CRONICA - ELECTRIC PRUNES | Release of an Oath (1968)

 

Após o fracasso comercial de "Massa em Fá Menor" (lançado em janeiro de 1968) e as crescentes tensões sobre o controle artístico, os Electric Prunes se separaram. Exaustos por um projeto que os havia sobrecarregado, mas acima de tudo, os despojado de sua própria produção criativa, James Lowe (vocal), Ken Williams (guitarra), Mark Tulin (baixo), Mike Gannon (guitarra) e Michael "Quint" Weakley (bateria) decidiram deixar o grupo.

Com a banda dissolvida, Hassinger, ansioso por estender a experiência iniciada com a Missa em Fá Menor, deseja dar uma verdadeira continuação a esta audaciosa mistura de música sacra e rock psicodélico. Só que os vocais não serão em latim, mas em inglês. Ainda convencido do potencial desta fusão mística de textos religiosos e sons eletrizantes, ele mais uma vez confia as rédeas do projeto a David Axelrod, com a missão de levar esta exploração musical ainda mais longe.

Com a saída dos membros originais, David Axelrod e Dave Hassinger convocaram músicos substitutos. Assim, Howard Roberts (guitarra), Lou Morrell (guitarra), Dick Whetstone (vocal), Don Randi (teclado), Carol Kaye (baixo) e Earl Palmer (bateria) desfilaram para o estúdio. Todos esses músicos eram grandes nomes, notavelmente do lendário Wrecking Crew, o coletivo de estúdio que moldou o som de centenas de discos nos anos 60. Foi esse coletivo de talentos que deu origem a Release of an Oath , lançado em novembro de 1968 pela Reprise sob o nome de… The Electric Prunes!

Há motivos para gritar escândalo, roubo! Tudo isso parece um grande golpe organizado! É preciso dizer que David Hassinger, detentor dos direitos do nome Electric Prunes, não tem escrúpulos em capitalizar a reputação do grupo original.

Exceto eu! Não vi nada, não ouvi nada, não disse nada. Não sei de nada! Porque é evidente que " Release of an Oath" é uma obra-prima. Com suas orquestrações sinfônicas misturadas a ritmos de rock, em um cenário de encantamentos, só podemos aplaudir o excelente trabalho de David Axelrod.

Para este novo projeto, o compositor decide expandir ainda mais sua exploração espiritual. Desta vez, ele se afasta do rito católico para se inspirar na tradição judaica, inspirando-se no Kol Nidre, uma oração solene recitada no Yom Kippur, o Dia do Perdão.

David Axelrod viu uma oportunidade de mesclar temas de redenção, perdão e libertação espiritual de forma única com a intensidade hipnótica do rock psicodélico. Ele criou uma obra profundamente conceitual, estruturada em torno de vários segmentos inspirados em orações e liturgias judaicas e cristãs.

O álbum começa com "Kol Nidre", uma peça solene que imediatamente estabelece uma atmosfera cerimonial e dramática, conduzida por coros poderosos e um arranjo orquestral minimalista. Aqui, conjuntos de peplum, guitarra ácida, orações e saxofone jazzístico colidem. A introdução pop de "Holy Are You" traz uma certa leveza, até que o soar de uma inspirada guitarra elétrica de seis cordas e um baixo grooveado envolvem a oração em um véu místico, impulsionado por percussão hipnótica. Um órgão quase religioso e caleidoscópico, "General Confessional" vem com orquestrações percussivas atravessadas por um breve coro de bateria e um solo de guitarra psicodélico. Então, a voz se funde em uma atmosfera de confissão íntima e busca espiritual antes de dar lugar a "Individual Confessional", uma exploração mais rítmica de temas de redenção, com arranjos tão imponentes como sempre e vocais arrebatadores.

Mais tranquilo, mas igualmente poderoso, o confessional "Our Father, Our King" traz um toque de serenidade, construindo uma visão de esperança e devoção. "The Adoration" assume um tom mais sombrio, com uma intensidade crescente que acompanha um crescendo musical, simbolizando a busca espiritual e o confronto com o divino. O álbum termina com um comovente "Closing Hymn", onde se respira uma atmosfera de calma, encerrando a obra com uma nota solene e transcendente.

Release of an Oath é uma obra fascinante, uma experiência sonora que se aventura muito além das convenções do rock psicodélico. Longe de ser uma simples continuação de "Mass in F Minor" , este álbum revela a capacidade de David Axelrod de combinar brilhantemente rituais espirituais com a intensidade da música psicodélica.

Embora a banda Electric Prunes, como a conhecíamos, tenha desaparecido no esquecimento, este álbum continua sendo uma obra magnífica, singular, quase atemporal. Ouça-o sem preconceitos, repetidamente, para captar todas as suas sutilezas e riqueza.

Imperdível para o rock psicodélico dos anos 60.

Títulos:
1. Kol Nidre
2. Holy Are You
3. General Confessional
4. Individual Confessional
5. Our Father, Our King
6. The Adoration
7. Closing Hymn

Músicos:
Howard Roberts, Lou Morrell: Guitarra
Dick Whetstone: Vocal
Don Randi: Teclado
Carol Kaye: Baixo
Earl Palmer: Bateria
David Axelrod: Arranjos, Orquestrações

Produção: David Hassinger

Lars Hollmer ‎– 12 Sibiriska Cyklar = XII Cибириска Суклар (Alternativkommersiella Snickarlåtar) (1981, LP, Sweden)

Åenasidan

A1 Avlägsen Strandvals – 2:35

A2 Piano De Jugugte – 2:40

A3 Hajar Du Idealfamiljen? – 1:38

A4 Endlich Ein Zamba – 2:32

A5 Inga Pengar – 2:20

A6 Kamelsväng – 3:05

Åandrasidan

B1 Ja Änte Flöttarjate Sjöss –1:35

B2 Boeves Psalm – 2:25

B3 Jag Väntar På Pelle – 2:40

B4 Bluesen – 2:00

B5 Ung Harald – 2:40

B6 Litet Piano – 2:20

Musicians:

Music By, Lyrics By – Lars Hollmer

Accordion – Lars Hollmer (tracks: A1 to A5, B1 to B3)

Piano – Lars Hollmer (tracks: A1 to A5, B1, B3, B5, B6)

Synthesizer [Korg] – Lars Hollmer (tracks: A2, A6, B2 to B5)

Vocals – Lars Hollmer (tracks: A1, A3 to A5, B1, B5)

Faton Cahen - Pip Pyle, Etienne Callac ‎– Couleur Rubis (1989, CD, França)

Tracklist:
1. La Lune Est Rousse - 2:43
2. Salut Les Filles! - 4:37
3. Le Derviche Tourneur - 3:20
4. Pipovitch - 3:29
5. Le Chêne Noir - 7:45
6. La Grenouille Sur L'Echelle - 3:10
7. L'Eau Et Le Feu - 3:12
8. La Ballade Flambée - 6:59
9. Pipinsky - 4:15
10. Mudanças - 3:45
11. La Lune Etait Rousse - 2:29

Músicos:
Bateria – Pip Pyle
Baixo Elétrico – Etienne Callac
Piano Elétrico, Sintetizador – Faton Cahen
Composta por – F. Cahen (faixas: 1 a 3, 5 a 8, 10, 11), P. Pyle (faixas: 4, 9)

Raul Lovisoni / Francesco Messina ‎– Prati Bagnati Del Monte Analogo (1979, LP, Italy)

Tracklist:
A1 – Francesco Messina/ Prati Bagnati Del Monte Analogo – 23:25
B1 – Raul Lovisoni/ Hula Om – 9:01
B2 – Raul Lovisoni/ Amon Ra – 11:40

Musicians:
Keyboards [Vocoder Moog, Sinth Vocoder Roland, Sinthi Ems] – Francesco Messina (A1)
Piano – Michele Fredrigotti (A1)
Harp – Patti Tassini (B1)
Glass Harmonica – Raul Lovisoni (B2)
Voice – Juri Camisasca (B2)

O LP seminal de Raul Lovisoni e Francesco Messina de 1979 permaneceu por muito tempo entre os mais amados. Prati Bagnati Del Monte Analogo não só apresentou ao mundo o trabalho de dois compositores talentosos, mas também é notável por ter sido produzido pelo pioneiro da eletrônica Franco Battiato. Um álbum irmão de Prati Bagnati seria o impressionante Motore Immobile, de Giusto Pio, igualmente agraciado pela mão gentil do maestro na mesma época. Lovisoni e Messina são figuras centrais da vanguarda italiana. Parte de uma geração de artistas que contribuiu para uma reformulação radical das práticas e composições musicais, eles revelam o minimalismo como raramente é conhecido: melodias delicadas, interação harmônica sutil, incorporando diversas tradições criativas e abrindo caminho lentamente para um espaço aberto em constante expansão. A meditativa faixa-título de Prati Bagnati Del Monte Analogo, inspirada no romance surrealista Le Mont Analogue, de René Daumal, apresenta Messina no sintetizador e o piano impressionista de Michele Fedrigotti, enquanto em "Hula Om" e "Amon Ra", de Lovisoni, a harpa solo, as taças de cristal e os radiantes drones vocais de Juri Camisasca ascendem ainda mais à estratosfera. Ultrapassando os limites da música ambiente, new age e experimental, Prati Bagnati tem uma beleza transformadora diferente de tudo.

Björgvin Gíslason ‎– Öræfarokk (1977, LP, Iceland)

Tracklist:
A1. Day
A2. Og Svo Framvegis
A3. Remain The Same
A4. Doll In A Dream
A5. Ef þu Getur
B1. Could It Be Found
B2. Hear Me
B3. Öræfarokk
B4. Ambrosia
B5. Don't Ever Go Down
B6. It Makes Me Wonder

Musicians:
Bass – Sigurður Árnason
Drums, Percussion – Ásgeir Óskarsson
Guitar, Vocals, Piano – Björgvin Gíslason
Keyboards – Pétur Hjaltested
Vocals – Albert Icefield, Finnur Johannsson, Jóhann G. Jóhannsson, Jóhann Helgason, Pétur Kristjánsson

King Crimson ‎– Live In Chicago (2017, 2xCD, England)

Disc One:
Intro: Scape Bells
Larks’ Tongues In Aspic, Part One
Neurotica
The Errors
Cirkus
The Lizard Suite:
a) Dawn Song
b) Last Skirmish
c) Prince Rupert’s Lament
Fallen Angel
Larks’ Tongues In Aspic, Part Two
Islands
Pictures of a City

Disc Two:
Indiscipline
The ConstruKction of Light
Easy Money
The Letters
Interlude
Meltdown
Radical Action II
Level Five
Starless
Heroes
21st Century Schizoid Man

The Band
Bass, Chapman Stick, Voice – Tony Levin
Drums – Gavin Harrison, Pat Mastelotto
Drums, Keyboards – Jeremy Stacey
Guitar, Flute, Voice – Jakko Jakszyk
Guitar, Keyboards – Robert Fripp
Keyboards – Bill Rieflin
Saxophone, Flute – Mel Collins

betcover!! - 勇気 [Yuki] (2025)

 

勇気 [Yuki] (2025)

betcover!!

O sexto álbum de estúdio do betcover!! é completamente diferente de seus antecessores, mas se você conhece um pouco sobre a banda, sabe que isso é óbvio. Eles sempre mudam de estilo e, de alguma forma, sempre conseguem. Desta vez, Yanase Jiro e a turma decidiram apostar no jazz rock completo e, com a ajuda de Jim O'Rourke, criaram uma obra de arte incrivelmente complexa e interessante.

A mudança de gênero não foi totalmente inesperada, já que foi prenunciada pelos recentes shows da Uma Tour, onde o betcover!! estava se aprofundando cada vez mais em arranjos de jazz. Consequentemente, 勇気 surgiu como uma nova fera jazzística. Algumas músicas têm essa vibe de cabaré, outras poderiam ser tocadas em um lounge esfumaçado frequentado por pessoas elegantes em ternos elegantes. E funciona tão bem. O título do álbum realmente combina com a banda. Eles continuam fazendo suas próprias coisas sem se desculpar, e isso deve exigir uma coragem tremenda.

O álbum começa com 忘れる女, até agora minha música favorita deste álbum. É realmente cativante e habilidosa, a incrível linha de baixo cortesia de Falcon Man dá à música um toque bastante sexy. A propósito, podemos falar sobre o anúncio do álbum? É a coisa mais betcover!! do mundo anunciar o álbum 4 horas antes de seu lançamento através de um reel aleatório do Falcon Man no Instagram dele saltando de bungee jump. Não é nem surpreendente neste ponto. Voltando ao álbum. 忘れる女 é uma abertura incrível, e o refrão é a estrela aqui para mim. Certamente, esta é a faixa que define o clima de uma ótima maneira, ao mesmo tempo que lembra mais seus lançamentos anteriores.

ミー子のコンサート é muito cativante, e posso vê-la se tornando a música mais popular deste álbum. É cabaré, caótica e leve. Você só quer abrir uma garrafa de champanhe caro e dançar em círculos com seu amado ao som desta. Que sucesso. ゴーゴースチーム segue o exemplo, começando com um trabalho de saxofone incrível de Kei Matsumaru, que para mim é o MVP deste álbum. Outra ótima música que também ostenta alguns solos de guitarra incríveis, misturando jazz e art rock perfeitamente. É groovy, artística, complexa e tudo isso é embalado perfeitamente em 6 minutos de caos controlado.

サマーランド traz uma pausa para o cigarro. Você acabou de sair do clube louco do Jiro para respirar um pouco de ar fresco (e fumaça). É uma faixa tranquila, onde a voz de Jiro Yanase assume o papel principal. A música se desenrola maravilhosamente com um saxofone Kei suave e fúnebre e uma melodia de piano simples, mas poderosa. Vi alguém no Twitter chamar 野猿 de uma música dos Zazen Boys feita pela betcover!! e, nossa, concordo plenamente. Essa é louca, caótica e, depois de um começo lento, evolui para um monstro técnico com muitas cabeças e camadas sonoras para desvendar. A performance de Jiro, com a palavra falada, merece destaque, ela completa a música.

Todo álbum do betcover!! contém uma música lenta e neoclássica, e ステイウィズミー é essa música. Talvez até a melhor dessa categoria até agora. Não há muito a dizer, é uma pequena e sincera peça entre dois gigantes. 銀河ゴールデンボーイ fecha o álbum inteiro, reunindo todos os estilos anteriores que aparecem neste projeto. Este parece assistir a um pôr do sol, ou um nascer do sol, através de uma janela de trem embaçada. É realmente evocativo e suave... parece amor, e a linha de baixo pesada lhe dá uma qualidade sobrenatural.

É uma longa análise, eu sei... mas é preciso fazer justiça a este álbum, cantando os louvores o mais detalhadamente possível. Mal posso esperar para ouvi-lo ao vivo no mês que vem. Eles realmente são a melhor banda que existe, sem concorrência.

Lyra Pramuk - Hymnal (2025)

Hymnal (2025)

Lyra Pramuk

Uma peça em vitral, Lyra Pramuk oferece um caleidoscópio, mas também convida a se tornar um com o movimento e as cores. Você pode se maravilhar com a transcendência turbilhonante ou se mover com ela. Raramente ouvi música que me fizesse sentir que desconstruía o tempo e a própria música, respeitando a santidade do corpo ou, mais precisamente, a santidade do que a música faz com nossos corpos. Pramuk forma um elo entre os dois, o eu superior e o corpo, por meio de uma paleta de violinos flutuantes, dedilhados psicodélicos e, claro, vocais deslumbrantes e vibrantes. Esperei muito tempo para ouvir música assim, e ainda assim é totalmente surpreendente.

Na minha cabeça, Pramuk é uma superestrela. Ela já tem um conjunto transcendental de obras guardado no bolso de trás, e esta nova entrada é ancorada pelo seu título, Hymnal. Ela não estava apenas tentando criar um conjunto de obras fervilhante, ela estava criando uma piscina, um poço ritual, e foi por isso que fiquei surpreso ao retornar ao simpósio global em relativo silêncio. Certamente, depois da minha experiência, pensei que este álbum tivesse criado ondas e feito as pessoas repensarem completamente a prática musical, mas parece ter recebido flores silenciosas, porém jubilosas, de algumas almas como eu. É por isso que humildemente peço a vocês que, por favor, deem uma chance a esta obra-prima. Encarem-na de coração aberto e deixem a natureza cantar para vocês.

Hayden Pedigo - I'll Be Waving as You Drive Away (2025)

I'll Be Waving as You Drive Away (2025)

Hayden Pedigo

Tenho pensado em ouvir mais American Primitivism, já que gosto muito das gravações que ouvi de John Fahey e já que o gênero me parece perfeito: uma combinação de música conceitual, composicionalmente aventureira, e texturas americanas. Como não amar?

Eis que surge Hayden Pedigo , ainda que inesperadamente. Este homem quase lynchiano e hilariamente criativo apareceu no meu feed do Instagram graças ao Earfeeder. A capa deste disco me cativou, e aqui estamos. Que audição satisfatória! O fluxo deste álbum é verdadeiramente notável. Pedigo consegue criar vinhetas nostálgicas, psicodélicas e, ocasionalmente, oníricas, amplificadas por sutis instrumentações e texturas adicionais que acompanham e acentuam sua execução na guitarra.

Este disco também é muito agradável aos ouvidos (quase até demais — talvez eu tivesse gostado dele um pouco mais lo-fi). Além disso, embora seja uma audição gratificante, também funciona bem como música ambiente, aparentemente não ocupando espaço no ar de uma sala, ao mesmo tempo que inspira uma certa nostalgia e me faz sentir à vontade.

É um ótimo disco, é o que quero dizer. Agora, com a estrutura do que gosto na música americana/primitivista/... em geral em mente, eu poderia dizer que gostaria que essas músicas fossem ainda (ainda) mais completas, mais longas, mais ambiciosas. No entanto, acho que a brevidade e a relativa simplicidade deste disco são dois dos seus maiores encantos, e não quero tirar isso dele. Ainda acho que o disco às vezes soa um pouco claro demais e carece de alguma dinâmica. Ah, bem. Este é algo e tanto; é digerível, artístico, divertido e um monte de outras coisas.

Sigh - I Saw the World's End - Hangman's Hymn MMXXV (2025)

I Saw the World's End - Hangman's Hymn MMXXV (2025)

Sigh

O Hangman's Hymn original é provavelmente um dos meus lançamentos favoritos da obra singular e estilisticamente extensa do Sigh e, como todos os seus lançamentos, tem suas próprias falhas distintas, ainda que charmosas. Fiquei especialmente surpreso com o anúncio desta regravação, considerando seu histórico de "estranheza" impenitente nas frentes de produção e mixagem, e o material de origem é geralmente um dos seus lançamentos mais enxutos em termos de performance. Por mais que eu tenha aversão à abundância de remixagens sem alma na cena metal ultimamente, se há alguma banda em quem eu confiaria para fazer uma que ao menos justificasse sua própria existência, é o Sigh.

Como eu esperava, no mínimo, o espírito desta obra está completamente preservado. Todos os riffs thrash, as picadas orquestrais, os vocais zombeteiros de diabinhos acompanhando os procedimentos, ainda estão presentes aqui e contribuem para uma grandiosa história de condenação que certamente será um gosto tão adquirido quanto o original. Aqueles que não se interessaram pelo material na primeira vez provavelmente não se converterão com este, mas essa nunca foi a intenção desde o início.

Visto por esta nova lente, o primeiro destaque imediato é o trabalho de bateria, cortesia de Mike Heller (do Malignancy e, curiosamente, do Raven ?). Embora certamente um pouco mais chamativo do que um álbum como este provavelmente exigiria, ainda é uma apresentação bastante impressionante em todos os aspectos, e as mudanças na composição para levar em conta o baterista mais recente do Sigh são geralmente lógicas e fluidas, sem parecerem forçadas; o original tem um charme na execução monotemática da bateria que certamente fará falta a alguns. Os acompanhamentos orquestrais fazem maravilhas aqui, como sempre, mas ainda assim há algumas decisões estranhas afetadas pela escolha da instrumentação ao vivo. Podemos observar o refrão final de Death With Dishonor, bombástico em sua forma antiga, mas aqui apoiado apenas por um violino. Não menos eficaz tonalmente, mas ainda assim um tanto chocante para aqueles acostumados com o original. Há também a faixa final, originalmente aberta com cantos corais de apoio, aqui substituídos por uma seção de metais estridente.

A produção, bem, ainda está dentro dos padrões habituais do Sigh, para o bem ou para o mal. Certamente está mais em linha com o som mais limpo e profissional de Shiki , mas de forma alguma é um lançamento audiófilo, com médios abafados e algumas escolhas de mixagem "distintas" nos volumes dos instrumentos. Reclamar do som de um álbum do Sigh é uma prática tão fútil quanto sempre; não nos esqueçamos, este ainda é, em última análise, um dos acólitos mais devotados do Venom no black metal . Não é uma barreira tão grande quanto um álbum como Graveward seria para muitos. e aqueles que estão descobrindo o Sigh por meio deste lançamento certamente não vão se afastar apenas do som.

Em última análise, este álbum não pretende substituir o original, mas sim complementá-lo ainda mais. Todos os pontos fortes e peculiares estão intactos, e a música em si continua a queimar o ouvinte tanto quanto sempre. Não se trata de apagar o fogo do inferno, apenas de uma fonte diferente de enxofre. É uma maravilhosa peça complementar que tem todo o direito de ser apreciada juntamente com o original, cada uma com seus prós e contras, mas nenhuma delas menos contundente que a outra. Parabéns, Sigh, você finalmente me fez apreciar um álbum de regravação moderno.