- Hans-Jürgen Klein / lead vocals, guitars - Peter Schneider / keyboards & back vocals - Christopher Struwe / drums & back vocals - Theo Labs / bass - Cyrill Stoletzky / keyboards
1. I don't understand (8:15) 2. Threads of Reality (8:04) 3. Lost in Reverie (9:15) 4. Ulysses Rollercoaster (10:25) 5. Plenty of Gold (11:57) 6. Sometimes (incl. Something completely different) (11:22) 7. March for Love (9:09)
1. I Don't Understand (3:17) 2. A Flat Ten (2:14) 3. Hard Currency (3:50) 4. Underwater Experiences (10:20 Version) (2:15) 5. Unrepentant (4:56) 6. Fishes Bones (3:02) 7. Brio (3:37) 8. Trash/Treasure (5:07) 9. In the Art of Stopping (2:46) 10. Re-Invent Your Second Wheel (3:45) 11. Oklahoma (3:05) 12. No Warning Given (5:24) 13. Sleep-Walking (7:27) 14. Four Long Years (3:45) 15. German Shepherds (10:20 Version) (4:28) 16. Clay (3:12) 17. Sleep on the Wing (2:57) 18. Forward Position (4:48) 19. 23 Years Too Late (9:43)
O Wire foi formado em 1976 em Watford, Inglaterra, e após se separar em 1980, se reformou três vezes. Eles consistem em Colin Newman (vocal, guitarra), Graham Lewis (vocal, baixo) e Robert Grey (também conhecido como Robert Gotobed; bateria). O guitarrista fundador Bruce Gilbert saiu em 2004. Em 2008, Margaret Fielder McGinnis do Laika se juntou à banda como guitarrista de turnê, mas em 2010 foi substituída por Matt Simms.
O Wire é considerado uma banda definitiva e altamente influente de art punk e pós-punk, devido ao seu som ricamente detalhado e atmosférico e temas líricos obscuros. Eles se desenvolveram constantemente de um estilo de noise rock inicial para um som mais complexo e estruturado, envolvendo maior uso de efeitos de guitarra e sintetizadores. A banda ganhou reputação por experimentar arranjos de músicas ao longo de sua carreira.
A estreia de Elton John foi produzida em 6 de junho de 1969 no Reino Unido e na África do Sul. No Japão ao ano seguinte, a partir de aqui fui aparecendo em diferentes paises, não lançado nos EUA até o 13 de janeiro de 1975, com diferentes portadas, assim como na Espanha (lo de la portada, porque aqui se publicou em 1977. Grabado durante o inverno de 1968 e a primavera de 1969 em um estúdio de 8 faixas de DJM, Empty Sky é o único álbum da primeira parte de sua carreira que não foi produzido por Gus Dudgeon, mas foi dirigido pelo amigo e membro do DJM Steve Brown.
John toca o clavicórdio em várias faixas, incluindo "Skyline Pigeon", que John descreveu como "a primeira canção que Bernie e eu nos emocionamos com o que escrevemos". John usou músicos que eram amigos de Brown. O guitarrista Caleb Quaye e o baterista Roger Pope, ambos membros da banda Hookfoot naquele momento, tocavam em muitas das pistas. (Quaye e Pope se reuniram com John uns anos mais tarde como parte de seu estúdio e banda de gira depois de Rock of the Westies em 1975 e Blue Moves em 1976.) Tony Murray de The Troggs tocou o fundo. Empty Sky foi a primeira aparição de John de Plastic Penny e o membro do Spencer Davis Group, Nigel Olsson, que tocou a bateria em "Lady What's Tomorrow?" (Olsson e seu companheiro de banda Spencer Davis, o bajista Dee Murray, logo se juntaram a John como sua banda de princípios dos 70.) Também figuraram nos créditos de produção de Clive Franks, mais tarde coproduziam outros álbuns como A Single Man ou 21 at 33.
1 - Empty Sky
2 - Val-Hala
3 - Western Ford Gateway
4 - Hymn 2000
5 - Lady What's Tomorrow
6 - Sails
7 - The Scaffold
8 - Skyline Pigeon
9 - Gulliver-Hay Chewed-Reprise
Bonus (1995)
10 - Lady Samantha
11 - All Across The Havens
12 - It's Me That You Need
13 - Just Like Strange Rain
(Elton John-Bernie Taupin)
Piano, órgão, piano elétrico, clavecín - Elton John
Esta é a estreia de Chuck Berry em LP, o que não quer dizer em absoluto que foram suas primeiras gravações. Na verdade, apenas dois dos temas do álbum ("Roly Poly" e "Berry Pickin'") não foram editados em single antes de lançar o LP. A primeira foi "Wee Wee Hours", cara B de "Maybellene" em julho de 1955, que alcançou o 10º lugar nos EUA. Em setembro do mesmo ano apareceu "Together We Will Always Be", cara B de "Thirty Days". "No Money Down" e "Down Bound Train" apareceram juntos em outro single em dezembro. A cara B de "Roll Over Beethoven", de maio de 56 ("Drifting Heart") também foi incluída no LP, assim como seu próximo single completo de septiembre-56 ("Too Much Monkey Business" b/w "Brown Eyed Handsome Man"), com grande sucesso nas listas (#4 e #5). "Havana Moon", cara B de "You Can't Catch Me", foi lançado em novembro de 1956. O último single incluiu "School Day (Ring Ring Goes the Bell)" b/w "Deep Feeling", em março de 1957.
As músicas de After School Session foram tomadas das primeiras cinco sessões de Berry para Leonard e Phil Chess. "Wee Wee Hours" foi lançada pela primeira vez em 21 de maio de 1955. "Together (We'll Always Be)" foi gravada em setembro de 1955. Na sessão seguinte, em 20 de dezembro de 1955, Berry gravou "Roly Poly" (também conhecido como "Rolli Polli"), "No Money Down", "Berry Pickin'" e "Down Bound Train". A terceira sessão foi em 16 de abril de 1956, quando gravou "Too Much Monkey Business", "Brown Eyed Handsome Man" e "Drifting Heart". "Havana Moon" foi gravada em 29 de outubro de 1956. A última sessão ocorreu em 21 de janeiro de 1957, quando gravou "School Days" e "Deep Feeling".
Pues vayamos com o terceiro LP desta banda americana (ya sabres que Dewey Bunnell, Dan Peek e Gerry Beckley eram filhos de pessoal da Força Aérea dos EUA destinados a Londres, que foi o local onde realmente se formou a banda, e até mesmo Bunnell nasceu na Gran Bretaña). No final, americanos ou ingleses, o certo é que ele havia dado a tecla em seus dois primeiros álbuns (ambos platino). No entanto, este disco lançado pela Warner Bros. Records em 1973 teve um sucesso modesto nos EUA. O álbum produziu um símbolo de menor sucesso, "Muskrat Love", que alcançou o número 67 na lista de símbolos da Billboard e o número 11 na lista de adultos contemporâneos. Essa música foi convertida em um grande sucesso para Captain e Tennille três anos depois. A canção do título do LP é a única canção escrita pelos três membros da América e tem uma duração incomum para os temas habituais do trio: 8:29.
Em sua crítica ao Allmusic, Mike DeGagne escreveu que o álbum fracassou " principalmente porque as músicas cuidam das melodias cordiais do folk-rock e da composição inteligente que prevaleceu nos lançamentos anteriores. "She's Gonna Let You Down" e "Rainbow Song" são as melhores cortes do álbum, mas as ofertas banais como "Green Monkey", "Willow Tree Lullaby" e "Molten Love" fizeram com que Bunnell e Peek se tornassem rumbo, soando obsoleto e musicalmente débil" . Bom, talvez não seja tudo o que aconteceu com o Sr. DeGagne, se é certo que o trabalho é um declive claro em relação ao que havíamos ouvido até agora... mas a história continua.
1. "Muskrat Love" (W.A. Ramsey)-3:06
2. "Wind Wave" (D. Bunnell)-2:55
3. "She's Gonna Let You Down" (G. Beckley)-3:41
4. "Rainbow Song" (D. Bunnell)-3:53
5. "Submarine Ladies" (G. Beckley)-3:13
6. "It's Life" (D. Peek)-4:00
7. "Hat Trick" (G. Beckley, D. Bunnell, D. Peek)-8:29
8. "Molten Love" (D. Bunnell)-3:10
9. "Green Monkey" (D. Bunnell)-3:38
10. "Willow Tree Lullaby" (D. Peek)-2:34
11. "Goodbye" (G. Beckley)-3:10
Gerry Beckley - guitarras, teclados, voz principal e coros
Dewey Bunnell - guitarras, voz principal e coros
Dan Peek - guitarras, teclados, voz principal e coros
The Graduate é um álbum com as músicas da banda sonora do filme de Mike Nichols, com muitas músicas de Simon & Garfunkel, bem como várias peças instrumentais de Dave Grusin. Lançado em 21 de janeiro de 1968, o álbum foi produzido por Teo Macero. Apesar de o álbum apresentar duas versões da aclamada "Mrs. Robinson", nenhuma é a versão completa tal como aparece em Bookends. A primeira é instrumental, e a outra é mais curta, com um fade-out como o que acontece no filme.
O álbum possui versões diferentes também do resto dos temas de S&G: "April Come She Will", "The Big Bright Green Pleasure Machine" e "Scarborough Fair/Canticle", esta última em duas versões distintas do álbum Parsley, Sage, Rosemary & Thyme, a primeira recortada e instrumental, a segunda cantada das vezes com um intermediário de flauta no meio. Curioso sobre o instrumental Whew, firmado por Dave Grusin, já que meu modesto entender o firmante deveria ser outro, já que é uma mistura de arranjos de temas de Paul Simon.
Cara 1 1. "The Sound of Silence" - 3:06 2. "The Singleman Party Foxtrot" (D. Grusin) - 2:52 3. "Mrs. Robinson" - 1:12 4. "Sunporch Cha-Cha-Cha" (D. Grusin) - 2:53 5. "Scarborough Fair/Canticle/Interlude" (Tradicional, arranjado por P. Simon, A. Garfunkel) - 1:41 6. "On the Strip" (D. Grusin) - 2:00 7. "April Come She Will" - 1:50 8. "The Folks" (D. Grusin) - 2:27
Cara 2 1. "Scarborough Fair/Canticle" (Tradicional, arranjado por P. Simon, A. Garfunkel) - 6:22 2. "A Great Effect" (D. Grusin) - 4:06 3. "The Big Bright Green Máquina de Prazer"-1:46 4. "Ufa" (D. Grusin)-2:10 5. "Sra. Robinson"-1:12 6. "The Sound of Silence"-3:08 (Autor de todos os temas, exceto referências, P. Simon)
Pues um disco desses diferentes é de The Claypool Lennon Delirium que acaba de recomendar ao meu irmão. A dupla é formada por Les Claypool, bajista e vocalista do grupo Primus e Sean Lennon, neste momento liderando The Ghost Of A Saber Tooth Tiger. Originalmente concebido em 2015, com Claypool sabia que Primus teria um ano de descanso (depois de uma gira junto com The Ghost of a Saber Tooth Tiger e Dinosaur Jr.) e sabia também que Sean Lennon não planejaria outro projeto para o ano seguinte. Comenzaron a tener ideas de fazer um disco de rock progressivo, psicodélico, da velha escola e Claypool convidou Lennon para sua casa para beber vinho e colocar em marcha algumas ideias. No transcurso de seis semanas, ele escreveu e pegou um total de dez canções com ambos compartindo responsabilidades vocais e instrumentais, e mais allá de seus instrumentos básicos de baixo e guitarra e que culminou com o lançamento de seu primeiro álbum de estúdio, Monolith of Phobos.
O complemento é um link para um artigo muito interessante de Antonio Montana na Eclectic Electric Magazine
1."The Monolith of Phobos"4:40
2."Cricket and the Genie (Movement I, The Delirium)"3:52
3."Cricket and the Genie (Movement II, Oratorio Di Cricket)"4:16
4."Mr. Wright"4:21
5."Boomerang Baby"5:48
6."Breath of a Salesman"3:27
7."Captain Lariat"6:00
8."Ohmerica"5:08
9."Oxycontin Girl"5:03
10."Bubbles Burst"4:10
11."There's No Underwear in Space" (Instrumental)3:27
Os dois últimos discos do Stone Sour colocaram a banda em um outro patamar. A dobradinha House of Gold & Bones teve a primeira parte lançada em 2012 e a segundo em 2013, e apresentou o auge criativo do grupo de Corey Taylor. Com canções fortes e inúmeros singles, alavancaram o Stone Sour para um ponto até então inédito em sua carreira.
Quatro anos mais tarde, temos Hydrograd. O sexto trabalho do quinteto acaba de ser lançado e vem com força para conquistar mais corações e mentes. Produzido por Jay Ruston, o disco marca a estreia do guitarrista Christian Martucci e do baixista Johnny Chow,que assumiram os postos de Jim Root (parceiro de Corey no Slipknot) e Rachel Bolan (aquele mesmo do Skid Row).
Hydrograd vem com nada mais nada menos do que quinze faixas, totalizando mais de 65 minutos de música. E traz a banda indo por dois caminhos: refinando a sua mistura cada vez mais bem feita de metal com hard rock, mas também experimentando novas sonoridades. O que chama a atenção de saída é o derramamento constante de riffs, com as guitarras fazendo um excelente trabalho - Josh Rand é o parceiro de Martucci. Taylor segue com a capacidade intacta de equilibrar agressividade com acessibilidade, entregando linhas cheias de melodia e mostrando o quão versátil é a sua voz.
Temos desde porradas como “Knievel Has Landed” e “Whiplash Pants”, que mostram a pegada violenta da banda e aproximam o som do universo do Slipknot, até o outro lado da moeda, com canções fortes e que cativam de imediato como “Song #3”, “Fabuless" e a faixa-título. Aliás, esse trio talvez seja o ponto mais forte do disco, com uma sequência que demonstra o alto grau de inspiração do grupo.
No que tange às experimentações, a que mais chama a atenção é o flerte com o country e o southern rock na bela “St. Marie”, cheia de melancolia e inegavelmente desde já uma das grandes canções da carreira do quinteto.
Em diversos aspectos, o Stone Sour intensifica a sensação que ficou com os dois volumes de House of Gold & Bones: a banda é, hoje, muito mais interessante do que o próprio Slipknot. A variedade de sonoridades exploradas abre a gama de opções e oferece mais diversidade musical não apenas para os ouvintes, mas principalmente para os músicos. Corey Taylor é, como todo mundo sabe, um vocalista muito acima de média, e ao cantar sem os guturais habituais de seu bando de mascarados mostra mais uma vez a qualidade de sua voz. Outro que merece destaque é o baterista Roy Mayorga, com batidas precisas e a inserção constante de viradas que alteram a dinâmica das faixas.
Um ponto que depõe um pouco contra o disco é a sua duração excessiva. Um foco um pouco maior, com algumas faixas a menos, deixaria o trabalho ainda mais eficiente. Apesar de que, após quatro anos sem material inédito - com exceção dos dois EPs de covers lançados em 2015 -, duvido que algum fã irá reclamar disso.
Hydrograd segue mantendo o Stone Sour na ascendente. Ainda que inferior aos dois discos anteriores, é um dos trabalhos mais fortes e maduros da banda e, sem dúvida, um dos principais álbuns de música pesada do ano de 2017.
Com o lançamento de seu segundo disco, a pergunta é inevitável: afinal de contas, o Royal Blood é tudo isso mesmo? A resposta é simples e direta: ao que parece, sim.
Ainda que não seja tão pesado e cativante quanto o auto-intitulado álbum de estreia liberado em 2014, How Did We Get So Dark? tem mais acertos do que erros. O novo trabalho da dupla Mike Kerr (vocal e baixo) e Ben Thatcher (bateria e percussão) muda um pouco o foco ao deixar em segundo plano o peso monolítico e a onipresente influência de Black Sabbath e apostar em uma variedade de influências mais ampla, que se traduz em uma pegada pop que caminha por todo o disco.
Isso faz com que harmonias, contrapontos e artifícios do tipo ocupem o espaço que era todo da interação entre o baixo e bateria no primeiro álbum. Há acertos (“Lights Out” tem uma enorme influência de Queens of the Stone Age e é contagiante) e derrapadas (“Look Like You Know” é bem fraquinha), mas a experimentação por novas possibilidades era inevitável neste segundo disco.
A produção, a cargo da própria banda e da dupla Tom Dalgety e Jolyon Thomas, é exemplar e entrega uma sonoridade cheia e gorda, como convém a um duo que tem como elementos principais o baixo e a bateria. O instrumental segue não tendo nada de muito elaborado mas funciona bem, enquanto Kerr mostra evolução nos vocais, inserindo até uns falsetes pelo caminho (ouça “She's Creeping”).
No final, o que conta mesmo é que o debut veio com um número muito maior de músicas fortes e que cativavam à primeira audição. Em How Did We Get So Dark? há uma inegável perda neste aspecto, com poucos momentos de brilho (a música que dá nome ao disco, a sensacional “Lights Out”, "I Only Lie When I Love You", “Hole in Your Heart” e “Sleep”, com uma pegada meio The Black Keys), mas uma sadia tentativa e ambição em inserir uma maior variação às composições, o que, em se tratando de um duo (onde a limitação faz parte do próprio formato), é sempre bem-vindo.
Respondendo a pergunta do primeiro parágrafo: o Royal Blood é uma boa banda, com potencial para crescer muito nos próximos anos. O foco no pop tirou um pouco da força do grupo, mas os caras continuam valendo a pena.
Na estrada desde o início da década de 2000, o Suco Elétrico é mais uma banda que ratifica a fé na nova geração do rock produzido no Rio Grande do Sul. Se o Futuro Permitir, novo disco do quarteto, saiu em 2016 mas só agora chegou aos meus ouvidos. Então, vamos a ele.
O grupo é formado por Alexandre Rauen (vocal e bateria), Fernando Drunk (baixo), K.C.O. Lino (guitarra) e Eduardo Schuler (bateria), e faz um hard rock que consegue unir a pegada e o peso do gênero com batidas um pouco mais, digamos assim, dançantes. Mas não um dançante tipo Frank Ferdinand, longe disso. O trabalho de bateria vem na linha de Phil Rudd, responsável pelos beats clássicos do AC/DC.
Ainda que algumas matérias tenham classificado o Suco Elétrico como stoner, esse rótulo passou longe dos meus ouvidos. O que senti é uma banda com os dois pés fincados nos arquétipos do rock and roll. Traduzindo: riffs sempre no comando, linhas vocais acompanhadas de muita melodia, refrãos bem inseridos e um onipresente ritmo pulsante.
Se o Futuro Permitir saiu em CD digipak e em LP pelo Selo 180 e traz dez faixas em 34 minutos. Ou seja: aqui não tem enrolação, não tem nada fora do lugar. É rock dos bons produzido por quem entende do assunto.
Falando nisso, a produção, a cargo de Marcelo Fruet, merece destaque, colocando a guitarra e o baixo na cara o tempo todo. O belo timbre vindo das seis cordas exala crueza e encontra o seu companheiro no já falado ótimo trabalho de bateria.
Entre as músicas, destaque para “Canção do Futuro” (de onde saiu o título do álbum), “Dragão”, a urgente “Relógio" e a rifferama de faixas como “Ao Contrário”, “Tênis” e “O Amor Gentil”.
Tá aí mais uma banda brasileira com um trabalho competente e cheio de personalidade, e que merece chegar aos ouvidos de todo mundo que é fã de rock.
