Sumo - Llegando Los Monos ( 1986)

 

The Monkeys Arriving é um dos álbuns fundadores dos anos oitenta. Um manifesto das diversas correntes musicais que predominaram na década e que o Sumo soube amalgamar, dando-lhe uma identidade própria. Uma ampla gama estilística que abrange tudo, desde o reggae de "No Good" e "Que Me Pisen", o punk de "El Ojo Blindado", o pós-punk de "Estallando Desde El Océano", a nova onda de "TV Caliente", a balada autobiográfica "Heroin", a experimentação eletrônica de "Cinco Magnificentes" até a tentativa irônica de um "hit comercial" com "Los Viejos Viñales".
Tudo isso em um grupo que combinava audácia, insolência e capacidade de incorporar e reinterpretar músicas até então inéditas em nosso país, até o dia em que os macacos chegaram...

 
Em meados dos anos 80, o adeus definitivo à ditadura desencadeou uma primavera cultural e social, fruto da esperança generalizada no fim do terror. O rock argentino viveu um momento de explosão com o surgimento de Soda Stereo, Los Redondos, Fito Páez e Los Violadores, as inovadoras buscas pessoais de Charly García e Spinetta, e a ascensão de Virus, Los Abuelos de la Nada e muitos outros. Mas uma banda em particular chamou a atenção de alguns atentos à cena underground do oeste: Sumo.
A banda de Hurlingham foi fundamental nesse contexto, trazendo, por meio de Luca Prodan, novos sons até então desconhecidos no país. Nascido em 17 de maio de 1953 em Roma, filho de uma família rica, Luca estudou em uma prestigiosa escola na Escócia, onde foi colega de classe do Príncipe Charles e absorveu a cena cultural londrina dos anos 70. Durante esse período, ao punk e ao pós-punk já consolidados juntou-se o surgimento de influências jamaicanas, como o reggae e o ska, que ganhou impulso graças a uma grande onda migratória da ilha caribenha.
Sua chegada ao país estava ligada à fuga de um terrível inimigo que ele jamais esqueceria: a heroína. Seu vício, somado ao suicídio de sua irmã — que havia sido associada ao mesmo uso e ao qual o próprio Luca a havia iniciado —, levou o italiano a se reabilitar nas montanhas de Córdoba, onde morava Timmy McKern, um amigo argentino de origem escocesa com quem havia estudado e que mais tarde se tornaria empresário do Sumo. Ele
então se estabeleceu no oeste de Buenos Aires, onde terminou de formar a banda e começou a deslumbrar uma população que se maravilhava não apenas com os novos sons que o Sumo trazia, mas também com ele: um homem calvo (em tempos de raros penteados com gel) que cantava em inglês e espanhol italianizado, com uma simplicidade e rebeldia distantes dos músicos tradicionais da época. Nessa área, sua imagem cresceu a passos largos, assim como a banda. E eles logo começaram a ser reconhecidos fora de Buenos Aires, na cena underground.

Em 22 de maio de 1986, o Sumo lançou seu segundo álbum de estúdio, Lleando los monos, que começou a despertar o interesse de grupos mais estabelecidos. Anteriormente, haviam publicado a demo Corpiños en la madrugada (1983) –da qual foram feitas apenas 300 cópias– e o álbum considerado seu primeiro, Divididos por la felicidad (1985). O título do segundo álbum está relacionado a uma anedota engraçada do verão de 1984 em Villa Gesell, quando o cancelamento de alguns shows devido ao desabafo de Luca os levou a se autopromover na praia com um alto-falante: "Não é uma alucinação. O sumô está em Villa Gesell... os macacos estão chegando."
A capa mostra uma obra do artista búlgaro Christo Javacheff de 1961, um pacote embalado e amarrado com corda, de uma maneira um tanto bagunçada e compacta. Poderíamos pensar que o pacote faz alusão a uma bagunça, no melhor sentido da palavra, onde prevalecem a desordem, a desordem e também o mistério que um pacote fechado dessa maneira implica. A capa reflete a própria essência de uma banda que te convida a abrir a embalagem e descobrir um caos incrível.
Que fique claro que a palavra transtorno não implica uma avaliação negativa. Lleando los monos (Os macacos chegando) contém uma diversidade sonora que salta do punk raivoso em espanhol, como “El ojo blindado”, ao reggae suave em inglês, como “No Good”, e ainda consegue se identificar sem a necessidade de rótulos. O grupo também se dedicou a uma colagem de sons sobrepostos nas faixas homônimas do álbum, que abrem e fecham o álbum, o que também transmite a sensação de estilo caseiro, experimental e descontraído que caracterizou a banda.
“Exploding Over the Ocean”, um dos momentos cruciais do álbum, é um pós-punk bem anos 80 cantado em inglês, que o próprio Germán Daffunchio definiu como o auge do Sumo, onde eles alcançaram uma fusão entre as diferentes personalidades dos membros. A música nos leva em uma jornada pelas colinas, pelos prados e por todos os lugares mencionados pelo protagonista, até que irrompe do oceano.
Em "Heroína", Luca fala sobre seu passado na Europa e como sua vida mudou quando chegou à Argentina, embora afirme que a droga maldita que levou sua irmã e quase o matou ainda esteja presente em sua memória e o leve a ter pensamentos suicidas. É uma música que, embora comece com um saxofone suave e uma atmosfera pacífica, na verdade é bastante sombria, cheia de dor e raiva. Luca deixa seus pulmões correrem soltos em cada refrão, gritando com toda sua fúria o nome do fantasma que o assombra.
Projetada para ser um sucesso, “Los viejos vinagres” é uma música divertida e dançante que apresenta alguns dos versos mais memoráveis ​​do cantor italiano, como “Para você, a pior coisa é a liberdade” e “Juventude, tesouro divino”. É também uma crítica aos conservadores, além da sua idade biológica: "São pessoas com mentalidade. Há crianças de 12 anos que são mais reacionárias do que uma de 50. E, além disso, são mais idiotas", disse Luca em um programa de 1987. Também poderia ser interpretado como uma crítica a outros grupos como Virus e Soda Stereo, que, segundo Luca, se importavam mais com sua aparência e poses do que com sua música.
O sumô marcou uma era e deixou um legado. Enquanto a dicotomia daqueles anos era entre new wave e heavy rock, um estrangeiro chegou para quebrar estereótipos, estabelecer um grupo completamente contracultural e forjar uma identidade única baseada na falta de identificação que muitas pessoas sentiam com a música oferecida. Se não fosse o Luca e o Sumo, o rock nacional não seria o mesmo."

Sebastian Bruno (indiehoy.com)

 

 

 

Integrantes:

Luca Prodan: voz, percussão, backing vocal
Ricardo Mollo: guitarra (elétrica e sintetizada), backing vocal
Germán Daffunchio: guitarra, backing vocal
Roberto Pettinato: saxofone (alto e tenor), acordeão, backing vocal
Diego Arnedo: baixo, backing vocal
Alberto "Superman" Troglio: bateria, percussão, backing vocal

Faixas:

01- Llegando los monos
02- El ojo blindado
03- Estallando desde el océano
04- TV Caliente
05- NextWeek
06- Cinco magníficos
07- Los viejos vinagres
08- No Good
09- Heroin
10- Que me pisen
11- Llegando los monos (Reprise)

 

 

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Quinteplus - Quinteplus ( 1971/72) Reedición 2007

 

A história do Quinteplus começou em 1969, e sua música se assemelha mais ao jazz do que ao rock, mas seus talentosos membros reconheceram e praticaram uma ampla gama de influências musicais. Por meio de seu tecladista, Santiago Giacobbe (que usava um piano elétrico Fender), eles foram pioneiros na incorporação de sons elétricos ao jazz.
Esta edição, publicada pelo selo Vampi Soul em 2007, contém o único álbum de estúdio gravado pelo Quinteplus (exceto por uma faixa), além de quatro gravações ao vivo gravadas em outubro de 1972 no teatro Santa María del Buen Ayre.

Quinteplus era uma espécie de supergrupo formado pelos músicos de jazz crioulos Gustavo Bergalli no trompete, Jorge Sanders no saxofone, Santiago Giacobbe nos teclados, Jorge Gonzalez no baixo e Carlos Pocho Lapouble na bateria. Eles foram uma das bandas mais sólidas do jazz argentino nos anos setenta. Eles tocaram muito ao vivo, mas gravaram poucos álbuns, apenas dois, um em estúdio ("Quinteplus") e outro ao vivo ("En vivo"), que tiveram pouco impacto, especialmente porque sua abordagem musical e estilo estavam muito à frente de seu tempo. Mas é assim que a história da música é frequentemente escrita.
Surgindo em uma época em que uma injeção saudável de rock parecia correr nas veias dos músicos argentinos, o Quinteplus foi levado pela transformação radical do jazz que estava sendo iniciada na época por pessoas como Gato Barbieri, mas de uma forma muito mais nova e relaxada.
A influência do mais elétrico Miles Davis também é evidente – “Silent Way” e “Bitches Brew” estão bem presentes – e do jazz-rock que surgia naquela época. Isso não era desculpa para que eles não se interessassem pelos ritmos folclóricos argentinos. "Nano's Little Step", "The Return of the Elephant", "Loberman the Wolfman" e "Blackman the Vigilante" são títulos que também servem para responder à pergunta de Frank Zappa sobre se música e humor podem ser compatíveis. Ah, um lugar de destaque é conquistado pela versão imperdível do clássico “Los ejes de mi carreta” de Don Atahualpa Yupanqui.

 

Eles foram uma das bandas de jazz argentinas mais sólidas dos anos setenta. Tocaram muito ao vivo, mas gravaram pouquíssimos álbuns, apenas dois, um em estúdio ("Quinteplus") e outro ao vivo ("En vivo"), que tiveram pouco impacto, especialmente porque sua abordagem musical e estilo estavam muito à frente de seu tempo. Sua música combinava jazz com influências evidentes do mais elétrico Miles Davis - "Silent Way" e "Bitches Brew" estão muito presentes - e do jazz-rock que surgia naquela época. Isso não os impediu de se interessarem pela música de sua Argentina natal, e dessa forma também se interessaram pela obra, por exemplo, do folclorista e cantor Atahualpa Yupanqui, de quem fizeram uma versão introspectiva de seu famoso "Los ejes de mi carreta".
Esses álbuns, o primeiro gravado em 1971 e o segundo um ano depois, mantêm um vigor e frescor surpreendentes; aliás, se tivessem gravado neste ano, não surpreenderia (quase) ninguém. A música do Quinteplus variou de do folclore já mencionado a incursões no estilo livre, como em "La vuelta de elefantor", e até mesmo sons que lembram Herbie Hancock e seus Headhunters, em peças como "Loberman, el hombre lobo".
Trata-se de um jazz conciso e vibrante, tocado por músicos criativos que acreditavam no que faziam. Uma oportunidade magnífica para descobrir um quinteto deslumbrante.

José Manuel Pérez Rey (distritojazz.es)

"Na verdade, um dia o Negro González apareceu e nos disse: 'Gente, por que não paramos de tocar 'Las hojas muertas' por um tempo e começamos a compor nossas próprias músicas?' O único que fazia isso no jazz argentino na época era Rodolfo Alchourrón. E todos nós começamos a compor: Pocho Lapouble – o baterista –, Giacobbe, Negro González, Bergalli e eu. Acontece que eu gostei muito da música do Yupanqui e fiz um arranjo para ela. Mas o engraçado é que a imprensa nos rotulou como uma banda de rock, talvez porque Giacobbe tocava teclado Wulitzer, o que havia de mais moderno naquela época..."

Jorge Anders (saxofonista Quinteplus)

 

 

Integrantes:

Gustavo Bergalli: Trompete
Jorge Anders: Saxofone tenor
Santiago Giacobbe: Piano elétrico
Jorge Gonzalez: Baixo, contrabaixo
Carlos Pocho Lapouble: Bateria

Temas:

01- Loberman, el hombre lobo
02- Los ejes de mi carreta
03- Blackman, el justiciero
04- El marques (Parte 1,2 y 3)
05- El pasito de Nano
06- Zamba de mis pagos
07- El rapidón no se rinde (Grabado en vivo, 1972)

08- Pochoclito (Grabado en vivo, 1972)

09- Ode to Billy Joe (Grabado en vivo, 1972)

10- José Blues (Grabado en vivo, 1972)

 

 

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Pastoral - Pastoral + Bonus ( 1973)

 

 

Depois de muitos anos de espera, finalmente temos o primeiro álbum do Pastoral em formato de alta qualidade no estoque. O álbum foi gravado originalmente no ION Studios em outubro de 1973 em apenas 31 horas. Foi lançado originalmente pela gravadora Cabal, mas não teve uma campanha publicitária adequada, resultando em cobertura limitada da mídia local, embora tenha despertado algum interesse no exterior. A partir desse momento, a gravadora decidiu dar mais apoio à dupla.
Hoje, o álbum é considerado um valioso item de colecionador, por ser o álbum de estreia de uma dupla que, mais tarde na carreira, se consolidaria como referência no rock argentino.

 

Poucas apresentações públicas, um completo desconhecimento de técnicas de gravação e uma riqueza de ideias foram o capital com que o Pastoral enfrentou sua primeira experiência de gravação. O resultado foi um álbum de música folclórica, extremamente auspicioso, embora muito limitado tecnicamente. A mesma velha história: a empresa não deu o mínimo de consultoria ou publicidade para tornar o álbum conhecido.

Alejandro: "Entramos no estúdio com um monte de ideias fervilhando na cabeça. Mas não sabíamos nada sobre gravação. Nos jogaram no estúdio completamente abandonados; não havia empresário ou produtor de gravação. Trabalhamos exclusivamente em quase todo o álbum; em algumas partes, um cara tocava piano para quem cantávamos as notas."

A falha mais gritante do álbum é o som. Essa deficiência surgiu nas etapas finais da produção: nessa época, começou a escassez de celulose, e o resultado final era diferente do que era produzido no master de gravação. Todos esses inconvenientes fizeram deste primeiro álbum um trabalho básico de produção. Mesmo assim, o álbum rendeu frutos, pois o responsável pelas vendas no exterior relatou que ele foi bem recebido. Pelo menos no lado criativo, o álbum interessou muitas pessoas na Europa e até no Japão. Por outro lado, em termos de distribuição, o álbum não teve o apoio necessário para chegar à mídia especializada.

Miguel Angel: "Não houve absolutamente nenhuma exposição por parte da gravadora. Se algum DJ se dignou a tocá-lo, foi simplesmente porque fomos e emprestamos a ele, e ele gostou. Não houve nenhuma tentativa da gravadora de dar-lhe qualquer visibilidade. Especificamente, foi um disco malfeito desde o início. A única coisa positiva foi a recepção que teve em alguns países, como a Espanha."

Os contatos mais fortes foram feitos naquele país, onde o material pastoral era mais procurado. A Espanha tem um mercado musical muito importante, que estranhamente continua ignorado pelo rock argentino, com algumas exceções. Tudo isso abriu caminho para que a Pastoral gravasse um segundo LP, dessa vez com as devidas garantias de produção.

A Espanha é um país que nos interessa muito, porque é o mercado mais acessível da Europa — e um dos mais importantes no momento — porque eles consomem muito rock e temos uma língua comum. Graças a tudo isso, surgiu a oportunidade de gravar um novo álbum, desta vez com o apoio da gravadora. Então, com um produto mais finalizado, tentaremos solidificar a possibilidade de lançá-lo naquele país. Mas queremos fazer isso com seriedade: lançar nosso primeiro disco condenaria a gravadora ao fracasso. É por isso que estamos tentando fazer algo que reflita nossas reais possibilidades.

A abordagem da Pastoral em relação ao selo que os representa foi clara: eles exigiram a devolução do contrato que os vinculava. Diante dessa eventualidade, a empresa reconheceu que não deu o suporte necessário à dupla. Mas, por outro lado, eles não queriam cancelar o contrato, porque Pastoral havia se tornado uma figura importante dentro do quadro de funcionários da empresa. Desta forma, foi concluída a gravação de um novo álbum, desta vez cumprindo todos os requisitos essenciais para sua melhor produção.

De Michele e Eurasquin - Sobre a gravação do álbum (1975)

 

O início desta dupla de música clara, vozes suavemente combinadas, letras suaves e basicamente música folclórica é auspicioso. Muitos poderão encontrar semelhanças com outros grupos argentinos. Provavelmente se assemelham a todos eles. Mas há um com quem se assemelham mais do que a qualquer outro: Pastoral. Vamos acabar com as comparações! Com uma boa produção por trás deles, a dupla poderia ter alcançado outra sonoridade, mais concreta e definida, e, além disso, teria lhes dado a possibilidade de desenvolver toda a música e arranjos — que são evidentes — que possuem em seu interior. O surgimento de uma dupla com essas características não é acidental: o movimento está passando por uma fase de crescente acusticamenteização; talvez pelo som intimista, desalienante e especial, no mínimo, natural dos instrumentos. Pastoral faz parte dessa corrente com valores bastante raros de se encontrar em pessoas que estão apenas começando. Capa: Feio. Má ideia, elaboração horrível. Tudo errado. Resumo: música com espírito campestre e ótima ruralidade, mas na cidade. É uma dupla que faz coisas bonitas e com empenho.

 

Revista Pelo - Crítica do Álbum (1975) 

Integrantes:

Alejandro de Michele: Guitarra, voz
Miguel Ángel Erausquin: Guitarra, voz

Temas:

01- Libertad Pastoral
02- Tema del Hombre Yo
03- Tía Negra
04- Simulacro de Vida
05- Girasoles de Papel
06- Improviso y Hermoso
07- En el Hospicio (Version original)
08- Historias Recortadas
09- Mi Soledad Sola
10- Hoy, Recién Hoy
11- José, el Pastor Espiritual
12- Hay que Comprender

Bonus Tracks:

13- Vicente Marrón

12- Tres Manchas de Humedad

14- Libertad Pastoral (Versión Radio) 

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Claudio Gabis - Claudio Gabis (1974)

 

 

Segundo álbum solo de Claudio Gabis, lançado em 1974, com participações especiais como Charly Garcia, David Lebon, Black Amaya, Juan Rodriguez e vários de seus ilustres companheiros de banda de La Pesada del Rock and Roll.

 

Entre a gravação de "Claudio Gabis y La Pesada" e a gravação do álbum seguinte, "Claudio Gabis", passou-se cerca de um ano. Durante esse período, mudei-me para o Brasil, para Búzios, onde vivi sete ou oito meses, até ter de regressar devido a um problema de saúde com a minha esposa. Regressei em agosto ou setembro de 73, lembro-me bem porque foi pouco antes da queda de Salvador Allende no Chile. De lá e até ao início de 74, este segundo álbum foi gravado. Quando regressei, voltei a integrar La Pesada del Rock and Roll. Encontrei o país totalmente politizado. Estava totalmente "abrasileirado": mais místico do que nunca e muito interessado no tema da ecologia, entre outras coisas. Pensei automaticamente em La Pesada como os músicos do álbum, mas também, antes de ir para o Brasil, tinha participado no álbum "Vida", do Sui Generis, pelo que Charly García e Nito Mestre também participaram nas sessões, assim como o baterista Juan Rodríguez, David Lebón — com quem compartilhei um período significativo de amizade na época, que nunca foi renovado — e Emilio Kauderer, que fez parte da minha primeira banda, Bubbling Awe, antes de Manal. Ele poderia ter sido o tecladista de Manal, mas não se interessou. E acabou compondo, por exemplo, quase todas as trilhas sonoras dos filmes de Aristarain. Ele foi meu "parceiro" musical durante toda a minha adolescência; recebi minha formação musical dele. Hoje ele mora nos Estados Unidos.

Cláudio Gabis (Sobre "Cláudio Gabis")

 

Quando este guitarrista argentino começou a transcender as massas, tinha apenas vinte anos. Hoje, ele obviamente cresceu. Mas se saiu bem com suas preocupações terrenas e com aquela magia imprecisa chamada música, no seu caso, à espreita em uma guitarra elétrica. Gabis era originalmente um guitarrista de blues, atraído pelas circunstâncias para o movimento do rock, período em que, apesar de seus esforços, não demonstrou a força de sua criatividade habitual no blues e em diversas abordagens do jazz. Este segundo álbum, maravilhosamente superior em termos de "coco" e sensibilidade ao primeiro, tem em seu interlúdio uma residência no exterior que evidentemente influenciou seu tratamento da música, que vai além da anedota das letras inquisitivas e duvidosas de "Bajando a Buenos Aires". Apesar do aparente apego ao blues (cinco das oito faixas são intituladas assim), Gabis navega por outros céus, talvez ainda desconhecidos para si mesmo. Diante dessa eventualidade, a colaboração dos músicos que o acompanharam parece indecisa. Mas a guitarra de Gabis compensa. Afinal, este é Um álbum de um guitarrista solo. E se há vocais, é apenas para transmitir o que Claudio pensa e queria que todos soubessem.
Capa: Boa composição fotográfica, com uma contracapa "elegante". Resumo: Claudio Gabis, um dos guitarristas mais requintados do país, faz música quase sempre experimental e aguda.

Revista Pelo - Crítica do Álbum (1974)

 

 

 

Músicos:

Claudio Gabis: Guitarra elétrica, violão, gaita, piano, backing vocals
Alejandro Medina: Baixo, vocais
Jorge Pinchevsky: Violino
David Lebón: Vocais, backing vocals
Charly Garcia: Órgão
Juan Rodriguez: Bateria, acessórios
Black Amaya: Bateria
Emilio Krauderer: Piano elétrico
Billy Bond: Backing vocals, palmas
Carlos Abalos: Backing vocals, palmas

Temas:

01- Esto se acaba aqui
02- Blues de la tierra supernova
03- Danza del mago
04- Temas de Sonia
05- Bajando a Buenos Aires
06- Blues de un domingo lluvioso
07- El amor tiene cara de oso
08- Me voy lejos de la ciudad

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The Who - The Live Tommy Unauthorised (1993) Bootleg

The Who - The Complete Amsterdam 1969 Remasterizado

Local: The Concertgebouw, Amsterdã, Holanda
Data: 29 de setembro de 1969.

A maior banda de rock'n'roll do mundo de todos os tempos em seu auge absoluto!! O áudio foi cuidadosamente remasterizado com grande dedicação. Nunca soou tão bem antes.

Sobre a gravação: Esta gravação foi feita por uma transmissão de rádio/TV holandesa. Não é 100% certo quem fez isso, mas provavelmente foi feito pela VPRO, que também fez a gravação do Pink Floyd no mesmo ano no mesmo local. E assim como aquela gravação do Pink Floyd, esta também foi pirateada um milhão de vezes de várias fontes muito boas a muito ruins. Todas essas fontes foram originadas de transmissões de rádio. Naquela época, e ainda hoje, o Concertgebouw não era um lugar para bandas de rock, mas para óperas e outras músicas clássicas. Mixado diretamente para 2 faixas, esta pode ser uma das razões pelas quais o engenheiro de mixagem teve dificuldade em encontrar o equilíbrio certo. A mixagem muda frequentemente e, às vezes, a bateria ou a guitarra simplesmente desaparecem ou ficam enterradas por um tempo. Também deve ter sido difícil para a banda se ouvir, por causa da acústica extremamente reverberante. Lembre-se, estávamos em 1969 e o monitoramento de som no palco ainda era algo para o futuro. Comparando este show com outros do The Who desse período, este provavelmente não é o melhor. Roger Daltrey disse certa vez que não achou que cantou muito bem naquela noite.

The Who 1969

 E tocar o álbum do Tommy no palco obviamente não era uma rotina para a banda ainda. Mas há mais do que o suficiente para aproveitar aqui. É a única gravação completa do Who's Soundboard deste ano. É também a única com linhagem completa e tem o melhor som. Além disso, todas as outras fitas do Who's Soundboard estão longe de estar completas e não contêm a maior parte do Tommy. Por volta de 2000, uma fonte pré-FM deste show foi descoberta. Curiosamente, o mesmo aconteceu com a gravação do Pink Floyd mencionada anteriormente, mas essa é outra história. Elas podem ter vindo da mesma pessoa. Leia a citação abaixo: "Minha fonte em Amsterdã trabalhou em um especial de aniversário do Who, para a mesma estação de rádio que transmitiu o show em 1969. Ele sugeriu que o DJ usasse parte deste show, então um técnico produziu as masters originais. Ele aproveitou a oportunidade para fazer uma cópia em seu equipamento profissional de rolo. Nosso CD foi transferido de seus rolos de primeira geração."

The Who no palco 1969

Embora este programa tenha sido removido repetidamente, esta é a VERDADEIRA fonte. O som é incrível, como se tivesse sido gravado no rádio ontem, perfeito, exceto por um pequeno chiado nas partes mais silenciosas. Minha fonte ficou chateada porque este programa foi removido recentemente de uma cópia de suas fitas. Embora contenha a lista completa de músicas, ele removeu trechos importantes de diálogos de todas as cópias que fez e conseguiu encontrar a fonte da remoção. Sua "vingança" foi oferecer o programa COMPLETO a quem quisesse e encorajou alguém a fazer uma árvore de fitas para desencorajar o gasto de dinheiro com o bootleg. Segundo ele, a recente remoção de "Amsterdam Journey" no selo Hiwatt é a que foi removida de sua cópia. (Para registro: a fonte usada aqui é aquela com o diálogo)
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Tommy: A Ópera Rock.
O primeiro dia de gravação da ópera rock Tommy, do The Who, aconteceu no IBC Studios, em Portland Place, Londres, em 22 de setembro de 1968.
Pete Townshend: Era para ser uma série de singles, e qualquer desvio disso era introduzido pelo coaching de Kit Lambert: "Mantenha isso, escreva outra música e repita isso". Então, eu apenas escrevi trechos e os coloquei em músicas. Pode parecer que fluiu, mas quando apresentei para a banda, era simplesmente uma série de músicas.
Roger Daltrey: O sonho de Kit Lambert era realmente fazer uma Obra Importante na música rock — se é que alguma vez existiu algo assim. Kit tinha uma formação clássica — seu pai, Constant Lambert, foi o fundador da Ópera Nacional Inglesa — e, tendo esse tipo de educação, o frustrava que houvesse todas essas grandes histórias sendo contadas na música clássica. Então, por que o rock não poderia se dedicar a algo mais sério do que um trecho de três minutos?
Era muito diferente do que fazíamos, mas tentávamos qualquer coisa. Só alguém como Kit conseguiria fazer o Tommy, no entanto — toda a euforia que o acompanhava. Quer dizer, a narrativa não é particularmente boa, né? Mas, pensando bem, tem uma narrativa, que é mais do que Quadrophenia tinha!
John Entwistle: Começamos fazendo o que era basicamente um álbum único, mas não fazia sentido. Percebemos que a única maneira de torná-lo coerente era fazer um álbum duplo, porque aconteceram muito mais coisas com o Tommy do que caberia em um álbum só.

Keith Moon: Compusemos a maior parte de Tommy num pub em frente ao estúdio de gravação.
John Entwistle: Levamos oito meses no total, seis meses gravando e dois meses mixando. Tivemos que refazer tantas faixas, porque demorava tanto que tínhamos que ficar voltando e rejuvenescendo as músicas, que isso começou a nos deixar loucos, estávamos sofrendo uma lavagem cerebral com a coisa toda, e eu comecei a odiar.
Pete Townshend: [Tommy] era completamente autobiográfico. Tudo o que eu sabia era que passava um tempo com uma avó de quem eu não gostava muito. "Me veja, me sinta, me toque." De onde veio isso? Veio daquele garotinho de quatro anos e meio num quarto destrancado numa casa com uma louca. Foi daí que veio.
Eu estava tentando seriamente evitar escrever algo autobiográfico. Todos os primeiros trabalhos do The Who eram sobre seu público inicial; achávamos que o rock deveria refletir seu público. Era isso que tornava o rock'n'roll único como forma de arte. Eu tendia a escrever, se não minha própria biografia, certamente uma biografia encapsulada, montada a partir de pedaços do público. No entanto, Tommy me pareceu - quando eu estava escrevendo - a exceção a isso.
Roger Daltrey: Pete costumava literalmente escrever suas melhores coisas quando estava escrevendo sobre um personagem que ele podia ver muito, muito claramente de fora de si mesmo. Quando ele fica introspectivo, isso se transforma em lixo melodramático. E algumas dessas coisas são realmente boas e eu admiro sua coragem por fazer isso. Então, não o estou menosprezando por isso, mas ele escreve suas melhores coisas quando está escrevendo para uma figura além de si mesmo. E eu era essa figura. E é claro que eu personificava Tommy. Eu era o cara que costumava interpretar o papel. Eu interpretei o maldito papel por cinco anos. Eu me esforcei ao redor do mundo, suando muito. As pessoas pensavam que eu era Tommy. Eu costumava ser chamado de Tommy na rua.

The Who no palco 1969

John Entwistle: Quando fizemos Tommy, tínhamos aumentado para oito faixas, mas gravamos apenas cinco. As últimas três eram para a orquestração, mas não tínhamos dinheiro para isso.
Roger Daltrey: Pete costumava chegar alguns dias com apenas metade de uma demo. Costumávamos conversar por horas, literalmente. Provavelmente conversávamos tanto quanto gravávamos. Resolvendo arranjos e outras coisas em Tommy.
Pete Townshend: Eu não escrevi Tommy em nenhuma ordem cronológica. Eu já tinha parte do material - "Amazing Journey", "Sensation", "Welcome", "Sparks" e "Overture". "We're Not Gonna Take It" era uma espécie de declaração antifascista. Coloquei o primeiro resumo da ideia em um gráfico. A intenção era mostrar Tommy de fora e suas impressões internas.
John Entwistle: Pete sugeriu que eu escrevesse duas músicas que ele sentia que não conseguiria compor.
Roger Daltrey: As músicas mais importantes de Tommy, que lhe dão esse toque especial, são "Cousin Kevin" e "Uncle Ernie", escritas por John Entwistle, não por Pete.
John Entwistle: Basicamente, o briefing que recebi foi para escrever uma música sobre uma experiência homossexual com um tio desagradável e uma experiência de bullying por... Não sei se "primo" foi realmente mencionado, mas imaginei que poderia muito bem ser o filho do Tio Ernie. Achei muito fácil. Eu já tinha escrito "Fiddle About", para o personagem Tio Ernie, quando voltei para o quarto. Se tenho uma ideia para uma música, ela surge quase imediatamente.
Pete Townshend: Não considero o álbum doentio. Na verdade, o que eu queria mostrar é que alguém que sofre terrivelmente nas mãos da sociedade tem a capacidade de transformar todas essas experiências em uma tremenda consciência musical. A doença está na mente de quem ouve e eu não dou a mínima para o que as pessoas pensam.

Roger Daltrey: Tommy surgiu em um momento de nossas vidas em que todos buscavam respostas. A ambiguidade de Tommy permitiu que ele respondesse a muitas coisas para muitas pessoas diferentes. Mas, na verdade, não respondeu a nada. Essa é a beleza da coisa.
Pete Townshend: Não há fim. O que eu estava fazendo na época era prestar atenção ao fato de que no rock'n'roll o que você não faz é tomar decisões pelas pessoas. Você compartilha suas ideias, dificuldades e frustrações.
John Entwistle: Eu só toquei o disco duas vezes — em todas as ocasiões. Não acho que Tommy fosse tudo sobre o que estava no disco — acho que é no palco. A mensagem é muito mais forte no palco do que no disco.
Pete Townshend: Suponho que o erro que cometi em Tommy foi, em vez de ter a coragem de aceitar o que Meher Baba disse — que era "Não se preocupe, seja feliz, deixe os resultados para Deus" — e repetir isso para as pessoas, eu decidi que as pessoas não eram capazes de ouvir aquilo diretamente. Eles precisam ter isso servido neste pacote de entretenimento. E eu lhes dei Tommy, em vez disso, no qual algumas das verdades maravilhosamente explícitas de Meher Baba foram apresentadas a eles de forma incompleta, em forma de letra e, como resultado, diluídas. Na verdade, se havia algum aviso em Tommy, era: "Não façam mais discos como esse". [trecho de The Who - The Day-By-Day Story, de Johnny Black. 2001, p. 142-145
]

Lançamento de Tommy
em 23 de maio de 1969. O The Who lança seu álbum de ópera rock, Tommy, no Reino Unido. Naquela noite, eles tocam no Electric Factory, Filadélfia, Pensilvânia.

Leonard Bernstein (compositor/maestro): Pete Townshend, do grupo mais forte e inovador do rock, tornou o sonho realidade com Tommy, uma ópera rock completa que, em termos de poder, invenção e brilhantismo de performance, supera qualquer coisa que já tenha saído de um estúdio de gravação.
Pete Townshend: Brincávamos como grupo sobre Tommy ser uma ópera de verdade (o que não é), mas o público do The Who e grande parte da imprensa rock levaram isso muito a sério. Foi essa seriedade que, em última análise, transformou Tommy em entretenimento leve.
Roger Daltrey: Na verdade, o álbum Tommy não foi um sucesso particularmente grande. Entrou nas paradas, mas depois desapareceu rapidamente. Foi só depois de o promovermos na estrada por três anos, fazendo Woodstock e coisas do tipo, que ele voltou às paradas. Então, ficou lá por um ano e ganhou vida própria. Estávamos completamente quebrados e arruinados antes de Tommy, e pelos três anos seguintes, até que ele se popularizou. Mas quando se popularizou, fez toda a nossa fortuna.
Pete Townshend: Passamos do ridículo ao sublime — sendo considerados gênios musicais quando, na verdade, éramos apenas um bando de canalhas. [trecho de The Who - The Day-By-Day Story, de Johnny Black. 2001, p. 155-156]
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Esta gravação pirata vem do meu CD Grapefruit, foi ripada para MP3 (320 kps) e inclui a arte completa. A qualidade da gravação melhora do início ao fim e é indicativa do som ao vivo que o The Who produzia em 1969. Observe que a penúltima faixa, Boris The Spider, não pertence a essas gravações de Amsterdã e, na verdade, vem de seu show anterior em Fillmore East. Embora não seja a lista completa de faixas de Tommy, a essência da ópera rock certamente está representada aqui. Então, Tommy, você consegue me ouvir?

Lista de faixas

01 Substitute
02 Happy Jack
03 I'm A Boy
04 I Can't Explain
05 Overture
06 It's A Boy
07 1921

08 Amazing Journey
09 Sparks
10 Eyesight To The Blind (The Hawker)
11 Christmas
12 The Acid Queen
13 Pinball Wizard
14 Do You Think It's Alright
15 Fiddle About
16 Tommy Can You Hear Me

17 There's A Doctor.
18 Go To The Mirror

19 Smash The Mirror
20 Miracle Cure
21 Sally Simpson
22 I'm Free
23 Tommy's Holiday Camp
24 We're Not Gonna Take It
25 See Me, Feel Me
26 Sumertime Blues
27 Shakin' All Over
28 Boris The Spider
29 My Generation

.The Who Line Up:
Pete Townshend (guitarra, vocal)
Roger Daltrey (vocal)
John Entwistle (baixo, vocal)
Keith Moon (bateria, vocal) . 

MUSICA&SOM ☝

Electric Light Orchestra - Balance Of Power (1986)

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Formada por Lynne, Wood e Bevan, integrantes do grupo pop dos anos 60 The Move, a Electric Light Orchestra (ELO) pretendia dar continuidade ao som progressivo que os Beatles inventaram com "I Am The Walrus". O álbum de estreia homônimo foi lançado no final de 1971 e continha um hit no Top 10 do Reino Unido, "10538 Overture", mas Wood saiu no ano seguinte.

"ELO2" incluiu um segundo hit no Top 10, "Roll Over Beethoven", de Chuck Berry. O baixista Richard Tandy passou para os teclados, e uma série de álbuns se seguiram, notavelmente o álbum de sucesso "Eldorado", de 1974, que chegou ao Top 20 dos EUA. Depois de "Face The Music" (1975), "A New World Record" (1976) foi o maior deles até então, com os singles de sucesso "Livin' Thing" e "Telephone Line".

No auge do punk, o álbum duplo 'Out Of The Blue' de 1977 alcançou a quarta posição no Reino Unido e nos EUA, enquanto 'Discovery' (1979) e 'Time' (1981) deram ao ELO seus dois álbuns número 1 no Reino Unido. Após 'Secret Messages' de 1983, no entanto, Lynne deu um descanso à banda para se concentrar em seu trabalho de produção, mas eles retornaram brevemente para 'Balance Of Power' de 1986: 'Calling America' foi seu 26º single no Top 40 do Reino Unido.

Dois anos depois, Lynne se juntou ao Traveling Wilburys e gravou o álbum solo 'Armchair Theatre'. Em 1991, Bev Bevan reformulou a banda como ELO Part 2 - sem Lynne e sem sucesso.

Orquestra de Luz Elétrica 1986

Revisão 1

'Balance of Power' é o décimo primeiro álbum de estúdio da Electric Light Orchestra (ELO), lançado em 1986. É o último álbum da banda a contar com o cofundador Bev Bevan na bateria, bem como o último álbum a contar com o tecladista Richard Tandy em caráter oficial.

Como muitos artistas pop, Jeff Lynne tinha o hábito de reciclar suas ideias, distorcendo-as e invertendo-as conforme passava de um álbum para o outro. De modo geral, a conexão entre duas músicas não tinha a intenção de fornecer uma visão lírica; em vez disso, limitava-se ao seu desejo inabalável de aprimorar seus conceitos melódicos e sinfônicos anteriores. Com o 11º lançamento da Electric Light Orchestra, "Balance of Power", no entanto, Lynne adotou uma abordagem diferente. Após o gigantesco lançamento Out of the Blue, a banda havia fracassado em sua capacidade de levar sua música adiante, um produto, sem dúvida, de seus laços estreitos com os anos 70. Embora o grupo permanecesse popular, principalmente no Reino Unido, também estava começando a perder força.

Lynne, Tandy e Bevan

As músicas de "Balance of Power" refletiam a tristeza de Lynne com o fim iminente da Electric Light Orchestra, embora ele simultaneamente abrigasse suas reflexões no contexto de um caso de amor em declínio. Consequentemente, embora a música fosse genuinamente alegre, havia texturas mais sombrias borbulhando sob sua superfície. Frustração e raiva espreitavam em "Secret Lives", por exemplo, e uma melancolia melancólica se apegava a "Is It Alright". Embora Lynne permanecesse focado em dar seu próprio toque estilístico aos cânones dos Beatles e dos Beach Boys, o único momento verdadeiramente reconfigurado de seu passado ocorreu em "Sorrow about to Fall". Ecos de "Evil Woman" e "Showdown" foram inseridos no arranjo aquoso e espiralado da música, conferindo assim um significado maior às duas interpretações do álbum como um todo.

Ligando para a América

No entanto, "Balance of Power" foi marcado por uma falha fatal. Ao tentar superar suas dificuldades para compor novo material, Lynne abandonou as orquestrações que antes definiam a música da Electric Light Orchestra. À primeira vista, essa não foi necessariamente uma estratégia ruim para ele, especialmente porque começou a se sentir sufocado pela necessidade de criar seus arranjos habitualmente complexos. O que ele utilizou, no entanto, foi uma forte dose de efeitos eletrônicos. As baterias eletrônicas e os sintetizadores sufocaram a música, deixando-a envolta em uma esterilidade fria e calculada à qual uma seção de cordas ao vivo, ironicamente, teria adicionado um calor muito necessário. Embora o single de sucesso "Calling America" ​​tenha tido mérito, em grande parte por sua melodia cativante, a maior parte da apresentação foi superficial.

Antes da criação de "Balance of Power", Lynne havia trabalhado com Dave Edmunds em Information e Riff Raff, e logo seria contratado para produzir Mystery Girl, o álbum de retorno de Roy Orbison no final dos anos 80. Nesse sentido, as duas últimas faixas da versão original (Endless Lies e Send It) deram muitas dicas sobre onde o coração e a mente de Lynne estavam cada vez mais se concentrando. "Balance of Power", portanto, foi o trabalho de transição que permitiu a Lynne encerrar o ciclo da Electric Light Orchestra e se posicionar melhor para a próxima fase de sua carreira como um produtor respeitado, ainda que autoritário. [Crítica de John Metzger no musicbox-online ]

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Revisão 2

A primeira metade de Balance of Power é razoável, mas, incomum para um álbum do ELO, carece de momentos realmente iluminados. A faixa de abertura, "Heaven Only Knows", funciona melhor como uma canção natalina única com sintetizadores, com os dings e dongs dos sintetizadores. "So Serious" segue, e aposto que se você tocasse a música tema de The Never Ending Story logo depois, eu não conseguiria dizer. Essas duas músicas soam tão parecidas que me surpreende que as gravadoras não tenham enganado os compradores trocando as duas músicas ocasionalmente. Há um toque esperançoso de piano escondido no fundo de "Getting to the Point", mas, novamente, o synthpop dos anos 80 a abafa. Temos um pouco de variedade em "Secret Lives", quando algumas batidas estilo ska new wave e um pouco de saxofone nos conduzem pelos versos, como uma espécie de oferenda do Synchronicity, do Police. Então, voltamos ao tom genérico quando "Is It Alright" rola. 

Essas faixas definem a primeira metade do álbum e, até agora, não parece muito bom para o ELO. Qualquer banda de new wave ou synthpop teria conseguido. Cadê aquele som de "Evil Woman" que eu esperava? O que aconteceu com a ternura que ouvi em "Telephone Line"? Cadê o som grandioso de "Mr. Blue Sky"? Não é ruim, pelo menos, mas também não impressiona. 

Você pode colocar este LP para tocar na boate e pelo menos você o acharia bom para festejar – embora eu esteja presumindo muitas coisas ao fazer essa afirmação, considerando que eu particularmente não gosto desse tipo de evento. Agora, o resto do Balance of Power é o mesmo de antes? Na verdade, não exatamente. "Sorrow About to Fall" tem uma vibe de disco sintetizador, mas há momentos em que os sintetizadores imitam aqueles acordes clássicos do ELO que estavam faltando nos últimos 17 minutos. Mais esperança surge em "Without Someone", com um início de sintetizador muito parecido com o ELO e um solo de guitarra brilhando como um farol logo no meio da música. "Calling America" ​​segue e é uma das melhores faixas do álbum. Lembra mais suas canções de rock artístico, como uma versão sintetizada de "Rockaria!" Claro, não é tão boa quanto a música à qual aludi, mas esta é muito boa comparada ao que o Balance of Power já entregou até agora. 

Tandy, Lynne e Bevan

Logo depois de "Calling America" ​​vem o que considero a melhor música do álbum, "Endless Lies". Esta é de longe a música que mais soa como ELO aqui. O que eu estava dizendo antes sobre querer um monte de outras músicas clássicas? Aqui estão elas. Uma vibe de "Evil Woman" com o tom de "Telephone Line" e a sensação de ascensão de "Mr. Blue Sky". É mais lenta em comparação com o resto de Balance of Power e menos dependente dos sintetizadores, optando mais por algumas guitarras e baterias melancólicas. Este é o farol do álbum, a faixa que deveria ter sido a diretora sonora. Percebo que Lynne queria um novo som ELO, mas como não fiz essa tentativa sair eloquente, fico feliz que "Endless Lies" retenha aquela sensação clássica de ELO em um mar de ruído new wave genérico. Agora, isso deveria ter encerrado o álbum, mas no último ato, o sintetizador colide com o rock and roll em "Send It". Embora esteja um pouco acima da média em comparação com o material genérico que encontramos até agora, parece exagerado e desnecessário.

Se o ELO tivesse começado com esse tipo de música, eles teriam um apelo razoável como qualquer outra banda dos anos 80, porque o Balance of Power soa como tudo o mais naquela época. Nesse universo, porém, o ELO era um mestre incrível em misturar rock criativo com melodias clássicas, nos dando faixas memoráveis ​​como "One Summer Dream" e "Tightrope". Previsivelmente, qualquer tentativa de se afastar desse som será vista com certo desdém. Não me importo que as pessoas explorem outros tipos de música, mas se suas incursões não derem resultado, então esse desdém vai aparecer. Para o ELO, a mudança de Lynne não foi a melhor e, graças a Deus, eles não continuaram nesse caminho. Não acredito que eles tivessem a capacidade de fazer aquela música com sintetizadores bem o suficiente para justificar a mudança, considerando como a banda foi essencialmente estereotipada como o grupo do rock com violinos. 

Desse álbum que marcou o colapso da banda, "Calling America" ​​e "Endless Lies" são os pontos mais altos musicalmente, enquanto os demais são bons, mas não realmente acima da média. Se você tentar analisar Balance of Power liricamente, não chegará a lugar nenhum. As letras aqui não são particularmente impressionantes, exceto "Endless Lies". No final, tudo se resume à música, e ela erra o alvo mais do que o suficiente. Este álbum do ELO não é um destaque, mas pelo menos é ouvível. Ele soa muito seguro e muito parecido com a música estabelecida. [Extrato de Biased Reviews ]

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Este post consiste em MP3s (320 kps) extraídos do meu vinil imaculado e inclui as capas de álbuns e scans de selos de sempre. Embora uma versão expandida deste álbum tenha sido lançada em CD em 2007, optei por apresentar apenas o álbum original para me manter fiel ao que a banda produzia no final da carreira, antes de encerrar suas atividades em 1986. Só me deparei com este álbum por acaso no mês passado, enquanto participava de uma feira de discos e livros organizada pela rádio 3MBS de Melbourne, e esta foi uma das muitas preciosidades que consegui comprar por US$ 2 cada. Sim, sou mais um campista feliz.

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Lista de faixas

1. Heaven Only Knows (2:52)

2. So Serious (2:38)

3. Getting to the Point (4:28)

4. Secret Lives (3:26)

5. It Is Alright (3:25)

6. Sorrow About to Fall (3:59)

7. Without Someone (2:48)

8. Calling America (3:26)

9. Endless Lies (2:55)

10. Send It (3:04)

Alinhar:

Jeff Lynne - vocal principal e de apoio, guitarra, baixo, teclado, piano, produtor 

Richard Tandy - teclados, piano, programação de sequências

Bev Bevan - bateria, percussão 

Christian Schneider - sax

MUSICA&SOM ☝

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Robert Plant - Starting Over (1983) Bootleg

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Robert Plant é um cantor e compositor de rock britânico, mais conhecido como vocalista e letrista da banda Led Zeppelin. Inspirado desde jovem por Elvis Presley, Plant abandonou a escola para iniciar sua carreira musical. Apresentou-se com diversos grupos antes de ser descoberto por Jimmy Page, que procurava um vocalista para uma nova banda que estava formando, chamada New Yardbirds. O grupo acabou se tornando Led Zeppelin.

Em 1982, Plant lançou sua carreira solo com "Pictures at Eleven", que obteve bom desempenho nas paradas de álbuns. Em seguida, lançou "The Principle of Moments" (1983), conhecido pelo single suave "Big Log". Gravando com Page, o guitarrista Jeff Beck e o guitarrista/produtor Nile Rodgers, Plant foi o vocalista principal de um projeto colaborativo influenciado pelo R&B chamado "The Honeydrippers, Vol. 1" (1984). O grupo teve dois singles de sucesso, a balada "Sea of ​​Love" e a mais animada "Rockin' at Midnight".

Reunindo-se com Page e Jones, Plant revisitou seus dias de Led Zeppelin no show beneficente Live Aid em 1985. Ele lançou outro trabalho solo, 'Shaken 'n' Stirred' naquele ano, no qual ele experimentou com estilos de hip-hop. Em 1988, Plant contribuiu para a estreia solo de Page, 'Outrider', além de lançar 'Now & Zen' em resposta aos pedidos fervorosos dos fãs por material do Led Zeppelin. Ele então lançou 'Manic Nirvana' (1990), que recebeu ótimas críticas e alcançou a 13ª posição nas paradas de álbuns. Ele se juntou novamente a Page e Jones em 1988 para o show especial realizado em homenagem ao 25º aniversário da Atlantic Records. Desta vez, no entanto, Jason Bonham, filho do falecido John Bonham, substituiu a bateria. Em

'For Fate of Nations' (1993), Plant explorou um som mais folk. Ele então se reuniu com Page para "No Quarter: Jimmy Page and Robert Plant Unledded" (1994). Juntos, revisitaram clássicos do Led Zeppelin, retrabalhando-os com forte influência marroquina e árabe. Também gravaram algumas músicas inéditas para este projeto, que resultou em um especial de televisão e uma turnê em 1995. No mesmo ano, o Led Zeppelin foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll.

Três anos depois, Plant e Page lançaram um novo álbum de estúdio, "Walking Into Clarksdale" (1998). A gravação recebeu críticas elogiosas e rendeu à dupla um Grammy de Melhor Performance de Hard Rock por "Most High". Após um longo hiato, Plant retornou no final de 2001 com seu álbum solo "Dreamland". Dois anos depois, ele lançou "Sixty Six to Timbuktu", uma coletânea de dois discos dedicada exclusivamente a obras da carreira solo de Plant, incluindo "Tall Cool One" e "Upside Down".

Plant recebeu algumas das melhores críticas de sua carreira solo por "Mighty Rearranger" (2005). Incorporando ritmos africanos, blues, rock psicodélico e baladas celtas, ele criou "uma coleção de canções que soam gloriosamente cruas, relevantes e, acima de tudo, rockeiras", como escreveu um jornalista musical. Plant viu sua carreira atingir novos patamares com outra experiência musical, colaborando com Alison Krauss no álbum country-folk de 2007, "Raising Sand". A gravação rapidamente se tornou um sucesso de vendas nos Estados Unidos e ganhou cinco prêmios Grammy, incluindo as honrarias de Álbum do Ano e Gravação do Ano por "Please Read the Letter".

Reunindo-se com outros membros sobreviventes do Led Zeppelin, Plant se apresentou em um show beneficente especial para o Fundo Educacional Ahmet Ertegun, em homenagem ao falecido cofundador da Atlantic Records. Os ingressos para o show de 10 de dezembro esgotaram rapidamente, a primeira apresentação do Led Zeppelin em 19 anos (com Jason Bonham novamente substituindo seu falecido pai na bateria).

Após o enorme sucesso do show, surgiram rumores sobre uma possível turnê e álbum de reunião do Led Zeppelin. Plant, no entanto, divulgou um comunicado em 2008 afirmando que não estava interessado em fazer turnês pelos próximos anos. Seus ex-companheiros de banda discutiram publicamente a possibilidade de continuar sem ele, mas ainda não fizeram turnês nem gravaram material novo.

Em julho de 2009, Plant recebeu uma homenagem especial. Foi nomeado Comandante da Ordem do Império Britânico por seus serviços à área da música. O Príncipe Charles lhe concedeu a honraria em uma cerimônia realizada no Palácio de Buckingham. [trecho de biography.com ]

O Bootleg
Este é um bootleg extremamente raro, há muito tempo fora de catálogo, de edição limitada, de "Starting Over" de Robert Plant, ao vivo de Houston, Dallas e Austin, Texas, em sua primeira aventura solo em 1983 para a turnê Principle of Moments, com Phil Collins na bateria. Este é um show completo, soundboard, em 2 LPs de vinil.

Claro que não há faixas do Zep, mas o show é incrível. Primeiro, apesar de toda a tagarelice de Plant sobre deixar o Zep para trás, muitas músicas tinham Plant improvisando no estilo do Zep e fazendo alguns daqueles uivos sustentados lendários. Robbie Blunt está excelente, com seu som único e consegue ser sutil e contundente como as músicas exigem. Algumas das músicas de estúdio, que são um pouco "fracas" no vinil, funcionam bem ao vivo. Acho que Plant deve ter enlouquecido para perder Blunt.

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil imaculado, que comprei no Victoria Market (Melbourne) em meados dos anos 80 pela exorbitante quantia de US$ 25. Incluí a arte completa do álbum e scans do selo, mas observe que a lista de faixas na contracapa não é precisa.
Além disso, as fotos de Plant retratadas na contracapa são de quando ele era vocalista do Led Zeppelin, enquanto a foto da capa é mais fiel à sua aparência em 1983.

Este bootleg de vinil duplo é um dos meus bens mais preciosos, e a qualidade sonora da gravação é 10/10. Este bootleg foi lançado com outros títulos, a saber: "Texas Toast 1983" (King Biscuit Flower Hour) e "Robert Plant - Austin Texas".
Espero que gostem deste último post de 2017, mas fiquem ligados, pois tenho muitas outras raridades para postar no ano novo.

Lista de Faixas

01 -  In The Mood
02 -  Pledge Pin
.03 -  Messin' With The Mekon
04 - Worse Than Detroit
05 - Moonlight In Samosa
06 - Fat Lip
07 - Slow Dancer
08 - Big Log
09 - Burning Down One Side
10 - Other Arms
11 - Horizontal Departure
12 - Like I've Never Been Gone

Artistas :

 Robert Plant - Vocal Robbie Blunt - Guitarra
Bob Mayo - Guitarra base
Jeff Woodroppe - Teclado
Paul Martinez - Baixo
Phil Collins - Bateria
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MUSICA&SOM ☝



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