O conceito de "banda cult" frequentemente levanta dúvidas e questionamentos. No entanto, ele se adequa ao Protos . Existindo permanentemente desde o final dos anos 70, esses modestos integrantes da cena rock britânica tornaram-se ativos
em 1982. Seu álbum de estreia, "One Day a New Horizon" (com todo o entusiasmo dos membros do conjunto pelo legado do Genesis ), não se assemelhava em nada às criações neoprogressistas que se destacavam. Arte sinfônica melódica e totalmente instrumental, na tradição de Mike Oldfield , Anthony Phillips , Camel e, em parte, The Enid, atendia às demandas dos fãs devotos do gênero. Mas então parecia que o tempo desse tipo de música havia acabado irremediavelmente... Em 1984, cansados de problemas intermináveis e tentativas frustradas de combinar atividades oficiais com shows de estúdio, o grupo deu um tempo. A pausa durou 22 anos. E embora os membros do Protos não tenham rompido relações com a arte , raramente se cruzaram. Os ex-colegas Ian Carnegie e Nigel Rippon ganharam suas próprias células criativas. O primeiro deles tornou-se chefe do setor de educação musical, maestro e arranjador, acostumado a trabalhar com estrelas ( Gordon Giltrap , Phil Collins , etc.). O segundo iniciou um projeto de prog-metal Stone Cold e, mais tarde, tornou-se professor na faculdade da cidade turística de Worthing. O principal autor do repertório, o pianista profissional Rory Ridley-Duff, mergulhou de cabeça na composição de musicais e balés. Bem, o guitarrista Stephen Anscombe, tocando com várias bandas, adquiriu uma experiência inestimável entre estilos. Enquanto isso, menções periódicas na imprensa, preços exorbitantes para a edição em vinil do álbum de 1982, que se tornou uma raridade, e críticas calorosas de fãs leais inspiraram as figuras-chave do Protos com a ideia da necessidade de continuar o que haviam começado. E em meados dos anos 2000, os amigos finalmente amadureceram... "The Noble Pauper's Grave" marcou um retorno às raízes. A história de um descendente da nobreza aristocrática que rejeitou suas origens nobres em nome da união dos pobres não implicava inicialmente uma materialização conceitual. Mas o maestro Anscombe (guitarras, efeitos, percussão), tendo se familiarizado com os cálculos de seu amigo Ridley-Duff (teclados, programação de bateria, percussão), os conectou com peças narrativas, que ele mesmo projetou. Ficou interessante. Treze faixas formaram uma cadeia harmoniosa do esquema "instrumental - declamação - instrumental". Texturas sinfônicas competentes, imitação sonora de passagens centrípetas de "Hammond" à la anos 70 e partes de metais (na realidade, ouvimos um sintetizador Roland E-50), desenvolvimento rítmico no espírito dos clássicos pop. The Alan Parsons Project Digressões líricas transparentes de natureza acústico-orquestral, beleza harmônica profunda, inclusão episódica do violoncelo elétrico de Nigel Rippon na ação – tudo isso junto cria um quadro surpreendentemente atraente, onde não há sentido em se deter em detalhes isolados. Basta que tenhamos diante de nós um panorama artístico excelente. Em linha com a velha escola, mas com outros princípios de combinatória de elementos sonoros. Em suma, um lançamento magnífico, que garante considerável prazer estético aos fãs de rock sinfônico. Recomendo.
Essa curiosa formação surgiu no verão de 1971. O Ophiucus era formado por músicos semiprofissionais, cada um com sua própria experiência tocando em equipe. As preferências dos rapazes, como de costume,
revelaram-se extremamente diversas - do rock 'n' roll clássico ( Elvis Presley , Chuck Berry ) e jazz ( Django Reinhardt ) aos Beatles e ao querido J.-S. Bach . No entanto, os rapazes rapidamente encontraram uma linguagem comum. O fator de conexão aqui foi o amor pelo folk acústico. As efusões líricas e dramáticas de James Taylor , assim como Crosby, Stills, Nash & Young - uma espécie de ponto de partida para o Ophiucus . O ponto de partida a partir do qual os peregrinos franceses se dirigiram para a área reservada da arte. Deve-se dizer que seu caminho foi original e estranho. Ao contrário da grande maioria de seus irmãos do rock, nossos rapazes inteligentes relutavam em usar instrumentos elétricos (sempre - apenas baixo, ocasionalmente guitarra solo), não reconheciam teclados. E, no entanto, conseguiram alcançar um efeito polifônico. Por quais meios? Mais sobre isso abaixo. O álbum começa com pura experimentação. As camadas psicodélicas de "Prenez, Donnez" não se assemelham em nada às técnicas da escola de acid britânica. Se quisermos construir pontes, o análogo mais próximo, talvez, seja o disco "Métronomie", de Nino Ferrer , lançado simultaneamente: a mesma folia revolucionária-espontânea, uma atmosfera de caos ordenado... O burburinho interminável da multidão, tecnicamente reproduzido com a ajuda de delay, a névoa reverberada-distorcida da seção de metais da Orquestra do Capitólio + o entrelaçamento bizarro de um tema acústico retrô à la Django - essa é uma imagem aproximada da introdução. Depois de se deliciarem com um coquetel maluco, Ophiucusprecipitam-se exatamente na direção oposta. "Patiemment" é um exemplo de sentimentalismo ingênuo; tocante, incrivelmente melódico, cantado a duas vozes e tocado a quatro mãos com o apoio solene das trompas e cordas da orquestra mencionada. O esboço instrumental "Au Hasard" é inspirado em motivos hindus (na última moda da época) e nada tem em comum com a passagem comovente "Ne Cherche Plus", na qual coros, guitarras, baixo e um vasto arsenal sinfônico se fundem com vocais românticos e a mais bela flauta. A ação subsequente é submetida a um cenário misto. Tendo inventado recitativo, guitarra elétrica e metrônomo em "L'Éveil De Notre Temps", o conjunto imediatamente produz a canção de ninar "C'Est Pour Toi!" Tendo disparado para o céu com fortes cargas psicodélicas na peça "Darbouka", os entusiasmados cavalheiros borbulham o tradicional blues acústico "T'Inquiète Pas M'man" – previsível em todos os compassos, mas ainda assim agradável. A canção cigana "dog" "Djukela" é algo da série "très mignon and a little bit rude" (ou seja, na faixa do folk mais agradável ao tumulto elétrico grosseiro). A vocalização nostálgica de "Inachevée" encanta com a renda do violoncelo (Sandy Spencer é o solista). "Mirlipinious" é uma dança típica de taverna vintage. E o final luxuoso de "Univers" parece uma contra-tese completa a ela, inspirando com um deleite cosmicamente ilimitado. Os bônus incluem versões em inglês das composições, que soam quase idênticas e não perderam quase nada de seu charme francês original. Resumindo: bom gosto, tato e inventividade, multiplicados por uma melodia brilhante = uma obra maravilhosa no estilo da chanson art-folk com um toque de psico-blues. Em outras palavras, uma proto-arte francesa cheia de estilo. Recomendo que você dê uma olhada.
Raro disco, esse é o volume 2 da ‘série’ O forró aqui é assim.
Com a participação de Sandro Rogério e Jú da Sanfona.
Gravado no estúdio da Rozemblit.
Sandro Rogério e Jú da Sanfona – O forró aqui é assim vol.2 1976 – Passarela
01 Parabolando (Plácido de Souza) 02 Em tempo de arrazar (Tiago Duarte – Manoel Alves) 03 O casamento aferventado (Janduhy Filizola) 04 Muleque de rua (Manoel Alves – Agenor Farias) 05 Na barra de São Miguel (Sandro Rogério – Mário Alves) 06 Pot-pourri de músicas juninas 07 São João da minha terra (Plácido de Souza) 08 Lembrança de Itabaiana (Genésio Guedes – Abenildo Lucena) 09 Amigo da onça (Plácido de Souza) 10 Terra de Garanhuns (Plácido de Souza) 11 Balançando o esqueleto (Ju da Sanfona – Adolfo da Modinha) 12 Olhar encantador (Reginaldo Florêncio)
Colaboração do Érico Sátiro, do programa Ralabucho, de João Pessoa – PB.
Raro disco do Alceu, lançado em LP e depois em CD.
Um repertório todo autoral, destaque para “Loa de Lisboa”.
Alceu Valença – Andar Andar 1990 – EMI Odeon
01 Perdeu o Cio (Alceu Valença) 02 Te Amo Brasília (Alceu Valença) 03 Recado Falado (Metrô da Saudade) (Alceu Valença) 04 Andar, Andar (Alceu Valença) 05 FM Rebeldia (Alceu Valença) 06 Ateu Comovido (Alceu Valença) 07 Loa de Lisboa (Alceu Valença) 08 Tournee Nordestina (Lua do Lua) (Alceu Valença) 09 A Chegada do Quiabo (Alceu Valença) 10 Quiabo Sedutor (Alceu Valença) 11 O Ovo e a Galinha (Alceu Valença)
Estudou na Berklee College of Music depois de receber o prêmio de "Melhor Realização", a cantora e compositora colombiana Marta Gómez, desenvolveu uma carreira artística que classifica como uma das compositoras e artistas mais destacadas da cena musical atual internacional. Marta foi premiada em 2005 pela Billboard Latin Music Awards na categoria Jazz Latino com Paco De Lucia, Gonzalo Rubalcaba e Nestor Torres e foi descrito pela imprensa como uma cantora com uma "voz requintada." O jornal "Los Angeles Times" descreveu como "um talento excepcional, com uma voz sublime.”
Marta Gómez começou sua carreira musical com a idade de quatro anos a cantar no coro do Liceu Benalcázar, na cidade de Cali, Colômbia. No verão de 1999 Marta viajou para Boston para entrar Berklee onde mais tarde recebeu o prémio pela sua composição Alex Ulanowsky "Confession" em 2002. Em 2003, Marta foi escolhida pelo famoso cantor de blues americano Bonnie Raitt para abrir seu show ao lado do vencedor do Grammy John Mayer e mais tarde Marta foi o convidado especial no show da fantástica cantora Argentina Mercedes Sosa. No início de 2004, a jovem cantora e compositora foi incluída pela gravadora Putumayo World Music em sua coleção de cantoras da América Latina juntamente com a peruana Susana Baca, Totó La Momposina e Tania Libertad entre outros shows. A composição sendo o seu centro de foco e compôs mais de 80 canções, Marta ganhou muitas competições neste campo, o mais prestigiado do Projeto SIBL, EUA, que escolheu como a melhor canção em sua canção "Paula Away" é uma canção dedicada à escritora chilena Isabel Allende e Marta teve também a oportunidade de cantar para Allende, em Novembro de 2004, na Califórnia. Esta mesma canção foi incluída em um álbum de Putumayo chamado "Mulheres do Acústico Mundo" (2007) e faz parte da trilha sonora de "Capadocia", produzido pela série da HBO América Latina.
Marta foi escolhido pela revista colombiana Fucsia como um das cinco mais representativas da cultura Colômbia em 2005. Mais tarde, Marta gravou uma canção chamada "The circle" (círculo) composta pelo cantor e compositor americano Kris Kristofferson. Marta "levou a música a um nível muito alto, onde ele realmente pertence", nas palavras do mesmo Kristofferson. Sua produção "Entre cada palavra" (2005 Chesky Records) lhe rendeu o título de "Melhor National Mundial-Music Act" de 2006 pelo Boston Phoenix. Sua quinta produção "Musiquita" de Marta trouxe novamente na lista dos dez melhores álbuns do gênero "World Music".
Em "O coração e chapéu", seu sexto álbum, a cantora e compositora é uma homenagem ao grande poeta Federico García Lorca, musicalizando 12 de seus poemas com ritmos folclóricos da América Latina. Divulgando este novo trabalho, ela viajou para Israel (Zappa Jazz Club), Colômbia (Festival de música a partir de Cartagena), Equador (Teatro Sucre), Espanha (Barnasants Festival e do Mar de Música de Murcia) e África do Sul (KKNK Festival). Em entrevista à Rádio Pública Nacional dos Estados Unidos, o jornalista Steve Inskeep disse que admira a capacidade da cantora de "transformar a história dura de seu país na música doce.”
Excelência em glitch deste compositor sueco. Não sei bem o que estou ouvindo neste disco, mas soa como uma mistura de elementos eletrônicos e orgânicos processados (e não processados), ancorados por batidas nervosas e quase imperceptíveis, com um resultado final que parece uma versão eletrônica abstrata e cheia de glitches do post-rock. A parede de distorção shoegaze que surge no meio de "Oskärpa" me leva a um lugar agradável.
Black metal americano denso e caótico. Algo no estilo dos dois últimos álbuns do Emperor, mas sem os elementos sinfônicos. Músicas ambiciosas e complexas, marcadas por uma musicalidade estelar que, independentemente de quantos riffs arrasadores contenham, provavelmente inspirarão mais uma audição chapada com fones de ouvido do que um headbanging. Enquanto escrevia isto, descobri que o cérebro por trás desta banda, Matthew David Ponce (também conhecido como Spectral), faleceu em março deste ano, e isso é muito triste, mas senti que precisava mencionar.
Doom atmosférico holandês. Melódico e épico, com vocais limpos, graves e carregados de reverb, lentas e vibrantes, e um som lindamente em camadas, tirado diretamente do manual do pós-rock. Sempre fico triste nesta época do ano, pois sinto os últimos resquícios do verão escapando entre meus dedos, e desta vez a tristeza é agravada por uma forte saudade de casa, então não se surpreenda se este blog se transformar em um blog triste por um tempo. Espera aí, este já é um blog triste?
Esta resenha da série Invasão Britânica de 1964 é dedicada a uma das minhas bandas favoritas desta era de ouro do pop e rock britânico. Os Zombies adicionaram um nível de sofisticação à música que viajou das Ilhas Britânicas para os EUA, misturando influências de R&B com a estética dos compositores do Brill Building. Matthew Fisher, do Procol Harum (órgão em A Whiter Shade of Pale), disse sobre a banda: "Sempre gostei das músicas dos Zombies. A questão, no entanto, era que você tinha a sensação de que eles eram um grupo intelectual. Eu os via como música para o entusiasta mais sério do rock n' roll."
The Zombies – She’s Not There
Rod Argent lembra vividamente do primeiro ensaio que teve com Colin Blunstone nos primórdios do The Zombies, antes mesmo de decidirem o nome da banda: "Éramos um formato de três guitarras. Colin deveria ser o guitarrista base, e ouvi dizer que ele cantava um pouco. Todos nos juntamos, tocamos um pouco de instrumental e, no primeiro intervalo, fui até um piano surrado e comecei a tocar 'Nut Rocker', o antigo sucesso de B. Bumble and the Stingers. Colin correu até lá e achou fantástico. Ele disse: 'Você tem que tocar piano nesta banda!' E eu olhei para ele e pensei: 'Sei lá, grupos são guitarras – é isso que deveríamos estar fazendo'. Eu não tinha tanta certeza disso." Mas essa não foi a única troca de instrumentos musicais que aconteceu naquele dia. Argent continua: “Cerca de 20 minutos depois, Colin pegou um violão enquanto tomávamos café e começou a cantar uma música antiga do Ricky Nelson. Achei fantástico. Ainda consigo ouvir o Ricky Nelson na voz do Colin. Eu disse: 'Meu Deus, eu não fazia ideia de que você cantava daquele jeito. Você tem que ser o vocalista principal.' Eu disse: 'Vou te dizer uma coisa, eu toco piano e você é o vocalista principal.'” E assim os papéis finais dos membros da banda se encaixaram, dando origem a um dos conjuntos musicais mais talentosos a surgir do fenômeno da Invasão Britânica de 1964.
Os Zombies
"The Zombies" era um nome estranho para uma banda no início dos anos 1960. O clássico de George Romero, "A Noite dos Mortos-Vivos", ainda estava no futuro, lançado em 1968. Blunstone relembrou: "Toda banda jovem quer um nome original. Éramos apenas adolescentes. Tentamos os Mustangs. Para ser sincero, eu não sabia bem o que era um zumbi". Argent conhecia um pouco mais a linhagem dos Zombies: "Eu sabia vagamente o que eles eram: os mortos-vivos do Haiti". Ironicamente, o nome foi sugerido pelo baixista original Paul Arnold, que logo deixou a banda que havia batizado. Felizmente, o nome sobreviveu.
A grande oportunidade dos Zombies veio em maio de 1964, quando participaram de um concurso musical no Watford Town Hall, nos arredores de sua cidade natal, St. Albans. A competição, chamada "Herts Beat", era patrocinada pelo London Evening News e anunciada para buscar o "melhor grupo de beat do país". Os Zombies participaram da primeira bateria, uma das 10 bandas competindo por uma chance de vencer e competir na bateria final. Colin Blunstone lembra: "Era um pouco como uma torcida de futebol. Todo mundo tinha faixas, sinos e chocalhos, e era um lugar selvagem para tocar. E nós vencemos a nossa bateria. Acho que foram cerca de 10 semanas com 10 bandas, e o vencedor chegou à final. E então nós vencemos a final. Foi uma noite mágica. Nunca vou esquecer." Os Zombies fizeram um cover do hit dos Beates, "You Can't Do That", lançado apenas alguns meses antes como lado B de "Can't Buy Me Love".
Os Zombies
Vencer a final rendeu ao The Zombies um prêmio de £ 250. Mais importante, atraiu o interesse da Decca Records, que fez uma oferta para um contrato de gravação com a banda. Um mês após o concurso, o Zombies apareceu nos estúdios de gravação da Decca em West Hampstead para gravar quatro músicas. Uma delas se tornou seu primeiro hit número 1 e um clássico até hoje. O baixista Chris White lembra quando foi apresentado à música pela primeira vez quando Rod Argent, que a escreveu, a tocou para a banda na casa de sua mãe: "Foi absolutamente fascinante. A música era de tirar o fôlego em sua abordagem. Trabalhamos em algumas ideias e descobrimos o que tocar no baixo. Essa foi a primeira experiência real de Rod compondo." Essa música era 'She's Not There'.
Uma conquista fantástica, de fato, para uma tentativa tão precoce de composição. Rod Argent relembrou a inspiração: “Havia uma música de John Lee Hooker chamada 'No One Told Me', que não se parece em nada com 'She's Not There', mas tem 'no one told me' como primeiro verso. Isso apenas sugeriu a métrica do primeiro verso.” Colin Blunstone também achou a música especial e, mais tarde, lembrou como ela era compatível com seu estilo de cantar: “Eu costumo cantar músicas tristes melhor do que músicas despreocupadas, então muitas vezes as músicas têm uma espécie de qualidade assombrosa. 'She's Not There' é provavelmente um bom exemplo.”
Os Zombies
Argent compôs a música com a voz única de Colin Blunstone em mente, certificando-se de que ela se encaixasse na extensão da voz aguda do vocalista. Ele disse o seguinte sobre a inspiração para a melodia: “A sequência de acordes, que começou sendo apenas de Lám para Ré, foi usada em duas ou três músicas que eu gostei. Havia uma música da Betty Carter e também uma música antiga do Brian Hyland que usava essa sequência de acordes. Depois disso, eu simplesmente tive na cabeça como construí-la até o clímax.” A música se destaca entre suas concorrentes na Invasão Britânica por sua estrutura e arranjo inteligentes. Argent elaborou: “É realmente uma música construída de forma bastante incomum. É em três pequenas seções. Eu queria usar a métrica da letra real para impulsioná-la em direção à seção final em apenas uma nota, com acordes mudando abaixo dela, mas com ritmos deslocados.” Argent disse mais tarde que os acentos que Blunstone coloca nas palavras 'way', 'acted' e 'color' são acentos deslocados para o ritmo.
Logo após a música ser gravada, ela foi apresentada a um painel de músicos convidados no programa de TV Jukebox Jury. Um deles era George Harrison. Colin Blunstone: “Naquela época, uma palavra dos Beatles era como algo do Monte Olimpo. Nos três discos anteriores ao nosso, George dizia coisas como 'Não vejo isso', 'Não é um sucesso', 'Não dou muita importância a isso'. Eu pensei: 'Meu Deus, se eles realmente tocarem o nosso disco e ele não gostar, vou desistir'. She's Not There tocou e, no final, ele disse: 'Muito bem, Zombies. É um sucesso'. Então ele disse sobre o solo de piano: 'Se esse é o pianista de verdade deles, ele é muito bom'.”
The Zombies on Ready Steady Go
A música foi lançada no Reino Unido em 24 de julho de 1964 e uma semana depois The Zombies apareceu no popular programa de TV Ready Steady Go. Blunstone lembra da experiência de apresentações ao vivo nos primeiros dias da banda: “Nós carregávamos nosso próprio sistema de som: eram dois gabinetes de baixo T60 com os alto-falantes, com um amplificador de PA AC-100 Vox. Certamente, isso nos deu uma vantagem nos primeiros dias porque significava que tínhamos um som vocal muito bom. Nosso empresário machucou as costas, ele não conseguia levantar nada, então muitas vezes nos shows tínhamos que levantar todo o equipamento. E no começo, as garotas tentavam cortar nosso cabelo. Eu via essas tesouras passando pelos meus olhos enquanto segurava um amplificador nos braços e pensava: 'Oh, céus, alguém vai ficar mutilado aqui!'”
Embora no Reino Unido a música tenha tido apenas um sucesso moderado, chegando ao 12º lugar na parada de singles, ela alcançou o sucesso do outro lado do oceano. Após seu lançamento nos EUA em agosto de 1964, foi tocada por diversas rádios, incluindo a influente rádio de rock de Nova York, WINS. Finalmente, alcançou o topo da parada Cashbox em dezembro daquele ano, tornando-se o primeiro single original não pertencente aos Beatles da Invasão Britânica a liderar uma parada americana.
Top 100 da Cashbox, dezembro de 1964
Ao longo dos anos, a música influenciou músicos de todos os lados do espectro musical. Roger McGuinn, do The Byrds, disse que, depois de ouvir o solo de "She's Not There", ele acreditou que era possível usar escalas como essa no rock and roll. Ele acrescentou que, sem ouvir aquela música, "Eight Miles High" não teria sido escrita e gravada da maneira que foi. De fato, há muito o que se apreciar em "She's Not There". Argent: "Gostei muito de algumas sequências de acordes. O que me atraiu particularmente foi a parte que diz 'é tarde demais para pedir desculpas', quando o acorde muda de um acorde maior para um acorde menor, mas o baixo não toca a fundamental do acorde."
Ainda mais impressionante é a influência inesperada que a música teve sobre um dos melhores guitarristas de jazz modernos. Rod Ardent conta uma história interessante: “Conheci Pat Metheny pela primeira vez quando ele estava começando a se tornar conhecido nos Estados Unidos. Havia um baixista de jazz chamado Jeff Berlin que disse: 'Você precisa vir e conferir esse cara'. Então, fomos ao Joe's Pub em Nova York e assistimos a um pequeno show com Pat Metheny. Depois do show, todos voltamos e Jeff Berlin me apresentou o grupo e disse: 'Este é Rod Argent'. Pat Metheny disse: 'Rod Argent? Você escreveu She's Not There'? Eu disse 'sim'! Eu não conseguia acreditar que ele sabia quem eu era! Ele disse que foi a gravação de 'She's Not There' que lhe mostrou o caminho à frente do que ele queria fazer musicalmente. Ele mencionou todas as coisas modais na música. Eu pensei: 'Caramba! Não há nada modal em 'She's Not There'.”
Mas o comentário de Pat Metheny deixou Argent curioso. Ele voltou e começou a tocar os acordes de "She's Not There". Ele continua: "Percebi que o que estava na minha cabeça na época era uma sequência de Lá menor para Ré no verso. Na verdade, juntei tudo escrevendo um pouco de fraseado modal por cima. Eu nem sabia o que estava fazendo, porque estava ouvindo muito Miles Davis na época. Eu sempre gostei muito do que era chamado de jazz moderno. Isso me influenciou indiretamente, sem que eu percebesse, que eu estava tentando colocar algo parecido na música."
Você terá dificuldade em encontrar esse nível de sofisticação na música tão cedo na cena musical popular britânica. Os Beatles e seus contemporâneos tornaram-se cada vez mais complexos à medida que a década de 1960 avançava, e os Zombies estavam na vanguarda desse movimento. As influências de Rod Argent são talvez a melhor indicação do que levou à criação dessa música já em 1964: “Sempre amei música clássica – mesmo no início dos anos 60, quando os Zombies eram o centro da minha vida, eu não via nada de errado em ouvir quartetos de cordas de Bartok enquanto adorava Revolver ou Rubber Soul dos Beatles. Enquanto ouvia sem parar Disraeli Gears do Cream, eu estava simultaneamente descobrindo a 'Sinfonia dos Salmos' de Stravinsky e descobrindo que 'Child of Our Time' de Tippett me arrepiava todos os pelos da nuca. E eu sempre amei Bach.”
The Zombies – Tell Her No
O próximo grande sucesso dos Zombies não demorou a chegar. Em novembro de 1964, eles gravaram a música "Tell Her No" – "No" sendo o ponto principal da música, a palavra repetida 63 vezes. Desta vez, Rod Argent se influenciou por outro brilhante compositor de canções pop sofisticadas. Como muitos artistas da Invasão Britânica, os compositores do Brill Building, em Nova York, forneceram ótimo material para cantores e bandas britânicos regravarem. Os Zombies se mantiveram fiéis às suas canções originais, mas a influência é clara. Rod Argent: "Burt Bacharach estava compondo muitas coisas naquela época, e havia acordes de 9ª e 13ª, que eram bastante incomuns na música pop, mas Bacharach os usava. Acho que me lembro de ter ouvido as músicas de Dionne Warwick, e eram acordes coloridos, e pelo menos parte delas absorvia aquela atmosfera." Os Zombies tiveram a chance de vivenciar a música de Burt Bacharach de perto quando fizeram uma turnê com uma de suas melhores intérpretes, a cantora Dionne Warwick. A turnê pela Grã-Bretanha ocorreu em outubro e novembro de 1964 e também incluiu The Searchers e The Isley Brothers.
Os Zombies, Dionne Warwick, Os Irmãos Isley, Folheto de Searchers 1964
Você pode estar curioso para saber o que Colin Blunstone está cantando em um dos versos do segundo refrão da música, algo que soa como "Don't love this love from my arms". O cantor tem uma história engraçada para contar: "Gravávamos provavelmente três ou quatro, talvez cinco faixas de apoio em uma noite nos estúdios de gravação da Decca. E então colocávamos os vocais, e provavelmente era meia-noite ou uma da tarde antes que eu começasse a cantar. Nessa sessão, eu estava dormindo profundamente quando eles terminaram, e me acordaram para cantar 'Tell Her No'." E, de fato, tem um verso murmurado no meio porque eu estava meio dormindo enquanto cantava. E eu disse: "Escutem, pessoal, é melhor eu fazer de novo porque tem um verso murmurado". E eles disseram: "Ah, não, não, tudo bem. Não se preocupem com isso". E eu ouvi histórias de pessoas que – em bandas que tentaram copiar nossa versão de "Tell Her No", e tentaram desesperadamente descobrir qual é a letra.
em 1982. Seu álbum de estreia, "One Day a New Horizon" (com todo o entusiasmo dos membros do conjunto pelo legado do Genesis ), não se assemelhava em nada às criações neoprogressistas que se destacavam. Arte sinfônica melódica e totalmente instrumental, na tradição de Mike Oldfield , Anthony Phillips , Camel e, em parte, The Enid, atendia às demandas dos fãs devotos do gênero. Mas então parecia que o tempo desse tipo de música havia acabado irremediavelmente... Em 1984, cansados de problemas intermináveis e tentativas frustradas de combinar atividades oficiais com shows de estúdio, o grupo deu um tempo. A pausa durou 22 anos. E embora os membros do Protos
