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segunda-feira, 4 de agosto de 2025

Luiz Melodia ACÚSTICO AO VIVO - 1999

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Ritchie VÔO DE CORAÇÃO - 1983

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Flied Egg - Dr. Siegel's Fried Egg Shooting Machine

Rock pesado com senso de humor e um ouvido apurado para melodias. Você provavelmente pode avaliar sua reação ao álbum pela sua resposta à capa. Pessoalmente, prefiro a continuação.

Ótimo rock progressivo com uma boa dose de hard rock à la Uriah Heep. Estou tentado a dar 4,5, nem que seja pelo encerramento do álbum, cujas letras são simplesmente lindas. Suspeito que muita gente não tenha entendido tudo devido ao sotaque forte.

Ovo Voado e Os Sonhos Elétricos do Dr. Siegel

Aviso: o que você está prestes a ler pode desencadear efeitos colaterais como um desejo incontrolável por omeletes psicodélicos, uma vontade repentina de falar japonês com um sotaque assustador ou, em casos extremos, um desejo inexplicável de construir uma máquina de atirar ovos em homenagem a um certo Dr. Siegel. Porque sim, existem álbuns que desafiam a lógica, e há também " Dr. Siegel's Fried Egg Shooting Machine" , um álbum que parece o resultado de um experimento clandestino entre cientistas malucos, tecladistas de ressaca de Moog e um chef que se esqueceu de que ovos não voam.

É rock progressivo? É sátira musical embrulhada em papel de arroz cósmico? É só o Japão fazendo o que sabe fazer de melhor quando ninguém está olhando? Quem sabe. Mas uma coisa é certa: se você ouvir este álbum esperando ordem e sanidade, vai sair com os cabelos em pé e as meias flutuando em outra dimensão. Então, ajuste sua faixa de papel-alumínio, acenda uma lâmpada de lava e siga-me nesta jornada alucinante por uma daquelas esquisitices que só podem existir nos cantos mais deliciosamente distorcidos do rock dos anos 70.

Impressões pessoais: Dr. Siegel e a máquina de som frita

Sempre acreditei nisso: o Japão não imita, ele interpreta. Não copia, ele transforma. No reino do rock, isso significa uma coisa: "caos elegante". Toda vez que pego um álbum japonês dos anos 70, sei que o que me espera não é apenas música, é uma espécie de cerimônia excêntrica onde o progressivo veste um quimono e a música psicodélica é servida com saquê. E hoje à noite — com a lua retorcida como um címbalo de tambor mal tocado — coloco de volta no toca-discos um daqueles discos que me acompanham há anos: Dr. Siegel's Fried Egg Shooting Machine . Sim, o nome diz tudo. Isso não é para os ouvidos de estômago vazio.

O Fried Egg não era exatamente uma banda "esquisita", mas seu estilo beirava o teatral, o lúdico, o delirante. Este álbum em particular não cruza a fronteira do bizarro, mas nos leva até a sua costa, com os pés descalços em uma poça de Hammond e distorção suave. Músicas como "Dr. Siegel's Fried Egg Shooting Machine" e "Plastic Fantasy" alcançam aquele raro equilíbrio entre hilaridade e precisão progressiva. É como se o Deep Purple e o Uriah Heep tivessem feito uma viagem de mochila por Shinjuku, carregando sintetizadores e alguns discos de vinil ELP. Mas não quero fazer uma autópsia do som. Quero falar sobre como ele se sente:

A arte da capa — um caos onírico com um ar de caricatura psicodélica — dá as boas-vindas a um álbum que não se leva totalmente a sério, mas também não ri de si mesmo. Tem coração, tem ludicidade, tem técnica. E, acima de tudo, tem personalidade. Esse é o seu grande truque: soar direto, versátil e com aquela elegância peculiar e despretensiosa que só o bom rock japonês pode oferecer. Há momentos em que a jornada se torna quase sinfônica, e outros em que parece que tudo está prestes a entrar em uma montanha-russa de efeitos e linhas de baixo que vibram como se o Monte Fuji estivesse rugindo. O melhor exemplo? "Oke-Kus " , a faixa mais surreal do álbum: uma enxurrada de sons eletrônicos que flertam com o grotesco e o celestial ao mesmo tempo. Um verdadeiro exemplo de como o caos pode ser belo se você souber como tocá-lo. Este não é um álbum que muda o mundo. Mas é um que transforma o ambiente em que está tocando. E isso quer dizer alguma coisa.

Não, você não encontrará experimentos malucos ou estruturas impossíveis aqui. Mas encontrará uma obra completa, carismática, cheia de detalhes e com um caráter único. Um ótimo álbum, daqueles que ficam na sua estante favorita, ao lado dos álbuns que você não empresta. Porque há álbuns que você ouve... E há outros que você vivencia. Este, caro leitor, é vivenciado. E, nossa, como é agradável. Até mais.

01. Dr.Siegel`S Fried Egg Shooting Machine
02. Rolling Down The Broadway
03. I Love You
04. Burning Fever
05. Plastic Fantasy
06. 15 Seconds Of Schizophrenic Sabbath
07. I`M Gonna See My Baby Tonight
08. Oke-Kus
09. Someday
10. Guide Me To The Quietness

CODIGO: A-2

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Traffic Sound - A bailar a Go Go

Este álbum é uma compilação dos três singles lançados pela Traffic Sound em 1968; apenas seis faixas duram 22 minutos. São todas covers, incluindo "I'm So Glad", do Cream, que é decente; "You Got Me Floating" e "Fire", do Hendrix, também boas; "Sky Pilot", do Eric Burdon, que é ruim; e "Sueno", do The Rascals, que é razoável. "Destruction" soa como um modelo inicial para "Meshkalina", com sua combinação de acordes de órgão e saxofone. O som é psicodélico pesado, com violão, saxofones e percussão pesada, semelhante aos álbuns posteriores, mas um pouco menos integrados. Ainda não é tão ruim, mas também não é essencial.

Entre o Swing e a Psicodelia: Os Primeiros Passos do Traffic Sound

Era a segunda metade da década de 1960, e Lima — aquela cidade a meio caminho entre o colonial e o cósmico — vivenciava seu próprio despertar eletrizante. Enquanto o mundo rugia com Woodstock, Paris ardia sob os paralelepípedos e os Beatles se transformavam em alquimistas de estúdio, pequenos bolsões de psicodelia crioula, garage com sotaque andino e soul tropical sem licença começavam a brotar no Peru. Era o início da grande explosão musical sul-americana, fermentando longe do radar de Londres e São Francisco, mas com igual intensidade.

Ditaduras se aproximavam, a censura crescia, e ainda assim... os jovens dançavam, compunham e tocavam. Nesse cenário, em meio a penteados sofisticados, luzes de clube e LPs piratas, nasceu o Traffic Sound. Uma banda formada por jovens de classe média alta com rock britânico, soul afro-americano e psicodelia com toques tropicais nas veias. Começaram tocando covers em inglês para festas privadas, mas logo a chama cresceu: tornaram-se ícones sem nem tentar.

A bailar a Go-Go surge como testemunha fóssil e altar iniciático daquele período. Gravado em 1968-69, mas lançado apenas em 1970 como uma compilação de seus primeiros EPs, este álbum é o eco de uma Lima que queria dançar, mas também alucinar, romper com os moldes, flertar com o estrangeiro sem perder completamente o sotaque. Não é uma estreia oficial, dizem. Mas é o primeiro rugido gravado de uma banda que, sem ainda saber, daria o rumo ao rock psicodélico peruano. E agora, com o cenário montado, as caixas de som ligadas e o espírito bem desperto, convido você a ler esta resenha-fanzine como ela deve ser: com a alma aberta e o ouvido curioso.

Cru, Kitsch e Ansioso: O Primeiro Rugido do Som do Tráfego

Há álbuns que entram pela porta da frente e outros que escapam pela fresta dos fundos, com a poeira dos anos 60 ainda nos sulcos. A bailar a Go-Go, lançado em 1970 pela banda peruana Traffic Sound, é um deles. Não é a estreia oficial deles (seria o alucinante Virgin, de 1969), mas eu, com toda a falta de protocolo que o vinil e o soul permitem, declaro: este é o verdadeiro primeiro passo da banda. E que se dane a cronologia dos discos.

Por quê? Porque essas faixas são de 68-69, quando o Traffic ainda impulsionava sua nave espacial sem mapa nem contrato. São suas primeiras gravações, suas provas de fogo, os rituais iniciais antes de acender o verdadeiro pavio. E é por isso que são valiosas. Porque são cruas, sinceras, com lama nos sapatos e um espírito fervente. A coletânea — que reúne todos os EPs da época — é um desfile de covers, sim, mas não se trata de exibir músculos técnicos, mas sim de se deixar levar pelo swing amador que vibra em cada faixa. Há um charme desajeitado, uma espécie de inocência elétrica que parece mais viva do que muitas tentativas de perfeição polida. Como costumavam dizer uma manhã na Lima psicodélica: "Este disco tem valor kitsch". E é claro que tem. Mas não no sentido pejorativo, mas naquele outro sentido, mais raro e caloroso: o de algo estimado apesar de suas imperfeições.

Não há sucessos. Não há produções bombásticas. Não há pretensão. Mas há coragem, e isso não é fabricado. Ouça Sky Pilot (faixa 4) e note aquela tentativa psicodélica de quebrar a forma, ou Sueño (faixa 3), onde a guitarra dá pequenos vislumbres do que o Traffic alcançaria mais tarde. O resto... são exercícios, rascunhos comoventes.

É um álbum "bom"? Não exatamente. É um álbum importante? Claro que sim. Porque A Bailarina a Go-Go é um retrato de uma banda antes de encontrar sua voz, quando ainda se buscavam sob a influência dos Beatles, dos Stones e de outros homens santos. É como ver as primeiras pinturas de um artista que mais tarde incendiará o museu. Tem o sabor do artesanal, do feito em casa com entusiasmo e mais paixão do que técnica. E isso, para os completistas, os arqueólogos do rock sul-americano, vale mais do que mil listas da Rolling Stone. Então, não peça muito. Basta colocar para tocar, deixar tocar e ouvir aqueles jovens peruanos tentando se tornar estrelas sem ainda saber que o seriam. E se depois de ouvir você quiser virar a página, vire. Mas faça-o com respeito, como quem guarda uma carta antiga sem remetente, mas perfumada. Te vejo na próxima esquina de vinil.

01.I´m So Glad
02.You Got Me Floating
03.Sueño
04.Destruction
05.Sky Pilot
06.Fire

CODIGO: I-5

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Locomotiv GT - Same

Hard prog despojado com um toque melódico; ideal para um encontro romântico no barzinho local. Embora a qualidade diminua na segunda metade, durante esse tempo sua atenção estará voltada para o que pode acontecer depois.

Essa banda da Hungria é classificada como uma das bandas de rock progressivo, embora existam poucas bandas desse tipo. Ainda assim, é tudo rock meio agradável e interessante, mas não é tão sujo o suficiente para mim.

Quando a Hungria ruge: A Locomotiva GT Sonic Epic

Dentro da vasta tapeçaria do rock progressivo europeu, Locomotiv GT se destaca como uma obra seminal que, sem hesitação, revela o poder e a sofisticação de uma cena ainda não totalmente descoberta. Este álbum, que poderia ser definido como um delicado equilíbrio entre a audácia progressiva e a força do hard rock, é apresentado não apenas como uma expressão artística, mas como um manifesto cultural de um tempo e lugar. Suas linhas melódicas e rítmicas percorrem caminhos onde a experimentação se entrelaça com a firmeza sonora, produzindo uma experiência musical repleta de intensidade e riqueza tonal. A banda emprega com maestria uma paleta sonora variada, atravessando sem esforço a heterogeneidade estilística para estabelecer um discurso musical coerente, profundo e, acima de tudo, intenso.

Essa natureza eclética, cimentada por um conceito crossover tão ambicioso quanto bem-sucedido, confere ao álbum uma singularidade quase ritualística. Mudanças calculadas de andamento, arranjos sofisticados e uma fusão sutil, porém ousada, de jazz, rock e blues criam um universo sonoro exótico e de primeira classe, realçado pelo enigma e pela beleza de sua língua nativa. Locomotiv GT se destaca como um catálogo sonoro onde a versatilidade se torna uma virtude: do blues e rock mais clássicos à potência bruta do hard rock, sem omitir a complexidade harmônica e rítmica do rock progressivo e a emotividade de baladas poderosas. Essa mistura demonstra uma maestria técnica e criativa digna de admiração.

Em suma, este trabalho não representa apenas uma proposta musical, mas também o início de um capítulo transcendental na história da música húngara. Hoje, sua importância é reconhecida como um dos pilares fundamentais que moldaram o rock na região, um álbum que, para além da simples audição, convida à reflexão e ao reconhecimento de um legado inestimável.

Impressões Pessoais: Linguagem, Ritmo e Alma

Deixe-me dizer, do fundo do meu coração, que este álbum me cativou desde o primeiro segundo. Há algo na fórmula que eles aplicam, aquela mistura que não se rende a rótulos ou fronteiras, que me manteve grudado em cada nota. E não posso deixar de mencionar o idioma: ouvir a banda cantar em sua língua nativa, tão elegante e vibrante, dá um ar mágico, como um segredo compartilhado apenas com aqueles que ousam ouvir além do óbvio.

Claro, não é um álbum perfeito — e isso, na minha opinião, faz parte do seu charme. Ele tem aqueles ressaltos, aquelas arestas onde algumas fusões não se encaixam direito, mas, ei, essa é apenas a minha opinião pessoal e, acredite, isso não deve influenciar sua experiência com este álbum. O que posso dizer é que é um trabalho primoroso, uma jornada progressiva com nuances ecléticas, onde a precisão instrumental e a experimentação andam de mãos dadas para construir um universo sonoro único. A banda exibe um estilo muito particular, uma personalidade sonora que fala por si sem a necessidade de grandes discursos. E isso, meu amigo, para mim significa um álbum cult inegável. Porque além do seu lugar na história da música húngara e do talento que demonstra, este álbum merece ser vingado. Não é apenas uma lembrança de uma fama passageira; é um testemunho de uma época em que a música ousou quebrar padrões, misturando influências da Inglaterra e dos Estados Unidos para criar algo único e brilhante.

Seu brilhantismo artístico permanece intacto ao longo do tempo e, embora a banda tenha evoluído, eles nunca perderam o toque pessoal que os distingue. Esta estreia é uma tremenda oportunidade de redescobrir um capítulo fascinante da história do rock, de senti-lo como algo identificável e relevante. Então, se você ouvir com a mente aberta, prometo que ficará agradavelmente surpreso. Até mais.

01. Egy dal azokért, akik nincsenek itt
02. A Napba öltözött lány
03. A kötéltáncos álma
04. A tengelykezű félember
05. Hej, én szólok hozzád
06. Ezüst nyár
07. Ordító arcok
08. Sose mondd a mamának
09. Nem nekem való
10. Royal blues (Gipszeld be a kezed)