A história de… « Hotel California » (EAGLES)

 

“A perfeição não se deve ao acaso”

Esta declaração de abertura foi feita por Glenn Frey, no lançamento de Hotel California em 1976, comentando sem falsa modéstia o trabalho realizado naquele que permanecerá aos olhos da maioria das pessoas como o mais talentoso dos álbuns dos Eagles. E a história da faixa-título – esta memorável canção de abertura que servirá de parâmetro para a construção de todo o álbum – confirma este tipo de aforismo para um artista exigente, o que poderia ter sido um epitáfio adequado para o seu falecido autor.

Todo mundo provavelmente sabe que a ideia por trás da música que se tornaria “Hotel California” veio de Don Felder. Como sempre, o guitarrista enviou a Glenn Frey e Don Henley uma série de demos, ideias de músicas submetidas ao seu bom senso. Era um método de trabalho comprovado dentro do grupo, e o ex-guitarrista Bernie Leadon, após a chegada de Felder, recomendou que seu amigo cumprisse as regras em vigor entre os Eagles. Os dois líderes naturais do grupo estavam abertos às ideias dos seus parceiros, mas a finalização das composições - melodias e letras - era domínio exclusivo deles, e o sucesso crescente do grupo provou que a receita funcionava perfeitamente.

Felder, portanto, gravou cerca de quinze demos. Entre essas ideias, essas progressões e variações diversas e um tanto erráticas, uma chamou particularmente a atenção de Frey e Henley: “Reggae Mexicano”, para usar os termos pelos quais Henley inicialmente designou a peça. Esta demo de Felder continha tanto a introdução do arpejo quanto o memorável solo final que não mudaria muito no momento da gravação final - Felder chegou a afirmar que Henley teria exigido que este solo fosse reproduzido de forma idêntica à demo, nota por nota; mas de acordo com outras versões, Joe Walsh também teria contribuído com sua pedrinha para a construção na última parte da justa de guitarra entre Felder e ele, esse formidável solo do qual o produtor Bill Szymczyk dirá que foi um dos grandes destaques de sua carreira.

Henley e Frey partiram, portanto, com um começo e um fim. Só faltou encontrar uma melodia e uma letra. A temática do hotel californiano será trazida por Frey, que quis construir uma história estranha, inspirada nos ambientes da série televisiva “A Quarta Dimensão”. Durante mais de quatro décadas, a exegese das palavras foi muito longe, com alguns comentadores até a afundarem-se no delírio completo. Nunca seremos realmente capazes de explicar cada uma das palavras cujo significado oculto sem dúvida divertiu Glenn Frey e Don Henley por muito tempo, mas certas passagens encontraram uma chave credível na própria boca de seus autores.

Baseando-se principalmente nestas falas: “Eles o apunhalam com suas facas de aço, mas simplesmente não conseguem matar a fera” , alguns construirão a lendária e sempre repetida metáfora da desintoxicação, vendo nas facas de aço (facas de aço) o agulhas usadas por viciados em drogas. Se a toxicodependência dos membros dos Eagles nesta altura é um autêntico segredo aberto, a explicação destas falas de Glenn Frey foi mais simples e inocente: estas “facas de aço” na realidade apenas esconderiam um regresso do elevador e uma aceno amigável ao grupo Steely Dan que, na música “Everything You Did”, se divertiu mencionando o nome dos Eagles de forma mais explícita.

Muito mais tarde, Don Henley dará algumas indicações sobre o significado geral dado às músicas do disco:

“Quase todos os nossos álbuns refletem os nossos comentários sobre o mundo da música e sobre a cultura americana em geral. O próprio hotel pode ser visto como uma metáfora não apenas para a construção do mito californiano, mas também para o sonho americano. Nos Estados Unidos, existe uma linha tênue entre sonho e pesadelo. »

E para especificar, a propósito da sua famosa canção: “É uma viagem da inocência à experiência” . Tema que mais tarde retomou a solo com “The End Of The Innocence”.

O sucesso de “Hotel California” como single, o próprio Don Felder não acreditou. As rádios sempre foram poderosos instrumentos de formatação, e uma música de 6 minutos e meio, começando e terminando com partes instrumentais, parecia ter poucas chances de convencer os programadores. A gravadora tentará obter uma versão abreviada da banda e de Bill Szymczyk, pedido ao qual se oporão categoricamente. A força da peça será mais poderosa que as absurdas regras comerciais das estações de rádio, e Felder rapidamente se alegrará por ter errado.

Como acabámos de ver, a perfeição desta peça não se deve, de facto, ao acaso. Por trás desta canção, cujo 50º aniversário em breve poderemos comemorar, por trás desta melodia, destas letras fascinantes e destes arranjos requintados que o público ainda não esquecerá, está o enorme trabalho colectivo que as Águias deixaram de realizar. desde seus primórdios. A música “Hotel California” é de certa forma a consagração disso.

A historia de « The Ballad Of John And Yoko » (THE BEATLES)

Em 20 de março de 1969, John Lennon casou-se com a artista de vanguarda Yoko Ono, com quem compartilhou sua vida por cerca de um ano. Depois de uma estadia bem divulgada em Amsterdã para protestar contra a guerra do Vietnã, John, durante a lua de mel, escreveu uma canção narrando suas aventuras pela Europa. De volta a Londres, ele o levou a Paul McCartney e o propôs como o próximo single dos Beatles. O entusiasmo de John é tanto que ele insiste que seja gravado o mais rápido possível. Paul compreende a importância deste título para o seu amigo, então num tumulto mediático entre as suas declarações políticas e as suas ações inconformistas que escandalizam a ainda muito decente sociedade burguesa dos anos 60, e concorda em ajudá-lo. George Harrison estando no exterior e Ringo Starr muito ocupado com as filmagens de The Magic Christian , John e Paul serão, portanto, apenas duas pessoas para gravar "The Ballad Of John And Yoko", John tocando guitarra solo além da guitarra base, Paul tocando bateria além do baixo (e alguns compassos de piano). Duas posições que cada um deles já ocupou ocasionalmente.

O que os dois ausentes pensam disso?

" Sem problemas. » diz Ringo “Em 'Why Don't We Do It In The Road' éramos apenas Paul e eu e a música foi lançada com o nome de Beatles. Isso não representou um problema para mim. Além disso, a bateria está, claro, em ''The Ballad Of John And Yoko''. »

“Também não me incomodou não estar registrado. » acrescenta George “''The Ballad Of John And Yoko'' não me preocupava. Se fosse The Ballad Of John And George And Yoko, eu teria tocado nela. »

Talvez para compensar, é o excelente “Old Brown Shoe” de George (contendo todo o grupo) que servirá como Lado B.

Esta colaboração entre Paul e John, que todos descrevem como estando em desacordo neste momento, especialmente devido a um desentendimento sobre a gestão da Apple Records, prova que a tensão entre os dois amigos não é tão dramática como as pessoas gostariam que os jornalistas acreditassem. . As fitas das sessões mostram-nos brincando, mesmo que a despreocupação do início tenha desaparecido.

Musicalmente, o título é carregado por um único acorde no violão (que só varia durante o refrão) pontuado por uma linha de baixo repetitiva, minimalista e pesada. A guitarra elétrica interage com os vocais em um estilo entre Country Rock e Blues Rock. Desde o final do intervalo cantado, a voz de Paul apoia a de John em harmonia, relembrando a simbiose que houve na primeira parte da carreira dos Beatles. Cada verso nos leva por parte da jornada dos noivos: Southampton, Paris, Gibraltar (onde se casam), Amsterdã, Viena e de volta a Londres.

“Parece uma balada antiquada. » John dirá “É apenas a história do nosso casamento, das nossas estadias em Paris e Amsterdã e tudo mais. É ''Johnny B. Escritor de brochura''. »

Uma passagem, porém, incomoda Paulo. Este “Cristo!” » em forma de interjeição que abre o refrão, que termina com “eles vão me crucificar” . O baixista, que conhece o lado provocativo de seu amigo, sente que não pode deixar de criticar a controvérsia dos Beatles sobre "mais popular que Jesus", que literalmente incendiou a América. Temendo que isso acrescentasse lenha ao fogo, ele tentou, sem sucesso, fazer com que ela mudasse as palavras. Aceitando finalmente que as coisas permanecem como estão, notaremos que cada vez que ele deixa João sozinho para cantar o “Cristo!” » , mesmo que o acompanhe no “vão me crucificar” . A relutância de Paulo não era infundada. Se o título não causa clamor como a declaração de 1966, ainda é censurado nas rádios americanas, o que sem dúvida fará com que o título não chegue ao número 1 lá como na Inglaterra (o último single do grupo a obter este lugar).

ROCK ART

 

CAPAS DE DISCOS - 1957 Here's Little Richard - Little Richard

 

LP EUA - Registros Especiais - SP 100.

Contracapa.

Disco, lado 1.

Disco, lado 2.

Marca os lados 1 e 2.

CAPAS DE DISCOS - 1957 New Sounds - Mickey and Sylvia

 

LP EUA - Vik - LX 1102.

Mickey Baker e Sylvia Vanderpool (também conhecida como Sylvia Robinson)

Contracapa.

Disco, lado 1.

Disco, lado 2.

Marca os lados 1 e 2.

CAPAS DE DISCOS - 1957 Gene Vincent And the Blue Caps - Gene Vincent And the Blue Caps

 

LP EUA • Capitol Records • T-811.

Promoção.

Contracapa.

Disco, lado 1.

Disco, lado 2.

Marca os lados 1 e 2.

Review: Ghost - Prequelle (2018)

 

Em seu quarto disco, o Ghost intensifica uma característica que sempre esteve presente em sua música: o apelo pop. E isso não é demérito algum, pois ele é construído através de melodias fortes, refrãos pegajosos e uma aura de acessibilidade que contrasta de maneira direta com o discurso presente nas letras, que seguem explorando temas sombrios e demoníacos.

Prequelle foi lançado dia 1 de junho e é o sucessor de Meliora (2015). A mudança de direção, que não foi brusca, já havia sido antecipada nos dois EPs liberados anteriormente pela gangue de Papa Emeritus (agora rebatizado como Cardinal Copia), os ótimos If You Have Ghost (2013) e Popestar (2016), que trouxeram covers de nomes como ABBA, Depeche Mode, Echo & The Bunnymen e Eurythmics, além da inédita “Square Hammer”. Ao trazer o pop para a sua música, o Ghost apenas resgata uma característica inerente ao heavy metal. Ou você não lembra de hits grudentos como “Paranoid”, “Enter Sandman” e “Fear of the Dark"?

O fato é que Prequelle é um dos trabalhos mais sólidos do Ghost e talvez seja o que contém o tracklist mais redondo. As dez músicas do disco mostram um desfile de ótimas ideias, com tudo no lugar e nenhum exagero, bem como nenhuma delas soa desnecessária. Há os destaques imediatos, como as grudentas “Rats" e “Dance Macabre”, que desde já devem marcar presença permanente nos shows do sexteto. O aspecto mais contemplativo da banda vem à tona com a bela “Pro Memoria”, dona de uma linha de piano de arrepiar, e o encerramento com a igualmente transcedental “Life Eternal”. 

E no meio do processo ainda há espaço para o metal bem NWOBHM de “Faith" e para duas faixas instrumentais absolutamente sensacionais. “Miasma" é um exemplo da extrema musicalidade da banda sueca, com direito até a um improvável solo de sax Gavin Fitzjohn. E em “Helvetesfonster" temos a presença ilustre de Mikael Akerfeldt, do Opeth, na guitarra acústica, em mais um exemplo de como Cardinal Copia e sua turma são bem relacionados com a nata da música pesada. Além disso, a passagem de piano que essa composição contém demonstra a qualidade acima da média dos instrumentistas da banda.

Prequelle mostra o Ghost dando um grande passo para fora do nicho do heavy metal, em uma decisão inteligente, muito bem executada e, ao que tudo indica, permanente. Em todos os aspectos trata-se de um disco excelente, com qualidade de sobra para transformar a banda em um fenômeno de popularidade em todo o mundo. E o que é melhor: isso irá acontecer embalado por música de inegável qualidade.

Review: Outros Bárbaros - Outros Bárbaros (2018)

 

Não há muita referência ao rock produzido em Florianópolis fora dos limites da Ilha da Magia e de Santa Catarina. O que é uma injustiça, já que a capital catarinense possui uma cena musical bastante interessante, apesar de pouco conhecida no resto do Brasil.

Alguns dos principais nomes dessa cena uniram forças em uma nova banda que chegou, literalmente, chegando. O Outros Bárbaros é formado por Maurício Peixoto (vocal e guitarra), Roberto Bez (piano elétrico, órgão e sintetizador), Eduardo Lehr (baixo) e Quinho Mibach (bateria). Um quarteto experiente e com passagem por bandas como Aerocirco, Papo Amarelo, Eletrolíticos e Os Berbigão. 

O primeiro disco, auto-intitulado, chega mostrando uma banda madura e pronta, como era de se esperar. São dez faixas redondas, incluindo uma versão para “A Pílula Certa”, gravada anteriormente pelo Aerocirco. O que o grupo entrega é um pop rock muito bem feito, com melodias fortes, letras com discurso claro e refrãos pegajosos, como o bom pop deve ser. E, no meio disso tudo, influências de MPB, soul e blues que tornam a sonoridade ainda mais rica e interessante.

Outros Bárbaros, o disco, está cheio de canções prontas para caírem na boca de quem gosta de boa música. São várias faixas com enorme potencial para virarem hits, o que só atesta a grande capacidade de composição do quarteto, tendo Maurício Peixoto à frente, o autor de todas as faixas. A produção é outro acerto, dando à banda uma sonoridade atual e orgânica, pulsante e bastante dinâmica. A maneira como o piano elétrico, o órgão e os sintetizadores são encaixados nas canções faz com que um bem-vindo acento de psicodelismo permeie a música do grupo.

Entre as faixas, destaques para a linda “O Que Eles Querem”, que critica de forma inteligente a acensão do pensamento conservador e de direita que assistimos todos os dias no Brasil. Essa música possui uma letra muito bem escrita e um arranjo que mostra o imenso potencial do Outros Bárbaros. Além disso, gostei muito também do pop grudento de “Afasto de Mim” e “Areia e Pó", o blues “Amor Delinquente”, “Cimento, Ferro e Caos”, “Dias Ruins” e “Não Há” - como disse, o disco soa como uma coleção de hits prontos.

O álbum será lançado nos apps de streaming dia 12 de junho e banda planeja um financiamento coletivo para o segundo semestre, para que cópias físicas possam ser produzidas. Basta ouvir o álbum para não pensar duas vezes: vale a pena fazer com que o Outros Bárbaros chegue aos ouvidos de todo mundo que ama a música.

Review: Idris Muhammad - Power of Soul (1974)

 

Em 13 de novembro de 1939 nascia em Nova Orleans, no estado norte-americano da Lousiana, um dos maiores bateristas da história do jazz. Batizado como Leo Morris, o músico entrou para a história como Idris Muhammad, nome que adotou ao se converter ao islamismo durante os anos 1960.

O pequeno Leo vivia batucando pela casa, e bem precocemente, com apenas 8 anos de idade, começou a tocar bateria. Aos 16 já integrava algumas big bands em Nova Orleans, cidade berço do jazz e dona de uma riquíssima tradição musical. O talento de Idris, somado ao balanço único que imprimia ao seu som, fez sua reputação crescer rapidamente.

Entre 1962 e 1964, firmou-se como um dos mais inovadores bateristas da soul music, participando de discos de ícones do gênero como Sam Cooke, Jerry Butler e The Impressions. A proximidade com a cena soul fez com que, em 1966, o baterista se casasse com Dolores “LaLa” Brooks, integrante do grupo vocal The Crystals, que alcançou bastante sucesso na primeira metade da década de 1960. Juntamente com Idris, Dolores também se converteu ao islamismo, adotando desde então o nome de Sakinah Muhammad. O casal teve quatro filhos – dois meninos e duas garotas -, e se separou em 1999.

De 1965 a 1967, Idris Muhammad tornou-se membro do grupo do saxofonista Lou Donaldson. Mais tarde, assumiu o posto de baterista da banda da casa do renomado selo Prestige, no período de 1970 a 1972, sendo figura fácil nos discos gravados pela companhia na época. Idris tocou também com Johnny Griffin (1978-1979), Pharaoh Sanders (durante a década de 1980), George Coleman, Groover Washington Jr. e na Paris Reunion Band (entre 1986 e 1988). A partir de 1995, começou a tocar e excursionar com o pianista Ahmad Jamal. Finalizando, vale mencionar que o baterista também tocou no clássico musical Hair.

Mas o ponto alto da longa carreira de Idris Muhammad é, certamente, o álbum Power of Soul, lançado em 15 de abril de 1974. Misturando jazz, funk e soul, Idris gravou um clássico indiscutível do fusion, um disco dono de um balanço irresistível e sensual, uma obra de arte que superou a prova do tempo.

Terceiro álbum solo do baterista, veio na esteira de Black Rhythm Revolution! (1970) e Peace & Rhythm (1971), LPs mais focados no jazz tradicional. Já em Power of Soul, a conversa é outra. Gravado ao lado do brother Grover Washington Jr. (saxofone), do tecladista Bob James, do guitarrista Joe Beck, do percussionista Ralph MacDonald, do trompetista Randy Brecker e do baixista Gary King, o disco é uma aula de groove, sensualidade, malícia e bom gosto.

O trabalho abre com a sua música mais conhecida, a sublime faixa-título, composta por Jimi Hendrix e presente, na sua versão original, em Band of Gypsys (1970) e também na compilação South Saturn Delta (1997). Visivelmente influenciado por Hendrix, Idris Muhammad comanda uma banda afiadíssima, responsável por um embalo hipnótico e pesado, que desconstrói a composição de Jimi e dá à ela uma nova cara, regada por interferências espertas de metais, baixo pulsante, teclados com características psicodélicas e uma guitarra que bebe sem pudor no poço sem fundo da obra do deus negro da guitarra.

O solo de saxofone de Grover Washington Jr. destaca-se não só pelo talento do instrumentista, mas também por trazer à tona outro gênio do jazz, o imortal John Coltrane. É impossível ouvir o sax de Washington em “Power of Soul” e não lembrar do Coltrane de A Love Supreme.

Mesmo quem nunca ouviu o disco irá reconhecer a faixa-título de Power of Soul, uma das músicas mais sampleadas da história, além de ter servido de trillha para inúmeros filmes e comerciais. Um clássico indiscutível, um funk de rachar o assoalho comandado por Idris Muhammad, que solta a mão sem dó em seu kit. Enfim, uma aula de ritmo e precisão!

Apenas a música de abertura bastaria para classificar Power of Soul como um disco fundamental na coleção de qualquer pessoa, mas o álbum tem muito mais. "Piece of Mind" se desenvolve em camadas sonoras que vão se entrelaçando, e traz grandes solos de Randy Brecker e Bob James. "The Saddest Thing" tem a guitarra de Joe Beck à frente, que serve como mestre de cerimônias para que cada um dos instrumentistas tenha o seu momento de brilho individual. A manhosa "Loran´s Dance" fecha o disco com melodias que descem dos céus e pescam os ouvintes com sutis manifestações que vão do teclado ao saxofone, da guitarra ao trompete.

Um senhor disco, dono de uma qualidade do mais alto grau, com o passar dos anos Power of Soul, além de solidificar a sua fama de clássico do groove e do balanço, foi elevado, pouco a pouco, ao status de uma das grandes obras do fusion. Esse reconhecimento é mais do que merecido, já que o que se ouve em suas quatro faixas é nada mais nada menos que um dos momentos mais sublimes e iluminados da história do jazz, do soul e do funk – enfim, um dos momentos mais celestiais da história da música.

Idris Muhammad faleceu em 29 de julho de 2014, aos 74 anos, em Fort Lauderdale, na Florida. Mas a sua música revive a cada pessoa que toma contato com sua obra pela primeira vez.

Review: Europe - Walk the Earth (2017)

 

O Europe é daquelas bandas com fases bem distintas em sua carreira. Quando surgiu nos anos 1980, o quinteto sueco alcançou a fama mundial com um hair metal repleto de teclados, músicas grudentas e todos os clichês do gênero, cujo ápice se deu em seu terceiro disco, o multiplatinado The Final Countdown (1986). A banda deu um tempo em 1992 e retornou apenas onze anos depois, em 2003, lançando um novo álbum em 2004, Start from the Dark.

A partir da pausa, a história passou a ser outra. Os hits melodiosos como “The Final Countdown” e “Carrie” ficaram no passado e o quinteto começa a explorar outra sonoridade, muito mais madura e atraente. A aproximação com ícones como Deep Purple e Led Zeppelin é facilmente perceptível na nova fase do Europe, que hoje faz um hard rock que honra a tradição gloriosa do estilo e bebe também em outras fontes de inspiração dos anos 1970.

Walk the Earth, lançado em outubro de 2017 e disponível em edição nacional pela Hellion Records, é o sexto disco da fase atual. E, como de habitual, é um excelente trabalho. Com 10 músicas em pouco mais de 40 minutos, trata-se de um álbum conciso e com canções bastante fortes, onde o destaque é, com o perdão da repetição, a onipresente maturidade mostrada pela banda. 

O novo Europe apresenta uma forte influência de blues, uma pegada que remete ao Purple clássico e também um clima épico que vem direto da banda de Jimmy Page. Tudo isso embalado com extremo bom gosto e amarrado pela imensa capacidade técnica dos músicos. O resultado não poderia ser outra que não um delicioso disco de rock com grandes riffs, ótima pegada e um punhado de fortes canções.

Caso você ainda associe o Europe a The Final Countdown, a dica é bem simples: ouça Walk on Earth e os álbuns mais recentes dos suecos e tenha uma agradável surpresa.