Los Jets – La Pecosita (LP 1963 / Argentina)

MUSICA&SOM

Los Jets – La Pecosita (LP Opus – OL 7009, 1963 / Argentina).

LP considerado raro.

Género: Rock, Twist.

Los Jets formaram-se em 1961, na cidade de Flores/Buenos Aires e foi o primeiro grupo argentino a gravar sucessos dos Beatles em espanhol. A primeira formação era constituída por Héctor Ziblat, Guillermo Fuertes, Héctor "Memmo" Campione, Jorge "Jackie" Álvarez e Oscar "Chiche" Tortoriello. Alguns meses depois, incorporaram Martín na bateria, tornando-se assim a primeira banda na Argentina com dois bateristas. Em 1962 Jackie deixou o grupo e formou a banda Jackie y Los Ciclones, tendo sido substituído por Jorge Omar Vidal. Em 1963, a banda alcançou um sucesso notável com o single que contém a canção "La Pecosita" (também inserida no LP que aqui apresentamos), uma versão do grupo mexicano Los Silver Rockets, juntamente com "Lana" de Roy Orbinson. Devido ao grande impacto do single, lançaram o LP que se chamou “La Pecosita”, título retirado do seu single de sucesso, editado pelo selo Opus (subsidiária da Odeón). O álbum apresenta três músicas da formação anterior do grupo e a voz de Jackie é escutada em "Lección de Twist". Guillermo Fuertes faz a voz principal em “El Twist del Tren”, Guillermo, Héctor e Jorge cantam “Okey al Madison” e as restantes cinco canções são interpretadas por Jorge Vidal, com as correspondentes harmonias vocais partilhadas com Héctor e Guillermo. Foi o melhor período do grupo, com gravações e muitas apresentações em clubes, teatros e festas particulares em Buenos Aires, Córdoba, Santa Fé, Mendoza, La Pampa, Mar del Plata, Bahía Blanca, Rosario, participando também em programas de TV e até transcendendo os limites do país ao chegar a fazer apresentações em São Paulo/Brasil. Uma delas num festival da juventude transmitido ao vivo pela televisão.

Em seguida, lançam um single que incluía pela primeira vez na Argentina duas versões em espanhol dos Beatles, sob os títulos "Ámame" (Love me do), "Quiero Tener Tu Mano" (I wanna hold your hand)) e logo depois “Twist y Gritos". Por sua vez, Los Jets continuam com Jorge Vidal na voz, Héctor Ziblat nos vocais e baixo, Martín Etchemendy na bateria, Guillermo Fuertes na guitarra e voz e Hector "Memmo" Campione (que deixou o grupo em abril de 1964) na percussão/bateria. Lançaram o seu segundo LP "Twist & Gritos" em 1965, tendo feito com sucesso uma digressão pelo Brasil. No final desse ano gravaram o seu terceiro LP, que já não foi publicado pela editora.

Em 1965 Jorge deixou o grupo e Guillermo assumiu o papel de cantor até à sua dissolução em 1966. Todos os membros do grupo já morreram, sendo que o último, Héctor Ziblat faleceu em janeiro de 2011.

Faixas/Tracklist:

A1 - La pecosita (Oscar Cossio Flores)

A2 - Ritmo bonito (Weiss, Schroeder)

A3 - La paloma (Yradier)

A4 - Bienvenido amor (Palito Ortega, Dino Ramos)

A5 - El camino de la dicha (Borli, Hortis (vrs. castelhana: Rafaelmo)

A6 - Lección de twist (G.Mengozzi, L.Morisse (vrs. castelhana: Rafaelmo)

B1 - Limbo Rock (Billy Strange (Vrs. castelhana: Ben Molar)

B2 - El twist del tren (P. Surdo)

B3 - Okey al Madison (La Calva, Arcuda (vrs. castelhana: Ben Molar)

B4 - Okey Muchachos (Martin Meyer)

B5 - Carita de angel (Baby Face) (B.Davis, H.Asket (vrs. castelhana: Balsan)

B6 - Yo te querré (Felipe Bojalil Garza "Fabricio")

Miembros / Members:

Jorge Omar Vidal (voz)

Héctor Ziblat (baixo)

Guillermo Fuertes (guitarra)

Héctor "Memmo" Campione (percussão, bateria)

Martín Etchemendy (bateria)

Los Preferidos a La Luna, V/A (LP 1969)

 

MUSICA&SOM

Los Preferidos a La Luna, V/A (LP RCA Victor – AVLP-3862, 1969).

Género: Pop/Rock, Compilação.

La Joven Guardia.

“Los Preferidos a La Luna” é uma excelente compilação pop/rock/beat, lançada em 1969 pela gravadora RCA Victor Argentina, que reúne diversos artistas e sucessos da época. O disco apresenta-nos temas de artistas como, Palito Ortega, o grupo La Joven Guardia, Clodagh Rodgers, Carlos Sebastián, Gabriela Ferri, Gianni Morandi, Conexión Nº 5, Donald, Dyango, Los IN, Marisol, a banda Kano y los Bulldogs, Nada e o grupo Los iracundos. Esta colectânea foi considerada a mais vendida da história da RCA Argentina tendo alcançado um grande sucesso na América Latina, em especial na Argentina.

Faixas/Tracklist:

A1 - Palito Ortega – Viva La Vida

A2 - La Joven Guardia – El Extraño de Pelo Largo

A3 - Clodagh Rodgers – Ven y Sacudeme

A4 - Carlos Sebastian con Solvente – Otra Vez En La Via

A5 - Gabriella Ferri – Te Regalo Mis Ojos

A6 - Gianni Morandi – Mi Guitarra

A7 - Conexión Numero Cinco – Todos Juntos Ahora

B1 – Donald - Tiritando

B2 – Dyango – Lejos de Los Ojos

B3 - Los In – Toma Revancha

B4 – Marisol – Tu Nombre Me Sabe a Hierba

B5 - Kano y Los Bulldogs – Sobre Un Vidrio Mojado

B6 – Nada – Hace Frío Ya

B7 - Los Iracundos – La Lluvia Terminó

Aphex Twin - Selected Ambient Works 85-92 (1992)

Selected Ambient Works 85-92 (1992)

Aphex Twin

A música de Aphex Twin tem a sensação única de estar zoneado em uma área cheia de pessoas, como se ele estivesse tocando seus discos durante a longa e superlotada espera em uma estação de metrô subterrânea. Os ecos de vozes transitórias e ruído branco no fundo de SAW 85-92 contribuem para a aura liminar de um espaço público falsificado moldado em plástico, tornando o álbum perfeito para fãs de música introvertidos que ainda têm um senso de aventura. Este primeiro volume de Selected Ambient Works é uma passagem ferroviária para a boate ao ar livre mais espaçada do mundo, cada música envolta em uma gota de chuva persistente enquanto faz a queda lenta de postes de luz em arco para as ruas pretas e escorregadias abaixo.

O mais notável de tudo nesta efusão de beleza cristalina é o bem distinto Xtal, que desenrola tudo o que é adorável sobre o álbum de uma só vez com seus murmúrios de pulsações de deep house e vocalizações femininas empíreas. Das bolhas geladas e assobios de Tha ao interlúdio de um minuto "i" que supostamente foi criado quando Aphex Twin estava em sua adolescência brincando com software de produção alterado e sintetizadores analógicos, há algo estranho e sintético sobre este álbum, que é especialmente dobrado com samples de riachos balbuciantes e chuvas indistintas.

O início barulhento do electro ácido de Green Calx e os efeitos sonoros com defeito são uma espécie de interrupção para o punhado anterior de batidas techno, que executam um breakdance rápido sobre o baixo amplificado de Ageispolis e tons-chave como pedras perfeitamente moldadas pulando sobre a superfície de um lago parado, mas Aphex ajusta o fluxo da lista de faixas de acordo e quaisquer torções são suavizadas imediatamente. Na maior parte, os componentes sonoros de Selected Ambient Works 85-92 ainda se mantêm hoje, e a energia noturna inexplicavelmente assustadora que ele emite sempre será incomparável. Este álbum é uma toca de coelho em um mundo de maravilhas virtuais onde o real é o surreal e onde a imaginação é realidade, e Aphex Twin governa tudo

The Cure - Songs of a Lost World (2024)

Songs of a Lost World (2024)

The Cure

Em uma era inundada com atos clássicos surgindo do nada para lucrar rapidamente, o Cure estava decididamente contra a corrente. Se eles estivessem nisso por um dia de pagamento rápido, seu mais novo disco, Songs of a Lost World , teria sido lançado muito antes, isso é certo. Se você de alguma forma não sabia, este álbum está em andamento há anos. Pesquise um pouco e você encontrará uma série de veículos de música dizendo que o "novo álbum" do Cure seria lançado em algum momento em... 2022. Caramba, muito do disco foi gravado em 2019, com a maioria estreando durante os shows ao vivo da banda. Com um atraso tão profundo, alguns começaram a especular que ele nunca seria lançado. Que ficaria em um estado de hiato terminal. Estático, não lançado para o público ouvinte mais amplo. Admito que eu mesmo havia descartado tudo isso como uma lavagem há um tempo. Não foi só a longa espera que me desanimou, embora isso definitivamente não tenha ajudado muito. Falando a verdade, não é como se a banda nos tivesse deixado há uma década e meia com as notas mais fortes (o autointitulado de 2004 e o 4:13 Dream de 2008 ). Independentemente do que você ou eu pensássemos desses discos, o consenso geral era que eles estavam longe de seu pico nevado e gótico. Sério, um novo disco faria diferença ?

Bem, se você está se esforçando para ler isso, então suponho que já saiba a resposta para essa pergunta.

Não adianta esconder: 16 anos após seu hiato prolongado, e quase 50 anos desde que se formaram, o Cure retornou com o que eu consideraria um dos melhores discos que eles já lançaram. Facilmente o melhor desde Disintegration . Quando essas primeiras críticas brilhantes começaram a aparecer, pensei que seria mais um caso de um ato legado recebendo suas flores apenas por chegar atrasado. Mas não, Songs of a Lost World é consistentemente ótimo de ponta a ponta. Temperamental, sombrio e maduro; tudo sem sacrificar seu lado melódico ou se sentir nem um pouco forçado. Em entrevistas, o vocalista Robert Smith observa que perdeu um pouco da confiança em suas habilidades para escrever material novo desde o último disco, mas sentiu que esse lançamento mais recente o rejuvenesceu. Agora, não vou fingir que conheço cada pensamento dentro daquele campo minado pós-apocalíptico que Robert Smith chama de mente, mas podemos imaginar a onda de vingança que ele deve estar sentindo agora, sabendo que valeu a pena esperar. Que seu objetivo era verdadeiro.

Faixas como a esmagadora “Warsong”, com sua bateria forte e lamentações resignadas e derrotadas de violência, devem ser prova suficiente de que o Cure ainda consegue capturar e destilar o mesmo pessimismo que eles fizeram décadas antes. Combinando perfeitamente com sua energia e som gótico/alt rock sonhador. “I Can Never Say Goodbye”, escrita em memória do irmão de Smith, é linda e de partir o coração. Um pavor iminente que deixa o ouvinte em contemplação silenciosa. As duas faixas finais (“All I Ever Am”, “Endsong”) emprestam um ar de finalidade ao álbum, mas também um fim mais literal e existencial. Se ainda não estava claro, a morte está na mente do Cure. Não que eles tenham se esquivado do assunto, mas não dá para deixar de sentir a fadiga impotente nos vocais doloridos de Smith:

"Minha dança cansada com a idade,
E a resignação me move lentamente,
Em direção a um palco escuro e vazio,
Onde posso cantar o mundo que conheço"

Tudo isso para dizer que eu realmente espero que este não seja o ato final. Apesar da natureza severa deste disco, não acho que o Cure esteja pronto para jogar a toalha ainda. Claro, pode ter demorado um pouco para chegar, mas a espera valeu a pena. Songs of a Lost World é um retorno honesto e merecido à forma para uma banda que havia se perdido por um tempo. Desolado em suas palavras e doce em seus tons. Não posso dizer se será considerado um dos melhores da banda; para isso, teremos que esperar para ver. Mas para mim, a resposta é óbvia: eles retornaram com um álbum que merece cada momento de sua atenção. Até o seu inevitável e choroso fim.

Genius/GZA - Liquid Swords (1995)

Liquid Swords (1995)

Genius/GZA

Ah sim, a obra-prima sombria de GZA. Este álbum certamente é algo diferente. GZA admite ter um problema para escrever porque ele é muito perfeccionista. Ele disse que este álbum levou muito mais tempo do que deveria simplesmente devido ao fato de que ele continuou descartando suas letras e revisando-as. A boa notícia é que isso mostra o que é provavelmente a exibição lírica mais impressionante (pelo menos em um nível técnico) de qualquer álbum de Wu.

Com a ajuda de RZA, GZA exibe continuamente uma cena sombria e deprimente e constrói uma atmosfera semelhante. As batidas de RZA são indiscutivelmente as melhores de todos os tempos. As batidas de bateria são profundas e sujas e as cordas são ecoantes e distantes e muitas vezes fundidas com este efeito de fundo neoeletrônico que torna a maioria das faixas absolutamente fantasmagóricas.

Eu simplesmente não consigo explicar algumas dessas batidas. Confira Swordsman , onde uma linha de baixo maligna é definida contra uma batida de bateria militarista e xilofones maliciosos. GZA explica suas superstições que se desenvolveram nos ambientes violentos do gueto. Ou confira 4th Chamber , um dos maiores cortes de Wu posse de todos os tempos. A batida é esse ataque eletrônico de sonho do qual você nunca se cansa.

Os versos convidados neste álbum são de primeira qualidade. Method Man dá uma corrida para GZA em Shadowboxin' e eu diria que Meth realmente o superou. Cada membro do Wu está presente neste álbum, até mesmo Ol' Dirty, que fornece um ótimo refrão em Duel Of the Iron Mic . As letras, como muitos já declararam, são absolutamente imaculadas. Sejam referências ao xadrez, comparando a seringa de um demônio ao seu fluxo ou criando uma sigla para CRIME, GZA está em seu jogo A durante todo este lançamento, sem perguntas. Ele é um MC muito metafórico e, neste momento, ele não parecia cansado e entediado, mas sim animado e revigorado. Mas não se confunda, GZA não soa nada como, digamos, Rae e Ghost. Ele está muito mais calmo e controlado. Quando ele está no microfone, ele libera uma aura de confiança e determinação que é simplesmente contagiante.

RZA insere muitas amostras neste álbum (especificamente do filme Shogun Assassin ), o que lhe dá uma unidade temática incrível e vibrante. Ele também adiciona aquele som inconfundível de kung-fu cheio de Wu-Tang que eu realmente queria que eles ainda tivessem. Histórias de samurais mortos e pescoços cortados aumentam a tensão e o impacto do álbum. Não é sempre que você encontrará uma audição mais imponente do que esta. Eu também gostaria de salientar a estranheza de que GZA nem mesmo fecha seu próprio álbum, ele realmente deixa Killah Priest ter uma faixa aqui conhecida como BIBLE , onde ele explica sua busca por sabedoria e sua queda com a religião e também sua incorporação de sua sabedoria em seu filho.

No final, este continua sendo um dos maiores de todos os tempos no hip-hop e permanecerá para sempre uma audição revigorante e única no reino da música. Adereços para RZA, GZA e todos os envolvidos neste projeto épico. (e obrigado por não adicionar esquetes idiotas RZA!)

Melhores faixas: 4th Chamber, Shadowboxin', Swordsman

Mitochondrion - Vitriseptome (2024)

Vitriseptome (2024)

Mitochondrion

Treze anos inteiros, um inferno de tempo para esperar por uma banda que de outra forma seria bastante notável e que nunca viu o sol lá fora, em vez disso subsistindo da luz de velas elétricas de fóruns da Internet e sites de música como o seu.

Mas sobre Mitochondrion . Seu som pode ser visto como a prática definitiva do metal extremo em suas formas melífluas desde a grande ruptura diaspórica com as tradições linha-dura do black/death, tecnicidade/atmosfera, o velho/novo. De alguma forma, caminhando na linha entre a utilização do imediatismo do death metal em pancadaria gratuita sem se desviar muito para ceder às tendências de cérebro côncavo das denominações mais baixas do gênero. Sem riffs de mosh, sem aborrecimentos, sem bajulação, sem apressar o processo. É uma lenta caminhada digestiva por esferas ácidas e águas miasmáticas.

E ainda assim isso nem sempre foi. Voltando aos seus primeiros discos, há indícios de brilhantismo, uma abordagem semelhante à do Teitenblood em sua abordagem gestativa para riffs, onde serviu à música em vez dos clichês de girar a roda da música; um riff não estaria lá apenas porque sentiu a necessidade de cumprir o pânico instintivo de um gênero para a convenção, não há caixas de seleção. É tudo um meio de construir algo, de transmitir a jornada à frente, que existe totalidade nesta experiência, em vez de fragmentos isolados de sentido.

No entanto, apesar de evitar essa armadilha, os dois primeiros lançamentos da Mitochondrian foram prejudicados na produção um tanto grosseira, e o arranjo de ideias estava um tanto deficiente. Acho que os interlúdios atmosféricos poderiam ter sido feitos com mais justiça, enquanto as próprias músicas às vezes pareciam ter uma duração desproporcional à força ou número de ideias em mãos. Os vocais, embora capturassem a abordagem dupla ala MA, às vezes pareciam muito fracos.

Mas depois, é claro, houve silêncio. Essa abordagem original, antes vista como um "war metal técnico", provavelmente seria adornada com o termo "disso death" atualmente. Talvez seja a produção mais densa, as estruturas de música mais longas (e a duração subsequente do álbum) certamente prenunciam as propensões ofegantes e intrincadas dos subgêneros, e ainda assim há uma certa coragem em tudo isso, não muito diferente do inferno reverberante de um disco de war metal moderno.

Para dar um passo adiante, acho que a maioria dos gêneros disso-death e o um tanto presente disso-black fizeram um ótimo trabalho para eliminar a previsibilidade estagnada de estruturas de música mais antigas (acorrentadas a algum thrash infeliz, costura de riffs), assumindo uma predominância na estrutura do álbum, um chute muito mais robusto e muito necessário no departamento de produção, e olhando para configurações instrumentais de um eixo vertical sobre um regressivo horizontal; a melodia representando o primeiro enquanto a harmonia/cruzamento/interação/tom compondo o outro.

Muitas vezes vemos uma incapacidade de olhar além do riff como originando a visão de túnel presente na faixa única, estendendo-se apenas mais para a direita sem levar em conta as partes ao redor. No meio dessa nova onda, vemos não apenas uma apreciação pela interação de mecânicas existentes fora do escopo de uma ideia melódica, mas sua relação com o álbum como um todo. Um álbum não deve mais ser uma costura suave de músicas com talvez um pedaço de premeditação indo para uma abertura/fechamento com um ambiente/interlúdio aleatório de penúltimo ou meio caminho; não, uma formação completa e total de fluxo e refluxo entre paisagens sonoras.

Unidade, em ideia, faixa, ordem e ritmo.

Sob a promoção de marketing do disco no site, me deparei com uma destilação superficial da gravidade deste álbum em alguns, 11 anos de desenvolvimento.
reverência enantiodromiana à força Abraxana sob o disfarce de Saturno

Fora do outro pneuma um tanto arcano que reuni dos seguintes descritores, o catalisador “enantiodromia” fez o máximo para levar meu cérebro a uma espiral enquanto caía pela rampa plutônica dessas 17 faixas.

Uma fusão de compostos em pedaços, fundindo fragmentos inteiros, peneirando entre os díspares para o holístico, deixado com pedaços fumegantes de alma. O álbum se desintegra apenas para ressurgir nesses momentos de unidade, seja na forma de leviandade de uma diminuição da tensão ou momentos contrastantes, às vezes permitindo ao ouvinte refúgio na interconexão de um lazer experimental, logo recebido com uma explosão de chama negra helenística. Este fluxo triunfante, mas severo, sugere a verdade mais imortal da jornada:

a marca consistente da diferença acrescenta apenas à semelhança em uníssono de um determinado objeto. Quando um empurra o outro, ele mergulha para áreas a princípio diferentes, agora familiares, marcando o território assim trilhado, e a decisão, finalmente, morta.

Mas não tema isso como um inibidor para os desbravadores definitivos à frente, pois essa perda em si logo se torna familiar, e a tragédia imediatamente se torna valiosa, o revés pioneiro! Não há perda nos caminhos feitos para a frente. É absolutamente vital para novos trabalhos evitar completamente o respeito pela convenção e quebrar os grilhões da tradição; o novo deve ser enfrentado de frente, sem um segundo de hesitação. E aqui? Mitochondrion não vacila.

Álbum do ano, de longe.

Autechre - Tri repetae (1995)

Tri repetae (1995)

Autechre

Uma das primeiras coisas que você pode notar ao ouvir o álbum Tri Repetae de Autechre de 1995 é o quão inacessível ele parece. Em muitas das músicas, bipes e guinchos ásperos cortam a paleta sonora diversa, fazendo você questionar se os sons são parte da música ou se eles realmente sinalizam seu detector de fumaça ou mesmo o alarme do carro disparando ao fundo. É um caso frequentemente barulhento, sempre caótico. Um ditado por sons de estática de TV e guinchos agudos de mosquitos. Eu sei que muitas pessoas gostam de rotular Tri Repetae como frio, deprimente e calculado, mas aos meus olhos é exatamente o oposto. Claro que soa robótico e claustrofóbico, mas também há uma vibração inegável que emana do disco. Pense em "incompleto sem ruído de superfície", como indicado pelas capas das edições físicas. Não é uma revelação superficial, no entanto, em vez disso, conforme as músicas lentamente descascam suas muitas camadas, encontro uma sensação de calor e emoção dentro delas.

À primeira vista, o disco parece semelhante ao que pessoas ligeiramente perturbadas, que realmente não se depararam com nenhuma música popular de dança, podem esperar que o gênero soe. E sim, o que o álbum realmente exige do ouvinte, para começar a entender seu conteúdo, é uma sensação de distanciamento do mundo exterior, uma fuga para pensamentos pessoais e confusos. Não precisa ser no dia seguinte ou mesmo no mesmo mês, mas uma exploração subsequente das músicas estranhamente atraentes em Tri Repetae é uma necessidade absoluta. Porque depois de um tempo, isso começa a se aproximar de você. Os sons que você inicialmente descartou como abrasivos, desconexos e completamente estranhos começam a desenvolver uma qualidade emocional. Os sons das máquinas começam a soar humanos.

Ao ouvir o disco na íntegra, você verá 10 estados de espírito e ambientes únicos, cada um ligado a uma música específica, moldados por estruturas de forma livre que entram em colapso e se reconstroem com a ondulação da maré. Os ritmos de padrões de bateria pouco ortodoxos são perfurados com precisão, procedendo a sangrar sob a pele para desligar o sistema nervoso central. Dance se quiser, ou fique parado com os olhos vazios. De qualquer forma, não importa, os robôs farão de você um deles eventualmente. É fácil ficar hipnotizado pelos tambores fortes do Clipper e flashes de interferência estática, que são tão cheios de vida, frustrando a atmosfera agourenta criada pelo acompanhamento de sintetizadores complexos que percorrem toda a mixagem. As progressões instáveis ​​no destaque Leterel fornecem o modelo perfeito para uma dança excêntrica e escalonada, e conforme a música muda para um conjunto de passos eternamente caindo em direção ao seu fim, há uma catarse evidente a ser descoberta. Stud e Eutow depois fornecem emoções e excitação por meio de seus respingos reverberantes que são então engolidos inteiramente pela estranha serenidade que é transmitida por Gnit e Overand. Realmente há muito o que amar e mergulhar nas músicas, nunca sendo vítima das armadilhas da estagnação e familiaridade.

Tri Repetae apresenta um futuro que ainda não experimentamos. Um definido pelas noções de ordem, perfeição e processos sistemáticos. O que Autechre propõe é a antítese disso, demonstrando uma rebelião sutil que revela um mundo que não é necessariamente desprovido de humanidade. Conforme você se assimila à multidão de peças móveis, se tornar outra engrenagem na máquina pode ser tão significativo quanto a livre expressão no comprimento de onda certo. Os sons das máquinas não apenas começam a soar humanos, você começa a encontrar aqui uma companhia que pessoas reais nunca poderiam rivalizar. Se isso é um pensamento assustador ou não, é algo que você tem que decidir por si mesmo.

Tyler, the Creator - Chromakopia (2024)

Chromakopia (2024)

Tyler, the Creator

Tyler, the Creator pretende que Chromakopia torne o mundano poético. Mas e aqueles que ficam em casa e trabalham? Para aqueles que não saem de casa a menos que seja para estocar ingredientes para wrap de frango ou para entediar o pouco tempo livre que têm com o Call of Duty que induz à raiva. Essa não é a maneira de ouvir esta última peça do chefe dinâmico e cromado. Sente-se no espaço vago do seu escritório em casa e deixe os medos e maravilhas risíveis de Tyler, the Creator tomarem conta de você. Aventurar-se ao ar livre com este álbum, contemplar todo o seu excesso no carro ou quando estiver refletindo sobre experiências cotidianas, é a chave. Para combiná-lo com suas tarefas do dia a dia. Esta é a intenção e parte do brilhantismo encontrado em Chromakopia. Respeito pelo ouvinte acionado corretamente. 

Não precisamos reduzir nosso sono com uma espera à meia-noite. Em vez disso, torne o horário das nove às cinco palatável. Chromakopia pede honestidade. Tempo. Chromakopia não é apenas sobre reposicionar como consumimos música ou arte, mas abalar as fundações. Por que um lançamento de sexta-feira? Qual o propósito de lançar uma pilha do tamanho de um aterro sanitário em um dia? Podemos escolher, mas o resto estará podre quando chegarmos lá, os restos de discurso para aqueles que se importam completamente insalváveis. Escolha dois ou três dos seus lançamentos mais interessantes e siga em frente. Mais artistas estão querendo desafiar isso. Precisamos que eles tenham sucesso. Um lançamento de segunda-feira de um dos maiores artistas do mundo é um movimento tão ousado quanto a música encontrada em Chromakopia. A abertura St. Chroma não perde tempo nenhum nesta fascinante construção de mundo. Vocais sussurrados com a marcha militarista percorrem um longo caminho na extensa construção de mundo aqui. Essas pisadas nunca diminuem. Nem a luz e a esperança são ouvidas nesta abertura.  

Ele sangra bem nas tensões e turbulências de Rah Tah Tah, uma avaliação confiante de quem é Tyler, o Criador, a persona pública e a pessoa por trás de Chromakopia sangrando uma na outra. Chromakopia brinca com a importância da imagem, do que significa estar escondido atrás da máscara e das camadas que um artista pode oferecer aos seus fãs. Seu verdadeiro eu está nas letras e em sua atitude, mas não em exibição. Essas sutilezas são um reflexo e defesa para Tyler, o Criador - o ofegar e a marcha que ressaltam os gostos de Noid parecem lampejos de uma vida antes da fama. No entanto, em todos esses terrores, nos momentos em que Tyler, o Criador olha por cima do ombro para ter certeza de que as sombras de seu passado não estão seguindo, vêm momentos calorosos como Darling, I. No renascimento artístico, vem uma retirada do que havia deixado gostos de Call Me if You Get Lost e Igor tão confusos. Recursos de escolha, instrumentais exuberantes e vocais de apoio em camadas fazem toda a diferença. 

Aqueles tons melosos e quase quentes, como pop, de Darling, I, são bem mantidos juntos e fornecem o lastro necessário para peças de autodúvida como Hey Jane. Este é o momento definidor de Chromakopia. Meteórico em seu desafio e desejo de ter sucesso e lutar contra o fracasso. Você é seu pior inimigo e o choque de autoestima em I Killed You, essas dúvidas crescendo de partes inesperadas de nossas vidas, são o que devemos matar. Como fornecemos um antídoto para esses medos? Este arranhão e lamento contra nós mesmos. Judge Judy chega lá. Nunca se esqueça de suas raízes. Podemos nos virar e seguir em frente para pastos mais verdes, mas onde começamos é o que nos forma. Sticky destaca isso - a descrença de onde viemos e onde terminamos é uma obra maravilhosa, cheia de bebês chorando, backing vocals e o leve ruído de helicópteros à distância. Tudo isso se junta como os sons do passado, sobre os quais Tyler, the Creator é claro. Isso não nos define. Como reagimos é o que forma o futuro. 

Chromakopia sugere um mundo que criamos. O indivíduo vive em sua própria experiência, e tudo o que podemos fazer é olhar para aqueles que achamos que somos melhores do que ter sucesso. E, no entanto, é aqui que podemos fazer as pazes. Take Your Mask Off nos implora para revelar o que desejamos, tudo com o pano de fundo de uma batida de sintetizador retrô. O que queremos nunca é sem pecado e a sexualização aberta encontrada nas letras de Tyler, the Creator consegue andar na ponta dos pés em torno dos gemidos usuais do gênero e em um choque terno. Os problemas pós-parto e as duras realidades, o lado mais sombrio do mundo do qual nos protegemos com esses personagens e máscaras, tudo faz parte da construção do mundo de Chromakopia. Não importa como você faça isso, Tyler, the Creator implora que você encontre seu verdadeiro eu. Descompacte as camadas de ironia e medo que você construiu ao longo das décadas e descubra o que o faz funcionar.  

Momentos delicados são o momento decisivo para Chromakopia. Suas melhores partes não estão nas arestas ou nas alegrias brutais de um homem espiralando em um mundo de sua própria criação, mas nas músicas onde ele ressurge no mundo real. Podemos mergulhar fundo em nossa psique, mas Tyler, o Criador nos convoca a sermos obstinados. Não caia nos tropos usuais da vida. O estabelecimento ouvido em Tomorrow é apenas um dos muitos exemplos dessas pressões que empurram Tyler, o Criador e, por extensão, aqueles que se encontram nesta música, mais para dentro de seus mundos. Há conforto ali e desconforto de uma experiência honesta e muitas vezes terna, ocasionalmente acústica, em Chromakopia. É sua oferta de álbum mais completa e sincera porque depende de experiências e medos pessoais - todos mapeados com tanta fluidez lírica e emocional que cada música é um deleite, mesmo com o ponto áspero se projetando. Vá para a guerra consigo mesmo e veja quem sai vitorioso. Chromakopia é um hino tremendo para a reinvenção pessoal e uma oferta sincera de Tyler, o Criador. 

Haley Heynderickx - Seed of a Seed (2024)

Seed of a Seed (2024)

Haley Heynderickx

um álbum que parece uma memória essencial presa em uma bola de cristal; como uma lembrança de Natal que foi mantida em um sótão e abandonada por anos e anos, e recuperada como uma cápsula do tempo de filosofias mortas e melodias encantadoras que foram compostas para serem esquecidas, mas elas permanecem na mente e retornam à existência, poderosas como um fogo que simplesmente não pode ser apagado. parece um dia descalço no campo, como uma chuva que acalma o calor escaldante, e tudo isso é apenas o poder da energia do álbum, sem nem mencionar as belas letras que heynderickx traz à vida absoluta da maneira mais natural possível.

o álbum realmente não percorre territórios desconhecidos para o artista; Ela tem uma fórmula que funciona e honra sua marca com uma música mais pastoral, bucólica, rural e, no geral, hipnotizante, tão poderosa quanto frágil e íntima - às vezes, parece uma trilha sonora secreta de ontem , e às vezes parece os pensamentos e crenças mais sombrios de alguém, e você tem certeza de que alguns deles nunca deveriam ver a luz do dia, mas graças a Deus que viram; porque Haley Heynderickx não é mais uma maravilha de um álbum só. Citando Sharon Van Etten; "As pessoas dizem que sou uma maravilha de um sucesso só, mas o que acontece quando tenho dois ?"

Fievel Is Glauque - Rong Weicknes (2024)

Rong Weicknes (2024)

Fievel Is Glauque

Às vezes, tenho um gosto musical tão estranho. É quase como o equivalente musical do discurso da Barbie de America Ferrera sobre ser mulher: "Quebre o molde com suas progressões de acordes, mas não fique muito dissonante. Não se concentre nas letras, mas se as letras forem terríveis ou cafonas, estou fora. Expresse-se, mas não muito, há uma linha entre música e teatro musical. O jazz é maravilhoso, mas vá com calma nos instrumentos de sopro de vez em quando. A fusão do jazz é maravilhosa, mas não fique muito grandiosa para suas próprias habilidades. Mantenha a simplicidade, mas mantenha a estética da complexidade: não me entedie."

Flaming Swords me impressionou, mas não atingiu o ponto certo. Para mim, havia um pouco de jazz demais e não havia escrita e instrumentação direta e simples o suficiente para o que eu estava procurando. Um pouco vocal-jazz demais para a instrumentação, ou era um pouco simples demais para o jazz vocal? Cara, às vezes sou um chato. Saí disso com mais problemas com meus ouvidos do que com Flaming Swords em si; sou muito difícil de agradar hoje em dia? Sou muito "já ouvi isso antes" velho para curtir um grupo fazendo boa música?

Rong Weicknes responde a essa pergunta enfaticamente: não, é possível fazer algo tão bom nessa estranha veia de jazz fusion/composição popular que eu fico chocado e sem palavras enquanto ouço, sorrindo e compartilhando músicas no Discord, reclamando sobre como há muitos álbuns bons este ano e como este eclipsa vários lançamentos de primeira linha em 2024 e, ah, aqueles outros álbuns ruins, eles também precisam de amor! Fievel e Glauque criam essas melodias maravilhosamente harmonizadas, mexem com acordes interessantes para a esquerda e para a direita e então deixam o espaço entre elas ser preenchido com uma execução virtuosa de... tipo, todo mundo . Ninguém fica no frio para não se exibir , todo o grupo recebe o que merece. É uma fórmula que se espalha por todo o álbum e é algo que eu realmente não ouvi de nenhum grupo como este no passado. Há um equilíbrio tão bom entre o rápido e o calmo, o estranho e o terreno aqui, misturado em um acorde jazz-pop de perfumista mestre "todo mundo poderia fazer isso, mas ninguém faz elegantemente o suficiente para funcionar". E

sim, funciona aqui; quase bem demais! Exclusivamente assim! É como se eles tivessem enfiado quinze agulhas e cruzado minhas próprias linhas pessoais em minha experiência musical com um tipo de graça e confiança que você não esperaria de uma música tão introspectiva. Como se Frank Zappa relaxasse na biblioteca por um tempo e tocasse seus esquetes mais suaves depois. Se Esperanza Spalding tirasse férias de quatro semanas em Bora Bora.Se o Stereolab corresse 100 metros rasos. Se o Thundercatpassou por fissão binária, produziu uma banda de oito integrantes e fixou residência em Copenhague. Isso me faz pensar no que teria acontecido se eu tivesse continuado na música. "Eu teria feito isso", digo a mim mesmo, refletindo sobre o futuro do som organizado e meu lugar hipotético nele. Não, eu não faria. Vamos lá. Mas está aqui para mim e meus fones de ouvido. É o suficiente, eu acho.