THE BEATLES - HEY JUDE - 1968

 

Em 1968, depois do psicodelismo de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band e Magical Mystery Tour, os Beatles voltaram ao rock'n'roll com "Lady Madonna", que foi seguida pelo compacto mais popular da banda, "Hey Jude", lançado pela recém-criada Apple. "Hey Jude" foi um disco ímpar, o compacto mais longo já lançado até então, com incríveis sete minutos e onze segundos, e, apesar da duração, permanece um dos maiores clássicos da música pop de todos os tempos!

NATALIA OREIRO - GILDA - NO ME ARREPIENTO DE ESTE AMOR - 2016

 

GILDA, NO ME ARREPIENTO DE ESTE AMOR (Gilda, não me arrependo deste amor) é um longa-metragem biográfico, que conta a história de vida da famosa cantora tropical argentina Gilda, que morreu tragicamente durante um acidente entre o ônibus que transportava sua banda e um caminhão, em 7 de setembro de 1996. A diretora argentina Lorena Muñoz, que co-escreveu o roteiro junto com Tamara Viñes, dirige o filme. "GILDA" foi rodado de 4 de abril a 27 de maio de 2016. É uma co-produção das empresas argentinas Habitación, Telefé  e a empresa uruguaia U Films.

A atriz e cantora uruguaia Natalia Oreiro incorpora com maestria a artista Gilda no papel principal. Angela Torres interpreta Gilda na adolescência. Nos papéis coadjuvantes estão Lautaro Delgado, Susana Pampin e Javier Drolas. No papel dos membros da banda de Gilda estão os membros da vida real Danny de la Cruz e Edwin Manrique, que sobreviveram ao acidente de 1996. A estreia cinematográfica mundial do filme foi em 15 de setembro de 2016, vinte anos depois da trágica morte da "Adorável Gilda". A trilha sonora original do foi lançada junto com o filme, inclui 13 músicas - as dez primeiras são cantadas por Natalia Oreiro no mesmo estilo de Gilda, e as três últimas, Oreiro canta em estilo moderno. A trilha sonora foi lançada pela Sony Music em 9 de setembro de 2016, fisicamente e também digitalmente em todo o mundo (em sites como iTunes, Amazon, Google Play, Spotify, Youtube, etc.).

DONOVAN – ATLANTIS

 

"Atlantis" é uma canção folk/pop escrita e gravada pelo cantor e compositor britânico Donovan. Foi lançada como single em 1968 e se tornou um sucesso mundial, chegando ao nº 1 na Suíça em 1969, nº 2 na Alemanha e África do Sul, nº 12 no Canadá , e nº 4 na Áustria. Nos Estados Unidos, apareceu como lado B de "To Susan on the West Coast Waiting", que chegou ao nº 7, enquanto no país natal do cantor, o single conseguiu apenas um modesto nº 23. Da introdução até quase a metade, é um monólogo tranquilo em relação à ideia de que Atlantis foi uma civilização altamente avançada no período antediluviano, e que os colonos atlantes foram a base dos deuses mitológicos dos tempos antigos. Cientes de seu destino, os atlantes enviaram navios para transportar seus mestres para a segurança, e estas pessoas seriam responsáveis por trazer civilização e cultura para os seres humanos primitivos. “Way down below the ocean where I wanna be she may be” – esse refrão se repetia depois do meio da música até o final como um mantra. Assim como Paul McCartney também usou esse “efeito mântrico” em “Hey Jude”. "Atlantis" transmite a mensagem de que o amor verdadeiro do cantor pode estar em Atlântida. O tema geral é comum para aquele 1968 flower power: mitologias fantasiosas como símbolo do movimento de contracultura, com a esperança de que o verdadeiro amor será encontrado se alguma vez Atlantis puder ser alcançada. Muitos acreditam que Paul McCartney participa de "Atlantis" fazendo vocais de fundo. Outros afirmam que McCartney não só forneceu backing vocals, mas também tocou pandeiro. O próprio Donovan disse em uma entrevista de 2008 na Goldmine Magazine, que, definitivamente McCartney nunca participou da gravação.

Julverne "À Neuf" (1980)

 Menos de um ano após o lançamento do álbum de estreia de Julverne , "Coulonneux", uma remodelação significativa surgiu dentro da banda. O guitarrista Michel Dayet deixou a banda. Nenhum substituto foi procurado. Em vez disso, os músicos principais decidiram fortalecer o componente de cordas e metais do projeto. O renomado fagotista/oboísta Michel Berckman ( Univers Zero , Art Zoyd , Von Zamla

 ) e o clarinetista Philippe Duret foram trazidos permanentemente . A seção de baixo foi confiada ao respeitado contrabaixista e criador de seu próprio estilo de tocar, José Béder, que começou sua carreira musical no início da década de 1960. Béder trouxe o pianista Charles Lous, que fez uma modesta contribuição para a estrutura do novo álbum de Julverne . O violista Jean-François Lacroix foi nomeado para auxiliar o violinista e tubista Jeannot Gilles. Como antes, todo o componente composicional foi supervisionado pelo gênio Pierre Coulon (flauta, saxofone alto), Jean-Paul Laurens (piano, flauta) e pelo já mencionado maestro Gilles. "À Neuf" abre com uma coletânea de três peças sob o título geral "3 Pièces Dépareillées". Compostas por Jeannot Gilles, essas elegantes esquetes refletem a universalidade ideológica e a notável inventividade do artista belga. O estudo de abertura, apropriadamente intitulado "Pasticcio" ("Estilização"), começa com um motivo retrô rítmico, através de cuja falsa alegria emergem sutis notas de melancolia. O desenvolvimento desta peça, no entanto, evita qualquer indício de um clima alegre, pois é executada na tradição da vanguarda acadêmica de câmara. Uma seriedade profundamente filarmônica permeia o número estendido "Un Peu Prétentieux", cujas condições correspondem perfeitamente aos padrões convencionais de conservatórios. Mesmo a otimista "Polka (Polka)" por definição é mais propensa a uma melancolia tendenciosa (principalmente graças às passagens de metais de Berkman, que conseguiu se infectar com fluidos lovecraftianos venenosos nas fileiras do Universo Zero ) do que à alegria natural. O poema tonal "Spiering", arranjado por Pierre Coulon, é inspirado nos experimentos poéticos do violoncelista Denis Van Hecke. Esta é a única faixa do disco que contém letras (uma declamação distante e fantasmagórica executada pelo próprio Van Hecke soa no final da obra). Do ponto de vista formal, "Spiering", imbuído de lirismo antiquado, lembra as nobres obras dos clássicos do século XIX; e somente no final emergem elementos familiares de vanguarda. O afresco "Impuissance", doado por Julverne, parece extremamente incomum.
Charles Lous (cujos teclados servem como estrutura de apoio aqui) apresenta um pianismo neoclássico virtuoso, juntamente com linhas de contrabaixo jazzísticas e uma orquestração de fundo expressiva. O prelúdio minimalista de cordas e flauta "La Joie Parfaite" introduz a intrincada paisagem sonora "Infractus", cuja rigidez comedida é periodicamente minada por sutis dissonâncias. Os procedimentos concluem com a fantasia de 10 minutos "Layettes" de Monsieur Laurent — reflexiva, penetrante, com acordes nervosos de piano; bastante complexa em seus parâmetros harmônicos e textura melódica.
Em resumo: um disco soberbo e cheio de nuances, completamente distante do território do rock. Mesmo assim, recomendo fortemente este lançamento nada convencional aos amantes do avant-prog e admiradores de experimentos de música de câmara.

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Magna Carta "Songs from Wasties Orchard" (1971)

 Após o trabalho bem-sucedido, porém incrivelmente desafiador, no álbum "Seasons" (1970), o vocalista da Magna Carta , Chris Simpson (guitarra, vocal, percussão), finalmente conseguiu recuperar o fôlego. Sua ambiciosa criação conquistava gradualmente 

as paradas internacionais, e os donos da gravadora Vertigo comemoravam o sucesso de seus pupilos e contabilizavam os lucros automaticamente. E tudo teria ido bem, até que o desastre aconteceu: o cofundador da banda, o guitarrista australiano Lyall Tranter, estava considerando se retirar das atividades do grupo. Apesar dos esforços de Simpson e do vocalista Glen Stewart para persuadir seu velho amigo, tudo foi em vão: Tranter se manteve firme. Felizmente, o multi-instrumentista Davey Johnstone veio em seu socorro. Este profissional brilhante havia participado das sessões de "Seasons", conhecia o funcionamento interno da Magna Carta e tinha plena consciência do estilo de composição distinto de Simpson.
Seu terceiro álbum, "Songs from Wasties Orchard", é uma espécie de distanciamento do oposto. Sem "truques" épicos, sem camadas orquestrais massivas... Apenas folk — folk suave e gentil, como tudo começou. Os acompanhantes são amigos de longa data, músicos incrivelmente talentosos: Rick Wakeman (teclados), Tony Visconti (baixo, percussão), Nick Potter (baixo), Johnny van Derrick (violino) e outras personalidades interessantes. O produtor de confiança Gus Dudgeon , o familiar estúdio Trident e as condições mais confortáveis ​​para concretizar suas ideias...
Já na faixa de abertura, "The Bridge at Knaresborough Town", é possível entender o prazer que os caras tiveram em tocar o material inédito de Simpson. Harmonias vocais arejadas, cores acústicas sutis, o toque comedido da tabla e o uso apropriado da cítara por Johnston, com suas escalas exóticas para ouvidos europeus. A requintada balada "White Snow Dove" conta com a participação do maestro Wakeman; o teclado cristalino brilha perfeitamente com dedilhados delicados de guitarra e solos coloridos de flauta doce. A rítmica "Parliament Hill" é uma clara homenagem à célebre dupla americana Simon & Garfunkel ; um esquete extremamente charmoso, decorado com passagens virtuosas de Davey. A belíssima "Wayfaring" faz uma transição do folclore puro para o art rock; apesar de sua duração de quatro minutos, aqui temos uma história completa com um prólogo claro, um clímax intrigante e um epílogo tranquilo. Sem escapar da influência estrangeira do country ("Down Along Up", "Country Jam", a alegre e dançante "Sponge"), Magna CartaNo entanto, permaneceram fiéis à tradição melódica das Ilhas Britânicas, demonstrada com sua vibração característica na composição melódica "Time for the Leaving", na elegia "medieval" de conto de fadas "Isle of Skye" e na pastoral atmosférica e enevoada "Sunday on the River". Uma interpretação puramente pop, entrelaçada com motivos característicos dos Beatles, distingue a música em tom maior "Good Morning Sun". O estudo final de rhythm and blues "Home Groan" também se destaca do contexto estilístico geral, mas não prejudica em nada a impressão do programa.
Em resumo: não é prog, mas um exemplo mais do que digno de arte popular, imbuído de inspiração e maestria genuína. Recomendo.

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Tin Hat Trio "The Rodeo Eroded" (2002)

 O fenômeno do Velho Oeste pode ser visto de várias maneiras. Uma coisa é inegável: seu romantismo bruto de alguma forma ressoa tanto com o fazendeiro texano médio quanto com o intelectual urbano sofisticado. No início dos anos 2000, os membros do Tin Hat Trio

 também decidiram abraçar temas de cowboy . Para um grupo de câmara com uma inclinação vanguardista, esta foi uma mudança inesperada. No entanto, qualquer maneira de surpreender o público é boa. E os caras de São Francisco são mestres na arte de cativar o ouvinte. Em suma, nossos poliglotas musicais — Rob Burger (acordeão, piano, órgão, celesta, gaita), Carla Kihlstedt (violino, viola, vocais) e Mark Orton (guitarra, dobro, banjo) — embarcaram em uma releitura criativa do gênero country. Adotando os elementos estruturais característicos desse movimento, os "acadêmicos" inteligentes combinaram-nos com a estética neoclássica, bem como com esquemas tonais episódicos do campo da etnia judaica tradicional e do folclore dos povos da Europa Oriental. Vamos tentar analisar o resultado. A faixa número um é "Bill". Um motivo melancólico de andamento médio, idealmente adequado à trilha sonora dos créditos de um drama cinematográfico especulativo sobre a vida de pioneiros brancos americanos. Dobro estabelece a base rítmica sobre a qual se enrosca a renda figurada de cordas e acordeão. Na excelente música "Fear of the South", o tubista Brian Smith, do conjunto Deep Banana Blackout, junta-se à plateia . A peça em si, apesar do andamento acelerado, é imbuída de um toque de tristeza, indubitavelmente emanando das partes de violino de Carla. "Holiday Joel" é uma perversão atípica do avant-rock; A estrutura melódica inspirada no ragtime é invertida, invertida e tocada de forma agitada e nervosa, com a assistência ativa do percussionista Billy Martin, da Medeski, Martin & Wood . Em "Happy Hour", o corajoso trio embarca em um turbilhão de jazz acústico, com habilidade e garra invejáveis. Contam com a ajuda do já conhecido trompista Smith e do baterista Jonathan Fishman ( Phish ). A rapsódia de Ann Rounnell, "Willow Weep for Me", de 1932, é arranjada por Orton para apresentação no formato noneto (trio + seis convidados); o principal "destaque" desta peça retrô é a presença do lendário Willie Nelson.
, que cantou a letra original com uma cadência comovente. "Nickel Mountain" é uma experiência fascinante e reflexiva. Os instrumentos incluem dobro, piano e violino. A atmosfera sombria e inquietante é intensificada por manobras dissonantes que efetivamente enriquecem a performance. O esquete rápido "ONEO" tem uma qualidade de trilha sonora, enquanto o estudo melancólico "The Last Cowboy" é capaz de assombrar qualquer um com suas notas opressivas. Em "Maximo's Plunge", elementos lúdicos do country-and-western são alegremente alquimicamente casados ​​com o espírito ardente do klezmer. E então chega um momento de tristeza, na forma do esquete texturizado "Rubies, Pearls, and Emeralds". As peças restantes também variam dramaticamente em humor – da introspecção cerebral em tom menor ("Manmoth", "Interlude") a um rodeio empinado e empolgante ("Under the Gun"), reflexões noturnas ("Night of the Skeptic") e um minimalismo expansivo de câmara ("Sweep").
Em resumo: um programa único e altamente envolvente, um petisco delicioso para intelectuais de todos os tipos. Altamente recomendado.

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Stackridge "Friendliness" (1972)

 Stackridge encarou a gravação de seu segundo álbum com grande responsabilidade. De acordo com Andy Davis, eles ultrapassaram significativamente 

o orçamento em sua estreia. Para evitar maiores constrangimentos para os produtores, a banda decidiu financiar o material de "Friendliness" por conta própria, contratando o engenheiro de som Vic Gamm como cofinanciador. Eles escolheram o modesto estúdio Sound Techiques em Chelsea como base técnica para as sessões de gravação. No entanto, mesmo este espaço modesto tinha sua própria magia, pois foi aqui que o Pink Floyd imortalizou seu primeiro hit "Arnold Layne". Portanto, a aura criativa do espaço desempenhou um papel significativo para Stackridge, que se mudou para lá .
O álbum abre com a animada faixa instrumental "Lummy Days" – a quintessência das explorações da banda, de acordo com o guitarrista James Warren. De fato, o compositor Andy Davis (teclados, guitarra, vocais) conseguiu unir habilmente um ritmo de rock ofensivo e marchante com uma bufonaria folclórica e inspirada no circo, temperando a ação com um elevado espírito de tragédia, apresentado sob o prisma da intimidade (o violoncelo e o violino de Mike Evans dialogam alternadamente com o piano). O resultado é uma das músicas características de Stackridge , indispensável em qualquer coletânea "best of". A faixa-título é conceitualmente dividida em duas partes iguais: de um lado, uma versão acústica melodiosa e contemplativa com um toque retrô; do outro, um enigmático brilho de guitarra e vibrafone, um amálgama cintilante, acompanhado por vocais leves. "Anyone for Tennis" é excepcionalmente boa — a estilização cabaré mais sutil de Warren, executada com uma veia cavalheiresca e antiquada. O posicionamento preciso dos acentos deu a James motivos para secretamente esperar um single de sucesso. Mas nas paradas nacionais britânicas, Stackridge perdeu para Gilbert O'Sullivan , Carpenters e Gary Glitter.. É irrelevante, no entanto, já que a composição é realmente impecável. O esquete "There is No Refugee" é permeado por idealismo adolescente; elementos elétricos estão completamente ausentes, contando, em vez disso, com os vocais tocantes de Andy e passagens de piano e cordas. Épica em seus atributos e liricamente divertida em sua composição, "Syracuse the Elephant" foi coescrita pelo baixista Jim Walter e pelo vocalista Davis. Este último posteriormente gracejou: "Em vez de escrever sobre astronautas e alienígenas de gênero indeterminado, inventamos cantigas sobre vacas e psicanálise!" No geral, a abordagem multifacetada da banda para "Friendliness" é curiosa à sua maneira. Enquanto a doce bugiganga pop "Amazingly Agnes" e o brilho caloroso e nostálgico de "Father Frankenstein is Behind Your Pillow" são adequados para donas de casa e seus maridos respeitáveis, o rock 'n' roll ousado e cru de "Keep on Clucking" é uma descarga de adrenalina para os eternamente rebeldes. Também estão presentes a elegia sem palavras para teclado "Story of My Heart", a aquarela coral "Friendliness, Pt. 2" e o maravilhoso esboço de arte popular "Teatime", com suas magníficas partes de flauta por "Mutter" Slater e o hilário toque de violino de Evans. Quatro faixas bônus seguem, a melhor das quais é o prog sinfônico psicodélico espacial original de Walter e Davis, "Purple Spaceships Over Yatton". "Parece que Stockhausen acabou de entrar no estúdio ", brincou Andy.
Resumindo: um exemplo de referência da arte inglesa eclética. Uma adição luxuosa à coleção de qualquer amante da música. Aproveite.

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Há 44 anos, em outubro de 1981, os GNR lançavam o seu segundo single, com “Sê Um GNR”

Há 44 anos, em outubro de 1981, os GNR lançavam o seu segundo single, com “Sê Um GNR” no lado A e “Instrumental N.º 1” no lado B.

Editado pela EMI–Valentim de Carvalho, o disco sucedia à estreia do grupo com o single “Portugal na CEE” (lado A) e “Espelho Meu” (lado B), mantendo a sonoridade pós-punk.

A formação incluía Alexandre Soares na voz, Vítor Rua na guitarra e sintetizador — autor de “Sê Um GNR” — e Tóli César Machado na bateria. A eles juntava-se Miguel Megre no baixo, que coassinou o tema “Instrumental N.º 1” com Vítor Rua.

“Sê Um GNR” não passou despercebido, gerando polémica com o refrão provocatório “GNR, eu quero ser, GNR / Vem ser um gordo da GNR”. Se para a banda o nome era acrónimo de Grupo Novo Rock, a verdadeira Guarda Nacional Republicana não apreciou a caricatura, considerando ofensiva a forma como os seus efetivos eram retratados. A controvérsia, porém, terá contribuído para o sucesso: o single ultrapassou as vendas do registo anterior, atingindo as 20 mil cópias.

Editora Discográfica – Valentim de Carvalho, CI SARL

Capa [Frente] – Vitor Manuel De A. Sarmento

Bateria – Toli César Machado

Guitarra, Sintetizador – Vítor Rua

Guitarra, Voz – Alexandre Soares

Produtor – Ricardo Camacho

Técnico – Hugo Ribeiro

Composição – Miguel Megre (faixas: B), Vitor Rua

 

Depois de anunciar a edição do segundo disco de originais para o início de 2026, com o lançamento do primeiro single “Flor Trovão”, o Expresso Transatlântico revela agora “Avalanche”, o segundo tema

Depois de anunciar a edição do segundo disco de originais para o início de 2026, com o lançamento do primeiro single “Flor Trovão”, o Expresso Transatlântico revela agora “Avalanche”, o segundo tema de avanço que abre caminho para esta nova fase artística da viagem de Sebastião Varela, Gaspar Varela e Rafael Matos.

“Avalanche” é, segundo a banda, “uma onda sonora densa e envolvente, carregada de tensão e mistério, que absorve a força e a liberdade das paisagens por onde passámos no processo de composição deste trabalho: a Serra da Estrela, a Foz do Arelho e Brotas.”

O videoclipe que ilustra o novo single é, como sempre, realizado por Sebastião Varela e foi filmado com uma câmara miniDV entre Lisboa, Tóquio e Osaka, acompanhando as viagens da banda na recente tour que fizeram pelo Japão.

“Numa posição de descoberta imersiva, quase voyeurística, as imagens acabam por refletir a capacidade explorativa da música num tom descomprometido”, revela o realizador.

Com produção de Paulo Furtado (aka The Legendary Tigerman), este próximo álbum promete marcar um ponto de viragem na travessia musical do Expresso Transatlântico, sem perder a alma e a fusão de sonoridades que o caracteriza.

Concertos de apresentação do novo álbum:

• Porto — Casa da Música — 13 de março de 2026

• Lisboa — Capitólio — 14 de março de 2026

Expresso Transatlântico [Miguel Marquês]

Cartaz: Tiago Martins

• Comunicado de imprensa

Há quarenta anos, a 8 de outubro de 1985, Zeca Afonso lançava 'Galinhas do Mato', o seu último álbum de originais

Há quarenta anos, a 8 de outubro de 1985, Zeca Afonso lançava 'Galinhas do Mato', o seu último álbum de originais — e o derradeiro da sua vida. Gravado numa fase já profundamente debilitada pela doença, o disco revela um artista que, mesmo impossibilitado de cantar, manteve intacta a lucidez criativa e a vontade de continuar a fazer da música um gesto de resistência.

Impedido de usar a voz que marcou gerações, José Afonso reuniu um vasto grupo de amigos e companheiros musicais que o ajudaram a dar corpo a este trabalho. Dos dez temas que compõem o álbum, apenas dois — Escandinávia Bar e Década de Salomé — são interpretados por ele. As restantes canções ganharam vida através das vozes de Helena Vieira (Tu Gitana), Né Ladeiras (Benditos), Luís Represas (Agora), Janita Salomé (Moda do Entrudo, Tarkovsky, Alegria da Criação), Catarina e Marta Salomé (Galinhas do Mato) e José Mário Branco (Década de Salomé, em dueto com Zeca).

A produção de Galinhas do Mato foi uma verdadeira comunhão artística: José Mário Branco e Júlio Pereira assinaram a direção musical e a produção, com o apoio de João Luís Oliva na coprodução, enquanto Alberto Lopes concebeu a capa e o design gráfico. Gravado entre o Angel Studio 1 e 2, o disco contou ainda com a colaboração técnica de José Manuel Fortes e Rui Novais, e a fotografia de Roberto Santandreu.

Mais do que uma despedida, 'Galinhas do Mato' é um testamento artístico e humano. Nele coexistem as raízes do cancioneiro tradicional português e os ecos de África que sempre acompanharam o percurso de Zeca, numa fusão entre memória, poesia e resistência. É um disco de comunhão e continuidade — prova viva de que a sua obra, mesmo perante o silêncio forçado, permaneceu fiel à verdade e à esperança que sempre lhe deram voz.