quarta-feira, 14 de maio de 2025

Free - Fire And Water (1970)

 

Para começar o dia, vamos apresentar um cruzamento entre o blues britânico dos anos 60 e o hard rock que dominaria os anos 70, gravado justamente naquele mesmo ano. O estilo deles é uma mistura sólida de hard rock com a alma do blues. Este álbum os catapultou para a fama, em parte graças ao mega hit "All Right Now", porém, reduzir o álbum a esse single seria um pecado capital, já que "Fire and Water" é uma obra de grande maturidade para um grupo cujos integrantes tinham pouco mais de 20 anos, impregnada de riffs potentes, uma base rítmica com muito groove, "Fire and Water" é o Free no seu melhor; Simplicidade, alma e execução impecável e, acima de tudo, música honesta, enquanto seu som simples permanece incomparável até hoje: sombrio, funky, influenciado pelos sons do soul americano, cheio de alma e rico. 

Artista: Free
Álbum: Fire And Water
Ano: 1970
Gênero: Blues rock
Duração: 36:35
Referência: Discogs
Nacionalidade: Inglaterra


A banda foi formada em 1968. Paul Kossoff, com sua guitarra cheia de alma e vibrato único, influenciou uma geração inteira. Andy Fraser, que tinha apenas 17 anos quando gravou isso, toca linhas de baixo que parecem ter saído de um cara que está na estrada há 40 anos... e a voz de Paul Rodgers, que é basicamente um instrumento por si só. Embora fossem bem jovens, esses músicos eram talentosos. Este álbum é um testemunho de quatro artistas no auge de suas carreiras, cada um dos quais acabou de completar 20 anos.

Este é o terceiro e melhor álbum deles, depois de 2 álbuns com pouquíssimas vendas. Mas vamos a um comentário decente nas próximas linhas...
   

Com dois ex-membros da banda inglesa de blues rock, Black Cat Bones, e um ex-membro da banda de John Mayall, não há nada menos que... o rei da cena de blues britânica. O Free tinha o germe do gênero em suas veias e todos os atributos para ser uma grande banda.
Com dois álbuns lançados anteriormente, a banda formada por Paul Rodgers (vocal), Paul Kossof (guitarra), Andy Fraser (baixo) e Simon Kirke (bateria), todos com cerca de vinte anos, lançou em junho de 1970 aquele que seria seu álbum de estreia. “Fire And Water” contém uma das canções lendárias da história do rock. “All Right Now”, uma música que já foi tocada em estações de rádio e televisão ao redor do mundo.
Terceiro álbum da banda após sua criação dois anos antes, seu título nos dá pistas sobre seu conteúdo. O antagonismo entre o ardente e o úmido certamente define perfeitamente o conteúdo do mesmo; equilíbrio, calma diante da tempestade, doçura diante da acidez. Temas variados em termos de abordagem musical e ritmo. Baladas versus blues rock animado.
Provavelmente há muitos fãs da banda que preferem outros álbuns por sua essência de blues ácido psicodélico em oposição à tranquilidade de algumas das músicas de “Fire And Water”. Por outro lado, há quem diga que o melhor álbum do Free foi produzido quando a banda ainda não tinha esse nome. Estou me referindo à banda criada depois que o Bad Company se separou em 1973, após lançar seu último álbum, "Heartbreaker". Juntando-se a Paul Rodgers e Simon Kirke estão o ex-membro do Mott The Hoople, Mich Ralphs, e o ex-membro do King Crimson, Boz Burrell. Todos eles lançaram seu álbum homônimo naquele mesmo ano, alcançando o primeiro lugar nas paradas americanas, um feito que não haviam alcançado com nenhum trabalho do Free. Com “Fire And Water” eles chegaram perto, alcançando o número 2 nas paradas britânicas.
Sem dúvida, muito desse sucesso se deve à semente de “Fire And Water”, e especialmente à música mais lendária da banda inglesa, “All Right Now”, graças à qual eles conseguiram triunfar no Festival da Ilha de Wight diante de mais de meio milhão de pessoas. Tudo é discutível.
“Fire And Water” contém outra música lendária da banda, “Mr. Big”. Só por esses temas o álbum merece um lugar de destaque no cenário musical, não apenas na Grã-Bretanha, mas no mundo todo. A banda nasceu na esteira de bandas como Cream. Um compromisso com o blues rock com toques ácidos. A música pesada mais clara aparece nos primeiros acordes da faixa-título. “Fire and Water”, começando com um poderoso riff de baixo de Fraser. Os pratos de Kirke, ao fundo, introduzem gradualmente os ritmos estudados de Kossof na guitarra, que se tornam verdadeiras facas quando ele assume o centro do palco. Enquanto isso, Rodgers, à sua maneira, ofusca a ótima performance de seus companheiros com seu vibrato particular, trazendo sentimento e poder à música. O próprio Rodgers confessou que estava pensando em Wilson Picket quando o escreveu.
Seus lamentos serão sempre lembrados. Estamos diante de um dos melhores cantores da história, lado a lado com a nata do Olimpo vocal do hard rock. Lágrimas e tristeza continuam sendo o tema da próxima música, “Oh I Wept”. Balada doce e triste, com ritmo suave, onde a qualidade vocal da voz contagia o restante dos instrumentos. Não há riffs de destaque aqui, apenas um cover vocal simples e doce. Uma ode ao ente querido ausente é descrita em “Remember” com registros mais floridos, nos quais a guitarra de blues de Kossoff permite alguns solos brilhantes, descrevendo a nostalgia do amado.
A banda retorna ao estilo exibido nos dois primeiros álbuns, mas suavizado. A acidez anterior se transforma em maturidade e classe na execução do tema. A introdução ao piano é uma nota a destacar em “Heavy Load”. A difícil partida de casa, descrita com profunda melancolia por Rodgers. Esse é um dos pontos negativos desse álbum. A profusão de baladas em detrimento da acidez do blues rock. Mas FREE já havia nos descrito com o nome do álbum o contraste e o antagonismo de seu conteúdo. A placidez e a tristeza são descritas pelos suaves solos de guitarra e, em alguns momentos, pelo piano, com registros vocais que alcançam alturas insuspeitas, transmitindo sentimentos.
O lado B do álbum abre com uma das músicas mais conhecidas da banda. Mais uma vez, o blues rock flerta com o hard rock ao longo dos seis minutos de “Mr. Big”. A acidez retorna à banda com um blues que se move em um ritmo lento, mas constante. O trabalho de baixo de Fraser é particularmente notável, com Kossof não muito atrás, que nesta ocasião parece um pouco mais livre para mostrar todo o seu potencial. A psicodelia aparece com solos repetidos em uma suposta desordem sonora, mas que na verdade faz todo o sentido. A banda amortece sua energia, como se estivesse colocando um limite no potencial da música. A coragem diante do poder é descaradamente definida por registros vocais. Ninguém vai intimidar a banda. O coração partido é revivido nos versos de “Don't Say You Love”. Uma nova balada em que notas corais sustentadas desempenham um papel importante. A harmonia mais uma vez fica em segundo plano em relação à potência vocal de Rodgers, que tem até uma qualidade soul. Questionado apenas pelos excelentes solos de Kossof.
Não falei muito sobre Simon Kirke até agora, mas para ser sincero, nesse cenário em que o baterista sempre se encontra, ele consegue passar despercebido pelos holofotes como um bom árbitro em uma partida.
É difícil fechar um álbum do jeito que "Fire and Water" faz. Um refrão que poucos podem se gabar de não ter cantarolado ao menos uma vez na vida. "All Right Now", a sedução de uma conquista que termina bem. Os solos de guitarra cativantes, nos quais, agora, Kossof se solta. Um ritmo alegre e divertido, desilusão amorosa deixada para trás, "hoje eu transei". O refrão repetitivo cheio de vitalidade e a cobertura rítmica perfeita fazem desta uma das músicas mais importantes da história do rock. A conjunção da fingida desordem dos instrumentos ganha vida em cada um dos solos que nela aparecem.
Músicas que às vezes podem parecer simples, insossas em alguns casos, mas que se transformam assim que a virtuosidade de um de seus integrantes surge em forma de solo. Por mais breve que seja, eleva a qualidade da música. Não percebemos, mas aos poucos ele nos cativa e nos prende em suas garras sutis. Riffs que podem ser apresentados como simples, o que curiosamente os torna ainda melhores. Sem muito alarde sobre o verdadeiro potencial que esses músicos demonstram, eles alcançam o objetivo de alcançar as pessoas mais facilmente.
O simples geralmente é ótimo. Logicamente, se eu já descrevi (na minha humilde opinião) Paul Rodgers como um dos melhores cantores da história do rock, tal prodigalidade e poder não podem ser ofuscados. Esta é uma das grandes qualidades do Free; a definição de "menos é mais" faz sentido nesta obra impressionante, onde o peso da música repousa sobre um baixo excepcional, que, como mencionei antes, até parece ter um limitador ligado, mas, apesar disso, é prodigioso.
Free, uma grande banda que não recebeu todo o reconhecimento que merecia, ao lado de irmãos mais velhos como Cream ou Led Zeppelin, que levaram toda a glória.

Roberto Lucas



E há muitas pessoas que gostaram muito dele na vida, e provavelmente ainda gostam agora de vez em quando, então é natural que muitas pessoas escrevam sobre o álbum. Trazemos algumas impressões para qualificar ainda mais o que já foi dito.

Nenhuma surpresa! O grande clássico do Free, "Fire & Water", facilmente recebeu a maioria dos votos na enquete que abri sobre o que, para os leitores deste blog, foi o melhor álbum de estúdio da banda. A verdade é que eu achava que as coisas seriam mais difíceis, sabendo que obras como “Ton of Sobs”, “Free” e até mesmo aquela tremenda “Heartbreaker” iriam complicar um pouco mais as coisas para o clássico por excelência desse grupo britânico único que marcou a história da música como poucos.
Antes de mais nada, antes que eu me esqueça, gostaria de agradecer às 247 pessoas que votaram. Nada mal, considerando que o Free não é exatamente uma banda que está na boca de muitos fãs de rock neste país. Então, essa excelente recepção, assim como as outras que fiz no passado, abre portas para pesquisas futuras. Na verdade, já tenho uma em mente e posso propor a você no mês que vem.
Enquanto não chegamos lá, vamos voltar a esse mega clássico, "Fogo e Água", que conquistou decisivamente o primeiro lugar na enquete. Lançado em 1970, foi o terceiro álbum da banda, e foi graças a um hit do calibre de "All Right Now" que eles se tornaram amplamente conhecidos. Além deste ótimo single, o resto do álbum brilha em um nível excepcional com joias de infinita beleza como “Heavy Load”, “Oh I Wept” ou uma das canções favoritas de Chris Robinson, “Don't Say You Love Me”, uma alma pura onde a carga emocional transmitida pela voz de Paul Rodgers é de tal intensidade que é difícil acreditar que estamos lidando com um garoto de apenas 20 anos. Esta obra-prima é completada por outras três maravilhas, como “Remember”, “Fire & Water” e “Mr. Big”, esta última faixa regravada diversas vezes por diversas bandas, incluindo Gov't Mule em seu álbum de estreia.
Não creio que ninguém possa duvidar de que estamos lidando com um trabalho perfeito, onde nenhuma nota foi deixada de fora, marcando o ápice criativo dessa banda tão jovem, algo extremamente surpreendente e demonstrando que caras como Rodgers, Paul Kossoff, Kirke e Andy Fraser eram gênios nascidos para entrar no Olimpo do rock com tudo.
“Fire & Water”, um item essencial para qualquer amante de rock que se preze, definitivamente o adicionaria à minha lista de favoritos. 

Terra rochosa

Você pode ouvir no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1ydlm89JR8cV8VuSaNvHNL




Lista de faixas:
1. Fire and Water
2. Oh I Wept
3. Remember
4. Heavy Load
5. Mr. Big
6. Don't Say You Love Me
7. All Right Now

Formação:
- Paul Rodgers / vocal
- Paul Kossoff / guitarra
- Andy Fraser / baixo e teclado
- Simon Kirke / bateria




Garbarek, Gismonti, Haden - Magico - Berliner Jazztage (1979)

 

Dando continuidade à nossa jornada pela história musical do maestro Gismonti, apresentamos um álbum ao vivo de um projeto formado por três grandes músicos: o norueguês Jan Garbarek nos instrumentos de sopro, o brasileiro Egberto Gismonti no violão e piano, e Charlie Haden no contrabaixo. Não há muitas informações sobre esta gravação ao vivo, feita em 31 de outubro de 1979 no Berliner Jazztage, Berlim, Alemanha, mas a julgar pelas datas, imagino que tenha sido uma das datas de lançamento do álbum "Mágico" deste trio dinâmico, antes mesmo do lançamento do LP de estúdio, gravado em junho de 1979 e pela ECM em janeiro do ano seguinte. Seja como for, é um registro histórico que ilustra esta breve entrada na parte inferior para que você possa apreciar a união de três gênios musicais.
 
Artista: Garbarek, Gismonti, Haden
Álbum: Magico - Berliner Jazztage
Ano: 1979
Gênero: Jazz fusion / World music / Alien music
Duração: 60:26
Nacionalidade: Multinacional


A união dos três gênios em versão ao vivo, numa grande noite de jazz em Berlim, gravando um álbum que já havíamos apresentado oportunamente. E palavras são desnecessárias...

As duas gravações desse grupo se chamam "Magico" e "Folk Song" e valem muito a pena serem ouvidas. A ECM lançou um set ao vivo de dois CDs em 2012, gravado em 1981 em Munique. Chama-se "Carta de Amor".
 
 
Aqui estão três maestros de três continentes tocando juntos sob o nome "Magico". Na época, a ECM parecia ter incentivado esse tipo de colaboração entre seus artistas.
Obrigado à ECM e aos grandes músicos que tocaram esta música.

Apresento o vídeo em questão e vamos ao disco sem mais delongas.

 
Você pode ouvir o álbum neste vídeo:
https://www.youtube.com/watch?v=FPsiEGWJm00
 
 
Track List:
1. Bailarina
2. Magico
3. Silence
4. Palhaço
5. Spor

Formação:
- Jan Garbarek / Saxofones tenor e soprano
- Egberto Gismonti / Guitarras, piano
- Charlie Haden / Contrabaixo

Garbarek, Gismonti, Haden - Magico, Carta de Amor (2012)

 

Continuamos com algo relacionado ao que foi apresentado ontem. Retirado de apresentações ao vivo no Amerika Haus de Munique por um trio que já havia se destacado com "Magico" (1980) e "Folk Songs" (1981), o álbum expande o material de ambos os trabalhos, ao mesmo tempo em que demonstra grande progresso, o que não é surpreendente dada a reputação consolidada dos três, e considerando que quase 18 meses se passaram desde a gravação de "Folk Songs" e apenas cinco meses após as sessões de "Magico". Este é um lembrete de como, a qualquer momento, os interesses de três artistas de origens e formações musicais muito diferentes podem se unir em sincronia excepcional, desenvolvendo um conjunto definido pela interação altruísta e pela exploração desenfreada, porém determinada. Um álbum duplo ao vivo que ficou guardado nos cofres da ECM até 2012, esta gravação apresenta uma banda experiente com um domínio perfeito de uma linguagem musical compartilhada, desenvolvida ao longo de um longo período de turnês juntos. Ideal para continuar a jornada musical do Maestro Gismonti...

 

Artista: Garbarek, Gismonti, Haden
Álbum: Magico, Carta de Amor
Ano: 2012
Gênero: Jazz fusion / World music / Alien music
Duração: 01:47:56
Nacionalidade: Multinacional


Você queria mais coisas do brilhante Gismonti? Aqui ela é um pouco acompanhada, em um álbum ao vivo que na verdade são dois álbuns ("Magico" de 1979 e "Folk Songs" de 1981). Gismonti disse sobre este trabalho que é como "uma mensagem em uma garrafa" que foi lançada há quase 30 anos. 
 
Mas antes de continuar, quero fazer uma pergunta à comunidade...
 

Garbarek não é na verdade uma versão musicalmente virtuosa de Jim Carrey?


Deixando as bobagens de lado, vamos falar do álbum "Mágico", lançado em 1979, seu sucessor veio naquele mesmo ano, quando os três mosqueteiros gravaram "Folks Songs". Pouco depois, em abril de 1981, Garbarek, Gismonti e Haden gravaram um concerto que Manfred Eicher, chefe da ECM, arquivaria até se perder nas prateleiras. Nessa apresentação, o trio tocou músicas dos dois álbuns, além de algumas composições próprias (como "Carta de Amor", "Branquinho" e "Dom Quixote", de Egberto Gismonti; a estreia de "All That Is Beautiful" e as influências hispânicas de "La Pasionaria", ambas de Charlie Haden, e "Two Folk Songs", de Jan Garbarek). E, trinta anos depois, essa é a sessão que compõe o álbum ao vivo que serve como o "novo retorno" de Garbarek, Gismonti e Haden.

Vou copiar um bom comentário do álbum, dizendo humildemente que isso está muito além de mim, então deixarei as palavras para alguém muito mais qualificado do que eu:
Gismonti disse sobre este trabalho que é como “uma mensagem em uma garrafa” que foi lançada há quase 30 anos. E é verdade que tem aquele sopro de um mundo distante e imaginado, como uma ilha na memória sentimental do ouvinte. Algo único e irrepetível, diferente de tudo o que os três fizeram depois, que ficou ali e agora nos é devolvido. Como iremos recebê-lo?
A recuperação de valiosos arquivos sonoros como os de Keith Jarrett e do quarteto nórdico no recente Sleeper anunciou um estimulante exercício de memória e também representou um posicionamento estratégico que poucas gravadoras como a ECM podem arcar no atual mercado fonográfico. Esta iniciativa é baseada em gravações ao vivo com edição de estúdio impecável por Manfred Eicher e Jan Erik Kongshaug. Este trio singular, fruto dos encontros que o produtor fomentou entre músicos fiéis ao seu estábulo, inscreve-se na busca de uma nova categoria estética, já que os criadores de categorias nos anos 70 foram Abercrombie, Garbarek, Walcott, Micus, Gismonti... Este lançamento e o anterior, e os esperados, incluem dois valores agregados ao produto em disco: um o contraste cronológico sobre a validade da obra e outro o envolvimento emocional do fã. Assim se completa o legado contido nessas duas preciosidades que são Mágico e Folk Songs, gravações muito próximas no tempo, entre o verão e o outono de 1979, lançadas justamente no ano em questão.
Alguém pode se perguntar como eles chegaram a coincidir e por que essa aliança nunca foi restaurada, exceto pelo show em Montreal entre Haden e Gismonti. O músico brasileiro chega à ECM com Naná Vasconcelos em Dança das cabeças (76). O interesse de Eicher pela sua produção a partir deste momento é evidente, prova disso são os seus álbuns Solo (78-79) e especialmente Sol do medio dia (77), nos quais já podíamos encontrar Garbarek (e Ralph Towner, Naná Vasconcelos e Collin Walcott). Por outro lado, Charlie Haden fez parte do quarteto americano de Jarrett e, depois de algumas apresentações, logo no início dos anos 80, ele adicionaria seu nome ao catálogo com a Liberation Music Orchestra (LMO) e a Ornettian Old and New Dreams.
Garbarek, que fazia parte do quarteto de Jarrett quando o grupo foi formado, gradualmente se afasta de um estilo estritamente jazzístico em direção a uma enunciação baseada no folclore que ganha força no próprio escandinavo e se espalha como discurso por meio de suas colaborações na gravadora, incluindo com Ralph Towner no excelente Dis (1976). Se Gismonti retornou de Paris ao Brasil para tocar violão e se viu seguindo os conselhos da pedagoga Nadia Boulanger, Garbarek explora melodias de herança norueguesa em sua imersão tradicional também através da flauta, de onde adota nuances de cor e intensidade no saxofone soprano. Haden vê o folclore de uma posição intelectual com o LMO, lendo com facilidade e inventividade coletivas as canções da Guerra Civil Espanhola e o cancioneiro revolucionário cubano.
Há dois elementos subjacentes nesses dados que são essenciais para entender esse encontro: a música de inspiração latino-americana e o violão. Isso, que matiza a tendência nórdica da gravadora, é encontrado não apenas nos álbuns anteriores do brasileiro, mas também em My Song, de Jarrett, e mais tarde em The Ballad of the Fallen, de Haden. Ligado à música latina estaria o violão acústico e o compromisso anterior, mais voltado à música panorâmica e coral difundida por Eicher, que foi o Sol Do Medio Dia.
Música clássica, improvisação limitada e folclore, dotados de grande respiração melódica, são os pilares deste trio. Gismonti, que dá continuidade à mensagem de Heitor Villalobos, é quem mais contribui com textos. Sua dualidade como instrumentista confere a este álbum dois perfis distintos, sendo a guitarra preferível devido ao som e à técnica pianística que aplica às guitarras de 8 e 10 cordas e a percussão no braço.
Mensagem em uma tela. Vermeer pintou A Carta de Amor em 1670. O alaúde no colo da mulher que o toca é prova de que a carta que ele recebeu contém algo sentimental. Outro instrumento de cordas, outra garrafa entregue ao oceano do tempo... A guitarra de Gismonti torna as ondas suaves e estranhas com figuras circulares, o saxofone de Garbarek sobe e invoca a letra da letra, enquanto o baixo curvado de Haden é o vento que balança a garrafa ao sabor da correnteza. Love Letter (Gismonti) abre e fecha esse encontro duplo com a delicadeza de um rio tranquilo que se funde com o mar. Apenas a canção folclórica (Garbarek) também aparece duas vezes, em versões diferentes, localizadas no meio de ambas. O álbum Folk Songs, de 1981, para este escritor, é mais rico, mais arriscado e mais original, com menos concessões ao sabor melódico do que Mágico, cuja influência se faz sentir numa segunda parte com uma propensão ao piano que parece impor, definhando o tom geral, sua exuberância lírica.
Com o tempo, e este álbum torna esse contraste possível ao ampliar os ângulos de visão, parece mais evidente que são as faixas baseadas em guitarra que dão a esse encontro sua verdadeira singularidade. As mais duradouras desta sessão, reforçando esta ideia, seriam Cego Aderaldo (o timbre do violão lembra o berimbau com aquele estranho “caipira” que o saxofone traz para o norte, unindo os índios mato-grossenses e os sami), a primeira versão de Folk Song (o cruzamento de um folclore com o sentimento de nostalgia, a alma do encontro) e Spor (teto do diálogo improvisado sob a abordagem estética que a gravadora privilegiou como introdução aberta, com resultado tímbrico, rítmico e melódico incomparável).
Além de Love Letter, há quatro novas faixas em comparação aos álbuns de estúdio. Haden, que utiliza o arco diversas vezes, algo pouco comum para ele, contribui com La Pasionaria, confirmando a linha com o que foi marcado posteriormente no LMO, mas aqui concentrado nas vozes e na adequada adaptação popular hispânica, e All that is beautiful, uma balada que está em consonância melódica com a tradição dos standards, mas que o saxofone de Garbarek aproxima do quarteto de Jarrett e leva para terrenos mais livres. Em geral, no segundo disco há uma maior preeminência do piano e isso leva a terrenos mais melodiosos, solos mais prolongados e pares. Branquinho e Dom Quixote (posteriormente incluídos em Duas Vozes) são assinados por Gismonti e refletem sua ambivalência instrumental tingida com o aroma cantante do álbum Mágico. Falta o pulso repetitivo de Equilibrista, peça para piano incluída em Canções Folclóricas que se desvia um pouco da bohonomia melódica e das cadências clássicas do brasileiro, entre o twist virtuoso e o olhar infantil, em que Palhaço não esconde conexões iniciais com My Song, de Jarrett.
Música que transita entre ideais e viaja no tempo e na geografia. Sons, culturas e sentimentos que, em seu auge, transcendem as três personalidades e quaisquer barreiras entre o popular e o acadêmico. Folclore imaginário, por assim dizer, com uma mensagem que chega até nós hoje com pouca resistência. Se alguma coisa, a descrença e o pensamento de que no passado tudo parecia diferente, novo e esperançoso.
Jesus Gonzalo


Se alguém estiver procurando o som acústico ideal e evocativo para introspecção, certamente o encontrará entre essas onze faixas encantadoras e longas que cobrem as diversas paisagens de beleza serena desenhadas ao longo do CD duplo. Melodias de saxofone, contrabaixo e guitarra se sucedem, às vezes animadas e às vezes melancólicas, mas sempre frescas e brilhantes.

E é exatamente isso que você vai ouvir no vídeo a seguir...


O som acústico, os estilos peculiares de cada um dos integrantes, a sonoridade tanto das guitarras inusitadas do brasileiro quanto do saxofone do norueguês, fazem com que cada música acabe se tornando uma espécie de comunhão entre os músicos para o público. A capacidade de Garbarek ou Gismonti de criar atmosferas é sustentada pelo tremendo Haden.

Este é um álbum onde três músicos incríveis em estado de graça fazem o que sabem fazer de melhor: criar belas paisagens sonoras tocadas ao vivo, levando o público em uma jornada pelas nuvens, pelo sol e pelas estrelas, em um álbum onde nada é deixado de fora.

E não escrevo mais, não precisa, ouça, leve, aproveite... Um álbum que não é um álbum, é uma maravilha, e não tem sentido escrever sobre ele, você só precisa aproveitar... aqui vamos nós com algo extraterrestre, algo que não é deste mundo, talvez o lançamento mais importante da gravadora ECM até hoje, com sons nunca antes ouvidos, interpretados por este vibrante trio de câmara.
 


Track List:
CD 1:
1. Carta de Amor
2. La Pasionaria
3. Cego Aderaldo
4. Folk Song
5. Don Quixote
6. Spor
CD 2:
1. Branquinho
2. All That Is Beautiful
3. Palhaço
4. Two Folk Songs
5. Carta de Amor, var.

Formação:
- Jan Garbarek / saxofones tenor e soprano
- Egberto Gismonti / guitarras, piano
- Charlie Haden / contrabaixo.






Rodrigo San Martín - Arcana (Act 3) (2024)

 

Já apresentamos os dois álbuns anteriores "Arcana" e com este completamos a trilogia de álbuns conceituais que exploram a história da humanidade relacionando-a diretamente com a história da música. Um álbum diferente dos anteriores, e que também pode te atrair imediatamente, já que seu desenvolvimento é mais direto e menos complexo que o dos dois álbuns anteriores da trilogia. Os aspectos emocionais deste álbum se destacam acima das complexidades instrumentais ou composicionais, e me parece que aqui Rodrigo coloca todas as suas fichas em criar algo comovente, agradável e coeso, mais na veia musical dos Beatles, embora experimente muitos estilos além do rock clássico: psicodelia, tango, rock alternativo, baladas, rock sinfônico e até folclore argentino, e com influências variadas como The Beatles (principalmente), mas também Steven Wilson, Pink Floyd, Yes, Queen, Rush, Foo Fighters e até Astor Piazzolla. Como de costume, cantado em inglês e onde Rodrigo San Martín cuida de tudo (ao contrário do grande número de convidados nos Arcana anteriores): voz, guitarras, teclado, baixo, flautas, percussão, programação, orquestrações, produção, mixagem e masterização. 

rtista: Rodrigo San Martín
Álbum: Arcana (Act 3)
Año: 2024
Género: Progresivo crossover / Ecléctico
Duración: 59:56
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Argentina

Eu estava querendo ler este, como tantos outros álbuns, desde que foi lançado em 4 de dezembro de 2024. Este é o capítulo final de uma trilogia conceitual que explora a história da humanidade relacionando-a diretamente com a história da música. Enquanto os dois primeiros álbuns exploraram as primeiras expressões musicais de nossos ancestrais, passando pela melodia mais antiga registrada até a música europeia do Classicismo e do Romantismo, Arcana (Ato 3) chega ao fim da narrativa e se baseia inteiramente na música do século XX, combinando rock progressivo, influências orquestrais, folclore argentino, tango e texturas psicodélicas para contar a história de um despertar, onde o protagonista escapa de um ciclo infinito de sonhos e vidas passadas.

Analisando as músicas uma a uma, podemos dizer o seguinte...

1. Anymore: Hino do rock com um refrão emocionante e poderoso.
2. Grito Silencioso: Balada melancólica com raízes no folclore argentino.
3. The Inner Void: exploração psicodélica influenciada pelos Beatles.
4. From the Void: Balada emocionante com toques orquestrais.
5. Behind the Curtain: Rock progressivo com ritmos complexos de 7/4, flertando com
o rock alternativo dos anos 90.
6. Reincarnation: Uma sinfonia acústica épica inspirada no Yes.
7. Buenos Aires 1871: Tango-rock instrumental em homenagem a Astor Piazzolla.
8. Transcendence: música psicodélica cuja letra aborda o gerenciamento de
ataques de pânico.
9. Ouroboros Pt.3 (Equilíbrio): jornada progressiva de 12 minutos com múltiplas
seções dinâmicas.
10. Into the Unknown: Balada acústica psicodélica e melancólica que encerra a
trilogia.

Mas acho que não podemos ver esse álbum como uma conquista artística isolada, mas sim precisamos vê-lo em sua totalidade, já que, como um todo, a trilogia "Arcana" é, sem dúvida, progressiva. Cada música é inspirada em diferentes épocas e gêneros, criando uma tapeçaria musical muito diversa. A capacidade de San Martín de entrelaçar referências históricas e culturais com sua música faz desta série uma conquista notável.

A única coisa que resta é você ouvir, pelo menos um pouco do que está aqui.


"Arcana (Ato 3)" é uma conclusão adequada para uma trilogia maravilhosa. Embora suas mudanças de estilo entre os três álbuns possam ser polarizadas e chocantes, especialmente neste último que apresentamos agora, a ambição e a maestria que eles desenvolvem individualmente e juntos são inegáveis. Se você aprecia música que desafia as convenções e recompensa a audição profunda, este é um álbum que vale a pena explorar. E já que está aqui, reveja os dois primeiros atos para ter uma visão completa de San Martín. Eles estão na cabeça do blog, então você não tem desculpas.

Você pode ouvir e baixar no espaço Bandcamp:
https://rodrigosanmartin.bandcamp.com/album/arcana-act-3

○ Spotify: https://open.spotify.com/album/4I8RDgN47oxyjKLXo0y3k4
○ Youtube: https://youtu.be/4mKLx7GPpM4?feature=shared
○ TikTok: @sanmartinphase7
○ Instagram: @sanmartinphase7


Lista de faixas:
1. Anymore (4:17)
2. Silent Scream (3:28)
3. The Inner Void (4:18)
4. From the Void (4:40)
5. Behind the Curtain (4:33)
6. Reincarnation (7:54)
7. Buenos Aires 1871 (6:00)
8. Transcendence (4:40)
9. Ouroboros Pt. 3 (Balance) (12:28)
10. Into the Unknown (7:38)

Formação:
- Rodrigo San Martín / vocais, guitarras, baixo, teclados, flauta, percussão, programação



Collage - Over And Out (2022)

 

Certamente quando você está entediado e quer descobrir novas músicas boas que ninguém lhe apresenta, você dá uma passada no blog. E com razão, porque estamos falando de álbuns como este "Over And Out", o mais recente álbum da banda polonesa Collage, que é nada menos que um dos melhores neoprogressistas da atualidade, e aqui eles provam isso amplamente, lançando um dos melhores álbuns de 2022. Com muita pegada Marillion (e uma voz bem Fish, bem emotiva) mas ao mesmo tempo com um estilo próprio, é o quinto álbum de uma banda veterana, e o melhor de sua longa carreira. Como se quisesse dar ainda mais reconhecimento a este excelente lançamento, o álbum conta com Steve Rothery e um coral infantil... e o que você poderia pedir deste trabalho que ele não tenha? Sinceramente não consigo pensar em nada, porque há muita paixão aqui, há melodias muito boas, há emoções, há excelentes performances de grandes músicos e o resultado é um álbum que não falha em nenhuma de suas músicas. Se você quiser experimentar algo realmente bom, passe por aqui, onde traremos as últimas novidades da banda polonesa Collage.

Artista: Collage
Álbum: Over And Out
Ano: 2022
Gênero: Neo progressivo
Duração: 58:01
Referência: Discogs
Nacionalidade: Polônia


Um grupo formado na Polônia em 1985, dissolvido em 2003 e reformado em 2013. Eles são a banda mais importante do seu estilo no país nos anos 90, mas também se posicionaram entre os melhores do mundo, oferecendo música original e muito interessante, com vocais em polonês e inglês de acordo com o álbum, melodias muito boas e vocais com uma interpretação muito emocional. Nos anos 90, eles provaram ser a resposta polonesa ao Marillion e a todos os neoprogressistas da época. Claramente, a banda estava no mesmo nível dos grandes do gênero e, com seu álbum de 1994, "Moonshine", eles alcançaram o status de clássicos. No entanto, como muitas bandas do Leste Europeu da época, eles nunca receberam a atenção que mereciam e permaneceram desconhecidos da maioria.

E esta é mais uma banda ressurgindo após uma longa ausência, apenas para ressurgir com seu som original, mas mais focado do que nunca: teclados exuberantes e atmosféricos, guitarras poderosas e emotivas, um baterista magistral e vocais muito agradáveis. O álbum tem de tudo, desde músicas longas e arrastadas até performances poderosas e apaixonadas, momentos de grande intensidade e até momentos de partir o coração. O melhor é que nunca desce, então é como água no chocolate.


Acho que seria desnecessário recomendá-lo a você teimosamente depois de tudo o que acabei de dizer, então vou deixar que outras pessoas o recomendem a você por mim, então estou copiando o seguinte comentário sobre este álbum.

O retorno dos mestres poloneses do Collage
2013 foi um ano muito importante para os fãs do rock neoprogressivo. Entre muitos outros eventos, foi nessa época que a maior banda polonesa do gênero retornou aos palcos: Collage. Fundada por Miroslaw Gil (guitarra) e Wociech Szadkowski (bateria) em meados dos anos oitenta, eles deslumbraram em 1994 com sua aclamada joia “Moonshine”. Dois anos depois, o lançamento de seu álbum “Safe” deu início a um longo hiato de quase duas décadas. No entanto, apesar do retorno às apresentações ao vivo, os europeus só lançariam seu tão aguardado novo álbum em dezembro de 2022. “Over And Out” apresenta uma capa hipnótica que combina com seu som. É um passeio com quase uma hora de duração dividido em cinco músicas. Ele também apresenta uma nova formação da banda, com Michal Kirmúc substituindo Gil e Bartoz Kossowicz no lugar de Robert Armirian, mantendo os membros clássicos da "era Moonshine", o tecladista Krzysztof Palcezswki e o baixista Piotr Witkowski, com Szadkowski sendo o único músico original do Collage a tocar neste LP.
 É a peça homônima que é responsável por iniciá-la. O épico de vinte e um minutos, o mais longo do álbum, é uma obra relacionada à fantasia medieval e temas existenciais, algo típico do grupo polonês. É composto por seis capítulos e faz referência tanto ao som clássico do Collage quanto ao das bandas icônicas dos anos setenta. A primeira coisa que ouvimos são alguns bipes, com uma conversa imperceptível ao fundo, que poderiam simular um hospital. A última explosão se torna a primeira nota que abre “Here We Are”, a introdução majestosa de “Over And Out”. A voz de Kossowicz nos guia através de sintetizadores arpejados e da execução nunca antes inspirada de Szadkowski. A segunda parte deste épico é “This Lonley Place”, composta por passagens melódicas com mudanças de andamento surpreendentes, uma marca registrada da banda. Também são notáveis ​​nesta seção as melodias requintadas fornecidas pelo teclado de Palczewski. A intrincada seção “Moon Is The Mirror Of The Sun” brilha novamente por suas mudanças de ritmo. A ponte instrumental, “Somewhere Under the Rainbow”, apresenta performances brilhantes de Kirmuc e Palczewski, seguidas perfeitamente por baixo e bateria. “Dreamers” é uma curta passagem de piano acompanhada pela voz de Kossowicz, ambas rapidamente interrompidas pelos violões acústicos que abrem “Can You See The Light?”, um clímax melodramático carregado de gritos de partir o coração e guitarras cósmicas que encerram esta monstruosa coleção de sons. Sem dúvida uma das melhores faixas do LP.
 As próximas duas músicas do Over And Out poderiam servir mais como uma função de “preenchimento”; se você quiser. “What About The Pain (um álbum de família)” tem oito minutos de duração e é uma balada onde os sintetizadores são o centro das atenções. Mais ou menos na metade, a música se torna sombria e séria, antes de ressurgir com doces refrões de vozes infantis e um poderoso solo de guitarra de Kirmuc. Ela é seguida por “One Empty Hand”, a música mais curta do álbum, com apenas cinco minutos. Essa música sempre gira em torno de uma melodia de piano lenta e cativante, à qual o resto dos instrumentos se encaixam perfeitamente, concluindo com um solo de guitarra e gritos chorosos. “A Moment. A Feeling”, que tem quase um quarto de hora de duração, apresenta uma linha mais parecida com a da primeira música. Após um começo misterioso, riffs malucos com mudanças imprevisíveis de compasso surgem, revelando a precisão estonteante dos músicos, especialmente Szadkowski. Uma seção mais escura dá à peça uma atmosfera mais enigmática, bem como uma estrutura de verso e refrão bem definida. E embora pareça terminar pacificamente, esse clima é abruptamente quebrado pela entrada de um riff 7/8, marcado pelo baixo de Witkowski. A guitarra e o teclado se combinam para criar um solo incrível que agradará a qualquer amante de música progressiva. O mesmo poder é possuído pelo final, que usa as mesmas melodias staccato do começo para encerrar violentamente esta peça. “Man In The Middle” é a última composição do álbum. Uma balada lenta de piano temperada com refrões doces e apresentando a voz poderosa do cantor polonês. O solo de guitarra de Michal Kirmuc ocupa quase dois terços da peça de dez minutos e tem, comparado ao de Gil, um caráter talvez menos virtuoso, mas muito mais melódico. Over and Out termina com as entonações suaves e agudas de Kossowicz, acompanhadas pelo piano de Palczewski. O final da melodia se transforma nos bipes do início, simulando o despertar de um coma e dando um merecido encerramento a esse conjunto de peças. 
Talvez um pouco carente de letras e poesia, mas com uma instrumentação muito mais poderosa, Over And Out não é uma obra que deva passar despercebida. Divertido e descontraído, o álbum mergulhará o ouvinte em um deleite constante de rock sinfônico, tornando-se um item obrigatório para todos os fãs do Yes, Dream Theater, Marillion e, claro, do próprio Collage, que, como esperado, correspondeu às expectativas de seu tão esperado retorno.

Juan Martín Casalino


Como sempre, o que importa é que você ouça por si mesmo, e como sempre você tem um primeiro vídeo para começar, e ele vai abaixo.




Collage retorna com tudo... musicalidade de primeira, produção de primeira e composições memoráveis ​​são os ingredientes que compõem "Over and Out". Este é um álbum pensado para deixar os amantes da boa música incrivelmente felizes, mas principalmente aqueles que gostam de neoprogressivo; Com cinco músicas e duração total de pouco menos de uma hora, com algumas faixas longas, incluindo a faixa-título, que dura mais de 20 minutos, e acima de tudo sem baixar a qualidade em nenhum momento, tornando-se um verdadeiro banquete de rock de excelente nível. Isto é certamente um deleite para os ouvidos. Linda capa também.

Você pode ouvir aqui:
https://open.spotify.com/intl-es/album/5IeR2SFqJAkFH7GEZKQcvV

Site oficial


Lista de faixas:
1. Over and Out (21:50) :
- a. Here We Are
- b. This Lonely Place
- c. Moon Is the Mirror of the Sun
- d. Somewhere Under the Rainbow
- e. Dreamers
- f. Can You See the Light?
2. What About the Pain? (A Family Album) (8:36)
3. One Empty Hand (5:03)
4. A Moment, a Feeling (13:22)
5. Man in the Middle (9:10)

Formação:
- Bartosz Kossowicz / vocais
- Michał Kirmuć / guitarras, sintetizadores de guitarra
- Krzysztof Palczewski / teclados, produtor
- Piotr Mintay Witkowski / baixo
- Wojtek Szadkowski / bateria
Com:
Steve Rothery / solo de guitarra (5)
Coral infantil (2)
Zaneta Augustin / regente do coro (2)



Uxia - Andando a Terra (2011)

 

Álbum inteiramente dedicado à poesia de Manuel María, apareceu no livro de Manuel María Os Lonxes do Solpor . Mais tarde, Uxía publicaria outros álbuns dedicados ao mesmo autor.

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Avante, Camarada! (1975)


Álbum colectivo português, denominado Música da Intervenção . Inclui versões originais de José Afonso e Adriano Correia de Oliveira, além do Conjunto Movimento que interpreta duas músicas, que parecem originais, para o álbum, e da banda O Povo , que interpreta Avante Camarada! por Luis Cilia e A Internacional , ambos publicados como singles.


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Milladoiro - Unha estrela por guia (2006)

 

Um dos últimos álbuns onde interpretam poemas de Manuel María.

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CAPSICUM RED ● Appunti Per Un Idea Fissa ● 1972 ● Itália [Rock Progressivo Italiano]

 


Muitos fãs de música italiana só conhecem o CAPSICUM RED pelo nome porque seu vocalista e guitarrista Bruno "Red" Canzian teve uma carreira de muito sucesso. Formada em 1970 a banda lançou seu primeiro single "Ocean" em 1971 pelo selo Bla Bla, e promovido como banda britânica o single foi um sucesso! Um segundo, "Tarzan", veio logo depois, ambos continham canções comerciais muito distantes do som do álbum. Ambos os singles foram recentemente incluídos no raro sampler do selo Tarzan.

Com "Appunti Per Un'idea Fissa" a banda se volta para a Música Progressiva, com fortes influências clássicas. A primeira faixa é "Patetica" de Beethoven e este é o destaque do álbum. É um casamento decente, de temas de Rock e Música Clássica. "Lo Spegnifuoco" é um tema bastante estranho de dois minutos, soando como uma "ideia" que as bandas têm e gravam para investigação posterior. "Equivoco" começa o lado 2 na versão original em vinil, com alguns belos pianos e vocais, e a banda começa com um toque pesado na metade do caminho. "Rabbia & Poesia" apresenta um belo violão clássico e os vocais quase inaudíveis que você não consegue aumentar porque, se o fizer, as partes pesadas o expulsarão da sala. É uma pena porque esta é uma música bastante agradável. "Corale" soa um pouco mal gravada. As faixas bônus são canções pop mais antigas que, ironicamente, têm melhor qualidade de som do que o álbum, mas são realmente muito insignificantes para os fãs de Prog.

A banda chegou ao fim em 1973, com Red Canzian se juntando a POOH e Paolo Steffan formando a dupla de inspiração country Genova & Steffan com um álbum lançado em 1975.

Tracks:
01. Patetica: 1° tempo, 2° tempo, 3° tempo (14:24)  
02. Lo spegnifuoco (1:55)
03. Equivoco (5:14)
04. Rabbia & poesia (4:14)
05. Corale (7:40)  
Bonus tracks on V.M. release:
06. Tarzan (3:04)
07. Shangri-Là (2:48)
08. Oceran (3:03)
09. She's a stranger (3:20)
Time: 45:42

Musicians:
- Red Canzian / guitar, vocals
- Mauro Bolzan / keyboards
- Paolo Steffan / bass, vocals, piano
- Roberto Balocco / drums


 

Destaque

Bad Company – Bad Co (1974)

Em seu primeiro álbum, o Bad Company — liderado pelo ex-vocalista do Free, Paul Rodgers, e pelo guitarrista original do Mott, Mick Ralphs — ...