Acanthe foi uma banda francesa de Classic Rock/Prog em atividade em meados dos anos 70 (de 73 a 77), mas que nunca viu sua música refletida em um lançamento oficial. Por razões obscuras, essa banda nunca teve a oportunidade efetiva de ver seu trabalho publicado adequadamente.
Bem, mais de 30 anos após sua dissolução, os méritos da banda foram finalmente reconhecidos (e reunidos) pelo selo nacional Musea, que continua uma longa tradição de recuperar algumas das bandas de rock progressivo perdidas, raras e não assinadas daquele período.
O primeiro conjunto de conclusões que um ouvinte pode tirar ao ouvir Someone Somewhere é que parece realmente estranho que essa banda nunca tenha tido seu trabalho lançado enquanto estava em atividade, pois a banda mostra compostura e talento que vão muito além de muitas das bandas realmente assinadas daquela época. Torna-se então inevitável para o ouvinte se perguntar quantas outras bandas com (pelo menos, se não mais) essa qualidade foram perdidas no tempo, sem chance de ver seu trabalho (finalmente) reconhecido.
Acanthe tocou um som que circulava em torno do rock clássico e do prog sinfônico. Um som que pode ser revisto com referências a nomes tão distintos como Pink Floyd, Ange, Pulsar, The Doors e Procol Harum, mantendo uma assinatura original.
A música aqui é dinâmica e cheia de personalidade, com ênfase nas partes instrumentais (algumas chegam muito perto do brilhante). Cantando em francês e inglês, a banda é sempre capaz de entregar boas melodias e bom trabalho vocal em ambas as línguas.
O som geral, embora obviamente enquadrado dentro da janela de tempo onde foi gravado pela primeira vez, não soa tão datado quanto a maioria das gravações do mesmo período. Dito isto, apesar de distintamente vintage, este é um álbum que ainda pode ser tremendamente agradável para a comunidade contemporânea de progheads que ainda se alimenta do legado musical dos anos 70.
Someone Somewhere tem muitos ingredientes no que diz respeito à sua musicalidade: teclados que soam como The Doors e Procol Harum, trabalho de guitarra mais próximo do Pink Floyd e uma seção rítmica que parece mais próxima do Genesis ou de outras lendas francesas como Ange.
Isso resulta em um álbum alegre para ser descoberto pelos fãs nostálgicos do clássico sympho prog. Na verdade, esse lançamento milagroso se torna essencial para aqueles que ainda preferem o verdadeiro progressive (bandas dos anos 70) para aquela facção de bandas contemporâneas que preferem emular esse estilo, tornando-se, portanto, regressivas.
Um álbum para ser descoberto e totalmente apreciado pelos fãs obstinados do prog rock dos anos 70! (por prognosis.com).
O único álbum do Lincoln Street Exit é um desses esforços que gerou considerável atenção na comunidade de colecionadores ao longo dos anos.
Formada em 1964, a formação original consistia em Paul Chapman, o baterista Lee Herres, o cantor/guitarrista Michael Martin e o baixista Mac Suazo.
Uma raridade por ser uma das poucas bandas de rock nativas americanas de meados dos anos 1960 (todos os quatro membros eram Sioux do Novo México) a fazer turnês e gravar ativamente, o grupo lutou por seis anos com pouco reconhecimento; conseguindo lançar três singles instantaneamente obscuros durante esse período.
Na época em que a banda assinou com a gravadora Mainstream, de Detroit, Chapman havia morrido e foi substituído pelo guitarrista RC Gariss. Junto com o produtor Brad Shad, Drive It!, de 1970, serviu para mostrar material de Martin e do não membro Tom Bee.
Claro que os sentimentos anti-guerra da banda ('Man Machine' e 'Time Has Come Gonna Die') não eram particularmente originais ou dignos de nota. Da mesma forma, sua tentativa isolada de pseudo-Gospel ('Going Back Home') foi, na melhor das hipóteses, equivocada. Por outro lado, impulsionadas pela voz simpática de Martin, faixas como 'Dirty Mother Blues', 'Teacher Teacher' e 'Straight Shootin' Man' ofereceram um conjunto convincente de hard rock orientado para o blues. Ironicamente, a faixa mais impressionante também foi um de seus esforços mais comerciais - o pop-orientado 'Soulful Drifter' (que foi lançado como um single malsucedido).
Gariss, Herrera, Martin e Suazo posteriormente continuaram sua colaboração musical, reaparecendo como Xit gravando uma série de LPs em meados dos anos 1970 para a Motown.
*Michael Martin - Vocal principal, guitarra principal *Mac Suazo - Baixo pesado *Lee Herres - Bateria e percussão *RC Gariss - Segunda guitarra principal
Ano: Setembro de 1971 (CD 1996) Gravadora: Mobile Fidelity Sound Lab (EUA), UDCD 680 Estilo: Pop, Baladas País: Inglaterra Duração: 47:34
"How Can You Mend A Broken Heart?" de Trafalgar foi o primeiro single número um dos Bee Gees. Apesar desse sucesso nas paradas, esse disco não é tão bem avaliado quanto alguns de seus outros álbuns desse período devido ao material um tanto sem brilho. * * * - Jim Worbois, The All-Music Guide to Rock, 1995. Os Bee Gees passaram alguns anos no deserto antes de Trafalgar, mas a qualidade do álbum mais do que compensou a espera. Gravado entre janeiro e abril de 1971, ele revelou os Brothers Gibb realmente trabalhando juntos em harmonia novamente. Algumas coisas mudaram na banda reformada. Eles agora eram muito mais pedantes sobre seus créditos de composição, e Robin — tendo se provado durante a separação de dois anos com o magnífico Robin's Reign — exerceu seu direito de não fazer nada além de cantar, então metade do álbum não o apresenta. Primeiro, más notícias: "Don't Wanna Live Inside Myself" presta muita homenagem a "While My Guitar Gently Weeps", enquanto a canção de Robin para o funeral eduardiano "Dearest" é horrenda. Mas o resto é pura genialidade pop exuberante. As duas composições solo de Maurice mostram que ele finalmente se revelou um compositor verdadeiramente grande. "Lion in Winter" é contagiantemente experimental — muito disso é apenas bateria, e o ritmo se expande épicamente no final. As letras bizarramente piegas de sempre estão em evidência em abundância: "Now I feel as good as if I were dead" é uma joia, mas "Somebody crown the clown with the red balloon" leva o troféu. E os sucessos continuaram chegando, "How Can You Mend A Broken Heart" fornecendo um número 1 nos EUA. A capa era a estranheza usual dos Bee Gees do início dos anos 1970, o grupo encenando a morte de Nelson no gatefold, o novo membro Geoff Bridgeford lendo uma história em quadrinhos do Beezer. O pai dos rapazes, Hugh, está na foto porque, aparentemente, ele "simplesmente estava lá". - David Nichols, 1001 Albums You Must Hear Before You Die, 2005.
01. How Can You Mend A Broken Heart (04:00) 02. Israel (03:46) 03. The Greatest Man In The World (04:20) 04. It's Just The Way (02:36) 05. Remembering (04:04) 06. Somebody Stop The Music (03:34) 07. Trafalgar (03:55) 08. Don't Wanna Live Inside Myself (05:27) 09. When Do I (04:00) 10. Dearest (03:54) 11. Lion In Winter (04:03) 12. Walking Back To Waterloo (03:50)
Ano: 7 de novembro de 1983 (CD 22 de julho de 2009) Gravadora: Warner Music (Japão), WPCR-13527 Estilo: Rock sinfônico, Art Rock, Rock progressivo País: Londres, Inglaterra Duração: 77:12
"Owner of a Lonely Heart" foi uma das músicas do conjunto de demos de Rabin; sua linha de baixo e seu gancho foram escritos enquanto ele estava no banheiro. Quando a música foi escolhida para inclusão no álbum, Squire substituiu a ponte original de Rabin. A música apresenta uma amostra da seção de metais de "Kool Is Back" de Funk, Inc., que Horn pretendia usar em um álbum de Malcolm McLaren, que ele também estava produzindo. A amostra foi então armazenada em seu Fairlight CMI e tocada por White. Rabin usou o mesmo tom de guitarra para a abertura em uma sessão que ele fez para a Earth Band de Manfred Mann, que envolveu a panorâmica de duas faixas de guitarra para a esquerda e para a direita e visava um som "o mais pesado possível". "Hold On" foi originalmente intitulada "Moving In"; a música final foi uma amálgama de duas músicas que Rabin havia escrito, pois ambas tinham o mesmo andamento. O refrão de "Hold On" foi mantido com seus versos retirados de "Moving In". "It Can Happen" foi escrita no piano por Squire, com sua introdução montada por Rabin para combinar com seus acordes de piano. "Changes" foi outra música das demos de Rabin, com sua introdução montada por White. Rabin a desenvolveu durante um "período de depressão", depois que um possível contrato de álbum solo com a Geffen Records fracassou, pois eles desejavam que ele se juntasse a uma banda e tocasse mais "como Foreigner". "Cinema" é uma faixa instrumental gravada ao vivo no AIR Studios. Originalmente, o grupo desenvolveu uma música inédita de 20 minutos chamada "Time" e decidiu incluir sua abertura de dois minutos no álbum final. "Leave It" foi desenvolvida a partir de uma linha de baixo de Squire e uma melodia de Rabin. Quando chegou a hora de gravar a música, a banda não estava satisfeita com o som de bateria que estava obtendo no estúdio, então eles gravaram os vocais primeiro. No entanto, um dos engenheiros havia removido as referências de tempo da faixa de clique da música, causando vários problemas de sincronização. Rabin passou até três dias refazendo os vocais em um Synclavier, mas "não parecia completamente certo. Então, refizemos a coisa toda em cima das coisas do Synclavier", um processo que levou várias semanas. A letra de "Our Song" menciona a cidade de Toledo, Ohio, em si uma referência ao show da banda no Toledo Sports Arena em sua turnê de 1977, onde a temperatura no palco atingiu 126 °F (52 °C). A música recebeu considerável transmissão de rádio na área de Toledo. "City of Love" foi inspirada pela visita de Rabin ao Harlem em Nova York enquanto ele estava a caminho de um ensaio com o Foreigner. Seu táxi chegou no endereço errado em uma parte perigosa da área. Ao retornar para Los Angeles, Rabin começou a escrever um "tipo de coisa sinistra" que veio fácil para ele após a experiência, "a ideia de esperar a noite chegar... os abandonados saíam dos esgotos à noite para serem bandidos. Mais tarde, Jon colocou sua inclinação nisso, o que o tornou mais interessante". A abertura apresenta um trecho em loop da introdução de Pines of Rome do compositor italiano Ottorino Respighi como parte da faixa de apoio. "Hearts" é a segunda faixa do álbum que é creditada a todo o grupo: Rabin criou o refrão e a ponte alguns meses antes de conhecer Squire e White pela primeira vez; Kaye escreveu sua introdução de teclado, Rabin desenvolveu uma melodia a partir dela e Anderson desenvolveu sua contra-melodia.
01. Owner Of A Lonely Heart (04:30) 02. Hold On (05:18) 03. It Can Happen (05:29) 04. Changes (06:20) 05. Cinema (02:07) 06. Leave It (04:13) 07. Our Song (04:18) 08. City Of Love (04:52) 09. Hearts (07:43) 10. Leave It (Single Remix) (03:56) 11. Make It Easy (06:12) 12. It Can Happen (Cinema Version) (06:05) 13. It's Over (05:41) 14. Owner Of A Lonely Heart (Extended Remix) (07:05) 15. Leave It (''A Capella'' Version) (03:18)
Rampage - Victims Of Rock 1981 (Germany, Hard Rock)
Artista: Rampage De: Alemanha Álbum: Victims Of Rock Ano de lançamento: 1981 Gênero: Hard Rock Duração: 35:12
Tracks: Songs written by Rampage. 01. I Wanna Be Free - 3:26 02. He's A Dancer - 2:39 03. All The Lost Time - 4:27 04. You Need A Friend - 3:24 05. Liberty - 2:58 06. Victims Of Rock - 4:04 07. Lovely Love - 3:57 08. I Don't Wanna Be A Rock 'N' Roll Star - 3:08 09. Scarabus - 4:00 10. Tonight - 3:09
Golden Eggs é uma compilação não licenciada de gravações lançadas anteriormente pelo grupo de rock inglês Yardbirds. O álbum LP foi originalmente lançado em 1975 pela Trademark of Quality (TMQ), uma empresa sediada em Los Angeles especializada em gravações piratas.
Os álbuns contêm gravações de estúdio do grupo entre 1964 e 1968. Cerca de metade das faixas foram lançadas como lado A e lado B de singles (incluindo duas músicas solo do cantor Keith Relf), mas permaneceram inéditas em álbuns na época. O restante é composto por faixas de álbuns, a maioria das quais não foi lançada no Reino Unido. O material, que estava em grande parte fora de catálogo em 1975, se baseia fortemente nos Yardbirds da era Jimmy Page, além de algumas gravações com Eric Clapton e Jeff Beck. Devido à sua popularidade, uma sequência, More Golden Eggs, foi lançada pela TMQ. Ambos os álbuns apresentavam arte de capa de William Stout.
Os Yardbirds foram a banda que os guitarristas Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page encontraram o primeiro sucesso comercial. Em 1975, todos os três alcançaram o status de superstar e, consequentemente, houve um forte interesse na produção gravada de seu antigo grupo. Grande parte do catálogo dos Yardbirds estava fora de catálogo em 1975. O fabricante de bootlegs Trademark of Quality (TMQ) viu a oportunidade de um relançamento comercialmente viável deste material. Golden Eggs foi algo como o primeiro - até aquele ponto, bootlegs de rock eram o domínio apenas dos atos de maior sucesso, como Bob Dylan, Rolling Stones e Beatles. Golden Eggs foi o primeiro bootleg de grande venda que lidava com um grupo dissolvido que teve um sucesso razoável, mas não muito grande nas paradas. Em uma época em que reedições de material antigo não eram comuns, o bootleg se tornou um sucesso.
A maioria das músicas que aparecem no álbum foram consideradas raridades na época. Elas incluíam músicas que só tinham sido lançadas em singles ou álbuns fora de catálogo, como Little Games, o único álbum que os Yardbirds gravaram com Page. Duas músicas de um single solo do vocalista Keith Relf foram adicionadas ao álbum, embora não refletissem o som ou o estilo dos Yardbirds. "Stroll On", que só estava disponível no álbum da trilha sonora de Blow-Up, foi incluída. É uma das poucas gravações a apresentar Beck e Page em guitarras solo duplas. "Think About It", lado B do último single dos Yardbirds, foi lançado apenas alguns meses antes da formação do Led Zeppelin. Mais tarde, Page usou o solo de guitarra da música para seu solo em "Dazed and Confused", uma das músicas de assinatura do Zeppelin. A arte da capa foi desenhada por William Stout, que já havia criado várias capas de álbuns do TMQ. Stout estava ansioso para fazer a capa, já que era fã do grupo e agradeceu a eles na contracapa pela "inspiração". Ele também projetou a contracapa como uma árvore genealógica, mostrando as carreiras dos vários ex-membros do grupo até aquele ponto.
A doninha na capa está, de acordo com Stout, matando a galinha dos ovos de ouro, e supostamente representa o produtor Mickie Most. De acordo com Stout, ele sentiu que Most afastou o grupo de suas origens de blues rock para gravar material pop, o que, na opinião de Stout, foi prejudicial para sua carreira e não ilustrou seu potencial total. Golden Eggs foi lançado pela TMQ em 1975. Quase imediatamente, foi copiado por Phony Graf, outro contrabandista. Seu lançamento usou inserções em preto e branco das capas frontal e traseira, em vez da arte colorida de Stout. Todas as músicas foram posteriormente disponibilizadas em compilações de CD autorizadas, como Little Games Sessions and More (1992), Train Kept A-Rollin' - The Complete Giorgio Gomelsky Productions (1993) (relançado em 2002 como The Yardbirds Story) e Ultimate! (2001). Em uma análise para a AllMusic, o crítico musical Richie Unterberger deu ao álbum três de cinco estrelas. Ele observou que "isso prestou um grande serviço aos colecionadores na época, reunindo 17 das faixas mais raras dos Yardbirds — de singles não LP, trilhas sonoras e LPs raros — em um LP". No entanto, ele acrescentou que reedições e compilações mais recentes dos Yardbirds tornaram o álbum "virtualmente inútil"
01. "Steeled Blues" B-side of "Heart Full of Soul" 02:37 02. "Putty in Your Hands" For Your Love (US) 02:17 03. "Mr. Zero" A-side Keith Relf solo 02:45 04. "No Excess Baggage"Little Games (US) 02:29 05. "Think About It" B-side of "Goodnight Sweet Josephine" (US) 03:47 06. "Stroll On"Blow-Up2:43 07. "The Nazz Are Blue" Yardbirds a.k.a. Roger the Engineer (UK) 03:00 08. "Knowing" B-side Relf solo 01:53 09. "Little Soldier Boy" Little Games 02:33 10. "Puzzles" B-side of "Little Games" 02:01 11. "Stealing Stealing"Little Games 02:21 12. "Sweet Music" For Your Love 02:28 13. "Ha Ha Said the Clown" A-side single (US) 02:23 14. "Rack My Mind" Yardbirds a.k.a. Roger the Engineer 03:10 15. "Ten Little Indians" A-side single (US) 02:13 16. "Goodnight Sweet Josephine"A-side single (US) 02:44 17. "Glimpses" Little Games 04:22 Bonus Tracks: 18. The Nazz are Blue - 03.06 19. Ever since the World began - 02.04 20. Drinking Muddy Water - 02.53 21. Dazed and Confused - 6.41 21. You Shook Me - 10.19
Biografia: "Kadavar" é uma banda de rock de Berlim, Alemanha, fundada em 2010. Seu som retrô, incorporando rock psicodélico e stoner rock, foi comparado a bandas da era do hard rock/heavy metal dos anos 1970, como Led Zeppelin e Black Sabbath. O Kadavar atualmente é composto por três membros: o guitarrista e vocalista principal Christoph "Lupus" Lindemann, o baterista Christoph "Tiger" Bartelt e o baixista Simon "Dragon" Bouteloup. História: Em 2010, o baterista Bartelt e o guitarrista Philipp "Mammut" Lippitz começaram a tocar juntos. Eles se tornaram uma banda quando Lindemann se juntou como baixista e vocalista. Lindemann decidiu mudar para a guitarra, permitindo que Lippitz mudasse para o baixo. Sua primeira gravação, um CDR homônimo de duas músicas, foi autolançado em 25 de agosto de 2011. Em 12 de julho de 2012, o álbum de estreia autointitulado de Kadavar foi lançado pela This Charming Man Records/ Tee Pee Records. Uma colaboração com a banda Aqua Nebula Oscillat lançou o álbum White Ring em novembro de 2012. Devido a problemas de visto, uma turnê planejada pelos EUA não pôde acontecer, embora a banda tenha aparecido no festival South by Southwest em Austin, Texas, em 15 de março de 2013. Enquanto estavam no Texas, a banda gravou vários videoclipes deles mesmos que mais tarde foram usados para criar o videoclipe de sua música "Come Back Life", que foi produzida por Bartelt. Em julho de 2013, Lippitz deixou a banda, substituído por Bouteloup, anteriormente da banda de metal The Oath. Após várias apresentações ao vivo, Bouteloup foi oficialmente anunciado como um novo membro. Seu segundo álbum, Abra Kadavar, foi lançado em 12 de abril de 2013 pela Nuclear Blast, e estreou na posição 42 nas paradas alemãs. No início de 2014, Kadavar começou a excursionar com a banda de hard rock estilo retrô Wolfmother. Em julho de 2014, Wolfmother tocou e gravou algumas músicas no estúdio de Kadavar. Em 6 de junho de 2014, Kadavar lançou um álbum ao vivo, Live in Antwerp. Em junho de 2015, Kadavar anunciou seu terceiro álbum, Berlin, em sua página. Foi lançado pela Nuclear Blast em 21 de agosto, e incluía um cover de "Reich der Träume" de Nico como faixa bônus. O álbum entrou nas paradas em vários países, atingindo a posição 18 na Alemanha e a posição 40 na Bélgica. Em 2015, o baterista Bartelt coescreveu a música "Wedding" com Andrew Stockdale. Foi lançado em 19 de fevereiro de 2016 como uma faixa bônus no quarto álbum do Wolfmother, Victorious. Álbuns: Kadavar (2012, This Charming Man Records/Tee Pee Records) Abra Kadavar (2013, Nuclear Blast) Berlin (2015, Nuclear Blast) Live in Antwerp (2014, Nuclear Blast)
O segundo LP há muito perdido do Atrocity de Art Jackson. Gravado ao vivo na Alemanha, poucos meses depois de Gout (o álbum de estreia da banda em 1974 pela Columbia Records) ter sido arquivado, considerado invendável pela hierarquia corporativa da gravadora. Recusando um convite em janeiro de 1975 para apoiar Miles Davis em Tóquio, o The Atrocity decidiu, em vez disso, fazer um blitzkrieg na Alemanha, encontrando um público receptivo para seu estilo incendiário de jazz/noise/rock improvisado.
Lançado pela primeira vez como um LP independente em St. Louis, por volta de 1975, Live In Europe é o único documento ao vivo conhecido do Atrocity de Art Jackson - embora... todo o trabalho do Atrocity tenha sido gravado ao vivo como aconteceu. Live In Europe, no entanto, captura a energia frenética que só pode ser encontrada em um ambiente ao vivo, enquanto artista e público se enfrentam em um choque antecipatório de expectativas desconhecidas e possibilidades de improvisação. A resposta entusiasmada dos alemães famintos por jazz em Düsseldorf e Berlim fornece um cenário estimulante para as únicas apresentações do The Atrocity no exterior. Agora, pela primeira vez em 42 anos, uma nova geração de ouvintes tem a oportunidade de ouvir a loucura musical de um coletivo unido de desajustados antissociais sem objetivos corporativos. O que poderia ter sido... se a indiferença do rótulo, o abuso de drogas e as múltiplas prisões não tivessem descarrilado um dos antepassados mais imprevisíveis dos anos 1970 de uma distopia musical futurística que poucos estavam dispostos a acreditar que poderia existir. LIVE IN EUROPE (1975) LADO 1 #31994 (4:22) The Continuum (4:55) Death Train To Nuremberg (4:06) LADO 2 Birds On Fire (7:59) Birds On Fire, Parte 2 (11:14) Art Jackson: guitarra Artis Killins: baixo, voz Pharaoh Keyes: teclados Pete Jay: guitarra, percussão Eric Gaye: saxofone, clarinete Joseph Mix: saxofone, flauta, efeitos Kurtis Snider: bateria #31994 (4:22) "#31994" era o número de abertura sempre que o Atrocity de Art Jackson se apresentava ao vivo em meados dos anos 70. Uma das poucas "composições" estruturadas do grupo, é uma fatia descarada de jazz hard bop, filtrada por uma névoa apocalíptica de drogas e ancorada pelas linhas de guitarra mutantes de Art Jackson. O antiguitarrista de 22 anos ecoa o riff característico do saxofone, antes de soltar um solo curto e maníaco que desafia qualquer explicação. Parte tensão de arame farpado, parte ruído angular, e soando não muito diferente de quando ele está puxando as cordas de sua guitarra. A resposta à introdução explosiva do grupo ao público europeu, no entanto, foi instantânea e unânime... um testamento do poder absoluto do Atrocity na performance. Pouco depois dessa gravação de 1975, tanto Jackson quanto o baixista Artis Killins seriam presos em Estocolmo por posse de heroína, encerrando a turnê europeia do Atrocity e inspirando a arte da capa frontal do LP de 1975, lançado de forma independente. THE CONTINUUM (4:55) Uma faixa antidrogas unicamente contida e drogada, apresentando o improvável dueto das explorações espaciais de guitarra psicodélica de Art Jackson e as improvisações errantes de clarinete de Eric Gaye. O baixista Artis Killins saúda o público com um chamado às armas... para se unirem e combaterem o flagelo do Angel Dust. Não tão ironicamente, a droga preferida da banda. Mas a risada que encerra a introdução e a música que se segue são uma clara rejeição dessa noção, enquanto o baixo do The Atrocity caminha em direção a uma névoa psicodélica de improvisação entrelaçada, apresentando outro solo de guitarra de Jackson unicamente bizarro... um com pouco precedente contemporâneo na década de 1970. DEATH TRAIN TO NUREMBERG (4:06) Um derby de demolição de instrumentação livre e descompromissado que é solenemente pontuado pelos efeitos fantasmagóricos e atmosféricos dos trens de transporte alemães. Uma colisão caótica e estrondosa de sons cujo tema confronta a Alemanha de frente... em seu próprio território. A fita master do LP original de 1975 cortou acidentalmente os últimos 20 segundos desta gravação (assim como esta reedição), então não temos a chance de ouvir a resposta do público a esta rejeição do passado da Alemanha, embora "#31994" e a suíte "Birds On Fire" do lado dois tenham sido recebidas com entusiasmo pelo mesmo público alemão. BIRDS ON FIRE (7:59) BIRDS ON FIRE, PARTE 2 (11:14) "Birds On Fire" e "Birds On Fire, Parte 2" podem ter obtido seus nomes, em parte, de "Birds Of Fire" da Mahavishnu Orchestra, mas a característica auspiciosa de cada faixa é o trabalho de guitarra desequilibrado e carregado de feedback de Art Jackson, que pontua ambas as metades desta suíte de duas partes. Isso e o co-solo frenético e esquisito do tecladista do Atrocity, Pharaoh Keyes, cujo trabalho de teclado é surpreendente. Essas performances extraem cada parada possível, enquanto o The Atrocity oscila do bastard-jazz movido a swing para o hard-blowin' free-form noisemaking, tudo temperado por mudanças vertiginosas de tom e tenor. Juntas, as duas performances são exemplos de tour de force do avant-jazz que era típico da audácia bruta, crua e ao vivo do Atrocity de Art Jackson.
