Jim Jones All Stars – Get Down ~ Get With It (2025)

 

Jim Jones All Stars mais uma vez nos presenteia com sua intensa, eletrizante e inspiradora fusão de rock'n'roll, garage rock, rhythm and blues visceral e gospel, através do lançamento de seu novo álbum ao vivo, Get Down ~ Get With It . E não há dúvidas de que esta coleção de músicas eletrizante e explosiva documenta perfeitamente o som de uma banda pioneira na revitalização do espírito do rock'n'roll, elevando-o a um novo patamar sem precedentes.
Tudo começou em 2022, quando as primeiras sementes para o novo projeto de Jim Jones foram plantadas com a gravação de novas músicas em Memphis, resultando no lançamento do primeiro single, It's Your Voodoo Working, em outubro daquele ano. Isso anunciou o nascimento do Jim Jones All Stars…

  320 ** FLAC

…e era hora de o mundo acordar novamente e prestar atenção. Uma série de shows ao vivo se seguiu, enquanto essa intensa e energética parede de som trilhava um caminho implacável por águas desconhecidas, com seu álbum de estreia, Ain't No Peril, chegando em gloriosa tecnicolor sonora em setembro de 2023 para consolidar ainda mais sua posição no epicentro do mundo do rock'n'roll.

Avançando para 2025, após algumas apresentações de abertura de prestígio para bandas como The Black Crowes e Ginger Wildheart, temos agora o lançamento do álbum ao vivo Get Down ~ Get With It, que documenta suas performances ao vivo dos últimos anos. Como Jim explica: “Get Down ~ Get With It é um marco que representa o momento atual da banda e uma forma bacana de encerrar este capítulo antes do lançamento do nosso segundo álbum em 2026.”

Como Marc Riley tão acertadamente destacou durante uma das sessões do All Stars na BBC Radio 6, Jim Jones tem "uma certa reputação" de "sempre estar em uma das melhores bandas de rock'n'roll por aí". Isso continua tão verdadeiro quanto sempre foi com esta nova banda, que combina a energia bruta de Little Richard daquela era clássica do rock'n'roll com a pegada forte e poderosa de bandas como MC5 e Stooges, além de infundir uma boa dose de soul. Jim é um artista que sempre esteve imerso nas tradições do rock'n'roll old school, com uma atitude que transparece em sua presença de palco sempre imponente, e não há dúvida de que isso brilha intensamente neste excelente álbum ao vivo.

Assim que a agulha toca o primeiro sulco, ouvimos a banda entrar no palco em meio a uma cacofonia de ruídos: a bateria martela, os saxofones gemem, os teclados cintilam e as guitarras rugem, com Jim exclamando "Get down, get with it!" e o saxofonista tenor Stuart Dace anunciando sua chegada. O impacto é imediato e intenso, dando-nos uma prévia do que está por vir na próxima hora, enquanto a batida estrondosa de "Cement Mixer" lança um deslizamento sonoro nos cantos mais obscuros de nossa mente. Essa explosão épica de batidas e movimentos frenéticos impulsiona a performance como um rolo compressor e, sem quase nenhuma pausa para respirar, ouvimos Jim declarar "Ain't no smoke without fire" enquanto a guitarra saturada de fuzz de Carlton Mounsher e o turbilhão de dedos frenéticos no teclado de Elliot Mortimer anunciam mais um clássico da Revue: "Burning Your House Down".

A visceral e envolvente "Gimme The Grease" mantém os saxofones pulsantes de Stuart Dace e Tom Hodges em destaque, enquanto Aidan Sinclair na bateria e Gavin Jay no baixo controlam o ritmo monstruoso, com a vibe funk e soul em plena potência. Temos apenas um breve momento de respiro com a faixa "Parchman Farm", conduzida pelo piano e que se inspira na batida bluesy e arrastada de Bukka White, que remonta aos anos 40, com Stuart novamente assumindo a liderança no sax tenor antes de explodir em um final apoteótico.

A nova música "Let You Go" tem uma pegada vintage autêntica, transbordando energia e alma enquanto oscila entre as guitarras e os saxofones, trazendo-a inevitavelmente para o presente, vibrante e pulsante. Essa energia se mantém em "Goin' Higher", onde Jim ataca com uma energia e força desenfreadas que simplesmente não podem ser ignoradas, enquanto grita "levante as mãos contra a parede" – e nesse clima, quem vai discordar?! Com os teclados levados ao limite, é mais uma jornada selvagem que muda de marcha em sua passagem final, com os saxofones gemendo e os grooves profundos se enraizando completamente na sua alma.

Soul Trader segue uma linha similar, revisitando o repertório do Thee Hypnotics e acelerando a todo vapor nessa implacável mina de rock'n'roll com influências de garagem. Se você ainda não está curtindo, é porque realmente não prestou atenção! Os ritmos fragmentados de I Want You (Any Way I Can) se transformam em um clássico cativante de Ain't No Peril, enquanto Carlton e Jim trocam solos de guitarra em meio à batida precisa impulsionada pelo baixo e pela bateria, com os teclados de Elliot em destaque. A essa altura, dançar não é uma opção, é uma necessidade, não importa onde você esteja ouvindo este álbum.

Troglodyte exala o groove monstruoso do rock sujo e funky das cavernas nesta versão de uma música do Jimmy Castor Bunch do início dos anos 70, com toda a banda em total comunhão com a barulheira profana que se segue à medida que a música se aproxima do fim. Após uma breve pausa com os saxofones repletos de soul que permeiam a melancólica Lover's Prayer, os All Stars não perdem tempo e retornam à total sobrecarga sonora enquanto Aidan nos leva ao lado sombrio de nossas mentes com uma versão abrasadora de Rock'n'Roll Psychosis, do Revue, antes de Elliot nos conduzir a uma interpretação frenética da épica Princesa e o Sapo. Este é realmente o ponto alto do show, que não dá desculpas e não faz prisioneiros.

Shakedown é um clássico épico do garage rock psicodélico, mais uma vez do repertório do Thee Hypnotics, com sua mistura incendiária de tudo o que havia de melhor em bandas como MC5, Stooges e The Cramps, tudo reunido em uma combinação febril e fervorosa. E não para por aí, já que o clássico dinâmico e com influências de garage rock de Eddie Floyd, Big Bird, agita ainda mais o público com seus ritmos de guitarra pulsantes, linha de baixo marcante e metais selvagens, antes do show chegar a um final memorável com uma versão incendiária de 512, da banda Revue.

Jim Jones All Stars é uma força imparável que oferece um show ao vivo explosivo, e este álbum ao vivo prova, sem sombra de dúvida, que essa formação expandida permite à banda ampliar seu som e mergulhar mais fundo no legado de Memphis e Nova Orleans, dando às músicas mais alma, ritmo e profundidade do que nunca, sem perder nada da intensidade e ferocidade de suas raízes no rock'n'roll. Mas não se engane, Jim Jones All Stars não é uma viagem nostálgica. Get Down ~ Get With It é um ataque sonoro completo que anuncia um verdadeiro renascimento do espírito do rock'n'roll, celebrando o glorioso legado que alimenta a música, ao mesmo tempo que a redefine no século XXI e a eleva a um nível totalmente novo e sem precedentes.

Evokthum - Unholy Mass Eradication - 2025 (EP)

 

 

Gênero: Death Metal, Black Metal

1. Stormwrath (intro)

2. Unholy Mass Eradication

3. Sadistic Angel Violator

4. Holocaust of Impaled Souls

5. Witching Hour

6. Ritual of Sodomizer Command

7. Seventh Antichrist Vengeance

8. Satanic Slaughter

MUSICA&SOM ☝

Sacred Warrior - Wicked Generation (1990)

 

Style: Power/Progressive metal

Origin: US

Tracklist:

1. No Happy Endings

2. Little Secrets

3. Standing Free

4. Are You Ready

5. Minister By Night

6. Miss Linda

7. In The Night

8. Warriors

9. Wicked Generation

10. War Torn Hero

MUSICA&SOM ☝

Scanner - Scantropolis (2002)

 

Style: Heavy/Power Metal

Origin: Germany

Tracklist:

1. Till the Ferryman Dies 05:11

2. Hallowed Be My Name 05:20

3. Flight of the Eagle 04:07

4. Turn of the Tide 06:07

5. Always Alien 04:45

6. Engel Brechts 03:43

7. Sister Mary 05:49

8. The Gambler 04:30

9. R.I.P. (Rest in Pain) 03:16

10. Till the Ferryman Dies (Live in Stockholm) 05:51

MUSICA&SOM ☝

Stratovarius - Infinite [2000]

 

Quando lançou o seu oitavo álbum de estúdio, o Stratovarius já era uma das bandas mais respeitadas pelos fãs do famigerado Metal Melódico. Liderados pelo excêntrico – para dizer o mínimo – guitarrista Timo Tolkki, o grupo tinha naquele momento a sua formação consagrada, com músicos referenciais, destacando-se o idolatrado Jens Johansson, influência de nove entre dez tecladistas que se aventuraram no mundo do Rock pesado nas últimas décadas. Completam o time a ‘metralhadora’ Jörg Michael, o discreto baixista Jari Kainulainen e o eficiente (embora, às vezes, exagerado, mas faz parte do roteiro) vocalista Timo Kotipelto.

Antes mesmo de rodar o som nos alto-falantes, Infinite já se destaca pela lindíssima capa, de autoria do ‘pai do Eddie’, Derek Riggs. Ao apertar o play, o ouvinte embarca em um dos grandes hits da carreira da banda, “Hunting High and Low”. Melodia fácil, refrão em coro, enfim, tudo aquilo que conquista os admiradores de cara. Obviamente, não podia ser outra a primeira música de trabalho. A segunda a ser usada na promoção do disco, foi “A Million Light Years Away”, que causou certa polêmica no Brasil, graças à semelhança de sua introdução com a música “Amigo”, de Roberto Carlos. Dá até para sair cantando ‘você meu amigo de fé, meu irmão camarada..

Outros destaques vão para as velozes “Millenium” e “Phoenix”, essa última que conta com uma performance instrumental simplesmente arrasadora, com todos dando seu melhor. A longa e trabalhada “Infinity” traz um alerta ao mundo, em bela letra de Tolkki. Meio demagoga, é verdade, mas ainda assim para refletir. Aliás, esse sempre foi um diferencial do Stratovarius, escrever letras que deixem uma mensagem ao ouvinte, fugindo daqueles clichês padrões que a maioria dos conjuntos do gênero utiliza. A curta “Celestial Dream” encerra o play de maneira singela e tocante.

O trabalho obteve a repercussão esperada, mas dali pra frente a banda se transformou em um manicômio. O surto de Timo Tolkki repercutiu seriamente nos megalômanos álbuns Elements Part I e II, ficando ainda pior durante a tour de divulgação. Os ânimos esquentaram a ponto de rolar agressões físicas entre os músicos. Resultado: entre idas, vindas e internações, instalou-se uma tragicomédia envolvendo vários personagens, entre eles a enigmática Miss K, que foi anunciada como nova vocalista, mas nem chegou a fazer algo, saindo para a volta de Kotipelto. Apesar da atual ausência de seu criador, o Stratovarius segue, ao menos, estabilizado como não acontecia há anos. Na melhor das hipóteses, não tem ninguém para cagar na mão e jogar para cima mais.

Timo Kotipelto (vocals)
Timo Tolkki (guitars)
Jari Kainulainen (bass)
Jens Johansson (keyboards)
Jörg Michael (drums)

01. Hunting High and Low
02. Millenium
03. Mother Gaia
04. Phoenix
05. Glory of the World
06. A Million Light Years Away
07. Freedom
08. Infinity
09. Celestial Dream

Slash: crítica de World on Fire (2014)

 

Slash é um guitar hero. Provavelmente o último a surgir no rock. Você não precisa gostar do som que ele fez pra admitir isso. No entanto, o velho Saul sempre teve uma qualidade salutar e que o fez se destacar desde o início: ele trabalha para a música, não para alimentar o seu ego. Até mesmo em “Sweet Child 'O Mine”, a faixa mais conhecida do Guns N’ Roses (e que é, em sua essência, um grande solo), isso fica evidente.

Instrumentista habilidoso e dono de um grande feeling, que sabe construir melodias marcantes em seus solos, Slash segue fazendo bonito em sua carreira. É o que se percebe em World on Fire, novo álbum do músico com a sua banda atual, encabeçada pelo vocalista Myles Kennedy e batizada como The Conspirators.

A coisa segue na linha do trabalho anterior, Apocalyptic Love, de 2012: boas canções, riffs legais, baladas pra quebrar o clima e solos em profusão. Tudo bem tocado, bem composto, bem produzido. Em suma, um disco de rock bom, com momentos muito interessantes.

Justificando o pedigree, Slash é o protagonista de World on Fire. Sua guitarra faiscante é o centro de tudo, despejando riffs, bases e solos pelos poros. Myles, excelente cantor, é o contraponto disso tudo, com uma performance mais uma vez convincente e agradável. E o resto da banda segura as pontas.

World on Fire é longo - são 17 faixas em aproximadamente 80 minutos -, mas não soa cansativo. É bom demais ouvir e perceber que Slash segue produzindo música de qualidade, ao contrário de seu egomaníaco ex-companheiro de banda.

Pra curtir sem compromisso, sem preocupação, todo dia, dia após dia. 

Aumente o volume e dê play!

In Flames: crítica de Siren Charms (2014)

 

A evolução, transformação e metamorfose - escolha o termo que preferir - pelo qual a música do In Flames passou ao longo dos anos é impressionante. De um dos pilares e responsáveis pela modernização do death metal melódico em discos como Whoracle (1997), Colony (1999) e Clayman (2000), o grupo deu um giro atordoante em seu som e inseriu elementos do metal moderno, aproximando-se do nu metal e do alternativo. Alguns curtiram, outros tantos, não. Faço parte do primeiro grupo.

Siren Charms, novo disco da banda, intensifica uma característica que vem sendo percebida em seus últimos trabalhos: a tentativa consciente, e geralmente bem sucedida, de unir os dois extremos que moldaram a carreira do In Flames até aqui. Ou seja, são canções que apresentam trechos de melodias em arranjos quebrados e com grandes doses de agressividade, resultando em um som que mostra que é perfeitamente possível trilhar, simultaneamente, estes dois caminhos que muitos pensam ser antagônicos.

Uma coisa sempre foi fato: por mais inovador que o In Flames tenha soado em diversos momentos de sua trajetória - e a banda sempre teve a inquietude artística como característica marcante -, as experimentações do grupo vieram ao mundo, invariavelmente, na forma de composições fortes e de grande qualidade. É só olhar pra trás e colocar pra rodar novamente  álbuns como Come Clarity (2006) e A Sense of Purpose (2008) para perceber isso. E esse alto nível foi mantido nas músicas que estão em Siren Charms. As onze faixas do disco formam um tracklist consistente, que atesta não apenas a importância do In Flames, mas, sobretudo, a longevidade de um trabalho em constante mutação.

Colocando em palavras mais claras, pode-se dizer que Siren Charms traz um metal moderno e atual, que utiliza alguns elementos do passado para se tornar ainda mais eficiente aos ouvidos. Ou seja, música pesada contemporânea que não assusta os bangers da velha guarda - ou, pelo menos, não deveria repelir esses ouvintes.

A consistência do In Flames segue mantida com este novo trabalho, e isso é uma ótima notícia.

Ah, e a capa é linda!

Exodus: crítica de Blood In Blood Out (2014)

 

O crescimento do mercado classic rock/metal e o aumento da demanda por bandas que se encaixam nessa denominação mudou o curso da carreira de diversos grupos. O Exodus é um deles. Os últimos anos da banda liderada pelo guitarrista Gary Holt foram excelentes artisticamente. De Tempo of the Damned (2004) até Exhibit B: The Human Condition (2010), o quinteto da Bay Area emplacou uma sequência de quatro excelentes  álbuns de estúdio, isso sem contar Let There Be Blood (2008), regravação do clássico Bonded by Blood (1985) com os vocais de Rod Dukes, dono do posto até então.

Mas como o que importa é o passado e não o futuro, o que vale é o que os fãs querem e não as possíveis pretensões artísticas dos músicos, lá veio a mudança: mandaram o ótimo Dukes embora e chamaram de volta o intempestivo e encrenqueiro Steve Zetro Souza, fora da banda desde 2004, após participar do petardo Tempo of the Damned. Algo semelhante, para termos de comparação, ao que o Anthrax fez ao dispensar John Bush e chamar de volta Joey Belladonna. 

Com tudo isso explicado, vamos aos fatos: o novo disco do Exodus, Blood in Blood Out, explica com perfeição o que é uma parcela do metal e do mercado fonográfico atual. Ele é voltado para fãs saudosistas, para pessoas que tiveram a banda como parte importante de suas vidas e buscam resgatar este sentimento. Nada contra, mas fica claro que a banda, com esse movimento, trabalha buscando apenas o contentamento desses fãs, não fazendo o mínimo esforço para cativar novos ouvintes. E dá-lhe fórmulas feitas: “blood" pra lá, “blood” pra cá (o culto a Bonded by Blood parece que forçou o Exodus a colocar a palavra em praticamente todos os seus discos …), participações especiais (o ex-Kirk Hammett, que deixou a banda em 1983 pra fazer história e fortuna, e Chuck Billy, vocal do Testament) e regravação de um "clássico" obscuro do metal oitentista (no caso, “Angel of Death”, do Angel Witch). 

As canções vão na mesma pegada, seguem o mesmo posicionamento. São faixas que não são ruins, mas que também não dizem muito aos ouvidos da maioria. Thrash com pegada clássica, deixando totalmente de lado as doses certeiras de groove que haviam turbinado a música do Exodus nos últimos anos, deixando-a muito mais agressiva e pesada. Soma-se isso ao fato de Zetro Souza fazer parte daquela parcela de fãs de Pato Donald que cantam em bandas de metal (e que, particularmente, não me agradam), e temos um resultado final apenas mediano. Fiquei imaginando, enquanto o play rolava, em como o timbre de Dukes casaria muito melhor com as composições, mas essa não foi a escolha de Holt e companhia.

Entre as onze faixas, alguns destaques óbvios: a música título, “Collateral Damage” (a melhor, com coros no refrão que resgatam as influências punk e hardcore da música do Exodus), “Salt the Wound”, com Kirk e Gary desafiando-se nas seis cordas, e “Food for the Worms". “BTK”, canção que conta com a participação de Chuck Billy, acaba decepcionando pelo pouco uso do cantor do Testament, que fica restrito ao refrão.

Olha, tem gente que vai adorar Blood In Blood Out e afirmar aos quatro ventos que trata-se de um dos melhores álbuns do Exodus. Não é o meu caso. Achei o disco apenas mediano, com um foco demais no passado e com o objetivo claro e evidente de agradar apenas os fãs mais saudosistas. No final das contas, não dá para criticar duramente a banda por seguir este caminho, afinal, no mercado atual, pouquíssimos ouvintes ainda gastam seu dinheiro em LPs e CDs, e a grande maioria deste povo é formado por bangers das antigas e que ainda não foram seduzidos por outras formas de consumir música, como o streaming, por exemplo. Assim, o Exodus reenquadra a sua carreira e foca exclusivamente em um público, deixando de lado todo o restante. Uma estratégia discutível e até certo ponto suicida, mas que terá seus defensores, principalmente aqui no Brasil, onde o mercado gira sempre ao redor dos mesmos nomes.

Ouça, mas não espere nada de outro mundo.

Revocation: crítica de Deahtless (2014)

 

Tenho um fraco pela melodia. Heavy metal faz parte da minha vida. Portanto, quando a melodia se une ao peso, e vice-versa, há uma grande possibilidade de que o resultado agrade meus ouvidos. É quase covardia, até diria. Por todos esses motivos, Deathless, novo álbum da banda norte-americana Revocation, é meu novo caso de amor sonoro. Um death/thrash técnico, bem executado, construído a partir de doses generosas de peso e melodia. Não tem como ser ruim.

E, é claro, não é. Deathless soa consistente do início ao fim, com canções fortes e que cativam de imediato. São riffs grooveados, bateria criativa e repleta de bumbos duplos, tudo amarrado com variações rítmicas sempre presentes, que fazem as canções transitarem por diversos caminhos.

Pra quem gosta desse death/thrash melódico e que bebe sem medo no groove, trata-se de um prato cheio. O vocal de Brett Bamberger acaba sendo uma espécie de cereja no bolo, com o timbre gutural do moço indo de tons médios até alguns mais agudos, mas sem nunca ultrapassar aquele limite que faz com que alguns vocalistas de metal extremo soem como bruxas amaldiçoadas e desafinadas.

Entre as influências, percebe-se a presença de elementos em comum com Sylosis, Death, Morbid Angel e até mesmo Deicide. E, em certos trechos, a destemida experimentação na linha de nomes como Mastodon também bate ponto. Tudo isso constrói uma sonoridade não apenas consistente, como já comentado, mas sobretudo empolgante e inspiradora.

Gostei muito de Deathless. Está rolando sem parar nos meus ouvidos. Dê no play abaixo e você correrá o risco de viver uma experiência parecida.

Dr Feelgood – Down By The Jetty (1975)

Na cena musical de 1975, os integrantes do Dr. Feelgood declararam que seu primeiro álbum foi gravado em mono para evitar serem confundidos com os quartetos habituais de rapazes de cabelos compridos e melodias cativantes.

Pouco antes da explosão do punk na Inglaterra, existia toda uma cena de "pub rock" , composta por bandas pouco lembradas, mas poderosas. O pub rock representou um retorno às raízes do rock, influenciado principalmente pelo R&B e pelo rock and roll dos primórdios.

A melhor banda desse estilo era, sem dúvida, o Dr. Feelgood , de Canvey Island. Eles tinham um repertório absolutamente energético muito antes do punk existir, com a diferença de que eles realmente tocavam muito bem. O guitarrista Wilco Johnson era um furacão no palco, impulsionado como um ioiô pela música da banda. O vocalista Lee Brilleaux era uma rara combinação de estilo retrô e imagem durona, e o baixista John Sparks e o baterista The Big Figure formavam uma base sólida que trazia ordem ao caos ao seu redor.

O álbum de estreia deles (que apresentamos aqui) foi também o melhor álbum da banda e um dos melhores de toda a década. Recomendo especialmente "She Does It Right".

Músicos:

The Big Figure: Bateria, vocais de apoio;
Lee Brilleaux: Guitarra, gaita, vocais de apoio;
Wilko Johnson: Guitarra, piano, vocais;
John B. Sparks: Baixo

Convidados:

Bob Andrews: Teclados, saxos
Brinsley Schwarz: Saxos

Lista de faixas:

01. She does it right
02. Boom boom
03. The more I give
04. Roxette
05. One weekend
06. That ain’t no way to behave
07. I don’t mind
08. Twenty yards behind
09. Keep it out of sight
10. All through the city
11. Cheque book
12. Oyeh!
13. Bonie Moronie/Tequila (live)