétricas amplamente influenciadas pelo blues. À espreita, este órgão com o seu groove alucinógeno e este trigêmeo rítmico que nos coloca em transe antes de terminar numa atmosfera nebulosa e metronômica onde os músicos em plena fumaça aceleram as bandas. Sem perceber, “Caution (Do Not Stop on Tracks)” chega à conclusão para um final dissonante e de tirar o fôlego à jornada feita de feedbacks e feedbacks aterrorizantes.
Não tenho certeza se voltaremos ilesos dessa experiência.
Faixas: 1. That’s It For The Other One 2. New Potato Caboose 3. Born Cross-Eyed 4. Alligator 5. Caution (Do Not Stop On Tracks)
Músicos: Jerry Garcia: guitarra solo, vocais Phil Lesh: baixo, vocais Bob Weir: guitarra base, vocais Ron “Pigpen” McKernan: órgão, gaita, vocais Bill Kreutzmann: bateria Mickey Hart: bateria + Tom Constanten: piano, efeitos eletrônicos
Depois do grande sucesso Joy Of A Toy em 1969, Kevin Ayers fez isso novamente com Shooting at the Moon nas lojas no ano seguinte em nome da Harvest. Com esta música de abertura que cheira a leveza e indiferença, “Posso? » para um passeio despreocupado com melodias sonhadoras, o cantor/multi-instrumentista inglês dá-nos um belo seguimento ao primeiro trabalho. No mesmo registo mais adiante ouvimos o folk exótico “The Oyster and the Flying Fish” onde Kevin Ayers é acompanhado pela cantora Bridget St. Deparamo-nos com o bastringue “Clarence in Wonderland” para uma viagem à taberna com estas malucas marimbas e clarinetes. Encontramos “Red Green and You Blue”, outra peça folk com sax e oboé encantadores para um pop picante que lembra um pouco o início de Soft Machine.
Porém, aparecem peças que soam como um grupo. Para explicações, Kevin Ayers após a publicação de Joy Of A Toy sai em turnê promocional. Para a ocasião montou um combo que chamou de The Whole World. Nesta formação estão o pianista/organista David Bedford, o baterista Mick Fincher, o saxofonista Lol Coxhill e também os backing vocals chamados The Whole World Chorus. Entre os músicos está também um certo Mike Oldfield no baixo e na guitarra, então com apenas 17 anos. Fornecendo voz, guitarra e baixo, Kevin Ayers traz toda essa gente linda para o estúdio para a gravação de Shooting at the Moon .
Assim encontramos no setlist a garagem delirante “Lunatics Lament” onde a trupe inventa o punk cósmico para nós. Obviamente Kevin Ayers dá uma guinada no rock como podemos ouvir em “Rheinhardt & Geraldine/Colores Para Dolores” com os vocais de Robert Wyatt. Título de rock progressivo jazzístico próximo ao Coliseu que é perfumado com climas sombrios e pesados. Mas bem no meio as coisas saem dos trilhos com ajustes eletrônicos, fitas tocadas ao contrário, gravações de uma rádio dilapidada transmitindo trechos de concertos clássicos. Uma experiência que mostra um outro lado deste Lp, experimental e vanguardista, culminando nos alucinantes 8 minutos de “Pisser Dans un Violon”. Instrumental que nos convida a uma viagem vagamente preocupante e em coma, com órgão adulterado, misterioso e graves perturbadores e desafinados. Com metade do tempo encontramos esse estado de espírito no nebuloso “Underwater”. Por fim, chega o título esquizofrênico homônimo que, com seu rock espacial e loop alucinógeno, nos leva a um carrossel que nos fará suar frio.
Um disco feito em mais que segundo estado.
Títulos: 1. May I? 2. Rheinhardt & Geraldine / Colores Para Dolores 3. Lunatics Lament 4. Pisser Dans Un Violon 5. The Oyster And The Flying Fish 6. Underwater 7. Clarence In Wonderland 8. Red Green And You Blue 9. Shooting At The Moon
Músicos: Kevin Ayers: vocais, guitarra, baixo David Bedford: teclados Lol Coxhill: saxofone Mike Oldfield: baixo, guitarra Mick Fincher: bateria The Whole World Refrão: backing vocals + Bridget St.
“Nos Amamos” é um excelente álbum do cantor argentino Robert Livi, acompanhado por Marito Cosentino y su Orquesta, lançado pelo selo CBS da Agentina, em 1970.
Robert Livi (Ramón Roberto de Ciria) nasceu em 17 de Junho de 1942 na cidade de Buenos Aires/Argentina e faleceu em 25 de Janeiro de 2019, em Aurora, Colorado/EUA. Foi um cantor, compositor e produtor argentino. Roberto Livi começou a sua carreira dançando rock 'n' roll e formou um grupo de canto e dança. No Brasil, em 1964, no período da Jovem Guarda, foi-lhe dada uma oportunidade por um empresário brasileiro, tendo alcançado o estrelato com a venda de dois LPs e vários singles, entre eles Teresa (versão de Juvenal Fernandes), que vendeu um respeitável número de 11 mil cópias num mês. Tendo regressado à Argentina no início dos anos 1970, Livi pode explorar os seus sucessos brasileiros em versões em castelhano. Durante quatro anos, ele colheu sucessos, agradecimentos e músicas como "Si Esta Calle Fuese Mía", "Nos Amamos", "Marinero, Marinero" ou "Tu Día Feliz", que se converteram em grandes êxitos. Robert tornou-se uma estrela da música romântica. Regressou de novo ao Brasil em meados dos anos 1970. Como produtor, trabalhou com The Fevers, José Augusto e outros artistas do mercado latino, tendo também lançado Sidney Magal.
Faixas / Tracklist:
A1 - Haberte Conocido (C. Livi, Livi) 3:40
A2 - Marinero, Marinero (Caetano Veloso) 3:00
A3 - Era Un Día Tan Bonito (María Vasquez) 3:25
A4 - Preciso Conversar Con Dios (Nelson Ned) 3:07
A5 – Chiquilin (Freddy, Livi) 2:25
A6 - Nos Amamos (Nous, On S'Aime) (George Chelon) 4:34
B1 - Quiero Acordarme de Ti (O. Anderle, Sandro) 2:48
B2 - 120... 150... 200 Km Por Hora (Roberto e Erasmo Carlos) 5:12
B3 – Vagabundo (Freddy, Livi) 2:20
B4 - A Veces (María Vasquez) 3:20
B5 - Nuestro Encuentro (Freddy, Livi) 3:06
B6 - Si Esta Calle Fuese Mia (Se Esta Rua Fosse Minha) (Elizabeth) 2:05
NOTA: Roberto Livi é acompanhado por Marito Cosentino y su Orquesta.
Aretha Franklin - Angel (single Atlantic N-S-28-139, 1973).
"Angel" é uma balada soul gravada pela cantora americana Aretha Franklin. A canção foi escrita conjuntamente pela irmã de Aretha, Carolyn, e Saunders Sonny. Aretha co-produziu a canção com Quincy Jones e foi publicada originalmente no álbum de Aretha, em 1973,"Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)". Foi lançada como um single em junho de 1973 e chegou às paradas de sucessos dos EUA (singles R/B) permanecendo por duas semanas e alcançando o número 20. O single vendeu mais de 900.000 cópias.
Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de Março de 1942) é uma cantora norte-americana de gospel, R/B e Soul que virou ícone da música negra. É considerada a maior cantora de todos os tempos pela revista Rolling Stone e pela mesma, foi eleita a 9ª maior artista da música de todos os tempos.
Nascida em Memphis, criada em Detroit, Michigan, Aretha tornou-se a primeira mulher a fazer parte do Rock and Roll Hall of Fame em 3 de janeiro de 1987. Muitos chamam a Aretha, "Rainha do Soul" ou "Dama do Soul". Ela é reconhecida pelas suas habilidades na música soul e R/B, mas também é uma adepta de jazz, rock, blues, pop e até mesmo ópera. Ela é geralmente reconhecida como uma das melhores vocalistas da história da música por publicações de porte como a revista Rolling Stone e o canal de televisão VH1. Ela é a segunda cantora a possuir mais prémios Grammy na história, ficando atrás apenas de Alison Krauss. Aretha possui dezoito prémios competitivos e três honorários. O estado de Michigan declarou a voz de Franklin como sendo uma maravilha natural.
Apesar de todo o sucesso, Franklin possui apenas dois singles que foram para o primeiro lugar na lista dos mais vendidos dos Estados Unidos segundo a Revista Billboard: "Respect" nos anos 1960 (sua canção mais conhecida) e "I Knew You Were Waiting (For Me)", um dueto com George Michael. No entanto, vários singles dela já apareceram entre os 20 mais vendidos na lista daquela publicação, como "Think", "I Say a Little Prayer", "Until You Come Back to Me", "Chain of Fools", "Ain't No Way", "Freeway of Love", "Call Me", Angel, entre outros.
