A grande diva da música maliense, Oumou Sangaré , que não gravava há oito anos, entrega seu trabalho magistral, Mogoya , sob um novo selo (No Format!), com sons mais modernos e dançantes, com a dose certa de música eletrônica para criar atmosferas que mantêm a essência da música da região de Wassoulou, da qual Oumou Sangaré é uma de suas grandes embaixadoras. Como em seus trabalhos anteriores, Sangaré compõe todas as músicas, que continuam a abordar o que seus ouvintes esperam dela, levando em conta que a cantora maliense é o modelo para uma geração de mulheres africanas: feminista, empreendedora, enraizada na tradição e aberta a novas influências. Mogoya é baseado no poder bruto da voz de Oumou, combinando instrumentos africanos tradicionais – n'goni (harpa), karignan (raspador de metal) e percussão de cabaça – com guitarra elétrica, baixo, teclados, sintetizadores e o lendário Tony Allen na bateria. A primeira faixa, "Bena Bena", aborda a ingratidão ou a falta de apreço das pessoas hoje em dia. O baterista nigeriano Tony Allen participa como convidado especial na canção antissuicídio "Yere Faga" e na eletrizante "Fadjamou", que enfatiza a importância de honrar o nome da família e a ancestralidade.
"Mali Niale" baseia-se na música acústica folclórica que Sangaré tão bem representa e é um apelo à diáspora maliense para que retorne ao seu país e faça a diferença no futuro do país. Benogo Diaketé toca o n'goni em "Kamelemba", ao lado de Guimba Koyaté, que toca guitarra elétrica com estilo e técnica distintos, numa canção que tem um viés parental, sendo um severo aviso às jovens para que desconfiem de certos tipos de homens. Há um toque popular de dança afro-pop em "Djoukourou", que enaltece a amizade e o sistema de apoio familiar, enquanto "Kounkoun" prega sobre a impropriedade da calúnia e da fofoca. A mãe de Sangaré, Aminata Diaknite, é reconhecida e elogiada em "Minata Waraba", interpretada com um arranjo maliense reconhecível. Oumou Sangaré é conhecida como a "pássaro canoro de Wassoulou", seu lar ancestral e espiritual, e cuja herança musical ela defende. Sangaré construiu sua reputação não pela quantidade de discos que produziu, mas pela qualidade e significado de sua mensagem. Como um modelo amado e imitado, ela representa as mulheres africanas com dignidade e graça, exigindo o respeito que elas merecem.
Lista de faixas : 01. Bena Bena 02. Yere Faga (feat. Tony Allen) 03. Fadjamou 04. Mali Niale 05. Kamelemba 06. Djoukourou 07. Kounkoun 08. Minata Warabe 09. Mogoya
Roberto Fonseca gravou oito álbuns de estúdio e, neste momento, com o mais recente, ABUC , lançado em 2016, há poucas dúvidas sobre a primazia deste pianista e multi-instrumentista na cena jazzística cubana. ABUC, que nada mais é do que "Cuba" escrito ao contrário, é uma verdadeira celebração da música cubana, já que Fonseca incluiu boa parte da música mais popular da ilha: do bolero ao jazz, mambo, cha-cha-chá e contradanza, um estilo que chegou a Cuba no final do século XVIII com influências francesas via Haiti. Nascido em Havana em 1975, Roberto Fonseca dividiu o palco com lendas da música cubana como Cachaíto López, Manuel "Guajiro" Mirabal e Manuel Galbán, realizando mais de 400 concertos em vários países do mundo. Ele sempre conviveu com a música; Na verdade, sua mãe, Mercedes Cortés Alfaro, é uma cantora que foi dançarina no Tropicana Club de Havana (ela canta no álbum Zamazu de 2007 ), e seu pai, Roberto Fonseca Durades, um baterista. O pianista possui mestrado em composição pelo Instituto Superior de Arte (ISA) de Cuba e foi professor de música. Com apenas 15 anos, gravou seu primeiro CD, En el Comienzo , com Javier Zalba e o grupo Temperamento, que foi nomeado o Melhor Álbum de Jazz de Cuba em 1999. Roberto Fonseca tornou-se conhecido no mundo através da voz e da voz de Ibrahím Ferrer, com quem participou do projeto Buena Vista Social Club em 2001. Roberto sentia tanta admiração por Ibrahím que chegou a produzir o álbum póstumo de Ibrahím, Mi sueño . Essa relação encontra uma extensão natural no fervor que Roberto também sentia pelo pianista Rubén González.
Ambos os artistas ajudaram Roberto a criar o tema de Zamazu , seu álbum de estreia verdadeiramente internacional. Uma gravação monumental, lançada em 2007, que reuniu mais de 20 artistas e fundiu com sucesso elementos integrados de suas diversas influências: música afro-cubana, jazz, clássica e tradicional cubana. Entre os músicos apresentados nesta gravação diversificada e ambiciosa estão Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez e muitos outros. Após o lançamento de Zamazu , Fonseca teve a oportunidade de apresentar um repertório intenso em alguns dos festivais mais prestigiados do mundo, diante de plateias encantadas. ABUC é o título de seu novo álbum sob o selo impulse!, que também é espetacular. Combinando ritmos lúdicos com poderosos instrumentos de sopro, entrelaçados com referências, memórias e contrastes, ABUC é um caleidoscópio onde Roberto conta uma história: o grandioso e rico compêndio da música cubana, de ontem a hoje.
tracks list: 01. Cubano Chant 02. Afro Mambo 03. Tumbao de La Unidad 04. Contradanza del Espíritu 05. Tierra Santa 06. Sagrado Corazón 07. Family 08. Tierra Santa Santiago de Cuba 09. Habanera 10. Soul Guardians 11. Asere Monina Bonco 12. Después 13. Velas y Flores 14. Cubano Chant (Piano Solo)
Alice in Chains foi formada em Seattle em 1987. Eles fizeram parte da Era Grunge ao lado de grupos como Nirvana e Candlebox. Layne Staley fundou o grupo. Jerry Cantrell se juntou a eles depois de ficar com Staley por um tempo. Durante esse tempo, os dois grupos se separaram. Cantrell começou a procurar músicos para uma nova banda, encontrando Sean Kinney e Mike Starr. Ele queria que Staley fizesse os vocais principais. Eles fizeram um acordo, Cantrell tocaria na banda de funk com a qual Staley estava tocando e ele se juntaria ao grupo de Cantrell. Pouco tempo depois, o grupo de funk acabou e o Alice in Chains começou a dominar a cena musical. Nos primeiros dias, a banda de abertura do Mother Love Bone os ajudou a chamar a atenção de Randy Hauser. Logo, ele pagou para que gravassem sua primeira demo. A Columbia Records assinou com o grupo pouco tempo depois. Eles lançaram seu primeiro álbum, Facelift, em 1991, que chegou às paradas da Billboard em abril de 1991. No mesmo ano, Van Halen os convidou para abrir para ele. Seu segundo álbum, Sap, foi o primeiro álbum acústico de uma banda de rock alternativo. Foi nessa época que a cena de Seattle se tornou mainstream. Apesar do sucesso, houve problemas constantes, incluindo várias mudanças na formação. Mais tarde, Mike Starr foi demitido do grupo por problemas com drogas. Isso foi só o começo. Houve uma divulgação de que Staley era viciado em heroína. Ao longo dos anos 90, o grupo permaneceu ativo, chegando até mesmo à trilha sonora do clássico cult Clerks. Infelizmente, Staley foi encontrado morto por uma overdose de drogas em 2002, e o grupo se separou. Estas são as 10 melhores músicas do Alice in Chains de todos os tempos.
10. Nutshell
Esta música foi regravada por inúmeras bandas, incluindo Stained, Seether e Shinedown. O Alice in Chains sempre teve um som melancólico em suas músicas. Os primeiros compassos desta música são um solo de guitarra prolongado e ecoante. Isso cria expectativa pela letra que se segue. Ao longo da música, eles exploram a batalha interior que muitas pessoas enfrentam no dia a dia e a sensação de isolamento por não terem com quem conversar sobre seus sentimentos. A bateria ao fundo adiciona uma cadência assombrosa a uma emotividade que se mantém fora do gênero emo.
9. I Stay Away
Os riffs de guitarra nesta música soam mais esperançosos no início. À medida que a música avança, ouvimos a era grunge em destaque. No entanto, ao longo do tempo, o ouvinte percebe um pouco do ritmo acelerado. A música fala sobre encontrar um novo lugar para ir quando você não está feliz com onde está. De acordo com o Songfacts , ela foi escrita quando Layne Staley tinha acabado de sair da reabilitação. Infelizmente, ele teve uma recaída pouco tempo depois.
8. We Die, Young
Há acordes intensos de guitarra e licks de bateria no início desta música. A letra fala sobre viver rápido e morrer de amor, bem como músicos no clube dos 27. Jerry Cantrell compôs esta música depois de ver crianças traficando drogas. Virou um clichê dizer "viva rápido, morra jovem e deixe um lindo cadáver". No entanto, esta é uma das músicas do Alice In Chain que faz parte do comentário social
7. No Excuses
A abertura desta música é focada na bateria. À medida que avança, há uma sobreposição simples de guitarra. Embora a instrumentação seja menos complexa do que outras músicas do Alice and Chain, a letra é tão única que é ótimo apreciá-la ao máximo. É mais uma canção de afirmação de que, mesmo que tenha sido um dia ruim, amanhã é um novo começo, e pode ser melhor do que o anterior. Quando alguém ouve o refrão, isso dá esperança e motiva você a parar de tentar dar desculpas e trabalhar para viver a vida
6. Down In A Hole
Os primeiros compassos desta música têm uma pegada eclética ausente em outras músicas do Alice in Chains. A letra fala sobre chegar ao fundo do poço e outras pessoas jogando terra em você para que você sinta que pode sair. À medida que a música avança, a instrumentação se torna mais pesada, assim como a letra. A analogia de "down in a hole" (estado de "em um buraco") faz referência a como as pessoas podem nos fazer sentir inferiores sem o seu consentimento.
5. Would?
Esta música tem uma batida forte e uma vulnerabildade geral. Os licks de bateria são cativantes e contagiantes. A voz de Staley ecoa por toda a música, cantando sobre os erros que as pessoas cometem e aqueles que as menosprezam por esporte, porque é mais fácil desvalorizar alguém do que olhar para si mesmo. Com o tempo, você acredita nessas vozes, e fica mais fácil simplesmente ficar parado e deixar o sucesso para outras pessoas que você acha que podem ser mais qualificadas.
4. Them Bones
Os primeiros segundos desta música soam como um comentário social. Assim como outras músicas do Alice and Chains, a letra foca apenas na sensação horrível. Do começo ao fim, a música mantém uma instrumentação pesada com uma guitarra elétrica estridente, enquanto a voz de Staley permanece suave, emprestando-se a dois turbilhões interiores loucos e maníacos.
3. Rooster
De acordo com o genius.com , esta música foi escrita para Jerry Cantrell Sr., que adotou o apelido de "galo" enquanto estava na Guerra do Vietnã, pois seu cabelo ficava eriçado como a crista de um galo. A letra expressa os sentimentos de Cantrell sobre o que deve ter acontecido no conflito, já que seu pai nunca falava sobre o ocorrido e mantinha distância de toda a experiência. A guitarra nesta música soa sinistra, muito parecida com a Guerra do Vietnã, repleta de controvérsia e agitação social.
2. Man in the Box
Staley passou grande parte de sua carreira lutando contra o vício e tentando ficar sóbrio, sem sucesso. É possível ter pensamentos internos quando alguém luta para se libertar da forte relação que tem com o abuso de substâncias. O verso "dene the maker" (negar o criador) é um lembrete assustador de que, enquanto você está no meio dessa doença, sente que não há uma força orientadora para tirá-lo do abismo. Mesmo que você pense que pode haver, chega um momento em que isso não importa, porque é mais fácil engolir seus sentimentos e seguir em frente com a vida.
1. Heaven Beside You
Jerry Cantrell compôs a maior parte desta música. É sobre um relacionamento que se tornou feio porque uma das pessoas não conseguiu ser fiel. A música é uma fusão do som grunge rock do Alice in Chains com uma batida mais lenta que permeia toda a música. Embora o grupo se concentre nas letras sobre se isolar da sociedade e querer ser outra pessoa, esta música é uma ruptura porque é sobre um relacionamento e o exterior de tudo parecer ótimo. Por dentro, é bem bagunçado. Há muita responsabilidade nesta música do ponto de vista do personagem. Sem dúvida, é de uma experiência pessoal.
Antes de Alice Cooper ser um homem, era uma banda. Formada em 1964, a Alice Cooper contava com Vincent Furnier nos vocais e gaita, Glen Buxton na guitarra solo e Dennis Dunaway no baixo.
Alguns anos depois, eles expandiram suas fileiras para incluir Michael Bruce na guitarra base e Neal Smith na bateria. Entre 1969 e 1975, lançaram 7 álbuns (as bandas trabalhavam rápido naquela época).
Por fim, desentendimentos internos e uma agenda lotada de turnês acabaram levando a melhor. Em 1975, a banda se separou. Alice Cooper, no entanto, sobreviveu. Tendo se apegado ao nome,
Furnier decidiu mantê-lo, adotando-o como seu nome legal e artístico. Independentemente de estarmos falando da banda ou do homem, Alice Cooper ajudou a moldar o som do heavy metal e, graças a um estilo de terror muito particular, também o seu visual. Estas são as 10 melhores músicas de Alice Cooper de todos os tempos.
10. Poison
Algumas pessoas odeiam, outras adoram. Seja qual for o lado da cerca em que você esteja, não dá para negar que "Poison" foi um grande sucesso, dando a Cooper seu primeiro hit no Top Ten em mais de uma década e sinalizando o fim de seus anos de deserto. Qualquer lista das melhores músicas de Alice Cooper de todos os tempos (ou das melhores músicas de rock clássico de todos os tempos, aliás) simplesmente não estaria completa sem ele. Claro que é tão anos 80 que chega a doer os dentes, mas a intensidade crua de Cooper impede que ele caia no inferno do pop-metal no gênero metal .
9. Under My Wheels
Em 1971, Alice Cooper já tinha quatro álbuns de carreira com a banda Alice Cooper (sim, é confuso) e estava prestes a entregar uma de suas melhores performances. "Under My Wheels" é um sucesso, impulsionado por um riff de guitarra potente e alguns dos vocais mais devastadores de Cooper. Pela primeira vez, o teatralismo característico foi deixado de lado em favor do rock and roll puro. Foi uma decisão sábia e, depois de ouvir isso, você meio que desejaria que eles tivessem feito isso com mais frequência
8. Living
Pretties For You, o single de estreia de Alice Cooper, é terrivelmente subestimado. Quem já ouviu (e não são muitos) ou odeia com paixão ou ama até a morte. Quem odeia deveria deixar de lado os preconceitos e ouvir de novo. Pode ter mais em comum com o garage rock do que com o shock rock, mas ainda assim é uma coisa maravilhosa, com Living se destacando como um de seus destaques. Um rock caótico e picante com alguns licks de guitarra fabulosos e vocais ainda mais fabulosos, é uma das maravilhas perdidas do rock.
7. Generation Landslide
Em 1973, "Billion Dollar Babies" impulsionou a carreira de Alice Cooper. Alcançou o primeiro lugar no Reino Unido, o primeiro lugar nos EUA e gerou uma série de singles de sucesso. "Generation Landslide" não foi um deles, mas isso não o torna menos notável. Uma peça de rock and roll ousado, com violão acústico, esbanja atitude. Cooper soa durão como pregos, cuspindo as letras (que estão entre as melhores de sua carreira) com veneno suficiente para derrubar um exército.
6. No More Mr. Nice Guy
Como diz a Louder Sound , No More Mr. Nice Guy é uma daquelas peças clássicas de riff-rock que você reconhece instantaneamente ao ouvir o riff de abertura. Um clássico do rock nas rádios, alcançou a 25ª posição nos EUA e a 10ª no Reino Unido, ajudando a transformar Billion Dollar Babes no álbum de maior sucesso comercial de Alice Cooper. Segundo Cooper, ele compôs a música depois que o grupo da igreja de sua mãe se ofendeu com suas apresentações no palco.
Sentindo que havia coisas piores que ele poderia fazer na vida do que arrancar cabeças de galinhas e beber seu sangue (embora, aparentemente, isso nunca tenha acontecido), ele decidiu que não ia se meter em encrenca e começou a produzir essa declaração mordaz de independência.
5. Billion Dollar Babies
Billion Dollar Babies foi o maior sucesso comercial da banda, alcançando o primeiro lugar nas paradas de álbuns. A faixa-título, como o restante do álbum, é excelente. Curiosamente, conta com a participação de Donovan, o cantor escocês hippie-dippie que, cinco anos antes, vinha se gabando para todo mundo de que seria maior que Bob Dylan. Obviamente, isso não aconteceu, mas, apesar de toda a estranheza da combinação, ele e Cooper parecem uma combinação incrivelmente boa.
4. Halo of Files
Considerada pelo ultimateclassicrock.com como uma das músicas mais subestimadas de Alice Cooper, Halo of the Flies é quase eletrizante. Tem o teatralismo, a pompa e a circunstância, mas é ousada e eclética o suficiente para não se deixar dominar por eles. Quando Cooper finalmente começa a cantar a letra após a longa introdução instrumental, é de arrepiar.
3. Dead Babies
Dead Babies pode ter dado a Cooper uma desculpa para cortar cabeças de bonecas no palco, mas também nos deu uma melodia incrível. Um hino contra abuso infantil que descreve (com detalhes tipicamente macabros) o que acontece quando você deixa as crianças sozinhas em casa, o filme consegue ser parte filme de terror, parte documentário sobre crimes reais, e tanto melhor para ambos.
2. I’m Eighteen
Como escreve o azcentral.com , pouquíssimas músicas de rock conseguiram capturar a angústia e a glória daqueles anos difíceis da adolescência tão bem quanto "I'm Eighteen". Escrita antes de Alice Cooper se transformar no equivalente sonoro de The Rocky Horror Picture Show, a música os encontra fazendo o que faziam de melhor: compor músicas para e sobre os desiludidos, os desesperados e os jovens. "Sou um garoto e sou um homem / Tenho 18 anos e não sei o que quero", zomba Cooper, verbalizando assim o dilema de todo garoto de 18 anos que existe.
1. School’s Out
Depois de anos tentando e sem sucesso, Alice Cooper finalmente chegou ao Top 10 com seu quinto álbum, School's Out. A faixa-título, por sua vez, rendeu a eles seu primeiro single no Top 10. Foi o primeiro contato da maioria das pessoas com o universo de Alice Cooper e, até hoje, continua sendo sua música mais conhecida no mundo do rock .
Uma celebração da liberdade com punhos cerrados, que demonstra o talento da banda para explorar os sonhos adolescentes e colocá-los em palavras. "Não temos classe / E não temos princípios / E não temos inocência / Nem conseguimos pensar em uma palavra que rime" – espirituoso, perspicaz e incrivelmente fácil de tocar no rádio, School's Out representa tudo o que há para amar em Alice Cooper... tanto no homem quanto na banda.
A obra em disco do grande mestre da guitarra portuguesa envolve uma série de álbuns e títulos de 45 rotações em nome próprio, assim como outros assinados em parceria. A discografia inclui também algumas colaborações (que o ligaram, em disco, a nomes como os de Luiz Goes, Adriano Correia de Oliveira, Carlos do Carmo, os Madredeus ou Rui Veloso, entre outros). E vale a pena ter ainda em conta uma quantidade expressiva de compilações, entre as quais há uma caixa de 8 CD.
Aqui fica, para já, uma lista dos lançamentos em disco. Um a um serão depois devidamente apresentados.
ÁLBUNS
1967. “Guitarra Portuguesa”
O disco, gravado por Hugo Ribeiro nos estúdios em Paço de Arcos, e editado em 1967 com o título “Guitarra Portuguesa”, traduz sinais de um tempo de desafio na música de Carlos Paredes. Os ecos (naturais e familiares) de Coimbra ainda se sentem ocasionalmente como, por exemplo, nas “Variações em Ré menor” que abrem o alinhamento do lado A, em “Melodia Nº 1” e “Melodia Nº 2” e até na própria afinação da guitarra. Porém, as novas composições, que interpreta com acompanhamento à viola clássica por Fernando Alvim, desenham novas demandas mais abstratas, exploram detalhes, desenham miniaturas, convocam um lirismo muito particular e lançam as bases de uma linguagem muito própria que a obra de Paredes, através de títulos posteriores, iria demarcar entre as demais.
1970. “Meu País” com Cecília de Melo
O álbum, com assinatura partilhada entre a cantora Cecília de Melo e Carlos Paredes, está dividido em duas faces distintas, somando ao todo 12 faixas. No lado A encontramos uma seleção de seis canções tradicionais portuguesas sobre as quais Paredes propõe novos arranjos para voz e guitarra. Na outra face o guitarrista parte de composições suas sobre as quais ajusta poemas de Manuel Alegre, Mário Gonçalves, Carlos de Oliveira e ainda um sexto, “O Render dos Heróis”, de origem popular. O caminho seguido nesta face B corresponde, como explicava então o próprio Carlos Paredes no texto da contracapa, “ao sistema que se tem revelado (…) mais capaz de aproximar a canção popular urbana e ligeira da autêntica canção popular” que, como explica, “consiste em incrustar em melodias de caráter ligeiro poemas representativos, pelo conteúdo e pela qualidade, da experiência e do sentir do povo, nos nossos dias”.
1971. “Movimento Perpétuo”
1974. “É Preciso Um País” com Manuel Alegre
1977. “Meister Der Portugiesischen Gitarre”
1983. “Concerto em Frankfurt”
1986. “Invenções Livres” com António Vitorino d’Almeida
1988. “Espelho de Sons”
1990. “Dialogues” com Charlie Haden
1993. “Canção Para Titi”
O disco coletivo “Espiral Op. 70” (Decca, 1969) tem contribuições de Carlos Paredes, assim como de José Carlos Ary dos Santos e Maria Cristina Lino Pimentel.
Carlos Paredes está ainda presente em momentos de discos como “Coimbra de Ontem e de Hoje” (1967), de Luiz Goes, “Que Nunca Mais” (1975) de Adriano Correia de Oliveira, “Um Homem no País” (1983) de Carlos do Carmo e “Lisboa” (1992) dos Madredeus.
SINGLES e EP
1962. “Variações Em Si Menor” EP
1963. “Guitarradas Sob O Tema Do Filme “Verdes Anos” EP
1968. “Porto Santo” EP
1968. “Fantasia” EP
1968. “Romance No. 2” EP
1971. “Movimento Perpétuo” EP
1971. “Mudar De Vida – Música De Fundo Do Filme” EP
1971. “António Marinheiro – Tema Da Peça” EP
1972. “Balada de Coimbra”
Carlos Paredes participou, juntamente com Arménio Silva, em dois EP de Artur Paredes, ambos editados em 1957. Em 1958 está presente no EP “Fado de Coimbra” do Dr. Augusto Camacho. Ouvimo-lo ainda em “Maubere” (1992) de Rui Veloso,
COMPILAÇÕES
1973. “Carlos Paredes, Jose Afonso, Luiz Goes”, com Jose Afonso e Luiz Goes
1978. “Carlos Paredes / Artur Paredes” com Artur Paredes
1989. “Asas Sobre o Mundo”
1989. “Guitarra Portuguesa”
1996. “Na Corrente”
1998. “O Melhor de Carlos Paredes”
2002. “Uma Guitarra Com Gente Dentro”
2002. “O Mundo Segundo Carlos Paredes – Integral – 1958-1993” Caixa de 8CD
2003. “Os Verdes Anos De Carlos Paredes: As Primeiras Gravações A Solo 1962-1963”
