O DEM Ensemble é a versão estendida do DEM Trio , um projeto que, desde o seu início, defende os sons do bağlama e do tambur, instrumentos-chave da música folclórica da Anatólia. O DEM Ensemble apresenta Murat Salim Tokaç (tambur e ney), Emre Erdal (kemençe ou kamanché clássico), Cenk Güray (divã saz e cura), Atilla Akıntürk (kanun) e Erdem Simsek (bağlama). O segundo álbum do grupo instrumental turco, que dá continuidade à sua jornada musical, é dedicado à história musical de Istambul como um interessante caldeirão cultural que abrange os dias do Império Bizantino, a herança otomana e os vários períodos da República Turca. No total, eles gravaram cerca de vinte peças de beleza sublime (gravadas entre 2008 e 2013 em Turim, Istambul e Ancara), melodias perdidas no tempo, abrangendo o Egeu e toda a Península da Anatólia (Izmir, Rodes, Lesbos, Burdur, etc.) e que se unificam como uma representação de todas essas culturas regionais dentro da estrutura cosmopolita da capital. O DEM Ensemble escolheu como título para este maravilhoso álbum a flor rosa que simboliza Istambul, Erguvan , que floresce a cada primavera por um breve período, o símbolo de uma cidade onde diversas culturas se cruzaram, se misturaram e se chocaram. Destes encontros e desacordos emerge a cidade atual, onde a tradição e as novas formas musicais são abraçadas como uma só. Música concebida, sonhada e magistralmente encenada.
lista de faixas : 01. Hantuman Zeybeği 02. Ağır Al Yazma Zeybeği 03. Jandarma Zeybeği 04. Hüseyni Taksim 05. Eskişehir Zeybeği 06. Baylan Cemile 07. Nihavend Taksim 08. Kutsavakiko 09. Mazomenos 10. Koca Ümmet Zeybeği 11. Rodos 12. Kostak Ali Zeybeği 13. Kasnak Zeybeği 14. Eviç Taksim 15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar 16. Karanlıkdere Zeybeği 17. Abdurrahman Halayı 18. Hüseyni Taksim 19. Tevekte Üzüm Kara 20. Hasapikos Politiko
Espíritu del Sol é o terceiro álbum da cantora e compositora Amparo Sánchez. Após o lançamento de Alma de Cantaora (2012) e sua estreia solo, Tucson-Habana (2009), a artista andaluza agora apresenta 12 faixas coloridas e positivas gravadas em Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona e Andoain, com a ajuda da gravadora World Village. Representante do movimento mestiço de Barcelona, após liderar o projeto Amparanoïa por doze anos , este terceiro álbum solo de Amparo Sánchez é acompanhado por dois de seus músicos inseparáveis: Jordi Mestres (guitarras) e Willy Fuego. Ela retorna a Tucson para gravar as doze faixas com seus companheiros de banda Joey Burns e John Convertino (do Calexico), também apresentando colaborações com outros artistas proeminentes do Arizona, como Brian López, Sergio Mendoza (teclados), Mona Chambers (violoncelo) e Vicky Brown (violino). Também participam da Argentina Carlos Jiménez "La Mona", Raly Barrionuevo e Malena D'Alessio (da Actitud María Marta), enquanto o México deixa sua marca com o Coletivo Musical Tapacamino de Oaxaca.
Espíritu del Sol é um álbum positivo e feminino, com uma visão esperançosa do mundo e do papel das mulheres nesta nova humanidade. "Eu poderia dizer que a essência do álbum é o empoderamento feminino, a tomada de decisões, a conexão com o espírito interior, enviando uma mensagem às mulheres — meu público majoritário — de que 'somos irmãs', de que estamos juntas ." Musicalmente, o álbum varia da rumba ao latim, passando pela cadência do deserto e pelos sons distintos do Caribe. Uma obra nômade e itinerante, imbuída das raízes de alguns dos lugares favoritos da artista, na qual ela também optou por incluir duas versões soberbas como homenagem: uma de Manu Chao e Mano Negra, interpretada com Joey Burns ("Long Long Nite"), e outra da grande Chavela Vargas ("El Último Trago"), com arranjos de Johny Contreras, na qual Amparo Sánchez é acompanhado pelos Mariachis de Tucson. Um álbum de garra, com muita alma e cheio de luz.
tracks list: 01. Plegaria 02. Mi gitana 03. Luces en el mar 04. De este amor 05. Hermosa 06. El último trago 07. De lluvia y barro 08. Rio turbio 09. Cuarteto en Paris 10. No pudo ser 11. Sin nombre 12. Long long nite
Durante os anos 2000, Ashanti foi amplamente considerada como "a princesa do hip-hop e do R&B". Ela tem uma série de músicas populares como artista solo e também era conhecida por colaborações com seu então companheiro de gravadora, Ja Rule. Mesmo que tenham se passado pouco mais de sete anos desde o lançamento de seu último álbum, Ashanti sempre conseguiu se manter no centro das atenções. Recentemente, ela subiu ao palco com Ja Rule durante sua batalha de Verzuz contra Fat Joe , e todos adoraram vê-la (e ouvir) se apresentar. Embora não esteja claro se ela tem planos de lançar outro projeto, Ashanti já tem um catálogo impressionante. Aqui está nossa opinião sobre as 10 melhores músicas de Ashanti de todos os tempos.
10. The Way That I Love You
O amor tem sido o tema central de muitas das músicas de Ashanti, mas "The Way That I Love You" não é uma canção de amor típica. Em vez de cantar sobre os sentimentos positivos geralmente associados ao amor, Ashanti canta sobre o que acontece quando o amor não sai como planejado. Embora não seja tão cativante quanto algumas de suas outras músicas, ainda é uma ótima faixa e é divertido cantar junto.
9. Say Less
"Say Less" foi lançada no outono de 2017, mas não recebeu a atenção que merecia. A música era para ser o single principal do sexto álbum de Ashanti, mas o projeto nunca foi lançado. Com participação de Ty Dolla $ign, "Say Less" é uma música divertida e animada sobre deixar de lado todo o drama.
8. Feel So Good
A menos que você seja um fã fervoroso de Ashanti, talvez nunca tenha ouvido a música "Feel So Good". A música não foi um single, mas foi definitivamente uma das melhores do seu segundo álbum. "Feel So Good" é suave e também um bom lembrete de que Ashanti é muito mais do que apenas suas canções populares.
7. Breakup 2 Makeup
Se você já passou por um término de relacionamento, provavelmente se identifica com essa música. O fim de um relacionamento nunca é fácil, principalmente quando você percebe que a pessoa que você ama já seguiu em frente. Por mais dolorosa que essa experiência possa ser, a voz doce de Ashanti não a torna tão ruim.
6.Rain On Me
“Rain On Me” foi uma das músicas mais populares do álbum Chapter II de Ashanti , e é fácil entender o porquê. A produção da música é suave e contribui para a plenitude de sua voz. Mais uma vez, Ashanti canta sobre desilusão amorosa, mas também deixa claro que não vai deixar que isso a deprima por muito tempo.
5. Only U
Assim que a batida cai após a introdução, você percebe que "Only U" será uma música especial. Com um som que mistura a riqueza do rock com a suavidade do R&B, "Only U" é uma ótima música. Mesmo tendo se passado quase uma década desde seu lançamento, ela envelheceu incrivelmente bem.
4. Baby
O álbum de estreia de Ashanti foi cheio de sucessos, e "Baby" foi um deles. Para uma artista novata na indústria, "Baby" foi o single perfeito para a música de estreia de Ashanti, "Foolish". A música pode ser relativamente simples, mas tem o tipo de refrão que ficará na sua cabeça o dia todo. O vídeo também conta com participações de Nia Long e do chefe da gravadora Murder Inc, Irv Gotti .
3. Happy
Muitas das músicas de Ashanti podem ser sobre corações partidos e relacionamentos fracassados, mas "Happy" não é esse tipo de música. Como o título sugere, a música tem uma vibe animada e alegre. Embora Ja Rule seja creditado com uma participação na música , ele não tem um verso sequer. No entanto, sempre que você vê esses dois nomes na mesma faixa, quase pode apostar que será um sucesso.
2. Foolish
Lançado em janeiro de 2002, "Foolish" foi o single de estreia de Ashanti e provou ser a maneira perfeita para ela entrar na indústria. Com um sample de "Stay with Me", de DeBarge (este também foi o sample usado em "One More Chance" , de Notorious BIG ), "Foolish" misturou o melhor do som novo e antigo. Além disso, a música é sobre algo com o qual muitas pessoas podem se identificar.
1. Rock Wit U
“Rock Wit U” é uma daquelas músicas que te fazem sentir bem assim que toca. Graças a uma batida contagiante combinada com um refrão cativante, essa música realmente trouxe à tona o melhor do talento e estilo de Ashanti. Embora seja verdade que esta pode não ser a sua música mais popular, definitivamente sentimos que é a sua melhor.
O multipalheta Marty Ehrlich liderou vários trios notáveis de saxofone, baixo e bateria desde sua gravação de estreia em 1984, The Welcome , que contou com o baixista Anthony Cox e o baterista Pheeroan AkLaff. Seu último trabalho, Trio Exaltation — com os colaboradores de longa data, o baixista John Hébert e o baterista Nasheet Waits — retorna sete anos após sua estreia com material realmente bom. This Time apresenta seis composições originais de Ehrlich, juntamente com duas interpretações de peças do falecido e grande pianista Andrew Hill, com quem Ehrlich colaborou por quatro ou cinco anos. O álbum é dedicado à viúva de Hill, Joanne Robinson Hill. "Sometimes This Time", de Ehrlich, abre com um trabalho de pratos escaldante que logo se estende pela bateria, sustentado por um groove redondo...
...linha de baixo que ancora e tempera as improvisações cinéticas e ziguezagueantes de Ehrlich. Waits contribui com um solo de bateria emocionante antes do retorno do tema para encerrar a peça. "Twelve For Black Arthur", uma música incendiária com influências de blues e um toque pós-bop, é uma homenagem ao saxofonista Arthur Blythe. O trio se intensifica além do tema, com Ehrlich incorporando várias das abordagens melódicas e improvisatórias características de Blythe.
"Conversation I" e "Conversation II" são dois duetos de saxofone e bateria nos quais Ehrlich e Waits demonstram uma química explosiva e uma expansividade vanguardista eufórica. "As It Is" se desdobra em uma corrente rítmica arrastada de baixo e bateria, criando um fluxo e refluxo de rubato sobre o qual as explorações equilibradas do saxofone de Ehrlich se transformam em frases rápidas — construídas sobre motivos, trinados selvagens e padrões inconstantes.
O timbre polido de Ehrlich confere calor ao romantismo da balada "Images of Time", de Andrew Hill, sutilmente tingida com inflexões espanholas. O solo de Hébert aqui é erudito, elegante e sequencialmente coerente. Em "Dusk", de Hill, o baixista emprega harmônicos luminosos, combinados com o brilho dos pratos de Waits. A seção rítmica dança com paixão e precisão, evocando uma aura crepuscular. O contralto imponente de Ehrlich transborda de ideias, fluindo dinamicamente por contornos distorcidos e revelando a profunda conexão entre esses músicos — todos ex-membros do Sexteto Andrew Hill — cujos anos de colaboração rendem frutos excepcionais
O segundo álbum Balmat de Patricia Wolf é a trilha sonora do documentário de longa-metragem "Hrafnamynd", do cineasta experimental Edward Pack Davee, e mistura gravações de campo com temas de canções de ninar no estilo AFX, vamps instrumentais distorcidos em fitas e pads analógicos gravados em VHS. Há algo estranhamente reconfortante em "Hrafnamynd", e sem assistir ao documentário é difícil entender exatamente o porquê. Usando filme e digital, Davee reconta sua infância na Islândia através dos corvos da ilha vulcânica, explorando a paisagem e o folclore enquanto resgata sua própria nostalgia. E a trilha sonora de Wolf tenta imitar a fusão surreal do antigo e do novo usando seu UDO Super 6, um poderoso sintetizador analógico-híbrido binaural, para trazer o passado para o presente.
"Ele tem a capacidade de soar muito moderno", explica Wolf. "Mas também pode soar tão aconchegante e suave, como um sintetizador dos anos 1970."
Assim, somos brindados com faixas distorcidas no tempo como "Early Memories", "I Thought I Could Fly" e "Hrafnafling", esta última soando como um corte de "Like Weather", de Leila, e jams descontraídas e descontraídas como "Krummi's Theme" – a deixa para o corvo falante do filme. Mas estas se chocam com composições contemporâneas mais autoconscientes; a cristalina "Huginn and Muninn", por exemplo, ou a balética "Surfing on Wind". E a faixa mais generosa do álbum, "Echoes Through Time", reflete todo o espectro de Wolf, distorcendo harmonias que se acomodam em sinos senoidais percussivos antes de desaparecerem na distância
Para a música que é tanto a faixa-título quanto o coração espiritual de seu segundo álbum, que será lançado em breve, há algo apropriadamente subversivo nela, e suavemente. E esse é o poder da música de Mary Strand . Deixe os outros gritarem dos telhados, discutirem, se envolverem em histrionismo e debates raivosos e incitadores à multidão, trata-se de transmitir uma mensagem e deixar que os outros façam dela o que quiserem. Seu estilo lembra às pessoas que viver nossas vidas de forma honesta e única, e não ter medo de mostrar quem realmente somos, muda o mundo de forma muito mais decisiva do que brigas sonoras e forçar nossas opiniões goela abaixo. Suas ideias e sentimentos entram na paisagem cultural como um cavalo de Troia, e não como bárbaros...
Nesta "lista de músicas" autobiográfica, somos brindados com os muitos motivos pelos quais Mary se destacou na infância. Para mim, o verso "Toquei Tchaikovsky mais do que 'Let It Be'" resume tudo. Afinal, o que há de errado nisso? Infelizmente, é somente à luz da idade adulta que percebemos que são aqueles que não se sentem obrigados a aderir a todas as modas e modismos que acrescentam algo novo ao mundo, mesmo que seja apenas para tornar o lugar mais interessante, mais colorido.
E, como música, ela sublinha musicalmente seu ponto de vista de forma brilhante – uma música que celebra a paixão por atividades aparentemente nada descoladas – academia, música clássica, o tipo "errado" de esporte, geometria, dirigir carros com câmbio manual – mas ao som do pop-rock mais descolado, cheio de atitude e ousadia, com infusão de new wave. Ponto dado!
Mas aqui está a questão. Nunca são as pessoas que seguem a matilha sem questionar que mudam o mundo; são aqueles que pensam diferente, aqueles que se veem relegados à margem, aqueles que têm espaço para ver o mundo de forma diferente, aqueles que desafiam o status quo, mesmo que apenas por não o serem, que impedem que o nosso mundo fique preso à conformidade e à complacência.
A maioria das músicas é o som de um artista dizendo: "é legal ser como eu". De forma revigorante, "I Don't Need Your Permission" está dizendo que a única coisa que você precisa ser, a única coisa que você pode ser, é você!
Além de ser uma experiência absolutamente incrível, Brighter Days documenta a evolução do quarteto de trabalho do saxofonista tenor e compositor Jarod Bufe , da região de Chicago, desde sua auspiciosa estreia em 2018, com "New Spaces" , um programa de composições originais primorosamente elaboradas e impecavelmente executadas, desenvolvidas ao longo de anos de apresentações regulares ao vivo em clubes que apreciam jazz, como o FitzGerald's, na histórica Berwyn, Illinois. Com o guitarrista Tim Stine, o baixista Matt Ulery e o baterista Jon Deitemyer novamente a bordo, Bufe lidera sua banda de estrelas com ideias semelhantes por um material inédito que se beneficia da coesão conquistada com muito esforço, que conseguiram refinar ao longo de um período especialmente desafiador — desde o impulso constante dos shows pré-COVID até...
...a era atual, pós-COVID, como um conjunto mais forte e maduro, demonstrando maior conscientização, sensibilidade artística ampliada e uma apresentação mais emocional em geral.
Esta nova coleção de músicas é claramente inspirada pelos lockdowns da pandemia e pelas reflexões sobre o papel da música em expressar e fornecer esperança em tempos sombrios, com títulos reveladores como “Midnight” (um vampiro menor com uma melodia angular que evoca um clima ligeiramente sinistro de “Bohemia After Dark”), “The Forgotten Before” (uma valsa jazz edificante com grandes solos de Ulery e Stine), a vibração bluesy de Joe Lovano e John Scofield de “Loss of Agency”, o groove funkificado “Fighting for Hope” (com uma batida rápida cortesia de Deitemyer, um mestre da nitidez de bom gosto e propulsão de ponta), “Goodnight, My Brooklyn Prince” (uma homenagem elegíaca ao falecido saxofonista Mark Colby, amigo próximo de Bufe e colaborador frequente) e “Eclipse” (que alterna entre a mania de riffs repetitivos e doces passeios de liberação de batidas de pratos) — sem mencionar o swing acelerado e otimismo voltado para o futuro da faixa-título do álbum.
Brighter Days é um exemplo brilhante do tipo de arte de alto calibre que, em última análise, toma forma quando os jogadores da equipe se unem e a criatividade triunfa sobre a adversidade.
Após lançar dois excelentes álbuns pela Nonesuch, a dupla vocal de jazz tradicional e pop, Rachael Price (Lake Street Drive) e Vilray Blair Bolles, lança seu terceiro álbum pela Concord, bem a tempo de sua apresentação no Newport Jazz Festival de 2025. " West of Broadway" é um conjunto de dez músicas que opera na intersecção do swing, do jazz quente e envolvente da Costa Oeste e dos musicais, com produção estelar e discreta de Dan Knobler e arranjos magistrais de Jacob Zimmerman. Eles se juntam a um sexteto que inclui o vibrafonista/xilofonista/pianista Warren Wolf, o saxofonista Steve Wilson, o clarinetista/saxofonista Jay Pattman, o trombonista Adam Dotson, o baixista Neal Miner e o baterista John Riley. Bolles compôs todas as faixas, exceto uma. A faixa de abertura, "Forever Never Lasts", é uma ironia...
…uma canção de amor bem-humorada e improvável. Ela detalha a incapacidade de um casal de permanecer divorciado. A guitarra de Vilray e o sax barítono de Pattman os acompanham sobre uma bateria escovada; trombone e baixo seguram a corda enquanto trocam versos em seu estilo conversacional característico, antes de se unirem docemente no refrão. O solo de Wolf vibra loucamente antes do clarinete de Dotson e Pattman seguirem na mesma linha. "Is It Jim?" é uma canção agridoce e tocante interpretada por Price como uma mulher de coração partido que passou a acreditar que seu parceiro desaparecido se transmutou em uma tartaruga! É surreal, mas a ternura pungente nas letras de Vilray direciona a entrega maravilhosa de Price. "My Key to Gramercy Park" poderia ser de um musical da Broadway. Há solos excelentes de Pattman no clarinete baixo, na guitarra de Vilray e no solo de Wolf, com vibrações líricas e astutas, antes de Wilson entrar e unir melodia e ritmo. A harmonia entre saxofone e trombone é um beijo de chef.
“The Stuff” é uma música pop bastante tradicional que relembra o início da era dos cabarés nova-iorquinos, ao mesmo tempo em que flerta com o vaudeville. O solo de contrabaixo de Miner e o xilofone de Wolf adicionam um humor sofisticado e irônico à letra. “Closer” é uma balada jazz ancorada no pop. A interação entre Wilson, Wolf, Pattman e Miner cria um pano de fundo sólido em uma canção romântica e etérea. O jazz-pop de “Love Comes Around”, inspirado em Tin Pan Alley e estalando os dedos, oscila com uma interação magnífica entre a seção rítmica e os músicos de linha de frente, e os solos de Dotson, Wolf e Wilson adicionam outra camada atemporal ao usar a linguagem do cool jazz dos anos 50 para ancorar os vocais modernos de Price. “Off Broadway” oferece um argumento contrastante. As letras de Vilray olham romanticamente para a lenda da Broadway e, em seguida, a contrastam com seu lado mais sombrio. O convidado e apresentador de TV noturno Stephen Colbert oferece um excelente acompanhamento de harmonia para Rachel & Vilray antes de Pattman e Wilson começarem a desenvolver seus solos em torno dessa melodia.
O único cover do set é a icônica "Manhattan Serenade", de Harold Adamson e Louis Alter. A interação vocal entre a dupla é alegre, terna e concisa. O solo vibrante de Wolf eleva a melodia à estratosfera ao final do set. Enquanto as duas apresentações anteriores da dupla demonstraram inspiração e maestria musical, "West of Broadway" revisita simultaneamente o cool jazz americano e o pop tradicional, inovando-os com paradas inspiradoras, orquestração deslumbrante e sofisticação vocal inigualável na atualidade
