A cantora e compositora Carmen Souza intitulou seu quarto álbum de Kachupada , um título inspirado na kachupa (prato típico cabo-verdiano) que pretende refletir a variedade de influências encontradas em sua música. Carmen Souza é outra extraordinária vocalista lisboeta de origem cabo-verdiana, que funde de forma única sons afro-caribenhos e música crioula nativa com um toque de saudade e dialeto do jazz, criando uma linguagem tão única quanto ela. Em Kachupada , ela canta com uma leveza metaforicamente enraizada em seu crioulo nativo e na elasticidade cintilante com que Souza reimagina clássicos como "My Favorite Things" e clássicos do bebop como "Donna Lee", de Charlie Parker, fazendo-os soar exóticos e fascinantes, mas familiares. Souza manipula sua voz em um instrumento tão especial que só ela sabe tocar, flutuando sobre baixo, saxofone, piano, bateria e percussão, mergulhando e aproveitando o que cada um deles oferece, criando formas impossíveis com sua singularidade vocal ("Koladjazz" e "Nova dia").
Grande parte da música única de Souza é pouco convencional, graças em parte às contribuições engenhosas de produção do baixista Theo Pas'çal , alter ego instrumental da cantora e parceiro musical em suas criações. Parece que nenhum outro músico aprecia a intimidade artística de Souza como Pas'çal, arranjando cada melodia com instinto impecável e integrando-as perfeitamente ao universo de Kachupada . Soma-se a tudo isso a percussão colorida do brasileiro Mauricio Zottarelli, que fornece os ciclos rítmicos perfeitos para dar vida aos vocais acrobáticos de Souza e, como Pas'çal, encontra o tom e a nuance para infundir as letras das músicas. Poderíamos dizer que Kachupada é, sem dúvida, uma das joias musicais mais raras que surgiram em 2012.
A Turquia, como expoente de rica interculturalidade, também se orgulha de excelentes artistas e intérpretes de música rebética. O Café Aman İstanbul é um grupo sediado em Istambul que dá nova vida a esse gênero musical que floresceu no início do século XX em algumas das principais cidades do então decadente Império Otomano, como Izmir, Tessalônica e a própria capital. Stelyo Berber e Pelin Suer fundaram o Café Aman İstanbul, que foi estabelecido em 2009 após um longo período de preparação. Berber iniciou sua carreira musical cantando no Patriarcado Ortodoxo de Istambul. Viveu sete anos em Atenas, onde colaborou com a grande Domna Samiou, tanto na gravação de vários álbuns quanto em apresentações ao vivo. Ao retornar à Turquia, conheceu o artista Pelin Suer, que estudou no Conservatório de Música de Istambul e, em Atenas, estudou música e dança tradicionais gregas, bem como a língua grega. Stelyo e Pelin são as vozes e a alma do Café Aman İstanbul, que lançou seu primeiro álbum, Fasl-ı Rembetiko , em 2011 .
Composto por músicos gregos e turcos, o grupo se apresenta no estilo das antigas orquestras de rebetiko, com o objetivo principal de reviver e recriar a atmosfera do antigo Café Aman em Izmir e Istambul, transportando o público em uma viagem virtual de volta aos últimos anos do século XIX. Embora seu repertório seja inspirado principalmente pela mais pura música de rebetiko, eles também interpretam as canções populares que, na Grécia, após a troca populacional com a Turquia em 1923, começaram a substituir o rebetiko quando deixou de ser uma manifestação marginal e, após a introdução de novos instrumentos, tornou-se um gênero amplamente aceito. O repertório do grupo de Istambul inclui, portanto, peças de compositores populares como Vasílis Tsitsánis, Panayotis Toundas e Yiannis Papaioannou, entre outros. Além disso, o grupo geralmente executa todas as suas canções em grego e turco, aproximando o público ainda mais, se possível, dos anos em que solistas de orquestra cantavam em ambas as línguas, e até mesmo em outras, como o ladino. Fasl-ı Rembetiko é uma jornada inédita e única pelo rebetiko. Delicioso. Imperdível.
lista de faixas : 01. İstanbul Kasabikosu 02. Aeroplano Tha Paro & Telgrafın Telleri 03. Anixe Anixe 04. Apo To Vradi Os To Proi 05. Kapetanaki 06. Pendamorfi 07. İstanbul Kasabikosu Laterna 08. Gülbahar 09. Of Aman 10. Hariklaki & Darıldın mı Cicim Bana 11. São Apokliros Girizo 12. Ligo Ligo Tha me Sinithisis & Olmaz Olmaz 13. Ehe Gia Panda Gia
A Bedouin Jerry Can Band é um coletivo multicultural de músicos, poetas, contadores de histórias e amantes de café da Península do Sinai, no Egito. Seus membros vêm de Al 'Arish (uma cidade oásis na costa do Mediterrâneo) e de uma comunidade sufi da tribo Suwarka, que reside em um assentamento perto de Abo El Hussain. Ao contrário dos Tinariwen, esses autodenominados "nômades livres da Stratocaster" nunca foram expostos à eletricidade, embora não sejam excessivamente rigorosos quanto ao uso exclusivo de instrumentos tradicionais. Afinal, seu nome se refere a instrumentos de percussão "reciclados" (latas e engradados de munição descartados pelo exército israelense durante a Guerra dos Seis Dias de 1967). Eles adicionam a lira simsimiyya (a lira egípcia tradicional), flautas do deserto e o violino rababa, resultando em um som geograficamente específico que nos leva diretamente à canção do coração do Sinai, uma experiência ritmicamente eletrizante e encantadora.
Fundado por Medhat El Issawy , as canções do grupo relembram as façanhas de antigas tribos beduínas por meio de histórias do Sinai, Jordânia, Síria, Líbano e Golfo Pérsico que falam de generosidade sem limites para com os hóspedes, fábulas sobre camelos fiéis, avisos de atos vis de ladrões de ovelhas e contos de amor não correspondido, entre outros temas. Canções tribais que constituem os últimos resquícios de uma cultura beduína que sobreviveu relativamente inalterada por séculos. Uma cultura que, paradoxalmente, evolui em sua transmissão graças aos celulares e mp3 players, mas firmemente sustentada pelos mesmos valores tribais orgulhosos de honestidade, lealdade e hospitalidade que eram praticados por seus ancestrais nômades que viajaram para as planícies árabes.
funcionários da IPS : Ali Ibrahim (percussionista de caixa de munição) Ayma Hassanne (percussionista de jerry can) Fathy Salem (vocal) Goma Ghanaeim (tocador de simsimiyya, vocalista e poeta) Khalied Al Sharawy (vocal) Medhat El Issawy (magroona -reed pipe-) Mohamed Ayoub (percussionista e dançarino) Moussa Mosalem (tocador e vocalista simsimiyya) Rana Awad (vocalista e dançarina) Soliman Agmaan (poesia e rababa de pele de lobo) Yehia Negila (ney -flauta de bambu-) Shaiker Hossien (rababa)
tracks list: 01. The Bedu of Sinai 02. Ya El Yaleladana 03. Al Ragah 04. Am Ye Gamal 05. Black Coffee 06. Khalf 07. Debaka 08. Wesh Melek 09. Mareia 10. Mallate 11. Full Moon Night 12. Drobie 13. Fengan
Acho que peguei "Time Without Consequence" depois de assistir ao filme " Away We Go" com minha esposa. Alexi Murdoch personifica aquela vibe folk suave que Nick Drake perseguiu ao longo de sua carreira e que se tornou famosa novamente graças àquele comercial da Volkswagen . Então, claro, Murdoch faz parte de um movimento maior que, para o bem ou para o mal, liderou uma quantidade enorme de homens barbudos e magros dedilhando violões e fechando contratos com gravadoras, mas ainda há algumas preciosidades de " Time Without Consequence" às quais posso recorrer sem me encolher.
“Away We Go” abre o álbum e foi o grande sucesso do filme. É agradável e, em grande parte, indica para onde Murdoch vai com a maior parte de Time Without Consequence : um violão acústico dedilhado percussivo e uma voz monótona e suavemente inflexionada. O sotaque escocês aparece em pequenos momentos, dando um toque de vida à música. Muitas das músicas seguem esse modelo, incluindo “Breathe” e “Song For You”, o que não as torna inerentemente ruins, por si só (grande parte do metal depende da mesma coisa), mas me desgasta um pouco.
Mas intercaladas entre as músicas mais conscientes do tipo "vamos fazer um hit", há pequenos experimentos que realmente funcionam para mim, como "Home". Com pouco menos de seis minutos, inicialmente parece que vai cair na mesma armadilha de algumas das outras músicas: monótona demais, longa demais. Mas, à medida que a música avança, sutis nuances eletrônicas de psicodelia se infiltram, eventualmente dominando "Home", à medida que a ênfase muda da guitarra para uma batida forte de bateria. "Blue Mind" tem floreios semelhantes, e esses momentos realmente funcionam para quebrar o Time Without Consequence do molde dos imitadores acústicos.
Mas, tirando isso e as melodias fortes de "Wait" e "Shine", o resto do disco parece longo e consistente demais em termos de tom para realmente fazer mais do que tocar em segundo plano. Como álbum, ele perde o fio condutor mais de uma vez e poderia ser um pouco mais conciso.
E assim chegamos ao primeiro álbum que possuo, mas nunca ouvi. La Gigantona , um álbum obscuro do guitarrista nicaraguense Alfonso Lovo, foi uma compra às cegas, parte de uma maratona de discos do Numero Group, quando eles fizeram uma liquidação arrasadora de US$ 5 em CDs. E fico feliz em informar que a coletânea é fantástica, oferecendo uma ampla gama de faixas, desde clássicos solo a explorações diretas de funk e jams de jazz latino que atravessam o universo e retornam. Tudo isso somado a um volumoso encarte de notas que detalham a vida extraordinária de Lovo e a música contida no disco.
Este é um caso em que ler sobre a vida do artista definitivamente influencia sua música. Em 1971, "Lovo", a canção do Ministro da Agricultura da Nicarágua, se envolveu em um sequestro de avião e levou vários tiros, um deles na mão esquerda. Então, ouvir a incrível execução cinco anos depois na faixa de abertura "Nueva Segovia" é um golpe emocional. É uma mistura simples de traços clássicos com um toque espanhol, mas define o tom de que tudo o que vem depois será aprimorado ou embelezado de alguma forma com o ponto de vista muito específico de Lovo. Então, quando a jam funk de oito minutos de "La Bomba de Neutron" começa com seus redemoinhos psicodélicos e percussão latina, é um deleite indescritível.
O resto de La Gigantona é o mesmo. "Tropical Jazz" tem uma guitarra funk semi-séria percorrendo seus versos, e os solos em "Los Conquistadores" lembram Zappa no final dos anos 60. Cada música se beneficia de uma percussão séria, graças à banda de apoio de Lovo (infelizmente não listada no encarte), e quando o final chega com "Rio San Juan Drums", é um banquete de bateria e percussão, sem guitarra alguma.
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Ouvindo La Gigantona agora, lembro-me de como era comprar coisas às cegas quando criança. Você ouvia falar de algo, ou via uma capa que te intrigava, e isso era o suficiente para desembolsar uma grana. É sempre emocionante dar um passo como esse, e na era atual, em que podemos experimentar tudo online, essa velha emoção se perde um pouco. Depois de ouvir este álbum três vezes hoje, recuperei um pouco dessa emoção e, ao mesmo tempo, também tenho outra gravadora em quem posso confiar para entregar coisas que nunca ouvi antes, mas que provavelmente preciso.
Minha primeira análise de fita cassete! Supostamente, este toca-fitas portátil Wikoo de US$ 25 tem Mega Bass™ e aquele barulho estranho de distorção que ouvi cinco minutos depois do "Lado A" de Pterodactyl , a compilação de sobras do compositor Ali Helnwein , foi parte do charme! Brincadeira (um pouquinho); sei que existem toca-fitas muito melhores por aí que provavelmente fazem muito mais justiça a esta fita do que o meu toca-fitas, mas ainda consigo ver o charme nostálgico da maravilhosa uniformidade das fitas, e a música – independentemente do tipo de mídia ou tamanho do arquivo – é fantástica, uma coleção de cenas de filmes não utilizadas e peças menores que destacam o gênio caprichoso e intimista da música de Helnwein.
Simplesmente dividido em duas faixas, "Side A" é composto de pequenos temas assustadores, interpretados por violinos e pianos, com sons ambientes estranhos misturados, como o rangido de uma cadeira de balanço que acompanha uma peça de piano solo no final de "Side A". Mas "assombroso" tem um significado variado aqui — há momentos em que definitivamente há um fator assustador, mas também há uma assombração vibrante da juventude, da inocência, uma sensação que é perfeitamente capturada no segmento de abertura.
O "Lado B" abre com um caráter um pouco mais clássico, com um violino subindo e descendo em arpejos enquanto o fundo zumbia em tons desbotados. Mas a natureza de todas as peças é realmente cinematográfica, e ouvi-las continuamente ao longo de um dia, enquanto eu seguia com minhas rotinas diárias, imbuiu tudo com uma vibração de sonho cauteloso e hesitante. Alguns segmentos assumem a vida de um desenho animado, outros de um melodrama dos anos 50. Mas tudo é banhado por um brilho espectral do qual não me canso.
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A música faz parte da minha vida desde que me lembro, assim como os filmes. Especificamente os filmes dos anos 30, 40 e 50. Quando meu pai veio da Alemanha para os Estados Unidos no início dos anos 50, ele aprendeu inglês assistindo a esses filmes, e conforme eu crescia, eles eram a única conexão real que meu pai e eu tínhamos juntos. Muito do que eu amava nesses filmes era como a trilha sonora influenciava e informava a ação na tela, e a maneira como uma melodia se resolvia, ou subitamente modulava para indicar um drama crescente ou decrescente, surgia diretamente no meu cérebro. Eu tenho esses mesmos sentimentos com a música de Helnwein, e é uma das razões pelas quais, quando vi que poderia ter uma cópia física de algo dele, agarrei-a. Mas a realidade honesta é que o formato não faz sentido quando o som te atinge dessa forma. Poderia estar tocando em um toca-discos arranhado e crepitante conectado ao par de alto-falantes mais ruins que você já ouviu; quando essas notas se juntam dessa maneira singular, sua resposta é primitiva. Ela toca em um pedaço de você mais profundamente do que qualquer tecnologia pode alcançar.
