Nº1 Electric Youth — Debbie Gibson, Março 11, 1989

 Producers: Deborah Gibson and Fred Zarr

Track listing: Who Loves Ya Baby? / Lost in Your Eyes / Love in Disguise / Helplessly in Love / Silence Speaks (a Thousand Words) / Should’ve Been the One / Electric Youth / No More Rhyme / Over the Wall / We Could Be Together / Shades of the Past

11 de março de 1989
5 semanas

No outono de 1987, Tiffany e Debbie Gibson emergiram dos subúrbios de Norwalk, Califórnia, e Long Island, respectivamente, para se tornarem as duas rainhas do pop. Tiffany fez sucesso primeiro, emplacando sucessos em primeiro lugar com um cover de "I Think We're Alone Now" e "Could've Been", que impulsionou seu álbum de estreia autointitulado para o topo da parada de álbuns. Embora o primeiro single número um de Gibson tenha chegado meses depois e " Out of the Blue" , seu álbum de estreia de 1987, tenha alcançado a sétima posição, ela provou ser o talento mais substancial.

"Muitas pessoas nos agruparam, mas somos artistas muito diferentes", disse Gibson na época. Para começar, Gibson compôs seu próprio material, enquanto Tiffany se baseou em músicas fornecidas pelo produtor/empresário George Tobin. Gibson chegou a produzir "Foolish Beat", seu primeiro single número um, que chegou ao topo da Billboard Hot 100 em 25 de junho de 1988. Uma semana depois, ela se formou no ensino médio.

O sucesso deu a Gibson ainda mais confiança. No meio da produção de Electric Youth , Gibson prometeu: "Fizemos o primeiro álbum em oito semanas. Esperem até as pessoas verem o que eu realmente consigo fazer."

Assim como partes de Out of the Blue , Electric Youth foi gravado no Z Studio de Fred Zarr, no Brooklyn. Desta vez, porém, Gibson assumiu ainda mais o controle, produzindo seis das 11 faixas do álbum.

Como o álbum foi gravado no verão de 1988, durante pausas na extensa agenda de turnês de Gibson, a cantora frequentemente testava material novo em seus shows ao vivo. Em maio de 1988, Gibson foi convidada a participar de um show com estrelas comemorando o 40º aniversário da Atlantic Records. Outros artistas presentes no programa incluíam um Led Zeppelin temporariamente reunido, Bee Gees, Genesis, Crosby, Stills & Nash e Roberta Flack. A apresentação de Gibson foi intercalada entre sets dos veteranos do rock progressivo Yes e do ex-vocalista do Led Zeppelin, Robert Plant. Em vez de tocar um de seus alegres sucessos dançantes, ela optou por uma balada, "Lost in Your Eyes", que ela interpretou solo ao piano.

“Foi a coisa mais eletrizante e emocionante que já fiz”, disse Gibson sobre o show. “Aquele show realmente me ajudou muito. As pessoas me levaram muito mais a sério depois disso. Havia um público de rock lá, e eu os mantive entretidos. Considero isso um elogio. Mostrei a muitas pessoas que eu era real.”

"Lost in Your Eyes" foi o primeiro single lançado por Electric Youth . Em 4 de março de 1989, tornou-se o segundo single número um de Gibson. Uma semana depois, Electric Youth alcançou o primeiro lugar na parada de álbuns, enquanto "Lost in Your Eyes" manteve-se na pole position da Hot 100 pela segunda semana consecutiva, tornando Gibson a primeira artista adolescente a ter um single e um álbum número um simultaneamente desde Little Stevie Wonder, e a primeira adolescente a alcançar o feito.

OS CINCO MELHORES
da semana de 11 de março de 1989

1. Electric Youth , Debbie Gibson
2. Don't Be Cruel , Bobby Brown
3. Appetite for Destruction , Guns N' Roses
4. Traveling Wilburys , Traveling Wilburys
5. Shooting Rubberbands at the Stars , Edie Brickell & New Bohemians

CAPAS DE DISCOS - 1968 Wheels Of Fire - Cream

 

 L.P Canadá - RSO Records - MIPD-2-9382.

 Contracapa

 Interior capa

 Etiquetas disco 1, lados 1 y 2.

Etiquetas disco 2, lados 3 y 4.

CAPAS DE DISCOS - 1968 Sweetheart Of The Rodeo - The Byrds

 

 LP Holanda - CBS Records - S 63353.

 Contracapa

Etiquetas lados 1 e 2.

YATHA SIDHRA ● A Meditation Mass ● 1974

 

Artista: YATHA SIDHRA

País: Alemanha

Gêneros: Krautrock, Psychedelic Rock

Álbum: A Meditation Mass

Ano: 1974

Duração: 40:14

Fundada em Freiburg im Breisgau, em 1973 a banda alemã YATHA SIDHRA tem seu início com os irmãos Rolf e Klaus Fichter que após várias passagens frustradas por diversas bandas, finalmente encontraram em 1973 sua própria identidade musical, formando uma banda, a BRONTOSAURUS. Mais tarde o nome foi alterado para YATHA SIDHRA - que aliás, era um nome que se adequava perfeitamente à nova orientação musical dos dois músicos.

Combinando suas idéias musicais  com influências étnicas e meditativas, os dois músicos começaram a trabalhar em uma longa e épica peça chamada "A Meditation Mass" (sob a influência do famoso Achim Reichel, membro virtual da banda que produziu o álbum em 1974).

A intenção inicial era criar uma paisagem musical onírica onde o sintetizador Moog, a flauta e os instrumentos tradicionais de "percussão" desempenhassem um papel importante. Visto como um álbum conceitual, "A Meditation Mass" é quase exclusivamente instrumental. Uma longa suíte dividida em dois temas, com duas variações para cada um. Uma jornada musical bela e extasiante. Seu som oscila entre música Folk "pastoral" e Rock espacial com a adição de discretos toques jazzísticos. 

Após esse trabalho impressionante, o YATHA SIDHRA se dissolve. No início dos anos 80, os irmãos Fichter formaram uma nova banda chamada DREAMWORLD, executando uma música Pop meditativa, mais voltada para os sintetizadores.

Faixas:

01. A Meditation Mass Part 1 (17:45)

02. A Meditation Mass Part 2 (3:13)

03. A Meditation Mass Part 3 (12:00)

04. A Meditation Mass Part 4 (7:16)

Músicos:

- Rolf Fichter: sintetizador Moog, flauta indiana, vibrafone, piano elétrico, guitarra elétrica, vocais

- Klaus Fichter: bateria, percussão

- Matthias Nicolai: baixo, guitarra elétrica de 12 cordas

Com:

- Peter Elbracht: flauta

YES ● Relayer ● 1974 ● Reino Unido [Symphonic Prog/Jazz-Rock]

 

Em abril de 1974, a formação do YES com o vocalista Jon Anderson, o baixista Chris Squire, o guitarrista Steve Howe, o tecladista Rick Wakeman e o baterista Alan White encerraram sua turnê de 1973-1974 em apoio ao álbum anterior, "Tales from Topographic Oceans" (1973). O álbum foi um sucesso para a banda, alcançando o primeiro lugar no Reino Unido por duas semanas, e se tornou o primeiro a ser certificado ouro pela British Phonographic Industry com base apenas em pré-encomendas. Apesar do sucesso do grupo, durante a gravação, Wakeman informou a banda sobre sua decisão de sair após o término após suas divergências e frustração com o rumo que a banda havia tomado com o álbum, com seu conceito esotérico e a estensa duração. Sua saída foi tornada pública em 8 de junho e ele retomou sua carreira solo.

Reduzido a um quarteto, o YES se retirou para o Farmyard Studios, uma instalação de ensaio e gravação de propriedade do baterista Trevor Morais em Little Chalfont, Buckinghamshire, e trabalhou em novas canções. Depois que algum material foi arranjado, as audições para um novo tecladista começaram e cerca de oito músicos foram contatados para uma audição, incluindo Jean Roussel, Eddie Jobson, Nick Glennie-Smith e o músico e compositor grego Vangelis. Outros vieram dos Estados Unidos e da Alemanha.  Anderson era fã de Vangelis e visitou seu apartamento em Paris vários meses antes, quando o YES estava na cidade apresentando "Tales from Topographic Oceans". Vangelis concordou com uma audição e enviou seus teclados para o estúdio de ensaio, mas o grupo descobriu que ele não se comprometia com o papel e tinha uma personalidade muito forte para um grupo. O vice-presidente da Atlantic Records, Phil Carson, acrescentou que seu medo de voar causou mais complicações, e uma subsequente rejeição do Sindicato dos Músicos acabou com a possibilidade de Vangelis se juntar à banda. Logo depois, o repórter do Melody Maker, Chris Welch, sugeriu que a banda tentasse Patrick Moraz, um músico suíço e compositor de cinema com formação em Jazz e Música Clássica, e membro do trio REFUGEE. Menos de uma semana depois, Moraz aceitou um convite de Brian Lane, empresário da banda, para uma audição. Moraz era fã da banda e já os havia conhecido durante sua turnê pela Suíça em 1969. 

Moraz fez o teste com o YES durante a primeira semana de agosto de 1974. Ele chegou cedo ao Farmyard Studios e viu cada membro chegar em seu próprio carro caro. Ele disse: "Vindo de REFUGEE, onde caminhávamos três milhas de e para o local de ensaio ... era um grande contraste!" Moraz fez o teste com os teclados de Vangelis, que ainda estavam no estúdio. Depois de afinar, ele tocou algumas partes para mostrar sua habilidade, incluindo uma pequena seção de "And You and I", fazendo com que a banda parasse de falar e se reunisse ao seu redor. A primeira tarefa de Moraz foi criar uma seção para complementar o que eles escreveram para a seção intermediária de "Sound Chaser". A banda gostou do que Moraz tocou e, no dia seguinte, Lane o informou que o YES desejava que ele se juntasse em tempo integral. Moraz sentiu alguma pressão para entregar, e dirigia de seu apartamento em Earl's Court perto do centro de Londres para o estúdio todos os dias para gravar e aprender o repertório da banda.

O novo trabalho do YES com o line-up incluindo Moraz é "Relayer", o sétimo álbum de estúdio da banda, lançado em novembro de 1974 pela Atlantic Records. "Relayer" é formado por três faixas, com "The Gates of Delirium" no lado um e "Sound Chaser" e "To Be Over" no lado dois. O álbum recebeu uma recepção mista a positiva dos críticos contemporâneos e retrospectivos. Alcançou a quarta posição na UK Albums Chart e a quinta posição na Billboard 200 dos EUA. Um single da seção final de "The Gates of Delirium", intitulado "Soon", foi lançado em janeiro de 1975. Após a turnê de divulgação do álbum entre novembro de 1974 e julho de 1975, o YES entrou em um hiato de um ano. Relayer continuou a vender e é certificado ouro pela Recording Industry Association of America (RIAA) por vender mais de 500.000 cópias nos Estados Unidos. Foi remasterizado em 2003 e em 2014, ambos com faixas inéditas; o último inclui novas mixagens de som estéreo e surround 5.1 e faixas adicionais.

Abrindo o lado 1, "The Gates of Delirium" é uma faixa de 21 minutos que Anderson descreveu como "uma canção de guerra, uma cena de batalha, mas não é para explicar a guerra ou denunciá-la ... Há um prelúdio, uma carga, uma melodia de vitória e paz no final, com esperança para o futuro." Moraz relembrou uma discussão sobre a história com Anderson enquanto os dois a liam, após a qual Moraz o presenteou com uma cópia de Délirius, uma história em quadrinhos francesa de ficção científica de Philippe Druillet. Moraz disse: "Ele se relacionou com isso imediatamente, então acho que talvez como um título "The Gates of Delirium" veio disso".

A música se originou de vários temas curtos que Anderson acumulou em sua cabeça e os tocou para o grupo em um piano "muito mal"; ele ficou aliviado quando seus companheiros de banda entenderam o que ele estava tentando fazer. Anderson e Howe mantiveram o controle de sua estrutura gravando seções dela em fitas cassete, deixando Anderson para descobrir a próxima parte enquanto o grupo desenvolveria o que foi colocado antes. A música foi gravada em seções por vez, embora o grupo estivesse familiarizado com a peça inteira de antemão e tenha passado várias semanas gravando tomadas de cada seção e selecionando aquelas que os membros sentiram ser as mais fortes. Uma vez escolhidas, as seções foram editadas juntas e os overdubs foram então gravados. A seção de batalha inclui efeitos sonoros de colisão que foram criados por White empurrando uma torre de peças de carros usados ​​que ele e Anderson coletaram de um ferro-velho. Howe lembrou que Anderson ficou muito animado com o que ele imaginava que seria a batalha, levando o grupo a produzir uma mistura que estava "muito longe" e outra "muito segura". Após a "batalha", a faixa termina com uma música suave que mais tarde ficou conhecida como "Soon". Anderson declarou que "The Gates of Delirium" não soou bem na gravação, se saindo melhor em concerto.

O Lado dois abre com "Sound Chaser" contendo elementos de Jazz-Fusion e arranjos de Funk. Moraz foi convidado a criar uma introdução para a música durante sua audição com a banda; sua contribuição foi finalizada após "uma ou duas tomadas" e usada na versão final. Ele considerou seu solo de sintetizador Moog no final um momento de destaque em sua performance no álbum, mas sentiu que os teclados em geral foram enterrados na mixagem final. Howe pensou que a faixa era "uma mistura indescritível dos teclados jazzísticos de Patrick e meu estranho tipo de flamenco elétrico", mas ele não gostou da escolha inicial de acordes de Moraz que tocou durante seu solo de guitarra, fazendo com que Moraz tocasse de forma diferente, o que ele discordou. "To Be Over" surgiu quando Anderson passou uma tarde na casa de Howe em Londres. Enquanto os dois discutiam que música preparar para o álbum, Anderson contou a Howe sobre seu gosto por uma melodia que Howe havia escrito e cantado para Anderson antes. Anderson também teve a letra inicial: "Vamos velejar rio abaixo amanhã, flutuando no rio universal, para acabar". Howe se inspirou para a pista em um passeio de barco no lago Serpentine no Hyde Park em Londres. Desde o início, ele achou a música "muito especial" e Anderson concordou em desenvolvê-la ainda mais. Howe criou a música para esta seção específica no final dos anos 1960 e pegou um riff de uma faixa de seu grupo anterior, TOMORROW. Anderson descreveu "To Be Over" como "Forte no conteúdo, mas suave na atitude geral ... É sobre como você deve cuidar de si mesmo quando as coisas dão errado". linha "Ela não saberá o que isso significa para mim" segue "Vamos navegar pelos riachos calmantes", mas Anderson mudou para "Para acabar, veremos", uma mudança que Howe pensou estar "criativamente disfarçada" para fazer uma declaração lírica mais ampla. Moraz se sentiu constrangido a executar um solo de teclado improvisado para a música, então escreveu um solo de contraponto "exatamente como uma fuga clássica" para misturar seus teclados com a guitarra e o baixo. Ele havia escrito uma versão inicial no papel em uma noite, mas a banda expressou seu desejo de mudar o tom da música para a seção, fazendo com que Moraz passasse várias horas reescrevendo-a durante a noite.

Embora "Relayer" reflita o passado - notavelmente "Close to the Edge" e "Tales From Topographic Oceans" - também representa uma mudança em direção a arranjos mais voltados para o Rock e, portanto, fornece uma base para seu próximo álbum, "Going for the One". Um disco repleto de excelências estilísticas e musicais ilustrando magicamente a discografia do YES nos anos 70. Superlativo e Magnânimo.

Nos próximos três anos, os membros do YES seguiriam projetos solo listados abaixo: 

- Jon Anderson com "Olias of Sunhillow" (1975), 

- Steve Howe com "Beggnings" (1975), 

- Chris Squire com "Fish out of the Water"  (1975),

- Patrick Moraz com "The Story of I"

- Alan White com "Ramshackled"

Tracks:

1. The Gates of Delirium (21:55)

2. Sound Chaser (9:25)

3. To Be Over (9:08)

Time: 40:28

Bonus tracks on 2003 Elektra remaster:

4. Soon (single edit) (4:18)

5. Sound Chaser (single edit) (3:13)

6. The Gates of Delirium (studio run-through) (21:16) *

* Previously unreleased

Musicians:

- Jon Anderson / lead vocals

- Steve Howe / acoustic & electric guitars, pedal steel guitar, electric sitar, vocals

- Patrick Moraz / keyboards (piano, Hammond, Vako Orchestron synth, Moog)

- Chris Squire / bass, vocals

- Alan White / drums & percussion

With:

- Eddy Offord / co-producer, engineer

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BARCLAY JAMES HARVEST ● Everyone Is Everybody Else ● 1974

 

Artista: BARCLAY JAMES HARVEST 

País: Reino Unido

Gênero: Symphonic Prog, Eclectic Prog

Álbum: Everyone Is Everybody Else

Ano: 1974

Duração: 38:56

Lançado em 14 de junho de 1974, "Everyone Is Everybody Else" é o quinto álbum de estúdio da banda britânica BARCLAY JAMES HARVEST. Este foi o primeiro álbum de estúdio da banda pela gravadora Polydor após a saída da EMI.

O álbum foi produzido por Rodger Bain, que já havia trabalhado com o BLACK SABBATH na produção de seus três primeiros álbuns. Dizia-se que havia relações tensas entre Bain e a banda, devido à preferência de seu estilo musical, com a banda descontente com os resultados da música "Child of the Universe" em particular; a única contribuição de Woolly Wolstenholme também foi deixada de fora do álbum original.

Representando uma sutil mudança de direção, "Everyone..." apresenta faixas de abertura mais pesadas, "Negative Earth" e "Child of the Universe", indicando que as influências sinfônicas e orquestrais aparentes em seus álbuns anteriores foram amplamente deixadas de lado em favor de uma pegada mais Rock. Isso significou que as frequentemente citadas semelhanças com o MOODY BLUES em seus primeiros álbuns também ficaram menos aparentes. "The great 1974 mining disaster" parece ser uma "homenagem" à música dos BEE GEES de nome muito similar, com letra e melodia próximas às dos irmãos Gibb. "Crazy City" foi uma das faixas mais comerciais até então, e portanto, foi lançada como single.

O álbum termina com uma trilogia de faixas que se unem para formar uma única peça. "Poor Boy Blues" e "Mill Boys" invertem habilmente dois temas entre suas seções vocais e instrumentais. Essas canções, quase Folk, dão lugar a uma das grandes e poderosas faixas de BJH, "For no one". A faixa entra em cena de forma semelhante a "After the day", de "...and other short stories", com os vocais suplicantes de John Lee elevando a música a um clímax apaixonado.

O álbum foi tocado extensivamente na Rádio Caroline, particularmente as faixas "For No One" (cuja letra contém o título do álbum) e "Child of the Universe". Também foi votado pelos ouvintes da Rádio Caroline em 13º lugar na parada dos 100 melhores álbuns de todos os tempos.

Faixas:

01. Child of the Universe (5:02)

02. Negative Earth (5:28)

03. Paper Wings (4:14)

04. The Great 1974 Mining Disaster (4:35)

05. Crazy City (4:05)

06. See Me See You (4:32)

07. Poor Boy Blues (3:05)

08. Mill Boys (2:47)

09. For No One (5:08)

Músicos:

● John Lees: Vocal principal (faixas 1, 4, 6, 8) e backing vocals, guitarras principal e acústicas

● Stuart "Woolly" Wolstenholme: Teclados, backing vocals

● Les Holroyd: Vocal principal (faixas 2, 3, 5, 7) e backing vocals, baixo, guitarras acústicas, guitarras base e guitarra dedilhada (faixas 7, 8)

● Mel Pritchard: Bateria, percussão, backing vocals (faixa 1)

FRUUPP ● The Prince of Heaven's Eyes ● 1974

 

Artista: FRUUPP

País: Reino Unido

Gênero: Eclectic Prog

Álbum: The Prince Of Heaven's Eyes

Ano: 1974

Duração: 45:57

Muito bem apresentado, equilibrado e incrivelmente original, "The Prince of Heaven's Eyes" é o terceiro disco lançado pelo FRUUPP. Trata-se de um álbum conceitual sublime que segue uma história real. A história em si pode ser adquirida a partir das letras, ou lidas no folheto de 14 páginas que acompanha o álbum. O folheto, escrito por Paul Charles, é bem escrito e cativante, contando contos de um personagem chamado Mud Flanigan e suas aventuras mágicas na Irlanda rural. Realmente é uma leitura muito interessante, e dá conta da história muito mais do que a música. A música, em vez de contar a história novamente, é simplesmente baseada nele, como se fosse uma trilha sonora. De acordo com o encarte, havia canções que não foram incluídas no álbum. Estas canções teriam provavelmente concretizado outras partes da história.

A música aqui é simplesmente brilhante. A faixa de abertura, "It's All Up Now" é uma abertura perfeita, natural para este álbum. A introdução instrumental é emocionante e progressiva, mantendo a beleza. Quando o canto começa, a linha de baixo é absolutamente maravilhosa. As letras, especialmente na seção do meio, são clássicas. Um grande começo para um grande álbum. "The Prince of Darkness" é uma curta cantiga, mas mesmo assim progressiva. Peter Farrelly faz um trabalho impressionante soando como duas pessoas diferentes, a fim de expressar diferentes pontos de vista. Sua voz soa muito parecido com o sotaque inconfundível de Peter Gabriel. "Jaunting Car" é um curto mas doce instrumental, com um efeito de sintetizador que me lembra dos jogos Pokémon. "Annie Austere" pode ser uma das melhores canções de amor Prog. Indiscutivelmente a melhor parte dessa música é a seção do meio, onde as letras são extremamente românticas, e falam de casamento. Esta canção termina o primeiro lado do álbum com um tema que é retomado no início do segundo lado; um truque muito puro, de fato. Depois de ouvir a reprise acima mencionado, ouvimos a curta, mas ainda romântica "Knowing You". Não há muito a dizer sobre este título, exceto que ele fornece uma boa introdução para o segundo lado do álbum. "Cristal Brook" segue em frente a partir da faixa anterior, mas aos 8 minutos não há absolutamente nada para não gostar, os instrumentais, as letras, os riffs, os solos, a dinâmica, tudo parece perfeito aqui. "Seaward Sunset" é uma pista curta, mas bonita o suficiente. Canção muito bonita. "The Perfect Wish" é uma canção em duas partes. Depois de um instrumental a la CAMEL longo vem alguns ritmos muito Progressivos com o canto por cima. A trilha termina com um belo e poderoso solo de guitarra que provoca arrepios na espinha. Este é o tipo de final sinfônico pode-se esperar 40 minutos para ouvir, porque é muito bom. A última faixa, "Prince of Heaven", demonstra o mesmo padrão do resto do disco, com ritmos bem estruturados e letras muito bem construídas. Realmente um belíssimo disco, pode não ser uma obra prima do gênero, mas cumpre muito bem o papel eclético Progressivo que a banda se propõe a fazer.

Faixas:

01. It's all up now (7:20)

02. Prince of darkness (3:48)

03. Jaunting car (2:23)

04. Annie Austere (5:14)

05. Knowing you (2:46)

06. Crystal brook (7:58)

07. Seaward sunset (3:08)

08. The perfect wish (9:49)

09. Prince Of Heaven (3:31)

Músicos:

● Peter Farrelly: Baixo, flauta e vocais

● Martin Foye: Bateria e percussão

● Stephen Houston: Teclados, oboé e vocais

● Vincent McCusker: Guitarras acústicas e elétricas e vocais

GRYPHON ● Red Queen To Gryphon Three ● 1974

 

Artista: GRYPHON

Paíse: Reino Unido

Gêneros: Prog-Folk, Eclectic Prog

Álbum: Red Queen To Gryphon Three

Ano: 1974

Duração: 38:32

Totalmente instrumental e consistindo em quatro peças longas aparentemente inspiradas em um jogo de xadrez, "Red Queen To Gryphon Three", é o terceiro álbum lançado pela banda inglesa GRYPHON. A música tem influências medievais/renascentistas e folclóricas, com a banda usando fagote, crumhorn e gravadores ao lado de teclados (piano, órgão e sintetizador), guitarras e violões, bateria e outras percussões. O som é bastante único: cadenciado, muito melodioso e, usando sintetizador e outros instrumentos modernos, e mesmo assim, mantendo uma atmosfera medieval. É definitivamente Rock Progressivo, embora use alguns instrumentos e temas incomuns.

Todas as quatro faixas são ótimas, cada uma composta por uma variedade de melodias, tempos e humores. Iniciando com "Openig Move", o GRYPHON atrai o ouvinte, com uma melodia saltitante que leva a alguns floreios de piano verdadeiramente incríveis, instrumentação absolutamente refrescante. Depois de mudar as melodias repetidamente durante os primeiros cinco minutos, eles se acomodam em uma melodia de krummhorn simples que começa inocentemente e termina absolutamente caótica cinco minutos depois. Realmente não há como prever esses caras! Brilhante! Em "Second Spasm" a loucura é mantida, a música se torna divertida (especialmente no meio - as melodias de introdução e saída são muito boas). Na terceira faixa, "Lament", o GRYPHON sabiamente decidiu incluir uma música pensativa e comovente, e eles realmente se saíram bem. Os primeiros cinco minutos são absolutamente assombrosos e poderosos, melodias suaves, e a melodia de abertura é revisitada para um final majestoso. Esta é uma ótima composição e algumas restrições bem-vindas do GRYPHON. O disco fecha com "Checkmate". A maior parte da música é muito suave e/ou simples e divertida (embora não seja de forma alguma ruim).

Um clássico progressivo essencial que deveria estar facilmente na lista de álbuns de uma "ilha deserta". Recomendado para quem adora música complexa que é viva por natureza e apresentada com grande talento e arte soberba. Tem instrumentos únicos, complexidade e senso de aventura que poderá atrair qualquer fã de Prog Rock com senso de experimentação.

Faixas:

01. Opening Move (9:42)

02. Second Spasm (8:15)

03. Lament (10:45)

04. Checkmate (9:50)

Músicos:

- Richard Harvey / keyboards, recorders, crumhorn

- Brian Gulland / bassoon, crumhorn

- Graeme Taylor / guitars

- Philip Nestor / bass

- David Oberlé / drums, percussion & tympani

Com:

- Ernest Hart / organ

- Peter Redding / acoustic bass

LE ORME ● In Concerto ● 1974

 

Artista: LE ORME

País: Itália

Gênero: Rock Progressivo Italiano

Álbum: In Concerto

Ano: 1974

Duração: 46:53

Lançado no mesmo ano de seu álbum de estúdio "Contrappunti", o álbum ao vivo de 1974 do LE ORME "In Concerto' é uma jóia áspera, mas ocasionalmente bonita, um documento fascinante da banda bem longe de seus exuberantes e sonhadores trabalhos de estúdio. É certo que a qualidade real da gravação beira a de um bootleg um tanto obscuro, mas não é inaudível e, além de uma nova composição lateral que não pode ser encontrada em nenhum álbum de estúdio da banda, destaca uma seleção de trabalhos favoritos de seus primeiros três álbuns Progressivos em arranjos ligeiramente retrabalhados que valem a pena ouvir, especialmente se esses discos de estúdio muito amados forem muito familiares neste momento.

Os primeiros três minutos das duas partes "Truck of Fire" enganosamente abrem com um piano clássico gótico levemente malévolo, apenas uma pitada de tensão, mas nenhum sinal da violência absoluta que está por vir! Quando o tornado de ruído atinge, é como um rosnado, ranger sujo e soco esmagador no rosto enquanto você bate de cabeça em uma parede de tijolos. Esta é a explosão mais cacofônica que já ouvimos da banda, um vil e viciante tsunami de Jazz de forma livre, uma corrida frenética da perturbada violação infernal de Hammond de Tony Pagliuca, uma bateria apocalíptica poderosa de Michi Dei Rossi e um baixo lamacento de Aldo Tagliapietra. Testemunhe Moogs nativos dançantes e solos de bateria ritualística enlouquecedora de sacrifício de virgens e estranheza eletrônica ambiente maluca que sugere que R2-D2 está gravando a coisa toda! Há até mesmo poucos vestígios dos primeiros dias psicodélicos do PINK FLOYD e do SOFT MACHINE aqui. A segunda metade começa com uma seção vocal mais onírica, curiosamente cantada em inglês (embora a banda já tenha lançado uma versão em inglês de "Felona e Sorona" a essa altura), mas não vale a pena reclamar da escolha do idioma porque as passagens de voz são apenas muito curtas e definitivamente não é o foco aqui. Alternativamente flutuando e depois sintetizadores imperialistas com linhas de baixo repetitivas e fortes e explosões confiantes, a peça inteira rapidamente se dissolve em um ruído selvagem e desequilibrado antes de finalmente implodir.

A banda então percorre uma seleção de faixas de seus álbuns de estúdio anteriores, e todas têm uma qualidade irregular e mais solta que é bastante emocionante de ouvir em comparação. Há o belo zumbido de Hammond, piano elétrico e baixo saltitante em "Sguardo Verso Il Cielo", e em particular é bom ouvir Aldo um pouco mais áspero, não sendo capaz de perder tempo para aperfeiçoar cuidadosamente sua voz como de costume no estúdio. "Preludio a Era Inverno" é um interlúdio eletrônico denso de pesadelo e suspense com pequenas gotas de chuva brilhantes de órgão e percussão aguda, com um final atmosférico e sombrio. Os vocais de Aldo são novamente grosseiros e dominantes em "Era Inverno", com uma interpretação mais poderosa com uma bateria maravilhosamente urgente e Hammond sprint no meio. Em seguida, há uma versão emocionante do número de encerramento do álbum "Felona e Sorona", "Ritorno al Nulla", e uma passagem rápida do instrumental de órgão de igreja pomposo e viciante "Collage" que abre o álbum do mesmo nome para terminar.

É preciso dizer que "In Concerto" provavelmente não é uma boa representação do tipo de obras geralmente associadas a LE ORME, mas como apenas os melhores álbuns ao vivo, este se destaca dos discos de estúdio e assume ter um caráter. Muitos ouvintes terão problemas extremos com a qualidade do som, mas especialmente para o primeiro lado de 'Trucks of Fire', ele adiciona uma energia mais sombria à performance e cria uma atmosfera intensa. Este é definitivamente um álbum ao vivo que vale a pena investigar depois de percorrer seus clássicos álbuns de estúdio do mesmo período.

Faixas:

01. Truck of Fire (Part 1) (17:30)

02. Truck of Fire (Part 2) (4:45)

03. Sguardo verso il cielo (4:15)

04. Preludio a era inverno (5:15)

05. Era inverno (6:45)

06. Ritorno al nulla (4:25)

07. Collage (fragment) (1:00)

07. Collage (2:58)

Músicos:

- Aldo Tagliapietra: Vocais, baixo e guitarras

- Toni Pagliuca: Teclados

- Michi Dei Rossi: Bateria