MUSICA&SOM

segunda-feira, 17 de março de 2025

Review: Beyond the Black - Lost in Forever (2017)

O Beyond the Black é uma banda alemã de metal sinfônico com toques de power metal. O grupo foi formado em 2014 na cidade de Mannheim e conta com Jennifer Haben (vocal), Chris Hermsdörfer (guitarra), Tobi Lodes (guitarra), Jonas Robner (teclado), Stefan Herkernoff (baixo) e Kai Tschierschky (bateria). Neste curto período, o sexteto já lançou dois discos: Songs of Love and Death (2015) e Lost in Forever (2016).

Este último acaba de sair no Brasil em uma edição totalmente nova, com quatro faixas a mais. Liberado originalmente em fevereiro de 2016, Lost in Forever ganhou uma Tour Edition em 2017, e é esta versão que a Hellion trouxe para o Brasil. Entre ambas, além das músicas bônus, temos uma capa diferente.

Com enorme sucesso na Alemanha, onde alcançou o quarto posto nas paradas, o Beyond the Black se caracteriza por uma música bastante acessível, com leves toques de metal sinfônico e sem o uso dos característicos vocais operísticos tão comuns ao gênero. Ou seja, não temos aqui nada similar ao Nightwish e afins, mas sim uma música bem menos pomposa e muito mais direta, ainda que carregada com enormes doses de melodia e bastante fácil de assimilar. Em alguns momentos, a sensação de estarmos ouvindo um pop metal não fica muito distante do ouvido, e acho que isso ajuda a explicar a boa performance do grupo nas paradas.

A alternância entre a voz de Jennifer e os guturais de Chis permeia as composições, assim como a inserção de timbres mais atuais de teclado e um belo trabalho de guitarras, notadamente na sonoridade destas últimas. Há leves pitadas de gótico aqui e ali, mas, de modo geral, o que sai dos alto-falantes é uma música extremamente acessível e indicada apenas para os fãs do estilo.

Entre as faixas, destaque para a canção que dá título ao trabalho e para “Rage Before the Storm”, hino oficial do festival Wacken Open Air.

Se você curte um metal sinfônico com enorme pegada pop, vai curtir o trabalho desta banda alemã.

Review: Thaíde - Vamo que Vamo que o Som Não Pode Parar (2017)

Altair Gonçalves é uma lenda do hip-hop brasileiro. Poucos artistas possuem uma carreira tão longeva quanto ele. Seja na música ou na TV, Thaíde se transformou em um dos maiores ícones do rap brasileiro, e com justiça. Dos tempos ao lado do parceiro DJ Hum, com quem gravou discos que ajudaram a desbravar a sonoridade do hip-hop tupiniquim e a apresentar o estilo a toda uma geração, até a sua carreira solo, o que não falta pra Thaíde é história.

Vamo que Vamo que o Som Não Pode Parar foi lançado em junho e é o seu novo álbum solo. O disco vem na sequência do mega hit “Sr. Tempo Bom”, lançado ao lado de Hum em 2000 e que extrapolou o público do gênero. Em seu novo disco, o rapper mantém a mesma pegada de sua canção mais conhecida, apostando na maioria das faixas em um discurso saudosista e que relembra momentos marcantes de sua trajetória e da cultura na qual está inserido. Esta escolha contrasta com a pegada lírica dos dois principais nomes do rap brasileiro atual, por exemplo: Emicida entrega letras repletas de contundentes críticas sociais e Criolo vem com sua ironia e acidez brilhantes.

Musicalmente, o que temos também mostra outra abordagem. Seguindo fiel à sua trajetória, Thaíde vem com bases repletas de balanço e que bebem no funk e na música dançante setentistas, sempre com muita melodia e deixando em segundo plano as batidas focadas quase que exclusivamente no ritmo tão comuns ao hip-hop contemporâneo.

Tudo isso faz com que Vamo que Vamo que o Som Não Pode Parar seja um disco leve e divertido, com um alto astral onipresente. Além disso, trata-se de um álbum de fácil assimilação, característica potencializada pela inegável simpatia de Thaíde. As participações especiais de nomes como Kurtis Blow, Rodriguinho, Marcelo D2 e outros torna o CD ainda mais delicioso, agregando muito ao resultado final.

No fim das contas, o que temos é um trabalho que não pretende mudar o rumo de nada e nem se tornar um divisor de águas. A pegada low profile de seu protagonista está em todas as canções, entregando um trabalho muito agradável musicalmente falando e que deixa uma ótima mensagem após sua audição.

Parabéns pelo belo trampo, Altair!

Brainticket - Cottonwoodhill

A capa interna original do LP avisa: "Depois de ouvir este disco, seus amigos podem não te conhecer mais" e "Ouça isto apenas uma vez por dia. Seu cérebro pode ser destruído!"

Mantenha isso longe de menores de idade e pessoas emocionalmente instáveis.

Cottonwoodhill me deixou com um gosto de lisergia demais... um martelo no cérebro... o outro álbum (Pysconauta, eu acho)... tinha um gosto mais parecido com Golem... Valeu, cara... Forzaaaaaaaaa

Nicolau Bramon

Cottonwoodhill é um álbum extremamente interessante, perturbador e "depravado" que tem uma graça especial para explodir sua mente desde o começo, mas TENHA CUIDADO, isso só funciona se você começar essa aventura sonora a partir da faixa 03 ( Brainticket Parte Um ), porque as últimas 3 músicas do álbum formam uma suíte DEMECIAL que é simplesmente um turbilhão de 1000 sensações. A suíte Brainticket é uma loucura de proporções épicas que dura 38 minutos e 29 segundos, desde o início é um non stop de emoções que giram na loucura do Krautrock e na exploração do ácido em proporções generosas, a performance é insana, experimental e dark, e nela apreciamos um som denso que é sobrecarregado com mil e um dispositivos sonoros que vão do barulho de um vidro quebrando aos gritos de um chimpanzé, TUDO isso é um delírio de uma música que deixa a bunda embrulhada e que logo de cara até te faz rir alto de euforia pelo quão extrema ela é dentro de suas linhas. As outras duas músicas são mais relaxadas, o nível experimental ali não cobre tudo, e dá para ouvir muito bem, já que seu ritmo é suportável e menos "freak", embora "Places Of Light" pudesse ser uma introdução perfeita para aquela suíte maluca, de qualquer forma... se você começar a aventura sonora do jeito tradicional "o hit" não será tão forte. Portanto, você tem duas maneiras de ouvir esta obra. De minha parte, sempre preferi ir direto ao ponto, porque é aí que está o charme do álbum, a verdadeira essência do que ele representa e transmite. É um álbum que nos leva por caminhos infinitos de uma forma extrema a ponto de enlouquecer.

As impressões do caso para este trabalho foram muito positivas. O tempo passou e o álbum continua tão "doente" quanto a primeira vez que o ouvi; nada, ou quase nada, mudou; ele continua intacto e imponente, e devo dizer que retornar a ele foi uma experiência fascinante e exaustiva. Com esta nova "visita" ao trabalho de Brainticket pude encontrar ainda mais detalhes em sua performance. É um álbum que sempre nos dá algo novo a cada releitura. Nunca deixamos de nos surpreender com uma performance tão colossal. É uma obra atemporal que mantém sua essência, conseguindo produzir um êxtase brutal. Funk, música eletrônica antiga, ruído, psicodelia, krautrock e posturas de vanguarda se infiltram nesse pastiche sonoro delirante que penetra na sua cabeça como uma furadeira. Não há mais palavras para descrever a sensação de ouvir essa estreia magnífica, o CULT está presente em cada groove e a visão que a banda tem é simplesmente selvagem, original e de alguma forma talvez um dos discos mais psicodélicos da história . Em suma, um álbum recomendado para quem quer se aventurar nos reinos do rock progressivo com tons de vanguarda ou do Krautrock mais divertido. Seja qual for o caminho que seguirem, tenho certeza de que encontrarão êxtase neste trabalho ao se aprofundarem em um pesadelo tão lisérgico. NÃO INICIADOS FIQUEM LONGE.

Minidata:
*A banda foi fundada em 1968, dissolvida em 1975 e reagrupada entre 1980-1983 e novamente em 1998.

*O Brainticket nasceu basicamente de um grupo de jazz dos anos 60 com o tecladista belga Joel Vandroogenbroec. Conforme a história foi sendo feita, a banda se tornou um projeto de talento visionário.

*O mito urbano diz que o barulho das janelas quebrando junto com a interferência da polícia foi um registro real e exato de um assalto em uma farmácia próxima ao local, não sei até que ponto isso é confiável, às vezes as lendas exageram as coisas, mas é isso que faz o álbum atingir o status de CULT e ele respira CULT em cada groove, desde a capa, o que por si só já diz muito sobre o conteúdo do álbum.

*Para a gravação do álbum, a banda foi composta por Ron Bryer na guitarra, Werner Fröhlich no baixo, Helmuth Kolbe nos teclados, Cosimo Lampis na bateria, Dawn Muir nos vocais, Wolfgang Paap na percussão, Werni Prahlach no baixo e Joel Vandroogenbroeck nos teclados, flauta e vocais.

01. Black Sand
02. Places of Light
03. Brainticket Parte Um
04. Brainticket Parte Um: Conclusão
05. Brainticket Parte Dois

CÓDIGO: @

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Vytas Brenner - La Ofrenda de Vytas Brenner

A ideia por trás de La Ofrenda, de Vytas Brenner, parece ter sido a aplicação de técnicas testadas e comprovadas do rock progressivo convencional às formas musicais tradicionais venezuelanas. A inclusão de Jesús Chinchilla em instrumentos de percussão clássicos e venezuelanos diferencia o álbum de tentativas mais "folk progressivo com muitos teclados", enquanto o próprio Vytas Brenner prova ter uma mão delicada com os teclados. É um experimento fascinante que pode não te surpreender como as bandas de prog de primeira linha apresentadas neste site, mas definitivamente vale a pena ouvir e é uma boa introdução às tradições musicais sul-americanas que geralmente não eram adotadas pelas bandas de prog da época.

Uma fusão étnica progressiva e animada com um toque teatral - a capa do LP reflete muito bem seu conteúdo. Uma audição muito divertida, embora às vezes grandiosa.

A oferta de Vytas Brenner: uma peregrinação à sacralidade do som

No início da década de 1970, quando o rock progressivo estava alcançando proporções cósmicas na Europa e na América do Norte, uma revolução sonora diferente estava se formando na América Latina, uma que não olhava para as estrelas, mas para as montanhas, rios e tambores da Terra. Na Venezuela, um alquimista do som chamado Vytas Brenner elevou sua oferta musical: uma sinfonia mestiça onde a modernidade dialoga com o ancestral, onde o Moog e o bandolim conversam com a harpa e o cuatro, e onde a alma de um país inteiro bate em ritmos inusitados.

Brenner, um nômade de sangue alemão e espírito crioulo, viajou pelo mundo com uma formação acadêmica impecável, mas seu destino não estava no público europeu. A Venezuela, com sua geografia exuberante e folclore indomável, o chamou de volta. E ele respondeu com um ato de fé musical. Com La Ofrenda (1973), seu primeiro testamento sonoro, Brenner não apenas desafiou os cânones do rock progressivo, mas também reinventou a linguagem da música venezuelana, elevando-a a dimensões sinfônicas sem perder sua essência telúrica. Mas The Offering não é apenas um álbum. É um portal. Em seus sulcos vivem a brisa dos Andes, o pulso frenético de Caracas, a sabedoria dos ancestrais e o delírio da experimentação. É uma ponte entre dois mundos: o acadêmico e o popular, o elétrico e o acústico, o terreno e o espiritual. Um manifesto de identidade em tempos de mudança. Assim nasceu La Ofrenda, um álbum que não se escuta: se vive.

Impressões pessoais: A Oferenda como adoração eterna

Vytas Brenner, músico e compositor venezuelano de origem alemã, proporciona uma experiência musical hipnótica em La Ofrenda, uma viagem por paisagens sonoras coloridas e vibrantes, onde a fusão do rock progressivo e do folclore latino-americano atinge uma beleza incomum. Este álbum é uma verdadeira manifestação do art rock, não só pela sua elegância, mas pela forma natural como desenvolve sua proposta. Seus arranjos primorosos e a forma como combina elementos elétricos e acústicos fazem dela uma obra fundamental no desenvolvimento do rock progressivo sul-americano. Mais do que apenas um exercício instrumental, La Ofrenda lançou as bases para uma nova abordagem do folk-prog na região, servindo de inspiração para uma nova geração de músicos que buscam explorar as raízes latino-americanas dentro de estruturas progressivas.

A experiência de ouvir este álbum é intensa e imersiva. Desde o início, Vytas Brenner constrói um universo sonoro majestoso, cheio de mudanças rítmicas, texturas luminosas e arranjos meticulosos que encantam o ouvinte. Há uma sinergia fascinante entre o tradicional e o vanguardista, entre o místico e o terreno. Sua capacidade de transmutar sons nativos em uma nova visão do folk progressivo é surpreendente. Ao longo do álbum, as composições fluem com uma naturalidade orgânica, sem cair na rigidez do academicismo ou na pretensão excessiva. Este é um álbum cult iminente, uma peça essencial para qualquer amante do rock progressivo e da música que transcende gêneros e fronteiras. É uma obra repleta de virtude, paixão e criatividade sem limites que continua a ressoar fortemente décadas após seu lançamento. Se há um álbum que resume a magia do folk-prog latino-americano no seu melhor, é La Ofrenda. Até mais.

01. Morrocoy

02. Ofrenda de Miguel
03. Tormenta de Barlovento
04. Frailejón
05. La Sabana
06. Tragavenado
07. Araguaney
08. Canto de Pilón

CODIGO: @

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Biagio Antonacci – Inaspettata (2010)

Biagio Antonacci nasceu em Milão, Itália, em 9 de novembro de 1963. Enquanto estava no ensino médio, ele e seus amigos Marco, Mauro e Massimo formaram sua primeira banda chamada “Falchi Junior”, onde ele tocava bateria. Em 1988, entre as novas propostas, participou da 38ª edição do Festival de Sanremo com a canção Voglio vivere in un attimo . Obteve seu primeiro contrato discográfico e em 1989 lançou seu primeiro álbum, “Sono cose che capitano” . Cantor, compositor e autor, é um dos melhores artistas da música italiana atual.

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Há alguns dias foi lançado o novo álbum de músicas inéditas de Biagio Antonacci , e aqui o apresentamos.
Uma mistura de rock e baladas de grande tradição italiana em um trabalho bem diferente de seus álbuns recentes, com a colaboração de três arranjadores: Celso Valli, Michele Canova Iorfida e Guido Style . Há até um dueto com a cantora inglesa Leona Lewis , embora o primeiro single retirado do álbum seja “Se fosse per sempre” .

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Biagio Antonacci – Todo En Español (2010)

Em 2009, Biagio Antonacci havia gravado quatro álbuns para o mercado de língua espanhola, mas nenhum deles era inteiramente em espanhol. O primeiro foi “Antes de Todo”, publicado na Espanha em 1996 com 9 canções cantadas em espanhol e 3 canções cantadas em italiano e incluía um dueto com Sergio Dalma; O segundo álbum chamado “Biagio” foi lançado na Espanha, também em 1996, mas com selo francês, com 4 músicas em espanhol e 8 músicas em italiano. O terceiro álbum se chama “Iris” e foi lançado também na Espanha em 1999, com 4 músicas em espanhol e 11 em italiano e inclui as músicas do álbum italiano “Mi fai stare bene” além de outras versões em espanhol. O quarto álbum chamado “Cuanto tiempo… y ahora” foi publicado no México em 2003, contém 9 músicas em espanhol, entre elas o dueto com Laura Pausini “Entre Tú Y Mil Mares” e 5 em italiano. Todos esses álbuns, até onde eu sei, estão fora de catálogo.
Em 2009, foi lançado o álbum “Minhas Canções em Espanhol”, que reúne 15 músicas retiradas de álbuns anteriores.
Queríamos fazer nossa própria compilação pessoal com vinte faixas e com nossa própria arte, esperando que vocês gostem.

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Lista de faixas:

01. Liberame
02. Iris
03. No Se A Quien Debo Creer (duo con Sergio Dalma)
04. Si Ella, Si Yo
05. Antes De Todo
06. Eres
07. Como Tantos En El Mundo
08. Danza Sobre Mi Pecho
09. Tan Deprisa No
10. Hasta El Amor
11. Flores
12. Cuanto Tiempo Y Aun Sigues
13. No Me Hablas Tu
14. Si Tu Estás
15. Dejame Irme De Aquí
16. Dos Palabras
17. Los Momentos Que No Volverán
18. Que Diferencia Ves
19. Vuelvo A Amar
20. Entre Tú Y Mil Mares (con Laura Pausini)

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Bernie Taupin – He Who Rides The Tiger (1980)

Este foi o primeiro LP de Bernie após sua separação de Elton John no final dos anos 1970. Ele se juntou ao ex-guitarrista do Buckinghams, Dennis Tufano, para escrever e cantar nove músicas originais, junto com Richie Zito na guitarra elétrica, Kenny Passarelli no baixo, Joey Carbone nos teclados e Carlos Vega na bateria. Os músicos convidados incluem: Jay Graydon, Steve Lukather, David Hungate, David Foster, Jai Winding, Jeff Porcaro, Tommy Funderburk, Bill Champlin, Tom Scott... e a lista continua. Elton também aparece na faixa de apoio de “Love (The Barren Desert)”.

O letrista por trás de muitos dos sucessos pop mais memoráveis de Elton John, Bernie Taupin nasceu em 22 de maio de 1950, na zona rural de Lincolnshire, Inglaterra. Filho de uma família de fazendeiros, sua principal influência musical foi "Gunfighter Ballads", de Marty Robbins, marcando o início de um fascínio ao longo da vida pelo oeste americano, que surgiu como um tema recorrente em todo o seu trabalho de composição.

Taupin deixou a escola aos 16 anos para trabalhar em um jornal local, seguido por uma temporada em uma granja de galinhas; Aos 17, ele respondeu a um anúncio da Liberty Records em busca de novos talentos e, embora a gravadora tenha recusado, o executivo de A&R Ray Williams sugeriu que ele se juntasse ao aspirante a cantor e compositor Reg Dwight, que meses depois adotou o nome Elton John.

Embora a dupla logo tenha começado a compor para a Dick James Music, eles inicialmente colaboravam exclusivamente por correspondência e só se encontraram pessoalmente depois de quase meio ano de parceria; Os primeiros esforços foram gravados por cantores pop, incluindo Lulu, Roger Cook e Brian Keith…
O resto é história!

Companheiro de viagem: Christian

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Lista de faixas:

01. Monkey on My Back (The Last Run)
02. Born on the Fourth of July
03. Venezuela
04. Approaching Armageddon
05. Lover's Cross
06. Blitz Babies
07. Valley Nights
08. Love (The Barren Desert)
09. The Whores of Paris

Bernardo Baraj Quinteto – Almita (1995)

Bernardo Baraj é o melhor saxofonista da Argentina. Ele foi um dos músicos estáveis da mítica Cueva de Pueyrredon, (local onde nasceu o movimento rock argentino) e foi Sandro quem o sugeriu integrar sua banda e assim compartilharam quatro anos de intensa atividade, viajando em turnês por todo o país, participando também de inúmeras gravações.

Influenciado pela linguagem de John Coltrane , incorporou aos seus instrumentos o saxofone soprano, pouco utilizado pelos músicos da época, e junto com o trompetista Gustavo Bergalli , o contrabaixista Adalberto Cevasco e o baterista Nestor Astarita, formou o Cuarteto Buenos Aires, o primeiro grupo de free jazz que causou uma verdadeira surpresa na cena local.

Junto com Litto Nebbia, forma o grupo Cuarteto Contemporáneo del Sur . Em 1978 foi convidado por Luis Alberto Spinetta para fazer parte de seu primeiro projeto solo, a Banda Spinetta , com quem compartilhou um ano de atividade criativa. Um ano depois formou o grupo La Banda com Rubén Rada e Jorge Navarro .

Integrou o grupo do bandoneonista Dino Saluzzi , tocou na Orquestra Permanente do Teatro Colón e, em 1985, formou o Trio Vitale-Baraj-González , referência incontornável da música popular argentina.

Em 80 formou seu próprio quinteto com o qual gravou três CDs, alternando esta atividade com outras formações, sendo a que hoje apresentamos o segundo deles, editado em 1995. O álbum foi produzido por Litto Nebbia e gravado em Buenos Aires entre 1994 e 1995, e reúne composições próprias, inspiradas no jazz ( “Almita”, “Rapública 123”, “Obsesión” ou “Re-cordis” ) com um repertório que inclui o tango ( “Tu” ), o folclore argentino ( “Pan de Dios…”, “Batallando con la arena” ), e até clássicos da música latino-americana “Recuerdos de Ypacaraí” , ou o bolero “Solamente una vez” magistralmente montado com “Amor en paz” de Antonio Carlos Jobim.

Um álbum realmente ótimo , totalmente fora de catálogo (irracionalidade das gravadoras…).

Músicos:

Bernardo Baraj: sax tenor, sax soprano, flauta
Gustavo Llamgot: piano, teclado, backing vocals
Miguel Cuchietti: baixo elétrico
Marcelo Baraj: bateria, backing vocals
Mariana Baraj: vocais e percussão

Convidados:

Litto Nebbia: teclado, violão e arranjos em “Solamente una vez”
Domingo Cura: bateria e pratos em “Zamba enamorada”
Fernando Galimani: contrabaixo em “Zamba enamorada”, “Los presos de Bragado” e “Re-Cordis”

Lista de faixas:

01. Solamente una vez / Amor en paz
(Agustín Lara) ( Antonio Carlos Jobim)
02. Almita (A mi nieta Alma)
(Bernardo Baraj)
03. Republica 123
(Bernardo Baraj)
04. Zamba enamorada
(Bernardo Baraj)
05. Recuerdos de Ypacaraí
(Z.de Mirkin y Demetrio Ortiz)
06. Batallando con la arena
(recopilación de Leda Valladares)
07. Obsesión
(Bernardo Baraj)
08. Pan de Dios… Jamón del Diablo
(Gustavo Liamgot)
09. Los presos de Bragado
(Bernardo Baraj)
10. Tu
(José Dames)
11. Re-Cordis
(Bernardo Baraj)
12. Canción de libertad
(Gustavo Liamgot)

Benito Madonia & Antonio Forcione – Vento del Sud (2000)

Benito Madonia nasceu na Sicília em 1953 e, aos 13 anos, começou sua carreira como músico (baterista, cantor, guitarrista). Aos 28 anos, ele gravitou em direção aos gêneros blues, R&B e clássico de sua cidade natal, Nápoles. A fusão desses grandes estilos musicais o inspirou a escrever seu próprio material.

Antonio Forcione nasceu em 1960 e é um fenomenal guitarrista italiano que começou sua carreira em 1983 e gravou vários álbuns com vários músicos, além dos seus próprios, que sempre apareceram nas paradas de jazz. Seu estilo de tocar lhe rendeu o apelido de “O Jimi Hendrix do violão acústico ” .

Após conhecer o guitarrista Antonio Forcione, Madonia gravou seu primeiro CD, produzido pelo selo londrino “Naim Label”. Ambos compartilham o amor pela música do sul da Itália, onde cresceram, então não foi difícil combinar guitarra e vocais para criar este álbum verdadeiramente maravilhoso.

O álbum conta com a participação de Rossanna Casale em “La Canzone di Marinella” de Fabrizio de André .