Scott Walker – Scott (1967)

 

Cinquenta anos é quase a minha idade e 1967 foi também o ano em que surgiu Scott. Fomos envelhecendo os dois e tornámo-nos bons amigos. Eu ouço-o assiduamente, e ele, Scott Walker, nunca me nega o conforto das suas excelentes interpretações.

Scott Walker é uma paixão antiga. Curiosamente, quase nunca ouvi The Walker Brothers, pelo que estou em crer ter começado a aventura pelos territórios sonoros do músico de Ohio pelo lado menos óbvio. Quando o escutei pela primeira vez, pouca ideia tinha do enorme monumento que iria passar a conhecer. Nunca mais o larguei, obviamente, nem mesmo quando se foi aventurando por caminhos áridos e avessos à boa paz de espírito, como passou a acontecer sobretudo a partir de Climate of Hunter (1984) e Tilt (1995). Mas isso pouco importa para o texto presente, uma vez que a festa hoje faz-se com Scott, o primeiro dos quatro clássicos álbuns que Scott Walker lançou a solo nos três últimos anos da década de sessenta do século passado.

Scott é, sobretudo, um trabalho de intérprete, mais do que de compositor. Das doze canções que o disco encerra, apenas três são da sua autoria (assinadas como S. Engel), embora todas extraordinárias. Refiro-me a “Montague Terrace (In Blue)”, “Such a Small Love” e  “Always Coming Back to You”. Todas as outras nove composições são covers (canções de bandas sonoras e apropriações para inglês de temas do grande ídolo de Scott Walker, o belga Jacques Brel, que Scott descreveu como “the most significant singer-songwriter in the world”). O músico lá tinha as suas razões… Na verdade, quando ouvimos “Mathilde”, “My Death” ou “Amsterdam” e as reconhecemos como canções do monstro sagrado que fez, entre outras, as imortais “Ne Me Quitte Pas”, “La Valse à Mille Temps” ou “Ces Gens La”, também é certo que reconhecemos nelas uma outra aura, uma outra marca da nova identidade que Scott Walker lhes deu. Parecem suas, não sendo suas, e isso não está ao alcance de muitos.

O álbum, como sabemos, foi um sucesso de vendas e também a crítica o soube incensar. Não foram surdos, nem a crítica nem o público, aos belos argumentos que Scott soube trazer ao mundo. Os arranjos, as orquestrações, a voz que se entrega a todas as canções como se fossem as últimas de uma vida, as escolhas criteriosas dos temas em apreço, tudo isso contribuiu para que o disco se tornasse um clássico instantâneo. Apesar de não o considerar o melhor dos quatro que fez quase de rajada antes do início dos seventies (tenho por Scott 4 um soft spot do tamanho do mundo, confesso), Scott é uma obra imorredoura, um terreno tão fértil e bom que nele tudo continua a florescer, quase cinquenta anos passados. E os frutos dessa colheita fazem-se notar noutros nomes que venero. Em muitos, até, mesmo sabendo que me vou esquecer de mencionar alguns. Desde David Bowie a David Sylvian, passando por Nick Cave, Julian Cope, The Divine Comedy, Tom Hickox ou Daniel Knox. Todos estes nomes sonantes (uns mais do que outros, é certo, mas todos de grande importância artística) devem algo a Scott Walker. Talvez nem tanto a Scott, mas também seguramente a este disco cinquentenário, uma vez que ele marca o arranque a solo de um crooner a quem todos os referidos nomes souberam fazer a devida vénia em tempo útil.

Scott Walker continua vivo, rompendo barreiras artísticas, misturando-se com nomes improváveis, fazendo trilhas sonoras, mostrando-se inquieto e bem ativo. Soube reinventar-se como poucos. Nesses ganhos, que foram alguns, não encontramos quaisquer ecos de Scott. Nem um único, garanto-vos. Mas também vos posso garantir que soprar as velas dos cinquenta anos deste trabalho (em setembro próximo, a dezasseis) é uma obrigação que temos, uma obrigação que qualquer amante da boa música não enjeitará. Comecemos agora, para ser ainda maior a festa!

Ty Segall – Ty Segall (2017)

 

O nervo que se ouve em Ty Segall é um farol que serve de contraponto ao rock amorfo, pastoso e apaziguado que parece ter-se instalado e secado (quase) tudo à sua volta.

De onde é que vimos? O que é que estamos aqui a fazer? Para onde é que vamos? E porque raio é que o rock and roll morreu? As primeiras três perguntas são de sempre (metaforicamente correcto, historicamente não tanto – mas bom, continuemos), a última parece ter-se vindo a impor na discussão dos melómanos assim-assim – aquele grupo de pessoas (em que me incluo) que gosta muito de música, sim senhor, mas que não passa o dia a percorrer a Internet e os catálogos mais obscuros das editoras mais obscuras à procura da próxima-grande-cena-de-que-ninguém-vai-ouvir-falar-pelo-menos-nas-próximas-décadas.

A questão não surgirá por acaso, antes das mutações que o género, pelo menos na sua relação com a indústria, tem sofrido. Daí que, volta e meia, a pergunta nos invada: é ainda possível encontrar rock bom, feito com honestidade, com todo o lado diabólico, subversivo e rebelde que sempre teve, mas transformado em grandes canções, que nos atinjam como um desfibrilhador? Ou, por outro lado, é possível hoje encontrar rock que não seja indie (falo do género, não do indie como marginalidade), hiper-produzido, pastoso e balofo, pensado para acompanhar tranquilamente uma cerveja ou, quando mais furibundo (até vamos receber os Foo Fighters este Verão) para servir de banda sonora a um desafio hedonista assim-assim?

É possível, claro, mas não é fácil. E, desses focos de resistência (a uma tendência que, com bons e maus intérpretes, parece ter secado tudo à sua volta) Ty Segall será seguramente um dos grandes embaixadores, porventura (arguably, dir-se-ia nessa – musicalmente – mítica Califórnia que lhe serviu de berço) o maior. A sua esparsa discografia – explicada pela capacidade de trabalho do homem, que parece fazer discos como quem faz o IRS (pelo menos todos os anos, portanto, e servindo por vezes de contabilista à conta de outrem para somar ao catálogo) – comprova-o. Há anos que Ty Segall é o farol que serve de contraponto ao som do sistema (o som apaziguado, bem-disposto e, quando político – em alturas difíceis como esta – tão aborrecido, consensual e anti-revolucionário que parece impossível ninguém se rir do esforço do sistema para corrigir a pose). Mas talvez tenha sido a partir de Twins (de 2012) que de rapaz muitíssimo recomendável virou  referência – pelo menos da resistência, acrescente-se, para não cristalizar e porque provavelmente ele rir-se-ia do trono.

A partir daí, o caminho fez-se maior: Sleeper, do ano seguinte, mostrar-nos-ia a sua versatilidade e capacidade de fazer grandes canções noutro registo (mais íntimo mas não totalmente – e ainda bem – apaziguado). Manipulator, a sua obra-prima (parece-nos), viria logo a seguir; depois Emotional Mugger, o ano passado, que já nos pareceu um álbum menor; e, a abrir 2017, este disco homónimo, 36 minutos de rock grandioso, não grandiloquente, capaz de agitar as águas e revolver a maré como só ele sabe.

A abrir, toda uma declaração de intenções: Break a Guitar e aqueles instrumentos tocados em fúria, garage-rock em ebulição a beber do punk e do blues eléctrico mais cósmico que se pode imaginar, até surgir a voz, cada vez a dominar mais a arte da cantoria, a dizer-nos que “parece que vai chover” – pelo menos do lado de cá. Vamos prosseguindo, com os riffs a tomarem-nos a cabeça de assalto, as variações no tom das canções a fazerem-nos perceber que, sim senhor, Ty Segall faz álbuns, não conjuntos de temas, e à terceira faixa novo ponto alto: Warm Hands (Freedom Return), longuíssima (dez minutos e tal) e aprazível viagem pelo indecifrável mundo de Ty (e o glam, o punk e o hard-heavy-metal-rock, ou lá o que for, misturados, que aqui não há muros).

Pausa para acalmar o ritmo com a belíssima (mas ácida, forma poética de mandar todos os sonsos virar a má-língua para o espelho) Talkin’, numa incursão pelo folk-rock que interessa, com a certeza de que o Bob Dylan de certos tempos apreciaria isto. Volta-se ao caldeirão rock a ferver, leva-se com uma muralha de som no vermelho em Thank You Mr. K, espalha-se psicadelismo reinventor das lições de Syd Barrett em Papers e ouve-se uma canção rock com tudo no sítio em Take Care (To Comb Your Hair), para que logo a seguir tudo feche em beleza.

Tudo somado, o novo disco de Ty Segall não reinventa a roda, não caminha por águas especialmente exploratórias e não traz particular surpresa ao que já lhe conhecíamos – mas é esplêndido e é mais um passo firme que confirma que muita da honestidade, clarividência e maturidade (os seus álbuns são, hoje, um exercício mais aprimorado e conseguido, mas com todos os ingredientes iniciais que o notabilizaram) do rock americano de hoje lhe pertence. Agora é só voltar ao início, repetir e ouvir novamente por mais uns meses, até que Ty Segall regresse para nos trocar as voltas mais uma vez. Dizia Herberto Hélder que uma obra de arte, para ser obra de arte, tinha de ter inferno. De Ty Segall, já com o silêncio a impor-se, ainda ouvimos as chamas.

The Gift – Altar (2017)

 

Altar é o disco mais arrojado dos The Gift desde Film, de 2001. Brian Eno ajuda, mas o fundamental está nos alcobacenses: um renovado sentido de experimentação aliado ao desenho de superlativas canções.

Em 2001, Nuno Gonçalves – compositor e cérebro maior dos The Gift – dá um autógrafo numa edição do álbum de então: “Este é o Film das nossas vidas”, escreve o músico, longe de, à época, imaginar os 15 anos que se seguiriam. De lá para cá, quase tudo aconteceu ao grupo: ganharam prémios nacionais e internacionais, consolidaram uma carreira, geraram amores, algum ódio ainda por justificar, e cresceram. “Fácil de Entender” e “Primavera”, nas suas versões mais radiofónicas e menos despidas, trouxeram os The Gift para um mediatismo até então pouco conhecido – o projeto Amália Hoje, ali pelo meio, com Nuno Gonçalves e Sónia Tavares a repartirem protagonismo com Paulo Praça e Fernando Ribeiro, foi também inegável potenciador de plateias e novos ouvidos.

De Vinyl (a estreia em álbum, em 1998) e Film, já pouco parecia restar dos The Gift nos últimos anos. AM/FM, em 2004, foi a ponte para a segunda década de vida da banda, onde Explode e Primavera, editados com menos de um ano de diferença, apresentaram um grupo mais elétrico, primeiro, e clássico, segundo – mas com menos sintetizadores e alguns dos elementos que nos tomaram o coração no virar do milénio, naqueles irrepetíveis dois primeiros álbuns.

Entre 2014 e 2016 a banda foi celebrando os 20 anos de carreira: houve um álbum de singles, concertos de celebração, um livro, edições especiais, um filme, tudo o que um fã de sempre e um ocasional melómano de passagem têm direito. Pelo meio, contudo, iam saindo umas notícias que deixavam no ar coisa boa: Brian Eno – sim, o mítico – tinha gostado da banda, aparentemente ia gravar com os The Gift, o quê, ninguém sabia, para quando, mistério total.

Já tínhamos visto tudo nos The Gift. Concertos pequenos e a explosão de um fenómeno – da memória do escriba não descola uma primeira parte para os The Divine Comedy, no Centro Cultural de Belém, com Vinyl acabado de editar; uma banda rock quase para estádios, como foram os The Gift de Explode, com três guitarras em palco a superar não raras vezes os devaneios (elogio) eletrónicos de Nuno Gonçalves; em comum ao longo dos anos, uma vocalista ímpar, amada ou odiada, mas certamente única no panorama pop/rock português.

Eis-nos em 2017 perante Altar, o trabalho produzido por Eno – sim, esse, caramba! – e misturado por Flood. São dez temas que nos devolvem os The Gift mais experimentais e na procura da perfeição que aprendemos a amar e nos esquecemos vezes demais de acarinhar. São dez temas onde não há uma canção em português, onde tudo parece de difícil absorção, de demorara digestão, mas a que os adeptos e conhecedores de sempre não darão mais que meia dúzia de audições para reconhecer uma renovada vitalidade. Brian Eno – o génio – certamente ajudou, e a ele não será alheia a entrada de elementos até aqui alheios aos The Gift: “Big Fish” tem uma presença eletrónica empolgante como já “645” ou “RGB” tinham, mas pisca os dois olhos ao soul e a à funk – é um tema imenso e o mais imediato dos três singles já revelados.

“Love Without Violins”, a primeira amostra, conhecida há já um simpático número de meses, é a única com a voz de Eno a namorar cordas vocais de Sónia Tavares para um tema a várias velocidades mas bem ancorado num apurado gosto pop – imediato e eficaz, mas de absorção mais saborosa com o passar das escutas. E que dizer da sequência formada por “Vitral” e “Malifest”? A primeira, lenta, arranca com uma viola, passa por outro tipo de cordas (os violinos, ainda e sempre presentes nos The Gift, embora menos vezes com o sentido épico de outros tempos), tem um coro, e é talvez a melhor canção do álbum. Tem tudo o que são os The Gift de 2017 e é uma canção que só podia ser feita com tantos discos e carreira para trás. “Malifest”, logo depois, é rápida, direta, abrasiva: tem um serpentear de uma guitarra elétrica ao longo dos seus quatro minutos que cativa, mas é na sobreposição de vozes que a vitória se constrói. Oh yeah, the wait is gone, cantam – e bem – Sónia e Nuno.

Os quatro temas seguintes, os finais de Altar, são um abrandar de velocidade mas não de intensidade e drama – há, como sempre houve nos The Gift, o fazer de canções pop certeiras e redondas, mas nunca é descurada uma dimensão mais profunda. Não por acaso, e a final “What If” bem o atesta, há uma palavra que marca os The Gift de 2017: celebração. Sem esquecer ritos religiosos, o que os quatro de Alcobaça celebram é o sonho pop em que as suas vidas se tornaram. O sonho de gravar com Brian Eno – sim, o dos Roxy Music e que gravou para os Devo, Talking Heads ou U2! -, da procura da reinvenção, da introdução de novos elementos, mas do estabelecer absoluto e convicto de uma identidade muito própria.

Os The Gift de 2017 já não precisam de provar nada a ninguém, a não ser a eles próprios, e isso é meio caminho andado para uma banda permanecer fresca e válida. O resto, é deixar as canções falar. E Altar está cheio de boas canções. Pode até não ser o filme da vida destes músicos, mas é certamente o primeiro capítulo de uma nova vida dos alcobacenses. Venham as sequelas, mas celebremos o presente.

Laetitia Sadier Source Ensemble – Finding Me Finding You (2017)

A voz dos Stereolab regressa com mais uma incursão por terrenos que lhe são musicalmente familiares. Kraut, pop, ié-ié e experimentação, num disco adulto, coerente e letrado.

Falar da francesa Laetitia Sadier é falar, necessariamente, de Stereolab, um dos projectos musicais mais coerentes e mais interessantes surgidos nos anos 90. Ao longo de 10 discos, o último dos quais em 2010, os Stereolab desenvolveram a sua linguagem musical muito própria, uma fusão retro-futurista e ultra-elegante do ié-ié dos anos 50 e 60 com a aventura mecânica do krautrock da década seguinte.

Sadier foi co-fundadora e a vocalista desse extraordinário grupo e, mesmo agora, o seu timbre transporta-nos necessariamente para esse universo, de tal forma acabou por definir-lo.

Com os Stereolab em pausa oficial (provavelmente acabaram, mas ainda ninguém mandou a carta), Laetitia não tem parado. Lançou vários discos a solo e regressa agora com um “novo” grupo com alguns velhos colaboradores. Este Source Ensemble andou a beber na mesma fonte que os Stereolab (“Undying Love For Humanity” abre o disco com o registo mais parecido da sua antiga banda), necessariamente, embora com um cardápio menos coerente e ligeiramente mais diversificado.

Kraut, easy-listening, pop, ié-ié, exotica, tudo isto e mais alguma coisa cabe nesta rodela com a chancela da sempre recomendável Drag City Records. O grande trunfo de Laetitia Sadier, que canta maioritariamente em inglês mas também em francês – com aquele seu tom entre o coquette e o austero – é que é possível meter isto no caldeirão sem que aconteçam duas asneiras altamente prováveis: que ficasse uma misturada sem nexo ou que pudesse resvalar para o pastiche de baile à beira da piscina.

Nada disto acontece, felizmente, e Finding Me Finding You é um trabalho de corpo inteiro, entre a pop e a aventura sonora (a mutante e lindíssima “Reflectors”, uma balada que parece não fugir da matriz mas que vai sempre evoluindo, e a kosmische “Comitted”, entre outras) , com aquele irresistível toque retro que mentalmente tanto nos leva aos tempos da corrida ao espaço como aos de Berlim do muro.

Este é essencialmente um álbum de texturas e de sensações, mas tem espaço para as canções, como em “Love Captive”, um raro dueto com Alexis Taylor, dos Hot Chip.

Finding Me Finding You não vai mudar a vida de Laetitia Sadier. Benção ou maldição, a sua carreira será sempre julgada pelos fãs de Stereolab, e este disco é uma boa forma de matar saudades. Quem não conhece a sua antiga banda, muito provavelmente, nunca ouviu falar dela e não vai sequer dar uma oportunidade. O que será uma pena, porque temos aqui pop (no sentido mais lato do termo) adulta, madura, inteligente e letrada.

Coisa rara, nos tempos que correm, e que deve ser acarinhada.

 

Vaarwell – Homebound 456

 

Homebound 456 é de uma fragilidade desarmante. Parece feito para nos tocar por dentro, para nos fazer recordar que é em nós que residem todas as inquietações, todos os suspiros, todos os desejos.

O que mais se cola aos ouvidos, mais ainda do que as canções de Homebound 456, é a delicadeza dos tons, das palavras, dos timbres que as moldam, dos acordes, de tudo o que se vai inspirando lentamente à medida que avançamos, passo a passo até ao derradeiro momento. Assim, aquilo que parece ser apenas mais um disco de indie-folk (faltando melhor designação, teremos de avançar com esta), não se resumirá a tão pouco. Vem-nos à cabeça a ideia de que há discos que parecem livros, e se aceitarem como boa esta possibilidade, então teremos aqui terreno fértil. Uma narradora (Margarida Falcão, a voz irmã de Catarina, quando ambas se apresentam como Golden Slumbers), e uma linha narrativa que percorre pequenas histórias, fragmentos, ideias espalhadas pelos onze temas do recente Homebound 456, primeiro longa duração do trio composto por Luís Monteiro, Ricardo Nagy e pela já referida Margarida. Mas há mais: uma certa noção de espaço sombrio, melancólico, rendilhado pelo som contaminante da voz feminina que nos guia por locais nítidos mas taciturnos e inquietantes. Depois, como que a finalizar a ideia iniciada, um ambiente intimista que lembra tempos distantes, a preto e branco, fotografias sonoras imprecisas, tremeluzentes, onde luz e sombra batalham tranquilamente pelo seu próprio espaço, embora não se perceba o que brilha mais, se o rasto de penumbra dos momentos mais luminosos, se a claridade porosa dos momentos mais cinzentos e contemplativos.

Homebound 456 é um disco de ambientes outonais, que assenta sobretudo na limpidez da voz de Margarida Falcão. É ela que sobressai, é ela que nos guia, é dela que parece tudo brotar. É também um disco de tom caseiro, um disco de lareira acesa, que apetece ouvir esfregando as mãos para que o frio sossegue e acalme as tremuras da alma. Ouvido agora, em início de uma primavera que vai parecendo reticente, parece ter, afinal, surgido em tempo próprio. As elegâncias de “I Never Leave, I Never Go”, “You” (o primeiro avanço do álbum) ou “Homebound 456” são apenas três exemplos do que vos fomos expondo. Talvez sejam essas as canções que melhor balizam e sintetizam a proposta dos Vaarwell, embora também nos pareça correta a ideia de que entre todas elas (as onze, e não apenas as três) exista uma linha que as une, que as percorre, um longo traçado imaginário e organizador da particular tecitura de Homebound 456.

Intimista por excelência, fazendo apelo a memórias chuvosas e outras outonais invernias, Homebound 456 é um primeiro passo largo de um caminho que se prevê profícuo. De todo este húmido elemento germinará, certamente, algo de fresco e bom.

The Lazy Faithful – Bringer of a Good Time (2017)

 

Ao segundo álbum, os portuenses The Lazy Faithful continuam a dar-nos o abençoado rock, mas trazem na manga uma maior complexidade sonora e mais espírito exploratório.

Depois da belíssima e certeira estreia com Easy Target, de 2014, os portuenses The Lazy Faithful chegam agora ao segundo longa duração, trazendo-nos logo uma promessa no título: Bringer of a Good Time.

Passaram-se três anos, e a curiosidade de saber o que evoluiu entretanto aguça-se logo na abertura, com “Minefield”. É um tema mais lento do que aquilo a que estes rapazes nos habituaram, mas isso não é necessariamente mau. Antes pelo contrário, o arranque do disco traz-nos um ambiente quase grunge cruzado com uns Led Zeppelin da colheita Houses of the Holy, sacado com brilhantismo.

Segue-se o petardo de “Nukin’ in the Cookin’”, que em menos de dois minutos nos traz de volta os riffs acelerados que são já a imagem de marca dos The Lazy Faithful. Esta sequência acaba por ser uma boa ilustração de Bringer of a Good Time, porque conjuga logo a abrir um crescimento sonoro sem perder aquilo que os tornou especiais.

Já “Bringer of a Good Time”, a música, é curiosamente das menos festivas do disco, voltando aquele travo grunge no refrão, que tão bem sabe e que pouca gente hoje em dia explora. “Queen Anne” é mais um exemplo de uma banda mais trabalhada e mais experiente, que aposta mais na construção melódica e nalguma complexidade (que não complicação) na composição. E sim, quase ouvimos o estilo de entrega vocal de Chris Cornell, sem deixar de ter um riff monolítico a cheirar a gasóleo e a estrada aberta.

“Never got to know” volta a baixar o ritmo mas não o nível. Um tema arrastado, que vai avançando e que poderia ter sido explorado em estúdio com mais pompa (a meio a voz parece prestes a levar a música para um terreno exploratório psicadélico, mas que acaba por não cumprir a promessa).

Segue-se “Seal my Fate”, a bater acima dos sete minutos. Ouve-se como uma declaração de ambição da banda que, depois de um arranque colado à canção se atira para uma desbunda de guitarras e de um baixo endiabradíssimo e que felizmente ficou bem acima na mistura. Se no tema anterior houve uma nesga para a banda descolar e esta hesitou, aqui mandou-se com toda a convicção para uma viagem de belo rock estelar.

“Baby don’t you know” é a música que mais nos caiu no goto, fruto de uma linha vocal muito bem sacada e daquele baixo vitaminado que cai tão bem. Não sabemos se os The Lazy Faithful andaram a tirar o pó aos discos dos anos 90, mas temos aqui mais um exemplo desse tipo de som. Obrigado.

A caminho do fim de Bringer of a Good Time temos ainda tempo para “There was a light”, música escolhida para protagonizar o vídeo que pode ver abaixo (que não nos agarrou particularmente mas cujo nível é elevado pela guitarra pujante bem no finalzinho e por uns toques de psicadelismo contido).

O disco encerra com o seu tema mais longo, a mutante “Beginning to end”, que começa suave e acústica até quebrar as amarras. Há espaço para várias fases, teclas, arranques, falsas partidas e um final de disco poderoso e significativo.

Bringer of a Good Time é um digno sucessor de Easy Target mas não se limita a jogar os trunfos seguros do primeiro tomo. A energia inesgotável e insaciável do disco de estreia deu lugar a uma banda mais madura, que alargou os ingredientes do seu cozinhado rock n’ roll e já se atreve a sair da zona de conforto do riff sem nunca o abandonar completamente.

É um disco mais ambicioso, mais completo, embora de início talvez menos entusiasmante e transbordante de energia juvenil. É o crescimento de uma banda, que a este ritmo pode trazer-nos coisas ainda melhores.

O disco, acabadinho de sair, teve a primeira rodagem ao vivo no portuense Maus Hábitos, com a vez do MusicBox, na capital, no dia 22 de Abril.

Recordando Heróis do Mar - Saudade - 1981

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40 Anos de Portugal na União Europeia (CEE).

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GNR - Portugal na CEE

Recordando o álbum ''Sexta-Feira 13'' dos RAÍZES Grupo de Acção Cultural de 2010

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Raizes | Sexta Feira 13 | Portugal no Coração | 27/12/2010

Raizes – Sexta-Feira 13 (Álbum Completo)

https://open.spotify.com/int.../album/4B5T9D0SfKcBGxIFRDI907

O Grupo RAÍZES surgiu em Vila Verde, Braga, no dia 25 de Abril de 1980, com o propósito de participar nas comemorações desta histórica data.

Esta experiência criou raízes, as motivações ganharam força e a partir daí o grupo não mais parou tendo vindo a desenvolver ao logo destes 45 anos um profícuo trabalho de pesquisa, recolha e divulgação da musica tradicional portuguesa.